Bună ziua, oameni buni și bine ați revenit la Wrong Every Time. Astăzi am un strop de sunet și furie pentru voi toți, deoarece proiecțiile săptămânii au inclus un film pe care l-am urat cu fiecare fibră a ființei mele. Da, am urmărit într-adevăr detestabilul remake Regele Leu al lui Favreau, așa că vă puteți bucura cu toții de o strop de furie goală pe care o îndrept doar către lucruri care înrăutățesc lumea. Din fericire, restul proiecțiilor din această săptămână au fost mult mai fortuite, variind de la un artefact distinctiv al tranziției digitale a anime-ului la un film slasher pur și simplu excelent. Să începem cu cele rele și să trecem prin cele bune, apoi, în timp ce parcurgem ultima săptămână în revizuire!
Încurajați de insistențele colegilor mei, am urmărit vizionarea de săptămâna trecută a Leul King cu reimaginarea sa CG din 2019. Ei bine, „reimaginarea” este probabil cuvântul greșit, deoarece nu am reușit să analizez un iot de imaginație în niciun aspect al acestui film blestemat. Deja mă așteptam la cât de rău va arăta: în mâinile de cârlig de carne ale lui Jon Favreau, fiecare culoare frumoasă, fiecare compoziție uimitoare și fiecare fragment de actorie a personajului este scurs din original. În căutarea lui fără sens de presupusul fotorealism, el se asigură că fiecare fotografie a acestui film se simte neconcentrată și plictisitoare, aspirând doar să-și păstreze animalele CG inexpresive mai mult sau mai puțin la mijlocul cadrului. Odată ce secvențele de cântece dinamice, bogate în culori sunt complet eliminate de atractivitatea lor; de-abia poți vedea ce se întâmplă în întunericul Be Prepared, în timp ce I Just Can’t Wait To Be King abandonează orice fel de povestire vizuală dincolo de „iată câteva animale pe ecran”.
Dar Favreau a fost întotdeauna un hack, iar „să urmăm fotorealismul în loc de artă” a fost întotdeauna un exercițiu inerent lipsit de valoare. Ceea ce m-a surprins la acest film a fost cât de prost a căzut sub originalul, chiar și atunci când nu iei în considerare imaginile. Scrierea este mai stângace și mai puțin concentrată, aparent mai interesată să demonstreze „hei, avem actori de voce celebri!” decât a spune de fapt o poveste. Iar mixarea melodiilor este atroce, cu instrumente complet scufundate și voci mult prea înalte în amestec, într-un mod care evidențiază și mai mult cât de rău se compară melodiile vocale cu omologii lor originale. Aproape singura performanță vocală care se compară favorabil cu originalul este cea a lui Donald Glover, dar nici măcar el nu poate depăși defectele de producție. Această versiune a Regelui Leu este „originală, dar dramatic mai proastă” din toate punctele de vedere pe care v-ați putea imagina, luând un film care a uimit milioane de oameni și regurgitându-l ca pe un exercițiu cinic de exploatare a priorităților neplacute ale publicului. Favreau, ai făcut-o din nou.
Am finalizat apoi prezentarea a ceea ce colegul meu de casă a clasificat drept „esențiale Rockys” (Rocky 1 până la 4) cu o vizionare din Rocky III, în care Stallone se confruntă cu fermecătorul intitulat Clubber Lang (Mr. T). În timp ce scriam despre Rocky II, m-am gândit la modul în care filmele lui Stallone tind să se încadreze fie în studiul personajului, fie în modelele machismului; Rocky III marchează punctul de tranziție între aceste modele, pe măsură ce protagonistul nostru trece de la un bărbat bântuit de demonii săi la un super-erou care se luptă cu un super răufăcător.
Primul meci eșuat al lui Rocky împotriva lui Lang pare concluzia poveștii inițiale a lui Rocky.: merge la distanță cu campionul, în cele din urmă câștigă campionatul, își pierde încrederea în validitatea realizărilor sale și este pedepsit de o reamintire tragică a ceea ce este cu adevărat valoros în viață. Scena în care Stallone urlă lângă antrenorul său pe moarte este una dintre cele mai bune din cariera sa; în acel moment, toate anxietățile sale cu privire la „victorii reale” se dovedesc nesubstanțiale, deoarece minte cu nerăbdare despre performanța sa pentru a-și calma îngrijorările antrenorului său. În cel mai bun caz, Stallone poate evoca o tragedie asemănătoare lui De Niro în mâinile lui Scorcese, o emblemă rătăcită a puterii masculine într-o lume în care o astfel de forță nu poate decât să aducă ruină.
Apoi apare Carl Weathers, avem un Montaj de antrenament plin de veselie, iar Stallone îl învinge pe domnul T în revanșa lor. Deci da, până la urmă un film oarecum dezarticulat, dar sincer mi-au plăcut destul de mult ambele jumătăți. Sunt lucruri de iubit atât la Stallone, bărbatul macho, cât și la Stallone, criticul masculin, iar Rocky III oferă o parte câștigătoare din fiecare.
