Mamoru Hosoda și Takayuki Hirao, >Pompo the Cinephile și One Piece Baron Omatsuri and the Secret Island: doi dintre cei mai străluciți realizatori de filme anime și-au folosit nenorocirile personale pentru a alimenta filme foarte distractive, procesându-și sentimentele mai întunecate prin animație plină de viață.
Eiga Daisuki Pompo-san, localizat ca Pompo the Cinéphile, a fost unul dintre cele mai distractive filme anime dintr-un 2021 plin de anime extrem de distractive. filme. Numai asta ar trebui să servească drept recomandare, dar dacă sunteți în căutarea unui argument mai concret, Pompo se întâmplă să se simtă foarte asemănător cu un film foarte apreciat al unuia dintre cei mai îndrăgiți regizori ai vremurilor noastre.
Având în vedere că Pompo a fost regizat, scris și realizat în întregime de Takayuki Hirao, ar fi înțelept să presupunem că mă refer la lucrările primului său mentor din industrie—Satoshi Kon strong>, unul dintre cei mai mari regizori care au binecuvântat vreodată anime-ul. În timp ce influența lui Kon asupra lui Hirao dăinuie până în ziua de azi, mai ales în înțelegerea timpului și spațiului ca pe o țesătură artificială pe care să o tai și să coasă după bunul plac, nu filmele lui vin în minte în timp ce urmărește Pompo. Nu sunt nici cei de la ceilalți regizori pe care îi citează deschis drept influențe, nici cei pe care el se atrage mai liniștit din.
În final, filmul care se simte cel mai aproape de Pompo este One Piece: Baron Omatsuri și Insula Secretași, prin extensie, directorul acesteia Mamoru Hosoda; lucrează fără asemănări la valoarea nominală, fără legături creative directe între regizori și, totuși, ei împărtășesc ceva destul de profund.
Pentru a înțelege această paralelă, trebuie să ne întoarcem la începutul acestei povești, care în acest caz înseamnă anul 2000. În acel moment, un tânăr Hosoda experimenta deja o creștere propulsivă ca regizor la Toei Animation, evoluând de la un regizor de episod începător la un lider de proiect admirat într-o perioadă nebună de doar câțiva ani. Acest lucru a atras atenția unor producători importanți, de aceea s-a trezit în poziția de a-și duce cariera la un nivel cu totul nou regândind Howl’s Moving Castle la legendarul studio Ghibli; tocmai compania căreia nu reușise să se alăture înainte de a lucra cu Toei și una cu care nu ar fi avut niciodată mai mult noroc.
De la începutul proiectului, Hosoda s-a ciocnit cu un studio construit în mod fundamental pentru a liniști mofturile și nevoile celor doi lideri emblematici ai săi. În timp ce a reușit să facă storyboardStoryboard (絵コンテ, ekonte): Planurile de animație. O serie de desene de obicei simple care servesc drept scenariu vizual al anime-ului, desenate pe foi speciale cu câmpuri pentru numărul de tăiere a animației, note pentru personal și liniile de dialog potrivite. Mai mult de trei acte întregi despre ceea ce ar fi fost interpretarea lui asupra materialului, el s-a luptat constant să construiască o echipă și să-și asigure activele de care ar avea nevoie pentru a se ridica la înălțimea viziunii sale, care a continuat să influențeze negativ programul. Se aștepta ca Hosoda să fie cineva care nu era, cineva pe care nimeni altcineva nu poate spera să-l mimeze de la început, într-un mediu care poate să nu fi fost rău intenționat, dar care a fost totuși manipulat împotriva lui; o bătălie neuniformă, așa cum a făcut aluzie el însuși la ea.
