Tomohiro Furukawa se bazează pe filozofia și metodele unor legende vii precum Mamoru Oshii, Hideaki Anno și mentorul său Kunihiko Ikuhara. El reconstituie predarea lor și influențele sale din nenumărate domenii într-un stil unic palpitant-acesta este Revue Starlight The Movie și ceea ce el numește anime centrat pe experiență.
O abilitate indispensabilă pentru un regizorul este capacitatea de a-i spune mamei despre filmul pe care l-au văzut zilele trecute și de a-l face să sune interesant. Acestea sunt cuvintele amuzante ale legendei vii Mamoru Oshii și o oarecare mantră pentru Tomohiro Furukawa, care a început să realizeze cât de puternic au rezonat cu el odată cu cariera sa de regizor. a decolat.
La urma urmei, acea singură propoziție încapsulează întreaga sa abordare a procesului creativ. Pentru început, pune accent pe puterea prezentării, aspectul pe care îl consideră pe bună dreptate a fi cea mai mare forță a sa. La fel ca Oshii, Furukawa este un tocilet de film bine citit, cu cel mai eclectic set de influențe pe care ți-l poți imagina, toate pe care le va reambala cu entuziasm și în lucrările sale. Cuvintele lui Oshii ajung chiar aproape de casă când vine vorba de realizarea pe care Furukawa a avut-o în calitate de regizor începător: nu este doar publicul pe care trebuie să-l mențineți implicat, ci și echipa care o face. În cele din urmă, mama din analogie nu este doar publicul tău, ci și echipa ta și, într-o anumită măsură, tu însuți. Și astfel, când i s-a propus ideea unei Revue Starlight continuare, el și-a dat seama rapid unghiul potrivit pentru a aborda filmul recapitulativ Rondo Rondo Rondo și spectaculosul său Revista Starlight the Movie. Acest lucru ar fi formulat într-o linie rostită de personaje ca un premergător la acel film final, precum și pe durata lui: „suntem deja pe scenă” – un noi care se extinde asupra tuturor celor din fața, din interiorul și din spatele ecranului..
În acest moment, Furukawa ocupă o poziție curioasă. Pe de o parte, el este sărbătorit de pictogramele din industrie și de cei mai reputați jurnaliști din anime ca regizor perturbator, atât de dedicat viziunii sale unice încât poate aduce animația de avangardă într-o scenă comercială din ce în ce mai restrictivă. Pe de altă parte, el este încă necunoscut de publicul larg, deoarece a condus doar un singur proiect al său, iar a fi atașat la o fabrică de divertisment produsă în masă precum Bushiroad înseamnă că nu este expus unui public de artă cu idei similare, ci mai degrabă spectatori mai tineri. care nu sunt obișnuiți cu metodele lui nestandard. Și totuși, nu sunt sigur că aș urca pe o altă cronologie, în speranța că cariera lui se va desfășura altfel. Deși nu este conștient de amploarea ciudățeniei sale încântătoare, așa cum o demonstrează explicațiile sale ocazionale conform cărora desenul din pictori din secolul al XVI-lea și filme de nișă care nu au fost lansate niciodată în Japonia este pur și simplu normal, Furukawa știe cel puțin că oferă ceva radical diferit decât ce crede publicul său că își dorește — și intenționează să exploateze această nepotrivire pentru a le prezenta experiențe noi.
Pentru început, este important să stabilim de unde își trage influențele un regizor atât de neconvențional; nu doar pentru că este important să-i înțelegi cotletele stilistice neconvenționale, ci pentru că este important pentru el, ca persoană. Din fericire, în calitate de personaj deschis și informat din industrie, Furukawa a avut ocazia să-și împărtășească inspirațiile în multiple prize. El a atins subiecte precum manga shoujo din anii 70 până la începutul anilor 80 cu elemente BL pe care le-a împrumutat de la mama sa, ceea ce a simțit că îi slăbește percepția despre gen ca factor în romantism, dându-i totodată și gustul pentru noblețea frumoasă-două aspecte pe care încă le poți simți puternic în opera sa actuală. Chiar și detalii precum teza sa despre istoria arhitecturală a Catedralei din Canterbury se simt tangibile în producția sa, ca cineva care a devenit pasionat de a folosi procesul de proiectare a decorului ca un dispozitiv de povestire poate mai important decât scrisul deschis în sine; mai ales după ce a observat că regizorii la care a admirat nu au simțit nevoia să deseneze nici măcar un personaj care să ne povestească despre ei.
