Acum 10 ani, Toei Animation a lansat Nijiiro Hotaru: Rainbow Fireflies, punctul culminant al uimitoarei lungimi producție pentru a onora lucrările iconice din trecutul lor și puterea animației tradiționale în totalitate. Un deceniu mai târziu, pierderea unor astfel de proiecte amenință viitorul studioului.
Toei este un conglomerat de divertisment cu care niciun studio de anime nu poate spera să îl compare și, în anumite privințe, pe care niciunul dintre colegii săi nu ar trebui să-l spere. a fi asemănat cu; pentru că oricât de colosală este moștenirea lor în anime, acea amprentă masivă aruncă și niște umbre neagră, atât pe frontul muncii, cât și pe cel al creației. În ultimele 7 decenii, divizia lor de animație a evoluat în gigantul care este acum. Unul care este capabil să producă multe hituri simultane și fără sfârșit la nivel mondial și, așa cum pot atesta telespectatorii One Piece chiar acum, de asemenea, să facă o treabă fantastică cu ei atunci când acele titluri sunt bine gestionate. Totuși, așa cum își vor aminti mai mulți fani veterani ai aceleiași serii, modelul lor se poate traduce, de asemenea, într-o muncă stresantă continuu și un rezultat care pare că există doar din inerție și din necesitatea de a avea un produs livrat săptămânal.
În timp ce industria anime-ului merge în mod deprimant către un viitor în care studiourile sunt puțin mai mult decât linii de asamblare, Toei este un veteran experimentat pentru care acest rezultat nu este nimic nou. Au fost tratați ca atare de mulți ani, dar reușesc totuși să reunească suficiente pepite creative în acele obligații comerciale pentru a împiedica cinismul să preia pe deplin controlul. Poate fi un echilibru precar, dar Toei a găsit o formulă care le permite să se supună acestor cerințe în timp ce pun laolaltă lucrări memorabile și cresc unele dintre cele mai strălucite minți tinere din anime. Cicluri repetate cu oameni ca Sailor Moon, Doremi, Ashita no Nadja și în Precure, cu Kunihiko Ikuhara, Mamoru Hosoda, Takuya Igarashi, Rie Matsumoto și Haruka Kamatani—aceste modele pozitive nu sunt un accident fericit. Niciodată nu le poți lua de la sine înțeles într-o serie anume, dar există un lucru care a fost o certitudine de zeci de ani: întotdeauna se va întâmpla ceva foarte interesant în sălile masive ale lui Toei.
Trucul de aici, de desigur, este că Toei are supape de evacuare pentru acea creativitate reținută și radicală. Deși este posibil să abordezi acele titluri populare de lungă durată pentru care studioul este cunoscut cu mai multă ambiție și creativitate decât este normal, iar cultura studioului încurajează regizorii îndrăzneți să facă acest lucru, există doar atâtea ce poți face pentru a împinge limite stricte ale unui anime de acțiune popular sau unei francize uriașe care trebuie să vândă în continuare plastic. Adesea, cei mai idiosincratici regizori sunt cei care se ocupă de episoadele emblematice ale titlurilor emblematice ale lui Toei, dar dacă asta ar fi tot ceea ce ar putea lucra, cariera lor în studio ar fi destul de scurtă. Chiar dacă este doar din când în când, artiștii extrem de unici trebuie să fie eliberați de cătușele lor, de aceea Toei părea să facă un punct de a avea întotdeauna alternative pe măsură ce au evoluat către această realitate a liniei fabricii. Un astfel de proiect, lansat în urmă cu 10 ani, a fost de neuitat Nijiiro Hotaru—Rainbow Fireflies.
Numele lui Konosuke Uda cu siguranță nu este la fel de plin de farmec. ca contemporani ai lui ca Ikuhara sau modelul său Junichi Sato, care și-au câștigat locurile în canonul celor mai mari regizori ai lui Toei din toate timpurile. Cu toate acestea, lipsa de renume public sau critic nu face ca cariera nimănui să fie mai puțin importantă. În primul rând, nimeni altcineva nu se poate lăuda că este primul regizor al serialului One Piece… deși un Goro Taniguchi poate revendica proprietarul primului rol kantoku al serialului, așa cum a regizat pilotul care zeci de ani mai târziu a dus la viitorul One Piece Film Red. Cele mai bune lucrări ale lui Uda în diferite spații de gen, cum ar fi Lovely Complex, Ginga e Kickoff și MAJIN BONE nu sunt nici megahituri comerciale, nici iubita ta critică prototip. , dar sunt genul de muncă pe care oamenii își amintesc cu drag. Ca regizor care s-a trezit pierdut și fără impuls la începutul carierei sale, lucrând sub amintitul SatoJun – și maestru din toate timpurile în injectarea distracției în scenariile formulate pe care probabil le vei întâlni la Toei – l-a energizat foarte mult pe Uda, care de atunci apoi a reușit în mod constant să transmită această plăcere publicului.