Până în primăvara anului 2002, Hosoda’s Howl a fost eliminat și și-a găsit drumul înapoi în Toei datorită unor prieteni precum producătorul Hiromi Seki > și regizorul Takuya Igarashi. Într-o perioadă în care cariera lui părea să se prăbușească, în care Hosoda nu era sigur pe ce cale să urmeze, i-au oferit ocazia să lucreze la Ojamajo Doremi Dokkan—una pe care a luat-o, descarcând acele sentimente într-o singură perioadă. dintre cele mai evocatoare episoade de anime TV realizate vreodată. Episodul #40, Doremi și vrăjitoarea care a renunțat la a fi vrăjitoare, îl plasează pe personajul titular într-o situație dificilă similară: toți prietenii ei și-au găsit un scop de care sunt pasionați și îl pot urmări în viitor, dar ea se simte fără scop și grosolan. incompetenți alături de ei, blocați la răscrucea vieții. Această metaforă simplă, dar executată în mod strălucit, pe care o va revedea mai târziu în Fata care a sărit prin timp, venea dintr-un loc foarte personal, într-un moment în care Hosoda își dădea seama ce să facă cu viața lui.
După regie. În acel episod extraordinar, Hosoda a continuat să lucreze cu Toei – și în altă parte sub cunoscutul său pseudonim Katsuyo Hashimoto – pentru o perioadă, concentrându-se pe proiecte la scară mai mică înainte de a i se încredința următoarea sa lucrare majoră. Și major a fost, deoarece a fost ales să regizat al șaselea film One Piece: menționat mai sus Baron Omatsuri și Insula Secretă. Deși a fost adus în proiect doar odată ce scenariul a fost deja stabilit, Hosoda și-a făcut repede propriul său, reformulând ideile care erau deja pe masă în ceva pe care l-ar putea folosi pentru a-și exprima sentimentele la momentul respectiv. Dacă Doremi Dokkan #40 ar fi fost o cristalizare a incertitudinii sale cu privire la viitor, baronul Omatsuri a devenit descarcarea lui pentru a descărca ranchiunile și temerile, folosindu-se concentrarea serialului pe camaraderie pentru a da formă gândurilor sale despre ce înseamnă a conduce o echipă-fi pirați sau animatori.
Din moment ce Hosoda a fost foarte clar cu privire la acest lucru, nu are rost să se bată în jurul tufișului. După cum a recunoscut în interviuri precum acesta pentru AnimeStyle, pe care îl puteți citi tradus aici, baronul Omatsuri este analog experienței sale cu Ghibli. În film, Luffy și echipa lui sunt păcăliți pe o presupusă insulă de stațiune paradisiacă, unde lucrurile se dovedesc rapid a nu fi așa cum se anunță. Locuitorii săi, conduși de Omatsuri cu păr de palmier, îi obligă să concureze în minijocuri; acum, aceasta este o idee din scenariul original care a imaginat filmul ca un joc de comedie, dar Hosoda a răsucit-o astfel încât întregul concert a fost trucat către localnici încă de la început. Dacă ești conștient de trecutul lui, amărăciunea lui apare amuzant de clar.
Lucrurile devin mai întunecate din acel moment. Oamenii lui Omatsuri, despre care se dezvăluie și ei un echipaj de pirați, reușesc să creeze discordie între prietenii lui Luffy folosind acele minijocuri trucate ca o pană între colegii de echipaj. Pe măsură ce personajele află treptat despre insulă și despre planul lui Omatsuri de a readuce la viață echipajul său fantomă, spectatorul începe să realizeze ce reprezintă toți căpitanii pirați blocați. Deși Baron Omatsuri este un film cu sentimente amare care arată clar că regizorul credea că Ghibli l-a tratat prost, nu este în niciun caz o justificare superficială a acțiunilor sale și asta îl face atât de interesant. Unele lecturi superficiale l-au interpretat pe Omatsuri ca fiind și pe liderii lui Ghibli, dar Hosoda a fost de acord că rolul lui a fost reprezentat de altcineva — răufăcătorul filmului era el însuși.