Oricât de larg ar fi interesele lui, este clar că nu ar fi făcând anime dacă nu ar fi regizorii pe care îi admiră, de aceea le-a dedicat atât de multe laude. Aceasta merge de la Shigeyasu Yamauchi, primul regizor care i-a atras atenția cu Saint Seiya: Legend of Crimson Youth, până la Takuya Igarashi, a cărui eficiență și abilitate neobișnuită de a crea o imagine proprie în timp ce aderă la viziunea asupra lumii unei lucrări existente l-au fascinat pe Furukawa; atât de mult, încât a încercat să reproducă storyboard-ulStoryboard (絵コンテ, ekonte): Planurile de animație. O serie de desene de obicei simple care servesc drept scenariu vizual al anime-ului, desenate pe foi speciale cu câmpuri pentru numărul de tăiere a animației, note pentru personal și liniile de dialog potrivite. Mai multe pentru Futari wa Pretty Cure #08, revizându-l obsesiv film cu captură.
Dacă vorbim despre cele mai mari influențe ale lui, totuși, nu există nicio îndoială că trebuie să vorbim despre regizori precum Hideaki Anno, al cărui ritm însuși Furukawa încă îl simte reverberează de-a lungul lucrării sale, precum și despre amintitul Oshii — la fel de aproape de o icoană filosofică precum este în animație. Din studiul lucrărilor sale și din colaborarea cu regizori similari a ajuns la interpretarea sa a mantrei lor de control al informațiilor: un concept intrinsec legat de alegerea materialului în exprimare pentru el, până la punctul în care s-a ferit de lecturile pur tematice ale operelor unor regizori atât de idiosincratici; de ce să îmbrățișeze acel unghi până la urmă, când i-a văzut transformându-și temele pentru a se conforma cu mijloacele lor de exprimare? Și când vine vorba de acel proces de a alege materialul perfect pentru a exprima ceea ce ai de spus sau de a modela ceea ce ai de spus pentru a se potrivi cu materialul preferat, nu există nimeni mai bun decât mentorul său: Kunihiko Ikuhara. Dacă tocmai l-aș fi prezentat pe Furukawa ca student al lui Ikuhara, totuși, sinele lui din trecut s-ar fi simțit inconfortabil. Și această relație complicată este palpabilă și în munca lui.
Nu se poate nega că Furukawa este ucenicul lui Ikuhara. Nu vrea să-l ascundă și își va umple profesorul cu laude cu orice ocazie, chiar dacă își bate joc de cât de drăguț poate fi morocănosul lui nesincer. Este clar că are o înțelegere profundă a lui Ikuhara în felul în care fa aluzie calităților sale curios, cum ar fi el abilități de neegalat de cercetători și dorința de a se înconjura de tineri creatori care merită ascultați, fără a compromite acel sentiment inconfundabil de Ikuhara, pe care l-am evidențiat întotdeauna pe acest site. Furukawa va face adesea aluzie la el ca fiind mentorul său cu cel mai mare respect, mai degrabă decât să-i spună numele, dar dacă ești un fan atent, s-ar putea să fi observat că face asta acum. În interviul său cu Yuichiro Oguro pentru cel de-al 16-lea număr al AnimeStyle, Furukawa s-a deschis despre acest subiect mai mult decât de obicei. Deși l-a admirat întotdeauna foarte mult și, în esență, a modelat modul în care a pus la punct animația după gestionarea resurselor și a personalului de către Ikuhara, Furukawa a urât ideea că oamenii l-ar atribui cu grijă ca adept Ikuhara și își vor permite să nu mai gândească; orice nuanță și calități personale, pierdute din cauza ușurinței unei etichete.