În acea carieră de fapte liniștite semnificative și lucrări plăcute, dar nu extraordinare, există o excepție majoră. Unul care se prepara din 2007, când producătorul Atsutoshi Umezawa a abordat Uda să-i propun un film inspirat dintr-un roman pe care îl citise recent. Umezawa, care s-a alăturat studioului în epoca Toei Doga și a continuat să-și facă timp pentru proiecte ciudate chiar și după pensionarea sa, a reușit să pună cap la cap o ofertă foarte tentantă. Și pentru a face acest lucru, a vândut mai întâi ideea celor mai înalți, convingându-i că este momentul potrivit să aducă un omagiu acelor filme Toei Doga semnificative din punct de vedere istoric din tinerețea sa, cu un succesor spiritual finanțat integral de studio.
Umezawa a reușit apoi să transmită această oportunitate, poate o dată în viață, unui regizor ca Uda: libertatea creativă atâta timp cât a făcut ceva demn de moștenirea studioului, cu o echipă de mare profil și mult timp la dispozitia lui. În timp ce după un proces lung-2 ani pentru animație, 3,5 pentru producție în ansamblu și aproape 5 pentru a o lansa-cei mai înalți s-au săturat în cele din urmă și au cerut un produs finit, această presiune nu a fost suficientă pentru a face compromisuri. un film care se află în picioare cu cele mai mari realizări ale lui Toei în animație. De fapt, foarte puține anime se pot compara cu ceea ce a realizat această echipă.
Așa cum a explicat Uda în AnimeStyle002, în timp ce premisa proiectului ar fi putut fi acoperită cu zahăr, drumul pe care l-au pornit nu a fost neapărat dulce – sau chiar un drum deloc, având în vedere cât de mult au alergat în cerc în timpul procesului de pre-producție, așa cum și-au imaginat. să identifice identitatea lucrării pe care o creau. Călătoria lui Nijiiro Hotaru a început cu Uda și Takaaki Yamashita, a căror participare a fost o recomandare a Kenkichi Matsushita din partea managerială. Având în vedere că singurul mandat de sus pe care l-au avut inițial a fost să onoreze istoria lui Toei Doga, participarea lui Yamashita s-a potrivit; s-a alăturat, de asemenea, în ultimele etape ale acelei epoci ale studioului și, în cele din urmă, s-a trezit îndrumând oameni precum Hosoda și Tatsuzou Nishita, întruchipări atrăgătoare ale posibilităților moderne ale studioului. Dacă cineva ar trebui să sărbătorească calitățile trecutului lui Toei în timp ce exploatează punctele forte ale prezentului lor, Yamashita ar fi omul lor. Adică, într-o lume ideală în care timpul nu este o resursă finită.
În acel moment, Yamashita era deja la mare căutare, atât în emisiuni TV, cât și cu o carieră în teatru – singurul său obiectiv în zilele noastre – care era decolare de asemenea. Nijiiro Hotaru a fost un angajament atât de lung, încât s-a suprapus nu cu unul, ci cu două filme Hosoda, cu atât mai puțin cu alte proiecte care au necesitat ajutorul lui. Întrucât a fost clar încă de la început că nu va putea să-și dedice toată atenția lui Nijiiro Hotaru, Uda a cerut ajutorul unui artist cu totul special care a alergat în cercuri similare: Hisashi Mori, un animator de acțiune în stil Kanada, care a ocolit din greu călărește valul realist al lui Mitsuo Iso, dar nu și-a pierdut niciodată claritatea și formele geometrice, dublându-se de acum înainte pe linia îndrăzneață. Cei trei aveau să plece în excursii extinse de explorare a locațiilor, o anormalitate pentru studioul la acea vreme, desenând artă conceptuală pentru a se ajuta să-și imagineze forma ideală a filmului. Într-un fel, s-a simțit mai degrabă o descoperire arheologică atentă a rezultatului său natural, mai degrabă decât o echipă care se grăbește înainte cu idei preconcepute.