Când ajungeți la asta, fiecare căpitan de pirați reprezintă o reacție diferită. ca un proiect de echipă pe care l-ai condus să se destrame brusc. Împreună cu Omatsuri, Hosoda canaliză regretele pe care le-a avut față de atitudinea lui la acea vreme: la fel ca și căpitanul care a trăit prins în trecutul Piraților Săgeți Roșii, incapabil să treacă mai departe până la punctul de a deveni amar și rănit, obsesia lui Hosoda de a trăi. până la promisiunile pe care le făcuse echipei sale nu l-a lăsat să avanseze. Regizorul condamnă această atitudine, acceptând totodată că simțul datoriei nu provine în mod inerent dintr-un loc greșit și chiar recunoaște că acest tip de încăpățânare are o atracție naturală prin faptul că aproape că îl face pe Luffy să meargă pe acea cale în ultimele etape. a filmului.
Spre deosebire de asta, filmul acordă și un rol important tatălui laș care conduce echipa de familie a Piraților Tearoom. Când s-a confruntat cu capcana lui Omatsuri, decizia sa a fost să fugă și să-și protejeze familia cu orice preț; în esență, echivalentul renunțării la toate responsabilitățile pentru a-și proteja echipa cât de mult putea. Undeva între aceste reacții extreme, puteți găsi pe Brief of the Short Mustache Pirates: cineva care și-a abandonat cândva echipajul în fața unui dezastru pentru a se salva, dar, spre deosebire de Omatsuri, acest lucru a dus la o creștere pozitivă a deciziei sale de a preveni acest lucru. alții și, de asemenea, să găsească noi însoțitori de reconstruit.
În final, mantra idealistă a lui Luffy de a lupta pentru camarazii săi nu evocă o soluție magică; la urma urmei, indiferent cât de grijuliu ești de un lider de proiect, vor exista întotdeauna nenumărați factori în afara mâinilor tale. Filmul se hotărăște, totuși, pe ceea ce pare a fi cel mai sănătos mod de a merge mai departe: formarea unui nou grup pentru a face față provocărilor tale. Luffy îl învinge în cele din urmă pe Omatsuri datorită trucurilor viclene ale singurului membru cu mustață scurtă și ale celui mai tânăr dintre pirații de ceainărie și, cel mai important, datorită tatălui cândva laș care a acceptat provocarea.
Odată ce floarea a ajuns. Manifesta că echipajul de zombi a lui Omatsuri este ucis, vocile lor reale îl imploră să treacă de la ei și să-și găsească noi însoțitori – arătându-l pe Luffy, înconjurat de această nouă echipă ragtag, ca pe cineva care tocmai a reușit asta. Hosoda a ajuns să sugereze că dacă echipajul său nu ar fi supraviețuit cu greu, rezultatul natural ar fi fost ca Luffy să facă echipă cu acești noi însoțitori. Un fel de atitudine radicală de luat cu un personaj care, în mod normal, nu ar renunța niciodată la niciunul dintre colegii săi de echipaj, dar reprezentativă pentru concluzia la care a ajuns Hosoda.
Având în vedere aceste sentimente și experiențe dureroase care se produc dedesubt, și Includerea unor evenimente la fel de întunecate ca tortura și o luptă până la moarte, s-ar putea să vă gândiți că baronul Omatsuri este o experiență dezastruoasă. Și, desigur, ai greși spectaculos. Între ritmul palpitant, estetica plină de culoare, animația energică și regia cu simțul umorului chiar și atunci când lucrurile iau o întorsătură întunecată, Hosoda s-a asigurat că execuția filmului din moment la moment este foarte plăcută. Pentru cei care nu sunt familiarizați cu circumstanțele sale personale, chiar și pentru cei care nu au nicio idee despre etosul general al lui One Piece, Baronul Omatsuri merită încă prețul intrării ca un film de aventură distractiv și intens. Cu cât ești mai familiarizat cu contextul său, cu atât poți ieși mai mult din experiență, dar regizorul și-ar fi trădat rolul dacă ar fi făcut un film de familie extrem de sensibil la context, care să-i dezguste tânărul public.