Acest lucru l-a frecat într-adevăr în mod greșit, nu doar ca cineva cu un set vast de influențe, ci poate și la un nivel mai filozofic. Pentru cineva care atrage elemente din nenumărate lucrări și domenii, Furukawa nu este interesat de omagii ca recreații directe. În schimb, el stochează tot ceea ce îi atrage atenția sub formă de mănunchiuri de informații și tehnici. Procesul creativ este, cel puțin pentru el, totul despre transformarea, adăugarea și scăderea din acele piese preexistente pentru a se potrivi noilor scenarii-și condiția succesului, construirea a ceva care se simte cu totul unic din acele influențe atomizate. A-l eticheta pur și simplu drept adeptul unui anumit individ este, prin urmare, antitetic viziunii lui despre job. Și adevărul este că poți simți această frecare în munca lui; când i s-a încredințat pentru prima dată un proiect cu fete de teatru care să se bată între ele, s-a gândit repede să le ofere ținute asemănătoare cu cele din Trandafirul de la Versailles… înainte de a renunța repede la idee, crezând că oamenii vor face imediat asociația Utena. și să revină la acele preconcepții ale adepților Ikuhara.
În cele din urmă, ceea ce l-a făcut să-și schimbe mentalitatea a fost tocmai acel proiect. Nu este ca și cum Revue Starlight ar fi indus o revelație, ci mai degrabă că actul de a regiza un spectacol l-a făcut să realizeze cât de uimitor și profund influent a fost cu adevărat Ikuhara. Mentorul său îi dăduse o șansă când nu avea nicio experiență în roluri de regizor și l-a învățat practic frânghiile, permițându-i să facă parte din grupul tânăr de regizori de bază al Mawaru Penguindrum. Iar pe vremea lui Yurikuma Arashi, îl avea deja alături ca asistent regizor de serie Director de serie: (監督, kantoku): Persoana responsabilă de întreaga producție, atât ca decizie creativă-producător și supervizor final. Ei depășesc restul personalului și în cele din urmă au ultimul cuvânt. Cu toate acestea, există seriale cu diferite niveluri de regizori – director șef, director adjunct, director de episoade de serie, tot felul de roluri non-standard. Ierarhia în acele cazuri este un scenariu de la caz la caz. Conducerea propriului proiect i-a arătat clar lui Furukawa cât de mult îi datora mentorului său, până la umbrirea completă a dezgustului față de etichete. În același timp, totuși, această admirație pare să-l orbească de faptul că inspirația funcționează în ambele sensuri. Pentru că, pe cât de fundamental a fost Ikuhara în procesul lui Furukawa de a-și descoperi stilul, acesta din urmă a fost, de asemenea, cheie în rafinamentul și evoluția admiratului său mentor.
Într-unul dintre acele exemple amuzante de Furukawa făcând o glumă despre morocănia mentorului său, el a menționat că unul dintre puținele aspecte pentru care l-a lăudat deschis a fost urechea lui. eufonie și stăpânirea lui joc de cuvinte. Ca de obicei, evaluarea lui Ikuhara a fost corectă pe bani. Datorită unor lucrări precum Kaze Densetsu: Bukkomi no Taku, Furukawa a dezvoltat un gust pentru propoziții și motive cu o prezență atât de puternică încât simt că există fizic în lucrare, chiar și atunci când nu sunt diegetic. tastate în ea. Pentru un regizor care și-a dat seama că totul ține de alegerea materialului, acest lucru se extinde în mod firesc la livrarea acestor motive prin designul grafic și VFX, elemente cheie în munca lui Furukawa. Din liniile memetice pe care baza de fani s-a prins rapid — Acesta este Tendou Maya, I am Reborn, folosirea Starlight ca verb — la Love Cobra, jocurile de cuvinte proaste, iar iconografia revenită a lui Hama a reușit să picteze o imagine memorabilă din nimic. Vorbește despre carisma care curge.