Din nou, acest proces nu a fost ușor, iar echipa sa trezit înapoi. asupra deciziilor lor de cele mai multe ori. Prima schimbare majoră a planurilor a fost în cadrul acelui trio: în timp ce Mori sa etichetat inițial pentru a-l ajuta pe ocupat Yamashita, Uda i-a plăcut atât de mult proiectele sale îndrăznețe, încât s-a decis rapid că el ar trebui să fie designerul de caractere. Acest lucru i-a ajutat, de asemenea, să abordeze unele nedumeriri timpurii pe care le-au avut cu privire la identitatea proiectului; Având în vedere solicitarea de a urma tradiția Toei Doga, cu excepția unui context mai modern, Uda și echipa sa au simțit că s-ar suprapune prea mult cu alți moștenitori îndepărtați ai acelui stil, cum ar fi lucrările lui Ghibli sau producția concomitentă de atunci a Miracolului Mai Mai. Cu toate acestea, bazându-se pe linia groase unică a lui Mori, Nijiiro Hotaru s-a simțit imediat ca o lucrare proprie. Conducta de animație pe care au construit-o în cele din urmă a reflectat și acele noi dinamici. Yamashita și-a împrumutat în continuare expertiza în compoziția imaginilor desenând nenumărate machete brute. Layouts (レイアウト): Desenele în care se naște de fapt animația; ele extind ideile vizuale de obicei simple din storyboard în scheletul real al animației, detaliind atât munca animatorului cheie, cât și a artiștilor de fundal. care a extins storyboard-ul Storyboard (絵コンテ, ekonte): Planurile de animație. O serie de desene de obicei simple care servesc drept scenariu vizual al anime-ului, desenate pe foi speciale cu câmpuri pentru numărul de tăiere a animației, note pentru personal și liniile de dialog potrivite. Mai multe, care apoi vor fi transmise lui Mori pentru a ajusta specificul actoricesc și, în final, anumitor animatori cheie pentru a urma fluxul de lucru standard al animației.
Întrucât un personaj major din materialul sursă s-a întâmplat să o aibă ca nume de familie pe Okuyama, la fel ca legenda Toei Doga, Reiko Okuyama, echipa a avut ideea obraznică de a o numi pe protagonist care nu avea nici un nume de familie în carte după Yoichi Kotabe, o figură la fel de semnificativă pentru studio. Pentru a evita exagerarea, au mers cu Otabe, care suna foarte aproape, având în vedere pronunția VA lui. În cele din urmă, Kotabe a văzut filmul alături de alte legende Toei Doga și a fost foarte recunoscător pentru gestul lor.
Acea schimbare a fost doar prima dintre multele care au venit, multe dintre ele motivate de decizia anterioară pe care o luaseră. În primul rând, alegerea să îmbrățișeze replicile îndrăznețe ale lui Mori s-a dovedit a crea o atmosferă prea apăsătoare, așa cum și-au dat seama cu amărăciune când li s-a cerut să anime un film pilot. Nici încercarea de a reduce acel impact vizual prin imitarea efectul de hârtie maro carbon văzut în lucrări precum Vecinul meu Totoro nu a funcționat. , deoarece asta a dat o senzație elegantă de toamnă unui film care a fost menit să încorporeze vara de sus până jos. Soluția la care s-au hotărât a fost să întrerupă lucrarea neagră a lui Mori cu segmente colorate plasate în mod deliberat, care permit imaginilor să respire.
Acest lucru a fost însoțit și de o schimbare în direcția artistică, sporind și mai mult acel sentiment de prospețime. Seiki Tamura din anime Kobo Basara, care l-a înlocuit pe Kentaro Akiyama de la Studio Pablo din cauza conflictelor de programare – se vorbește despre obținerea a doi dintre cei mai mari specialiști ai epocii lor – a fost încurajat pentru a renunța selectiv la detalii, reflectând polarizarea atentă a maeștrilor anteriori adiacente Toei, cum ar fi Takamura Mukuo. Uda a întâlnit munca lui Mukuo înainte de tragica lui trecere în timpul Sailor Moon și a fost fascinat de stilul său; atât de rar în pete încât l-a făcut să se întrebe dacă acele picturi erau chiar terminate, și totuși atât de captivant când toate piesele au fost în cele din urmă stratificate. Această economie deliberată a devenit un alt pilon major în echilibrarea imaginilor, menținând o impresie puternică, dar nu până la punctul de a supraîncărca atmosfera aerisită a orașului pe care trebuiau să-l înfățișeze. Grele și ușoare, moderne și vechi, animație și acțiune live, fantezie și banalitate, viață și moarte, contrastele fundamentale din nucleul lucrării au început încet să se dezvolte.