Deși este greu să-i numim imaginile strălucitoare, mai ales că o paletă dezactivată preia controlul odată cu dezvăluirea treptată a secretelor insulei, estetica Kagenashi marca Hosoda este atât de sinceră și transparentă încât pur și simplu nu te poate lăsa cu sentimente încurcate. Și, chiar dacă culorile nu sunt întotdeauna la luminozitate maximă, direcția lui este cu siguranță. Muzicalitatea regiei este palpabilă chiar și în discuțiile amare, darămite în secvențele mai distractive. Printre toți adepții lui Kunihiko Ikuhara, Hosoda s-a remarcat întotdeauna prin capacitatea sa de a căsători scenariul artificial artificial cu o arhitectură foarte complexă, iar acest film ar putea foarte bine să aibă cele mai amuzante exemple ale personajelor care se pierd în minunile arhitecturale. Toate trucurile lui obișnuite sunt orientate spre stimularea acelei distracție imediată; renumitele lui fotografii doupoji, machetele recurente Layouts (レイアウト): desenele în care se naște de fapt animația; ele extind ideile vizuale de obicei simple din storyboard în scheletul real al animației, detaliind atât munca animatorului cheie, cât și a artiștilor de fundal. el obișnuiește să arunce o privire în viața de zi cu zi a personajelor sale, sunt accelerate pentru un efect comic pe tot parcursul filmului, păstrând acel ritm foarte energic pe tot parcursul.
Animația filmului funcționează la un nivel la fel de ridicat de energie, începând cu desenele personajelor regizorului principal de animație Sushio. Deși a fost ales ca o potrivire în mod inerent bună pentru stilul One Piece și slăbirea pe care o cere, există o claritate distinctă în interpretarea sa asupra seriei în mișcare, pe care a ajutat-o să se răspândească în tot filmul. Echipa pe care a comandat-o avea tot felul de nume acum illustre, unul dintre cele mai mari care au abordat seria până în prezent; și, într-un mod adecvat din punct de vedere tematic, era un echipaj cu vechi aliați cu care Hosoda intenționase să facă echipă pentru Howl, precum și fețe noi, lipsind unii dintre partenerii săi obișnuiți, dar compensând asta cu tone de talent. Chiar și aspectele mai aspre, cum ar fi utilizarea prea ambițioasă a 3DCG-contrastul dintre estetica curată și acele monstruozități poate fi un adevărat doozy—uneori activate secvențe dinamice, foarte inventive. Toate aspectele sale formale sunt atât de dedicate să fie visceral satisfăcătoare, încât un film adesea întunecat alimentat de nenorocirea personală nu se apropie niciodată de a se simți sumbru. Dacă aceasta nu este o realizare cinematografică, nu știu ce este.
După ce ați citit până aici, probabil că puteți ghici care este treaba cu Pompo; într-adevăr, o altă călătorie extrem de distractivă, dacă ceva mai strălucitoare și mai deschisă vesel decât baronul Omatsuri, dar alimentată și de nenorocirile regizorului care le-au schimbat cariera, care informează teza filmului… sau lipsa acestora. Deci, decât să întrebăm care este treaba cu Pompo, poate că ar fi mai bine să întrebăm ce e cu directorul său.