Deși iconografia a fost întotdeauna un aspect destul de important pentru Ikuhara, se simte ca laudele sale față de ochiul și urechea lui Furukawa, deoarece aceste motive provin dintr-un loc foarte autentic, având în vedere cât de mult el a ajuns să sublinieze acest tip de imagini și sunet încă de când au început să lucreze împreună. De la Strategia de supraviețuire a lui Penguindrum și designul grafic iconic al lui Wataru Osakabe până la simbolurile ア ale lui Sarazanmai, această obsesie a rezistat chiar și atunci când programele lor respective i-au ținut departe, atât de mult. că aceste motive ar putea fi primul lucru care îți vine în minte când te gândești la producția modernă a lui Ikuhara. Poate că orbit de admirația sa întărită, totuși, Furukawa nu vede nimic altceva decât personalitatea lui Ikuhara pe ecran atunci când își urmărește lucrările; și poate că are dreptate, dar cred că a devenit o parte integrantă a acesteia până acum.
În afară de declanșarea acelei schimbări de atitudine față de propria sa descendență creativă, cum a reușit Revue Starlight? Dacă ați urmărit acest site, veți ști că am considerat că este un serial extrem de distractiv, care nu și-a putut ridica pe deplin potențialul. Între luptele severe de producție pe care le-au îndurat doar datorită contribuțiilor cheie ale tinerilor animatori individuali din străinătate-un mod îngrijorător de a fi înaintea timpului său-și arcurile neuniforme ale personajelor, părea să nu ajungă la capodopera care ar fi putut fi. Revue Starlight este o serie despre fete de scenă care concurează pentru gloria locului de vârf într-un cadru egal în părți Takarazuka și fantezie suprarealistă. Distribuția este ordonată în cupluri și triouri cu o temă comună, dar acestea nu au fost create egale, iar perechea centrală cu pantofi mai mari de umplut s-a întâmplat să cadă plat în ochii multora; pentru un serial care echivalează, în esență, cu o bătălie a carismei, nu a reușit să vândă în mod corespunzător personajele care au stat în cele din urmă pe vârf, ceea ce lasă un pic de gust amar chiar și cu finalul său interesant.
Având în vedere Personajul lui Furukawa, ai crede că va trece rapid la proiecte complet noi, dar propunerea de a urma Revue Starlight cu câteva filme – o recapitulare îmbunătățită și o continuare corectă – a devenit o idee tentantă pentru el. Bushiroad a proiectat franciza să fie o proprietate multimedia largă, cu actrițe care interpretează personajele în muzicale și le dau voce în anime și, vorbind cu ei, Furukawa a devenit din ce în ce mai conștient de tema recurentă a actoriei. Ei jucau un personaj fictiv, aceștia jucau un personaj în piesa lor și nu jucau toți un personaj al lor?
Vorbind cu Momoyo Koyama, actrița în spatele protagonistei Karen Aijo, a fost o experiență deosebit de iluminatoare pentru el. Koyama vorbise despre luptele ei de a intra în locul lui Karen; cum, ca persoană oarecum pesimistă, s-a chinuit să devină o protagonistă strălucitoare impecabilă. Karen este însăși întruchiparea unui protagonist, dar acea frecare dintre natura umană defectuoasă a actorului și un rol care se simte atât de artificial perfect l-a făcut să se întrebe — ce ar fi dacă și Karen ar fi jucat? Acest impuls l-a făcut să sape mai adânc în personaj, dezvăluind grijile ei și chiar ipocriziile cu care a încheiat seria originală. Și așa avem Revue Starlight The Movie, povestea despre moartea și renașterea lui Karen: a dispărut fata care pur și simplu a vrut să joace într-o piesă anume alături de prietena ei, renascând într-o adevărată actriță care tânjește după scenă.
