Acum cinci ani, am evidențiat o femeie care nu a regizat încă niciun episod de anime ca fiind unul dintre cei mai promițători tineri creatori din întreaga industrie. Astăzi, ea este creierul din spatele celor mai celebre momente ale anime-urilor TV-aceasta este Megumi Ishitani, care ar putea fi cu adevărat prea bună pentru meseria ei.
Am lansat rubrica Anime’s Future aici, la SakugaSakuga (作画): Desenați imagini din punct de vedere tehnic, dar mai precis animație. Fanii occidentali și-au însușit de mult cuvântul pentru a se referi la cazuri de animație deosebit de bună, în același mod în care o fac un subset de fani japonezi. Destul de parte integrantă a mărcii site-urilor noastre. Blog pentru a contrabalansa pesimismul care devine inevitabil atunci când acoperiți această industrie. A închide ochii la problemele structurale ale anime-ului nu ajută pe nimeni, dar într-un moment în care mai mulți oameni ca oricând se împăcau cu cât de adânc înrădăcinate sunt aceste probleme, a fost important să remarcăm că există întotdeauna noi surse de speranță. Chiar dacă oamenii din industrie se plâng de lipsa alarmantă de forță de muncă calificată, în ciuda condițiilor de muncă îngrozitoare și a limitărilor creative care reușesc să alunge tot felul de oameni talentați, atât de mulți oameni se îndrăgostesc de animație încât voci noi puternice încă iau în scenă cu regularitate, indiferent dacă sfârșesc prin a avea sau nu o carieră fructuoasă.
Pentru a începe acea serie cu explozie, am ales să evidențiem doi artiști diferiți în prima postare. Primul a fost un geniu precoce care lucrează sub numele de China. După ce a demolat tot felul de repere ale tinereții din industrie, lipsa lui de experiență în sarcinile de regizor la acea vreme nu era un obstacol în a prevesti o carieră excelentă ca regizor, mai ales având în vedere talentul său pentru captarea informațiilor senzoriale de momente foarte specifice chiar și doar prin ilustrații. Timpul a dat dreptate acestor bănuieli, deoarece aparițiile sale din zilele noastre sunt sinonime cu ieșirile de calibrul episodului anului, cum ar fi Yama no Susume S3 #10, Heike Monogatari #03 și videoclipul muzical al lui Mafumafu Sore wo Ai to Yobudake.
Alături de China a fost un nume mai modest. Deși își construise deja o reputație puternică în rândul fanilor de animație dedicați și, desigur, în cadrul generației sale de animatori independenți foarte talentați, nu atât de mulți oameni cunoșteau Megumi Ishitani. În momentul în care scria despre ea, ea nu a regizat încă un singur episod de anime, având doar lucrări minore pentru Toei Animation după ce a absolvit universitatea. Pentru cei care au acordat cu adevărat atenție, totuși, potențialul era clar: acele mici contribuții au arătat explozii de creativitate și foarte atrăgătoare sensibilități, chiar și atunci când subiectul era un fund antropomorfizat. Și, poate mai important, elevul ei lucrările o deosebesc deja de normă.
Am menționat de multe ori că programul GEIDAI ANIMATION al Universității de Arte din Tokyo este cel mai prestigios curs din țară. Reputația sa nu se bazează doar pe cache-ul instructorilor și pe abilitățile tehnice pe care le pot transmite, ci pe accentul lor pe educarea artiștilor cu o viziune asupra lumii, o voce și un mesaj propriu. Absolvenții lor devin de cele mai multe ori artiști independenți, deoarece această mentalitate se opune atitudinilor predominante în mediile comerciale, în special cele care au devenit la fel de asfixiante din punct de vedere creativ ca animele TV; când majoritatea resurselor sunt canalizate în adaptări și când definiția acestora este restrânsă la recreații exacte ale materialului sursă, arta moare de dragul produselor. Momentan, singurele centre oarecum stabile ale oamenilor Geidai sunt filiala Ibaraki a studioului WIT, departe de presiunea obișnuită a studioului principal, și echipa Pop Team Epic care ar putea fi la fel de extraterestră pe cât sugerează numele Space Neko Company.