În esență, Nijiiro Hotaru este despre frumusețea efemerității, tematică în jurul unor creaturi precum licuricii care pot străluci atât de puternic doar pentru că o fac pentru o perioadă scurtă de timp. Este povestea unui copil care alunecă în timp în trecut și, mai degrabă decât să fie obsedat de mecanica călătoriei în timp, se concentrează pe aprecierea momentului cu deplina știință că în cele din urmă va trece pe lângă noi. Protagonistul Yuuta este încurajat să se bucure de această experiență de vară, o dată în viață, și învață să facă acest lucru, în ciuda spectrului separării de noii săi prieteni care se apropie pe zi ce trece. Aventurile lor se desfășoară într-un sat care trebuie să fie abandonat și inundat pentru a construi un baraj-un rezultat pe care Yuuta îl știe a fi inevitabil, deoarece aceasta a fost soarta lui în cronologia sa originală. După cum își dă seama, multe dintre noile sale cunoștințe cu care se simte bine din viața lui au circumstanțe personale care vor duce la consecințe la fel de inevitabile. Și acesta este ceea ce stilul vizual pe care s-a stabilit această echipă este menit să întruchipeze în cele din urmă: foarte impactant în unele privințe, cum ar fi lineart-ul lui Mori, pentru că acestea sunt evenimente memorabile pentru toți cei implicați, la urma urmei, dar și cu o nuanță de fragilitate pentru ei. Nimic nu este etern.
Arta conceptuală timpurie publicată în AnimeStyle002.
Ceea ce completează tematic filmul este încrederea în noile generații, ceea ce transformă ceea ce ar fi putut fi puțin deprimant într-o poveste foarte înălțătoare. Având în vedere evenimente similare din viața reală și știind complexitatea lor, Uda a evitat să ia parte în chestiunea barajului printr-o voce autorală definitivă; este clar că adulții care trăiesc în sat se simt într-un anumit fel, dar sunt prezentați ca fiind mai pasivi și acceptând inevitabilul. Acesta nu este cazul copiilor, care își exprimă în mod deschis dezacordul într-un film care se angajează să-i lase să vorbească pentru ei înșiși, chiar dacă în cele din urmă nu le este în putere să revină acele circumstanțe. Ei le aparține viitorul, iar critica lor față de deciziile pe care le iau adulții care le amenință lumea este purtată cu atât de mult respect cât și capacitatea lor de a reveni. După ce a folosit expresia „chiar și așa, copiii încă trăiesc în prezent” ca slogan pentru promovarea filmului, scena finală adaugă „și îndreptați-vă spre viitor”, după ce a arătat că toți s-au ridicat și au găsit noi căi de urmat. Nijiiro Hotaru a îmbătrânit ca un vin fin, iar aspectul este acum mai încurajator ca niciodată.
Cu acele teme finalizate – ceva care a luat timp, având în vedere că au continuat să ajusteze scenariul în timp ce procesul de animație era deja în desfășurare — a rămas să luăm deciziile stilistice finale și să punem în sfârșit toate acele idei pe hârtie. Deși au trebuit să-și schimbe oarecum planurile în această fază, procesul a fost mai simplu până în acest moment. Uda a fost clar încă de la început că, dacă urma să aducă un omagiu titlurilor clasice ale lui Toei Doga și să-l cufunde în mod credibil pe Yuuta și pe spectator într-un oraș rural din anii 70, tehnicile pe care le-au folosit ar trebui să reflecte și asta. A trebuit să renunțe la ideea de a folosi animația cel, deoarece nu mai era fezabilă din motive mecanice, dar s-a trezit să tragă o linie dură când a fost vorba de tehnicile digitale moderne.