Următorul a fost Housebound, o comedie de groază din Noua Zeelandă despre o tânără pe nume Kylie (Morgana O’Reilly), care este condamnată la opt luni de arest la domiciliu la casa vechei ei familie după ultima dintr-o serie de infracțiuni minore. Odată ajunsă acolo, se reîntâlnește cu mama ei, care pare să creadă că există un fel de prezență care bântuie casa lor. De-a lungul timpului, Kylie începe să fie martoră la unele evenimente inexplicabile ale ei, ducând la o investigație paranormală a celor mai întunecate secrete ale casei.
Housebound este cu siguranță mai mult comedie decât horror, dar reușește cu pricepere în ambele sfere, oferind multe de recompense comice demente și o distribuție de personaje extrem de simpatice. Nu începe așa; Personajul lui Kylie este atât de intens absorbit de sine încât este nevoie de ceva timp pentru a fi investit în povestea ei, iar mama ei joacă rolul cuiva cu care este în același timp „drăguț”, dar imposibil de trăit. Dar odată ce ofițerul de arest la domiciliu-investigatorul paranormal Amos este implicat, filmul se transformă într-o vânătoare de fantome captivantă și constant amuzantă, cu o mulțime de întorsături satisfăcătoare și câteva efecte practice încântător de lipicioase. Actul final al lui Housebound oferă o fuziune perfectă între tensiunea pisicii și șoarecele și eliberarea comică, prezentând un căluș atât de bun încât trebuie să strâng din dinți pentru a nu-l strica. Ușor, fermecător și construit inteligent, Housebound este un ceas plin de satisfacții pentru fanii comediei sau horrorului și, probabil, un film de groază „gateway” pentru cei care își fac curajul să abordeze genul.
Apoi am proiectat un film anime care a fost pe lista mea de ceva vreme, Blood: The Last Vampire al lui Hiroyuki Kitakubo. Filmul durează doar patruzeci și cinci de minute și este, în esență, doar o serie de scene de acțiune, care urmărește ucigașul de vampiri Saya dintr-o confruntare cu metroul până la Baza Aeriană Yokota, în timp ce vânează o serie de fiare însetate de sânge.
The Intriga filmului nu este deosebit de interesantă, dar practic totul este despre această producție. Setarea, pentru unul; „o bază aeriană americană în Japonia în anii 1960” este un mediu specific și nou și facilitează amestecul încrezător al filmului de vorbire engleză și japoneză. De asemenea, sângele reflectă mai multe puncte de inflexiune din istoria producției anime. Fiind un scurt lungmetraj teatral conceput ca o fundație de franciză, se întinde înapoi la istoria timpurie a prestigiului a Production I.G., a filmelor conduse de creatori și a OVA-urilor, în timp ce, ca film conceput în mare măsură pentru a demonstra potențialul animației digitale, prezice, evident, adoptarea la scară largă a industriei. a metodelor digitale. Și cel mai important, chiar funcționează: desenele distinctive ale personajelor lui Katsuya Terada se îmbină bine cu componentele digitale, iar estetica în general întunecată a filmului face o treabă excelentă de a masca cusăturile diferitelor sale părți. Un instantaneu interesant al unei perioade foarte diferite din istoria producției anime.
Ultima săptămâna a fost un semiclasic slasher, The House on Sorority Row. În ciuda titlului său neinspirat, Sorority Row s-a dovedit a fi un slasher distinctiv și cu totul superior, ridicat de structura sa narativă unică captivantă, scenariul neobișnuit de spiritual și performanțe puternice în distribuția principală. Filmul urmărește un grup de surori care încearcă să facă o farsă mamei lor de cămin, doar pentru a o ucide accidental. Întrucât frația găzduiește o petrecere în câteva ore, grupul alege să ascundă cadavrul în bazinul lor dezafectat, precipitând o oră nerăbdătoare de încercare de a-și ascunde crima, în timp ce este luat încet de un criminal misterios.
Mai degrabă decât gașca obișnuită de victime anonime pe care o găsiți adesea în aceste trăsături, distribuția Sorority Row este distinctă și dinamică, prezentând subdiviziuni clare de clicuri între grupul social general și o mulțime de personalități mari între ele. Vinovabilitatea relativă a acestor personaje îi împinge în direcții ciudate, panicate, chiar înainte de începerea crimelor, în timp ce contrastul de violență și desfătărare conferă actului din mijlocul filmului o energie frenetică, aproape delirante. Filmul atinge chiar și în mod eficient tragedia moștenirii acestei mame de cămin, atingând acea venă mereu fertilă a experienței care râvnește tinerii. În mod ciudat, cel mai slab element al acestui film slasher este de fapt tăierea – uciderile nu sunt deosebit de distinctive sau înfricoșătoare, dar atunci când schelele care le înconjoară sunt atât de impresionante, este un eșec ușor de iertat.