Ishitani a sfidat aceste convenții alăturându-se tocmai celor mai corporate dintre studiourile anime; nu este chiar surprinzător de alegere, având în vedere că imperiul Toei Animation oferă tipul de siguranță a locului de muncă la care majoritatea studiourilor de anime nu pot spera niciodată, dar aparent în dezacord cu filosofia universității de la care a plecat. Și totuși, tocmai mentalitatea cultivată la Geidai i-a permis lui Ishitani să se adapteze la un mediu ca acesta. Scopul pe care ea își pusese ochii era să creeze o animație de care toată lumea să se poată bucura, indiferent de context sau chiar de capacitatea lor de a o analiza în întregime. Ea a echivalat-o cu experiența unui copil care nu poate înțelege toate complexitățile unei piese de ficțiune și totuși s-ar putea să-și amintească cu drag impactul pe care l-a avut asupra lor ani în urmă. Pentru un artist la fel de inventiv ca ea, cu acea intenție de a crea experiențe memorabile de sine stătătoare, nevoia de a lucra la francize săptămânale nu va fi suficientă pentru a-i înăbuși creativitatea.
Această presupunere a fost rapid pusă la cale. test, într-un scenariu foarte complicat. Pregătirea lui Ishitani ca regizor a decurs paralel cu producția Dragon Ball Super, un titlu pe care chiar și cei mai mari fani ai francizei îl vor recunoaște ca fiind o călătorie neuniformă. După ce a jucat ca asistent regizor timp de câțiva ani, în care câteva secvențe de final au fost cele mai mari responsabilități pe care le-a avut, Ishitani și-a încheiat etapa de pregătire în ultimul arc al spectacolului. Rolul ei necreditat de regizor de episod și co-storyboarder la episodul #107 a fost prima dată când a fost oarecum responsabilă, dar cel mai important, regizor de serie Director de serie: (監督, kantoku): Persoana responsabilă de întreaga producție, atât ca factor de decizie creativ și supervizor final. Ei depășesc restul personalului și în cele din urmă au ultimul cuvânt. Cu toate acestea, există seriale cu diferite niveluri de regizori – director șef, director adjunct, director de episoade de serie, tot felul de roluri non-standard. Ierarhia în acele cazuri este un scenariu de la caz la caz. Tatsuya Nagamine și co-regizorul de serial Ryota Nakamura—figura cea mai apropiată de un mentor pe care îl avea la acea vreme, care chiar și-a supravegheat debutul neoficial — i-au încredințat regia și scenariul finala pe cont propriu. Este de la sine înțeles, dar a pune un începător la conducerea punctului culminant pentru cea mai importantă franciză anime din toate timpurile este atât o idee ridicolă, cât și cel mai bun lucru pe care l-ar fi putut face. Până în acel moment, el a preluat deja toate calitățile pe care le-am evidențiat înainte, iar pariul echipei sale a dat roade.
În timp ce #107 era deja un episod destul de puternic, în ciuda animației limitate, #131 în special, a ridicat ștacheta mult mai sus decât a ajuns Super vreodată. Storyboard-urile ei au fost extraordinar de evocatoare pentru standardele serialului și acea adaptabilitate de care ar avea nevoie pentru a supraviețui într-un mediu străin s-a dovedit a fi deja acolo, deoarece ea a reunit o piesă de acțiune mai satisfăcătoare decât majoritatea veteranilor Dragon Ball. Ambele episoade au pictat o imagine clară a stilului ei încă în curs de dezvoltare. În primul rând, tendința ei către compoziții simetrice cu centrare pe subiect, încadrată în special de la the înapoi ; tehnici standard pe hârtie, dar întotdeauna executate într-un mod memorabil de mâna ei, cu avantajul suplimentar de a face abateri — eliminând acest echilibru la semnifica dinamica puterii sau transmite neliniște — simțiți-vă cu atât mai puternic. Deși în acest stadiu încă mai trebuia să-și perfecționeze seturile de abilități specifice animației comerciale, simțul ei înnăscut pentru compunerea fotografiilor a făcut-o deja să iasă în evidență în ochii multora.