Totuși, așa cum am stabilit, ceea ce spune Furukawa este aproape secundar față de modul în care o spune, așa că a trebuit să găsească și modul corect de a aborda producția. Regizorul a aluzit la supraproducția anime ca unul dintre factorii importanți aici, argumentând că dacă regizorii veterani și studiourile mari simt deja durerea de a aduna o echipă de profil înalt care poate pune împreună animație tradițională șlefuită constant, cineva ca el nu are nicio șansă. Cu asta ieșit din imagine, a decis să-și dezvolte punctele forte cu ceea ce el a numit un film centrat pe experiență. Furukawa se uită cu drag la idolii săi menționați mai sus, la lucrările lor din anii 90 care au lăsat impresii foarte puternice asupra ta, chiar dacă nu ai putut urmări toate ritmurile narative. El a luat decizia pe deplin conștientă de a merge împotriva tendinței de a sublinia tradițiile și intrigile pronunțate cu un film mai plin de satisfacții visceral. Unul care vorbește mai mult cu simțurile tale decât cu baza de date din creierul tău, un catharsis cel mai bine simțit când este fizic într-un teatru-este un spectacol despre a fi pe scenă, până la urmă.
Acest lucru poate fi simțit de la început.. Prima secvență din film nu a fost de fapt în scenariu, dar Furukawa a simțit nevoia să atragă imediat atenția spectatorului cu cea mai satisfăcătoare roșie popping simțită vreodată în animație. Oricât de întâmplător ar părea, roșiile sunt, fără îndoială, cel mai important motiv din întregul film, și din motive foarte Furukawa. În mod notoriu, Revue Starlight a prezentat întotdeauna o girafă vorbăreț ca avatar pentru public și, săpat mai adânc în dinamica scenei, Furukawa a ajuns la concluzia că nu doar interpreții, ci și spectatorii sunt cei care se lasă de bunăvoie să ardă și să fie consumați. Pentru a reprezenta această idee într-un mod destul de simplu, scenariul a inclus o scenă în care fetele ar mânca carnea girafei. Găsind acel scenariu puțin prea grotesc, Furukawa a scos din lista sa nesfârșită de influențe și și-a amintit de pictorul Giuseppe Arcimboldo
strong>, care adesea construiau portrete umane din legume. Astfel, roșiile au devenit inima publicului și a filmului în sine, iar o scenă care poate fi oarecum ciudată a devenit un coșmar mult mai memorabil. O, Furukawa, nu te schimba niciodată.
Toate motivele din film urmează un model similar. La urma urmei, această abordare centrată pe experiență nu este altceva decât o aplicare practică a filozofiei animației pe care a derivat-o de la idolii săi, exploatând amalgamarea sa de influențe pentru a alimenta spectacolul constant. Revue Starlight The Movie este o plimbare palpitantă care reutiliza elemente din tot ceea ce se află între Lawrence of Arabia și Mad Max Fury Road, urmând întotdeauna formula sa de adunare și scădere la aceste piese. Confruntarea dintre Junna și Nana, unul, folosește o piesă de teatru din filmul din 1985 Mishima – A Life in our Chapters, unde o reprezentare a lui Kinkakuji se deschide în jumătate și orbește un personaj. După cum se dovedește, luminile orbitoare au fost întotdeauna un motiv pentru Nana, reprezentând strălucirea primei etape pe care a stat cu prietenii ei – una de la care s-a chinuit să treacă mai departe și pe care nu a mai putut-o înțelege niciodată. Acest lucru i-a dat scuza să folosească o tehnică de punere în scenă în mod inerent cool într-un mod nou, care se potrivește propriului său scenariu; iar dacă nu ar fi fost, s-ar fi putut să-l modifice pentru a-și oferi o scuză bună să o facă oricum. La urma urmei, experiența memorabilă este pe primul loc.