Dacă ai urmărit acest site, figura lui Takayuki Hirao nu are nevoie de prea multe a unei introduceri. Deși este cel mai bine cunoscut pentru cei ca Kara no Kyoukai/Grădina Păcătoșilor: Spirala Paradoxului, Hirao era deja vocea principală în perioada anterioară, mult mai experimentală a lui ufotable. Abilitatea sa de a gândi în afara cutiei, atât ca regizor în tranșee, cât și ca lider de proiect, l-a făcut creatorul perfect pe care să-l aibă în fruntea unui studio tânăr care încearcă să-și găsească personalitatea. În calitate de scenarist, avea un simț uimitor al fluxului și controlul tempo-ului, precum și mintea ingenuă de a veni cu trucuri noi pe care nimeni nu le-a luat în considerare până acum – ceva care se aplica la conducerea sa ca regizor de serie Director de serie: (監督, kantoku): Persoana responsabilă cu întreaga producție, atât ca factor de decizie creativ, cât și ca supervizor final. Ei depășesc restul personalului și în cele din urmă au ultimul cuvânt. Cu toate acestea, există seriale cu diferite niveluri de regizori – director șef, director adjunct, director de episoade de serie, tot felul de roluri non-standard. Ierarhia în acele cazuri este un scenariu de la caz la caz. de asemenea. Deși era cel mai apropiat lucru de un regizor tradițional în titluri precum Manabi Straight, proiectul a dus la extrem ideea studioului despre un mediu familial fără ierarhie strictă și a avut 4 lideri diferiți pentru aspectele majore ale spectacolul; scriere, estetică, macheteLayouts (レイアウト): Desenele în care se naște de fapt animația; ele extind ideile vizuale de obicei simple din storyboard în scheletul real al animației, detaliind atât munca animatorului cheie, cât și a artiștilor de fundal, precum și execuția. Chiar și în proiectele cu o echipă mai tradițională asamblată, a avea Hirao într-o poziție de putere înseamnă că ceva unic trebuia să se întâmple.
Chiar dacă succesul relației ufotable cu companii precum Aniplex și Type-Moon a făcut ca studioul se instalează într-o rutină mult mai ordonată, relația lui Hirao cu ei a continuat prin lucrări minunate precum Majocco Shimai no Yoyo to Nene, o îndepărtare radicală de la post-procesarea intensă care devenise deja sinonimă cu ufotable. Chiar și în cazurile în care ar rata, un eșec Hirao tinde să fie o încercare destul de interesantă de a face ceva nou. Din păcate pentru el, totul s-a prăbușit în timpul producției emisiunii GOD EATER. Hirao lucrase în mod repetat în franciză, construind o relație puternică cu producătorii Bandai în acest proces, ceea ce a transformat un proiect pe care ați putea presupune că a fost doar teme pentru un regizor atât de idiosincratic într-o afacere foarte personală. A trecut la storyboardStoryboard (絵コンテ, ekonte): Planurile de animație. O serie de desene de obicei simple care servesc drept scenariu vizual al anime-ului, desenate pe foi speciale cu câmpuri pentru numărul de tăiere a animației, note pentru personal și liniile de dialog potrivite. Mai mult întregul spectacol, având o mână în esență și în toate scenariile, totul fiind în același timp foarte specific cu privire la viziunea sa de regizor de serie Director de serie: (監督, kantoku): Persoana responsabilă de întreaga producție, atât ca factor de decizie creativ și supervizor final. Ei depășesc restul personalului și în cele din urmă au ultimul cuvânt. Cu toate acestea, există seriale cu diferite niveluri de regizori – director șef, director adjunct, director de episoade de serie, tot felul de roluri non-standard. Ierarhia în acele cazuri este un scenariu de la caz la caz.. Și când forța de neoprit a unui program care se prăbușește întâlnește un obiect imobil, cum ar fi un regizor obstinat, lucrurile devin urâte.
Nu se poate nega că Hirao a întrebat multe din echipa lui. Modelele detaliate cu umbrire multitonă care au cerut un tratament special din partea personalului de pictură, precum și acțiune grea cu munca sa mereu implicată în cameră, se adaugă la un cocktail pe care nu ar trebui să-l dorești nici unei echipe de animație. În plus, insistența lui de a gestiona totul el însuși a provocat o lovitură critică preventivă programului; nereușind să scrie toate scripturile înainte de un termen rezonabil, totul a rămas în urmă programului de la început. Dacă ufotable ar fi fost cel mai bun, totuși, sunt șanse ca studioul să fi rezistat furtunii. Dacă nu ar fi terminat abia al doilea curs din Fate/Stay Night: Unlimited Blade Works, un titlu cu o prioritate mai mare, de înțeles, care i-a împins deja la limită, lucrurile s-ar fi putut rezolva pentru Hirao. Cel mai probabil, va lucra în continuare cu ei, alături de soția sa și colaboratorul frecvent în designul culorilor Emi Chiba. Este ușor de înțeles cum s-ar putea întâmpla o asemenea cronologie, dar nu este cea în care trăim.