După scurte perioade în un proiect renunțat fără ceremonie și care făcea lucrări de design pentru Precure, Ishitani a trecut la următorul ei proiect major: urmându-l pe Nagamine în timp ce pleca spre Grand Linia. După ce a salvat Dragon Ball Super cât mai bine posibil din punct de vedere uman și apoi a dovedit că nu și-a pierdut contactul cu filmul foarte plăcut lui Broly, Nagamine i s-a încredințat să revitalizeze One Piece preluând funcția de regizor de serie Director de serie: (監督, kantoku): Persoana responsabilă cu întreaga producție, atât ca factor de decizie creativ, cât și ca supervizor final. Ei depășesc restul personalului și în cele din urmă au ultimul cuvânt. Cu toate acestea, există seriale cu diferite niveluri de regizori – director șef, director adjunct, director de episoade de serie, tot felul de roluri non-standard. Ierarhia în acele cazuri este un scenariu de la caz la caz. pentru arcul Wano. A spune că și-a îndeplinit obiectivul ar fi o subestimare nu doar a conducerii sale, ci și a modului în care întreaga echipă și-a sporit de zece ori calitatea muncii, începând cu managementul îmbunătățit. Wano de la Nagamine a fost un succes încă de la începutul episodului #892, dar și-au păstrat arma secretă timp de peste un an – mai precis, până la episodul #957, primul din seria regizat și realizat de Ishitani.
Fanii One Piece au întâlnit un Ishitani vizibil mai rafinat decât spectatorii Dragon Ball s-au despărțit. naturale tendințele ei în storyboarding nu a avut—și a folosit excelent umbrele, sporind compozițiile ei deja atrăgătoare, dar și reglementând livrarea de informații către spectator, oferindu-i un control excelent asupra tempoului. Lucrând alături de cei mai buni animatori la care are acces studioul, într-un mediu mult mai sănătos decât cel al lui Super, i-a maximizat elementele intangibile și chiar ea a găsit o modalitate de a sinergiza conținutul episodului cu propriul etos al animației. Încredințat cu o dezvăluire care va schimba cu adevărat lumea, Ishitani a pus accent pe copii pe măsură ce știrile au căzut; sunt confuzi cu privire la reacțiile extreme ale tuturor față de o decizie politică pe care nu sunt pregătiți să o înțeleagă, unii de-a dreptul neștiind de tot ceea ce este continuă, și totuși importanța regiei face să pară o zi de care își vor aminti când vor crește. Adică, o analogie directă cu obiectivele de animație ale lui Ishitani.
Prindând un episod atât de memorabil, Ishitani a devenit peste noapte un erou pentru o întreagă bază de fani. O bază de fani care a trebuit să aștepte 6 luni întregi-adică mai multe cicluri de rotație a personalului-pentru ca ea să apară din nou. Și când a făcut-o, ea a reapărut cu și mai multe trucuri în geantă, cum ar fi încercările ei de a căsători tranzițiile elegante pe care le folosea înainte cu compoziții multiplanare similare cu cea a superstarului precedent din Toei, Rie Matsumoto, care oferă un plus de profunzime fotografiilor într-un mod foarte mare. mod distractiv. Creativitatea lui Ishitani nu avea nevoie să se îmbunătățească, dar acumulând experiență, ea devine treptat capabilă să scoată la iveală concepte ridicole, cum ar fi lumini de neon diegetice și adecvate tonurilor, care transformă o băutură vărsată în intenție sângeroasă.
Spectaculosul. scena precedentă, în esență un videoclip muzical de înaltă calitate inclus în episod, a rezumat atât măreția de sine stătătoare a lui Ishitani. și incompatibilitatea dintre ambiția la nivel de teatru și anime TV, să nu mai vorbim de un titlu de lungă durată. One Piece este o emisiune TV mai stabilă ca niciodată, iar lui Ishitani i s-a acordat și mai mult timp decât oricui altcineva, dar fricția dintre ambiție și fezabilitate a făcut-o totuși să se lupte cu producția acestui episod. Nu este o exagerare să spunem că, până în acest moment, a devenit prea bună pentru slujba ei.