Vizionarea filmului Revue Starlight The Movie este un atac asupra simțurilor în cel mai bun mod posibil, deoarece ecranul este inundat de ideile lui Furukawa și sunetul bombastic le însoțește. În timp ce scrierea se simte mai emoționantă datorită considerației suplimentare pe care echipa a acordat-o dinamicii scenei, nu mai multe cuvinte pe hârtie i-au făcut pe atât de mulți oameni să se îndrăgostească de film, ci mai degrabă angajamentul nerușinat al lui Furukawa față de cele mai mari puncte forte ale sale. Dinamica personajelor pe care oamenii deja o iubeau în serie nu s-a construit niciodată pe o scriere deosebit de complexă, bazându-se în schimb pe carisma vizuală, prezența scenică și direcția atrăgătoare pe care le-a oferit Furukawa. Acest film este o escaladare îndrăzneață a acestui regizor care admite că nu poate spune o poveste într-un mod simplu, dar a cărui imaginație și muniție creativă te-ar putea duce într-o plimbare nesfârșită uluitoare; și asta nu este o exagerare, având în vedere că, chiar și după ce a lăsat multe idei în farfurie, Furukawa a avut aproape trei ore de concepte planificate pentru eventualele două ore de rulare ale acestui film.
Este reconfortant să vezi că această echipă reușește să creeze ceva care, în ciuda faptului că este parțial o consecință a stării industriei, este la fel de frumos anacronic pe cât și-a imaginat Furukawa că este. Cu toate acestea, nu toată lumea împărtășește acel sentiment de succes în cele din urmă, iar asta se referă încă o dată la filozofia regizorului. Deoarece camarazii de arme, telespectatorii și jurnaliştii au lăudat filmul Revue Starlight ca fiind un succes zgomotos, Furukawa a spus în repetate rânduri în ochii săi că este un fel de eșec regretabil; poate unul care este cu mândrie perturbator în obiectivele sale, tare și captivant în execuție, dar în cele din urmă târât de presupusa lui incapacitate de a se ridica la nivelul viziunii și potențialului echipei sale. Aclamația imaculată a criticii l-a derutat, până la punctul în care încearcă să facă o inginerie inversă a calităților pe care oamenii le văd în munca sa din acea evaluare critică, pentru că nu le poate vedea el însuși.
Atât de mult. Îmi doresc ca Furukawa să poată face vreodată ceva ce el consideră un succes, mă tem că, chiar dacă este capabil să realizeze chiar mai mult decât a făcut deja, impresiile lui vor fi întotdeauna nuanțate de regret. Dacă s-ar fi ocupat de această afacere pentru a se concentra pe povestiri complete sau pe animație șlefuită, ar putea realiza ceva mai tangibil și s-ar convinge că a reușit. Totuși, ceea ce urmărește ca regizor de film centrat pe experiență este o idee. Ca individ, scopul lui este să se potrivească cu reverberațiile idolilor săi, cele care l-au determinat să urmărească animația în primul rând. Și acestea, nu le poți înțelege niciodată. Iată, atunci, presupusele eșecuri mai fascinante, presupun!
Sprijină-ne pe Patreon pentru a ne ajuta să atingem noul nostru obiectiv de a susține arhiva de animație de la Sakugabooru, SakugaSakuga (作画): desen tehnic, dar mai precis animație. Fanii occidentali și-au însușit de mult cuvântul pentru a se referi la cazuri de animație deosebit de bună, în același mod în care o fac un subset de fani japonezi. Destul de parte integrantă a mărcii site-urilor noastre. Videoclip pe Youtube, precum și acest SakugaSakuga (作画): desen tehnic, dar mai precis animație. Fanii occidentali și-au însușit de mult cuvântul pentru a se referi la cazuri de animație deosebit de bună, în același mod în care o fac un subset de fani japonezi. Destul de parte integrantă a mărcii site-urilor noastre. Blog. Mulțumim tuturor celor care ne-au ajutat până acum!