În consecință, Nijiiro Hotaru nu folosește CGi indiferent, în ciuda faptului că prezintă elemente proeminente precum licuricii înșiși, care sunt mai ușor înfățișați cu aceste instrumente. Animația filmului fiind complet desenată pe hârtie și supravegheată de propriul personal specializat a fost, de asemenea, un punct de dispută, o anomalie pentru industrie și în special pentru Toei; în timp ce rapoartele investitorilor lor se mândresc de ani de zile cu cât de mult din volumul de muncă este rapid gestionat în străinătate de filiala lor Toei Phils, Uda știa că multe dintre acele secvențe erau desenate pe tablete, așa că a limitat procesul intermediar la companiile naționale care știa că lucrează exclusiv pe hârtie. Fiecare element al filmului a fost menit să respecte tradiția de animație analogică cât mai mult posibil, chiar dacă asta însemna limitarea activității camerei sau dezactivarea lor cu o subcontractare mai costisitoare.
Cel mai interesant aspect în acest sens a fost proces de compoziție, pe care l-a încredințat în mod deliberat unei fotografii. Un nume moștenit din trecut, când camerele erau de fapt folosite în timpul acestui proces. regizor ca Masao Oonuki care a lucrat în acel rol încă de pe vremea materialelor fizice. Lui Oonuki i s-a cerut să se limiteze la efecte cu aspect practic și chiar să accentueze o distanță fizică între straturile de caractere și fundaluri, similară cu cea pe care ai avea-o atunci când ai stratificat celuloizi. Renunțând la efectul imediat captivant al unei imagini filtrate cu efecte de lumină implicate, Uda a consolidat imersiunea la care ținea de fapt: aruncarea spectatorului în acea lume nostalgică a animației tradiționale, care poate să nu aibă coeziunea calculată a celor mai bune lucrări digitale, dar îți permite pentru a simți mai puternic artizanatul.
Acele idei tradiționale au pătruns în filosofia animației în sine. Echipa a făcut tot posibilul să înregistreze copiii pe care i-ar fi ales pentru a exprima personajele care fac tot felul de acțiuni pe care le-ar face în film, invocând metodele de anumite lucrări Toei Doga. Și odată ce au avut acele imagini de referință pentru a spori autenticitatea, toți indivizii au fost încurajați să deseneze după bunul plac; din nou, încercând să readuc acel sentiment nostalgic dintr-o epocă în care consistența în fișele personajelor nu era apreciată așa cum este acum. Direcția de animație a lui Mori. Direcția de animație (作画監督, sakuga kantoku): artiștii care supraveghează calitatea și consistența animației în sine. S-ar putea să corecteze tăieturile care se abat prea mult de la design dacă văd că se potrivește, dar sarcina lor este în principal să se asigure că mișcarea este la egalitate, fără a arăta prea aspră. Există o mulțime de roluri specializate în direcția de animație – mecha, efecte, creaturi, toate concentrate pe un anumit element recurent. a fost orientat spre protejarea identității personajelor prin gesturi mai mult decât orice stil vizual specific și, astfel, filmul a devenit un spectacol nesfârșit de animație a personajelor, cu mult spațiu pentru interpretări personale.
Fie că este Ochii expresivi și plini de mărgele ai lui Shinji Hashimoto și liniile care curg constant sau atingerea mai blândă a lui Hiromi Ishigami, filmul nu i-a fost frică de schimbarea constantă a stilurilor, dar nu a simțit niciodată că ar fi afectat caracterizarea cuiva.. Nimeni nu a întruchipat această abordare mai bine decât Shinya Ohira, a cărei muncă uimitoare a fost desfășurată atunci când era cea mai eficientă; animația sa trăiește la granița dintre fotorealism și expresionismul suprarealist, despre care Uda știa că va fi cel mai eficient în momentele în care personajele parcurg literal calea dintre viață și moarte. În timp ce filmul s-ar fi justificat perfect pentru a consolida idiosincrazia animatorului de dragul ei, mai ales în contextul aducerii unui omagiu metodelor tradiționale de animație, merită remarcat că a avut în vedere și ale cui stiluri unice să fie implementate unde. Echipa sa a inclus cei mai pricepuți animatori pe care studioul i-a avut la dispoziție, precum și cunoștințe personale adunate de însuși Mori, formând o echipă strânsă în care toți erau conștienți de cele mai bune calități ale fiecăruia.
Punctul culminant al filmului a ajuns să fie animație Ohira pură: toate desenele de aici sunt chei desenate de el și, în cele din urmă, nu a trecut prin niciun fel de corecții, deoarece ar fi consumat prea mult timp și nu s-ar fi simțit ca o secvență în care ideea de corecții chiar se aplică. Dispozițiile pentru tăieturi unice din el se întind pe o lungime de aproximativ 6 metri și chiar și procesul de scanare a fost reglat pentru a prelua cât mai multe nuanțe din desenele sale.