Hirao și-a luat căderea foarte personal. Într-un alt interviu în cel mai recent număr al revistei AnimeStyle, el a recunoscut cât de rău mediu din echipă ajunsese, colegii săi punându-și la îndoială umanitatea și sănătatea mentală în timp ce GOD EATER s-a prăbușit. Adevărul să fie spus, Hirao avusese întotdeauna reputația de a nu lua în considerare fezabilitatea ideilor sale sălbatice, dar, fiind într-un studio extraordinar de robust, scăpase cu un oftat în mare parte amuzat. Odată ce lucrurile au devenit cu adevărat îngrozitoare, aceasta a devenit animozitate deschisă, care, combinată cu eșecul emisiunii de a primi aprecieri critice sau comerciale, l-a lăsat pe Hirao într-o poziție în care a simțit că trebuie să-și părăsească locul de muncă.
Nu vei fi. surprins să aud că acest lucru l-a lăsat pe Hirao complet devastat, deși din fericire pentru el, aici încep lucrurile să pară. Având abia timp să se gândească la ceea ce s-a întâmplat, a primit un telefon de la unul dintre cei mai vechi prieteni ai săi din industrie: Tetsuro Araki, celebru Death Note și Attack on Titan. Cei doi coincisiseră în primele etape ale carierei lor la Madhouse, devenind rapid prieteni buni și colaboratori cât mai strânși, în timp ce deveneau figuri ocupate la diferite studiouri. Araki, care, potrivit prietenului său, fusese, de asemenea, împins într-o poziție de a-și reconsidera responsabilitățile ca lider de proiect și efectul pe care viziunea sa exigentă îl poate avea asupra personalului, ia permis lui Hirao să-și recâștige încrederea prin storyboarding de episoade climatice în al doilea și al treilea sezon. de Attack on Titan.
În mijlocul acestei — 2017 mai exact — un Hirao revigorat a primit o propunere interesantă. Pentru atâtea pagube cât producția lui GOD EATER îi făcuse carierei, dăruirea lui nebună i-a oferit și o bunăvoință. Yusuke Tomizawa, producătorul jocurilor de la Bandai, l-a abordat pe Hirao pentru a-i recomanda o serie manga Pixiv despre care credea că i-ar fi potrivit; desigur, acesta nu era altul decât Pompo. Odată ce a decis să abordeze proiectul cu adevărat, fiecare altă piesă a căzut la locul lor, ca și cum proiectul ar fi fost sortit să fie. Hirao lucra la acel moment la un roman cu ilustrații Shingo Adachi și publicat de Kadokawa, care a devenit designerul Pompo și, respectiv, principalul finanțator. Un alt prieten vechi de-al său din perioada petrecută la Madhouse și mai târziu la proiecte ufotable precum Majocco, Ryoichiro Matsuo, tocmai a fondat studioul CLAP cu momentul perfect pentru a se ocupa de acest proiect. O serie frumoasă de coincidențe cu un punchline foarte amuzant: Bandai a ajuns să nu aibă nimic de-a face cu filmul, dar Tomizawa încă stă chiar deasupra mulțumirile speciale ale filmului și este mândru să afișeze asistența sa curioasă și pe profilul său de Twitter.