După o așteptare și mai lungă, cea mai recentă lucrare a lui Ishitani la episodul #1015 nu arată semne de a reduce ambiția. Episodul reprezintă poate cel mai mare salt tehnic între lucrările ei, compoziția în special fiind mult mai rafinată. Oricât de ambițioasă a fost iluminarea din episoadele ei anterioare din One Piece, detalii precum adâncimea excesivă a câmpului cuplată cu cromatică aberația a făcut mai multe daune loviturilor decât au ajutat. Înainte rapid la ultimul ei episod, totuși, iar iluminarea atrăgătoare este mult mai armonioasă, obținând efecte foarte complicate precum transluciditatea. Împreună cu o mai bună îndrumare a ochiului prin tehnici cum ar fi concentrarea rapidă, tranziții mai fine și o abilitate neobișnuită de a se opri în timp, abilitățile ei tehnice sunt acum la nivelul la care se poate ridica la nivelul inventivității ei.
Deși, desigur, acea creativitate este cea care i-a atras pe alții la munca ei, în primul rând. În timp ce dorința ei de a face animație de care te poți bucura indiferent de înțelegerea ta asupra contextului și conținutului poate fi interpretată greșit, deoarece nu îi pasă de o anumită lucrare precum One Piece, nimic nu ar putea fi mai departe de adevăr. Episodul #1015 este plin de secvențe care cristalizează spiritul manga la fel de bine, dacă nu mai bine decât al oricărui alt regizor; din nou, execuția ei este atât de memorabilă încât sunt perfect plăcute cu un context minim, dar nu considerați nimic din toate acestea ca însemnând că ea nu se implică în fiecare lucrare specifică. Ishitani subliniază în mod constant că animația este ceva care nu poate reuși fără o echipă pe aceeași pagină, iar atunci când lucrează la o adaptare, acea mentalitate pare să includă și autorul și opera sa originală.
Din multele multe. Evidențierea lui Soty a flashback-ului lui Yamato cu Ace ar putea fi cel mai elegant rezumat al înțelegerii lui Ishitani asupra materialului. Pe lângă faptul că este o redare frumoasă a uneia dintre compozițiile ei preferate, Yamato ținând hârtia Vivre în timp ce Ace navighează printr-o râpă foarte îngustă este o reamintire emoționantă a libertății cuiva și a lipsei ei a celuilalt, subliniată și mai mult prin mutarea ochiului către cătușe.. Cuvintele de despărțire ale lui Ace declanșează o schimbare în mentalitatea lui Yamato, care se grăbește să-i ia rămas bun mai potrivit; repetând aceeași compoziție cu mâna care ține hârtia Vivre, cu excepția că de această dată Yamato se uită la o mare deschisă, acum capabilă de fapt să vadă libertatea în viitor. Și apoi, un chibrit tăiat pe hârtie arzând, ceea ce înseamnă moartea singurului prieten al lui Yamato. Un rollercoaster de emoții în aproximativ un minut de filmare, rezumând frumos viziunea asupra lumii a personajelor cu o scenă pe care cineva care a tratat asta doar ca pe o temă nu a putut să vină niciodată.
Când vine vorba de întruchiparea One Piece ca fiind un întreg, precum și propria creativitate a lui Ishitani, cea mai memorabilă scenă este din nou în amintirile lui Yamato și Ace; și încă o dată în animația lui Soty, pentru că nu se va odihni decât dacă este responsabil major pentru cele mai grozave episoade ale lui Toei în fiecare an. Suntem transportați într-o lume a culorilor pastelate și a formelor mai libere, potrivite cu amintirile din copilărie ale lui Ace despre cei trei frați care își expun visele. Dintr-o dată, amintirile lui Yamato trec la un alt fragment din trecut, cu o paletă mai caldă, dar la fel de stil copilăresc, prezentând proclamarea propriului său vis de către Gol D. Roger. Cele două culori se îmbină înainte de a exploda în păsări: întruchiparea supremă a libertății, care pentru Roger și Luffy este adevăratul sens de a fi regele piraților. Pentru un personaj care nu tânjește altceva decât asta, precum Yamato, acesta este un eveniment care îi schimbă viața, iar ca spectator care își dorește mai multe explozii de creativitate ca aceasta, Ishitani schimbă și jocul.