Rezultatul muncii tuturor printr-un proces de producție îndelungat și foarte atent este un film care nu este nimic mai puțin extraordinar. Nu ar fi realist să ne așteptăm ca producția lui Toei să fie plină de lucrări precum Nijiiro Hotaru și, așa cum a mărturisit Uda, tocmai acel sentiment că a fost un proiect special a făcut ca toată lumea să dea tot ce e mai bun. El a contrastat direct lucrul cu munca lor în franciză, spunând că toată lumea apreciază oportunitatea de a lucra la un film care a stat pe cont propriu, cu o libertate artistică extraordinară. Reacțiile lor entuziaste au arătat clar că, deși nu te poți aștepta ca Toei să scoată filme ca acesta – ceva care ar fi antitetic spiritului lor în primul rând – cei mai străluciți creatori ai tăi au nevoie de aceste supape de evacuare.
De mult timp, Toei le-a avut, fie că este o idee vagă de a vinde marfă transformată în proiectul fascinant de pasiune care a fost Kyousougiga sau viziunea asupra lumii a lui Kenji Nakamura, tencuită colorat. prin diferitele titluri pe care le-a regizat în studio. Acum, în 2022, nu pot spune că Toei mai are astfel de proiecte. Și asta este deja o problemă.
În ultimii ani, proiectele alternative ale lui Toei au fost fie foarte compromise, fie anulate. Popin Q a fost un mic film ciudat care a fost împovărat cu responsabilitatea de a acționa ca un proiect aniversar pentru studio, când nu a fost niciodată planificat să fie, iar după ce a avut performanțe slabe, continuarea sa promisă a fost tăiată și în cele din urmă a dispărut. într-o carte. Cea mai interesantă inițiativă de atunci a fost un proiect de a oferi o platformă tinerilor lor angajați prin scurtmetraje, care, după mai multe comunicate de presă care promiteau că va fi un program obișnuit, a dispărut complet după prima intrare sub formă de Megumi Ishitani‘s Jurassic. De atunci, studioul nu s-a concentrat decât pe munca în franciză, în timp ce proiectele unice se înfometează după sprijin intern, sunt deconectate în mod ceremonios sau sunt escrocherii pe care ar fi mai bine să le ignorăm.
Pericolele acestui lucru pentru studio. nu sunt doar teoretice. Unele dintre cele mai populare figuri de la Toei au plecat în ultimii ani, invocând tocmai dorința de a lucra la proiecte care nu aparțin unor francize mai mari, eterne; unii au părăsit mai mult sau mai puțin animația comercială, în consecință, în timp ce alții pur și simplu s-au trezit blocați în diferite francize, în timp ce proiectele lor personale sunt blocate în limbo, pentru că acesta este tipul de industrie despre care vorbim. Uda, care până în prezent este fericit să lucreze cu Toei uneori, în ciuda faptului că s-a distanțat de ei, a spus foarte clar: trebuie pur și simplu să-ți lași personalul să își îndoiască mușchii creativi uneori, într-un mod în care munca în franciză nu le va lăsa niciodată. Nijiiro Hotaru nu avea de gând să înceapă niciodată un nou val de animație analogică, dar cel puțin ar trebui să fie un memento uimitor că artiștii au nevoie de libertate, chiar dacă munca lor nu permite ca asta să fie norma.
Sprijină-ne pe Patreon pentru a ne ajuta să atingem noul nostru obiectiv de a susține arhiva de animație de la Sakugabooru, SakugaSakuga (作画): desen tehnic, dar mai precis animație. Fanii occidentali și-au însușit de mult cuvântul pentru a se referi la cazuri de animație deosebit de bună, în același mod în care o fac un subset de fani japonezi. Destul de parte integrantă a mărcii site-urilor noastre. Videoclip pe Youtube, precum și acest SakugaSakuga (作画): desen tehnic, dar mai precis animație. Fanii occidentali și-au însușit de mult cuvântul pentru a se referi la cazuri de animație deosebit de bună, în același mod în care o fac un subset de fani japonezi. Destul de parte integrantă a mărcii site-urilor noastre. Blog. Mulțumim tuturor celor care ne-au ajutat până acum!