La fel ca munca lui Hosoda după experiența sa dezastruoasă la Ghibli, interpretarea lui Hirao despre Pompo este în mare măsură un produs al circumstanțelor regizorului. În ciuda faptului că a fost o adaptare, el și-a dat repede seama că benzile desenate pur și simplu nu aveau suficient material pentru un lungmetraj, ceea ce i-a oferit ocazia perfectă de a-și dezlănțui sentimentele îmbuteliate. Drept urmare, Pompo este o mizerie încântătoare; este optimist și împuternic de câte ori este orbește sumbru și auto-vătămare, ceea ce rezumă atitudinea lui Hirao față de procesul creativ în acest moment. Narațiunea filmului, care îi urmărește pe asistentul de producție Gene și pe carismaticul său producător Pompo, în timp ce primul găsește o oportunitate de a-și regiza propria lucrare, lasă mult loc pentru acele sentimente contradictorii.
Mantra pe care Hirao. s-a hotărât, unul pe care spune el că doar lăsarea ufotable i-a permis să formuleze corect, este că vrea să creeze lucrări în care minoritatea revine la majoritate. Sau, pentru a spune ceva mai precis, lucrări care celebrează succesul proscrișilor și inadaptaților sociali, fără a le eroda identitățile unice. Acest lucru este redat frumos într-una dintre scenele culminante, în care Gene afirmă că filmele l-au salvat-așa cum Hirao spunea că i s-a întâmplat în tinerețe-și pentru ca asta să se întâmple și altora, el va face filme pe care cei care au căzut. pe margini se pot vedea și pe ei înșiși, în timp ce imaginile strălucesc prin tot felul de comunități lipsite de drepturi cronice. Actele finale ale filmului estompează liniile dintre Gene și filmul pe care îl face și, făcând acest lucru, canalizează direct și visele bine-intenționate ale lui Hirao.
În mod similar, însă, abordarea nesănătoasă a lui Hirao față de procesul creativ devine o prezență inevitabilă în film. În timp ce lucrarea originală este oarecum plină de oboseală, Hirao o abordează cu totul în serios, gândindu-se dacă procesul creativ este într-adevăr sinonim cu sacrificarea unor părți din viața ta-relații, timp, chiar sănătate-și un proces inerent singuratic. Și pentru el, chiar pare să fie. Călătoria lui Gene și a personajelor sale este autodistructivă; regizorul știe că, și filmul este perfect conștient de acest lucru și, totuși, niciunul nu o are în sine să-l condamne pe deplin. Viziunea lor asupra lumii este contestată, dar spre deosebire de baronul lui Hosoda, Omatsuri, care a avut timp suficient pentru a veni cu un răspuns definitiv, tot ce poate oferi Hirao este o ciocnire de idei.
Acest lucru este cel mai bine ilustrat prin Alan, un document complet original. personaj separat de lumea filmului pe care Hirao l-a gândit pentru a ajunge la mai mulți spectatori. Mai devreme în film, Pompo afirmă că ea l-a recrutat pe Gene pentru că nu avea viață în ochi, deoarece numai oamenii care nu au dus o viață împlinită își pot canaliza nevoile evadatoare pentru a crea lumi captivante de ficțiune. Alan este în contrast cu asta, fiind un copil popular care a crescut pentru a obține rapid o poziție importantă la o bancă-și totuși, vieții lui îi lipsește ceva. Într-una dintre scenele sale cele mai liniștite semnificative, el îi spune lui Gene că ochii lui, fixați pe procesul creativ așa cum sunt, strălucesc de viață. Într-o discuție recentă cu Yuichiro Oguro, Hirao a recunoscut că nu poate să susțină pe deplin nici una dintre poziții și că, chiar dacă acea viziune singuratică asupra procesului creativ este ceea ce vede el însuși, el crede că auto-vătămarea, suprasolicitarea lui Pompo. atitudinile sunt ultimul lucru pe care îl conduce industria anime-ului în acest moment. În glumă, au convenit că, dacă ar fi făcut acest film mai târziu în viață, cu siguranță ar avea un ton mai cald în această privință.