La fel de pozitiv. așa cum a fost această piesă, nu m-am putut decide să o închei fără să le spun fanilor One Piece să se bucure de Ishitani cât de mult pot, pentru că fiecare episod a arătat mai clar decât precedentul că pur și simplu nu-i aparține aici. Acest lucru nu este menit să fie o critică la adresa seriei în niciun fel, nici măcar la adresa francizelor comerciale care rulează la nesfârșit ale studioului. În orice caz, rolul pe care l-au avut aceștia în cariera celor mai străluciți regizori pe care studioul i-a ridicat este ceva ce mi se pare ciudat de trecut cu vederea.
Cu excepții, cum ar fi munca lui Kunihiko Ikuhara pe Sailor Moon și discipolul său Takuya Igarashi cu Doremi, pare să existe o tendință de a subestima trecutul celor mai apreciați regizori ai lor, care, inevitabil, se regăsește din titluri ca acestea. Stilul atmosferic impersonal al lui Shigeyasu Yamauchi a fost perfecționat în lucrări precum Casshern Sins, dar este greu de înțeles pe deplin dacă nu ești conștient de contribuțiile lui la personaje precum Dragon Ball și Saint Seiya. Rie Matsumoto este adesea tratată ca și cum s-ar fi materializat de nicăieri cu Kyousougiga, dar formal și tematic, creșterea ei este peste tot Precure. Chiar și Mamoru Hosoda, a cărui activitate în Digimon este încă recunoscută, cea mai mare parte a muncii lui la Toei a trecut sub covor, inclusiv lucrările sale cele mai semnificative personal. Chiar dacă nu luați în considerare semnificația lor istorică, toate acestea sunt lucrări excelente în sine, care merită respect, indiferent de contextul lor.
Când vine vorba de Ishitani, problema nu este că ea poate”Nu fac anime grozave în orice franciză în care s-ar desfășura, ci mai degrabă că este prea ambițioasă pentru episoade individuale de anime TV. Deși îmi doresc ca ea să obțină în cele din urmă o lucrare originală majoră a ei-fără îndoială, inclusiv dinozauri-, simt că cea mai importantă schimbare din cariera ei ar fi trecerea la proiecte întregi, de preferință teatrale. În ultimul deceniu, Toei a scăpat de minge atunci când vine vorba de a asigura puncte de vânzare alternative pentru creatori unici ca ea, ceea ce a contribuit la faptul că mai mulți artiști de calibrul lui Ishitani și-au demisionat coroana mai repede decât v-ați aștepta în mod normal. Mingea este acum pe terenul lui Toei, pentru că Ishitani a dovedit deja că ea este adevărata afacere.
Sprijină-ne pe Patreon pentru a ne ajuta să atingem noul nostru obiectiv de a susține arhiva de animație de la Sakugabooru, SakugaSakuga (作画): desen tehnic, dar mai precis animație. Fanii occidentali și-au însușit de mult cuvântul pentru a se referi la cazuri de animație deosebit de bună, în același mod în care o fac un subset de fani japonezi. Destul de parte integrantă a mărcii site-urilor noastre. Videoclip pe Youtube, precum și acest SakugaSakuga (作画): desen tehnic, dar mai precis animație. Fanii occidentali și-au însușit de mult cuvântul pentru a se referi la cazuri de animație deosebit de bună, în același mod în care o fac un subset de fani japonezi. Destul de parte integrantă a mărcii site-urilor noastre. Blog. Mulțumim tuturor celor care ne-au ajutat până acum!