Acum, oricât de întunecate ar fi implicațiile tematice ale filmului, Pompo este un film aproape revigorant din punct de vedere matematic de vizionat. Adevărul este că, în ciuda faptului că era foarte apreciat pentru editarea sa capricioasă, Hirao își pierduse încrederea în ea, întrebându-se dacă se transformă într-un regizor înțelept și superficial. După ce a observat doar toate laudele pe care le-a primit regia lui pentru lucrări precum Paradox Spiral după ce a devenit independent și i s-a încredințat un film precum Pompo care celebrează artificiul filmului și puterea montajului, și-a dezlănțuit toate trucurile într-un mod mai clar ca niciodată..
Chiar înainte de acest film, Hirao a fost un susținător puternic al montajului ca o etapă transformatoare în animație, care rareori atrage atenția — nu din partea colegilor săi, cu atât mai puțin din partea publicului. Prețuiește suficient să aibă un editor dedicat pentru toate lucrările sale: Tsuyoshi Imai, cu care a lucrat încă din etapa de storyboarding. Într-un fel, Pompo a devenit un film care a necesitat mai puțin de la etapa sa nominală de editare, deoarece era deja vizualizat având în vedere o editare precisă.
Fluxul fără întreruperi și tăierea inteligentă sunt plăcute în sine, dar editarea la nivel macro este la fel de deliberat. Personajul lui Pompo crede cu tărie în filmele care durează în jur de 90 de minute, deoarece era greu pentru copilul ei să stea pe loc mai mult timp când bunicul ei a forțat-o să se uite la un film. Și așa, Hirao și-a luat în minte asta; în ciuda faptului că a exagerat cu materialul său original până la punctul în care avea aproape 2 ore de scenariu, l-a tăiat astfel încât 90 de minute până la a doua trecere între prima apariție a lui Gene și ultima imagine a filmului, unde își proclamă cel mai mare triumf. făcea un film de lungimea dorită de Pompo. Acea strângere și acel control al tempo-ului fac din Pompo unul dintre cele mai lipsite de fricțiuni pe care le-am văzut, ceea ce nu este o operație ușoară având în vedere că tratează unele subiecte grele.
În final, baronul Omatsuri și Pompo sunt două filme foarte distractive care nu necesită nimic din acest context. Ambele sunt produsul regizorilor care înțeleg ce face din film o experiență visceral satisfăcătoare, probabil printre cele mai bune lucrări ale lor când vine vorba de acel factor de divertisment. Și totuși, ambele sunt, de asemenea, legate în mod inerent de acele experiențe dureroase pe care le-au avut, ceea ce face o dualitate fascinantă. Oricât de asemănătoare sunt situațiile lor, ei vin în mod clar în diferite etape de procesare a acestor sentimente întunecate: în ciuda amintirilor amare pe care le construiește, baronul Omatsuri este despre a merge mai departe într-un mod sănătos, în timp ce Pompo este un film fără răspuns și în care sine.-tendințele distructive nu sunt complet infirmate. În momentul în care scrie acest articol, Hirao lucrează în prezent la un anime original cu aceeași temă a proscrișilor înălțători, așa că este foarte posibil să-l vedem urmând un arc similar-asta este ceea ce regizorul însuși a profețit până la urmă!
Sprijină-ne pe Patreon pentru a ne ajuta să atingem noul nostru obiectiv de a susține arhiva de animație de la Sakugabooru, SakugaSakuga (作画): desen tehnic, dar mai precis animație. Fanii occidentali și-au însușit de mult cuvântul pentru a se referi la cazuri de animație deosebit de bună, în același mod în care o fac un subset de fani japonezi. Destul de parte integrantă a mărcii site-urilor noastre. Videoclip pe Youtube, precum și acest SakugaSakuga (作画): desen tehnic, dar mai precis animație. Fanii occidentali și-au însușit de mult cuvântul pentru a se referi la cazuri de animație deosebit de bună, în același mod în care o fac un subset de fani japonezi. Destul de parte integrantă a mărcii site-urilor noastre. Blog. Mulțumim tuturor celor care ne-au ajutat până acum!
