The Summer Hikaru Died/Animeul lui HikaNatsu a fost conceptualizat în jurul direcției aventuroase a lui Ryohei Takeshita, dar fără a pierde din vedere ideile de bază ale autorului. Cu o continuare la orizont, este timpul să aflați mai multe despre o producție fascinantă.
Există o serie de termeni pe care poate i-ați întâlnit atunci când ascultați cunoștințele creatorilor de anime, mai ales dacă vorbesc pentru magazine specializate cu un public foarte investit. Acest lucru nu se datorează faptului că sunt cele mai tehnice expresii. În orice caz, ele sunt ușor fără sens atunci când sunt analizate prin realitatea literală a producției, dar artiștii implicați în proces le apreciază ca fiind o terminologie utilă și evocatoare. Sigur, sakugaSakuga (作画): desen tehnic, dar mai precis animație. Fanii occidentali și-au însușit de mult cuvântul pentru a se referi la cazuri de animație deosebit de bună, în același mod în care o fac un subset de fani japonezi. Destul de parte integrantă a mărcii site-urilor noastre. anime s-ar aplica din punct de vedere tehnic oricărei lucrări cu componente de animație 2D, iar asta înseamnă deja interpretarea cuvântului cu un înțeles mai restrâns decât poate conține. Când vezi oameni din industrie sau orbitând îndeaproape în jurul ei, folosesc acea expresie, totuși, ea pictează o imagine specifică: cea a anime-ului în care talentul și intenția mișcării, precum și calitatea pură a operei de artă, sunt elementele centrale ale experienței.
Deși aceasta este cea mai comună versiune a termenului, vei întâlni uneori și unghiuri mai specifice, evidențiind și unghiuri mai specifice ale acestor sfere. Este corect să considerăm anime-ul de aspect ca un subset al sakugaSakuga (作画): desen tehnic, dar mai precis animație. Fanii occidentali și-au însușit de mult cuvântul pentru a se referi la cazuri de animație deosebit de bună, în același mod în care o fac un subset de fani japonezi. Destul de parte integrantă a mărcii site-urilor noastre. anime, referindu-se în acest caz la lucrări în care reprezentarea fizică a spațiului este o atracție majoră; Fie că se potrivește cu psihologia personajului sau prin excelența tehnică, astfel de lucrări strălucesc prin încadrare într-un mod care transcende scenariile lor. În cazurile în care picturile de fundal nu sunt doar frumoase, ci și au o importanță vizibilă, nu este neobișnuit să vorbim despre bijutsu/anime de artă. Puteți găsi chiar și exemple de editare anime, cum ar fi foarte distractivul Pompo The Cinephile al lui Takayuki Hirao. Fiind un film care înfățișează literalmente editarea filmului, în timp ce este construit în jurul fluxului ciudat și plăcut al lui Hirao, nu este surprinzător că aceasta a fost încadrarea îmbrățișată de regizor însuși.
Din nou, acești termeni nu se referă la sarcinile unice în nici un fel de producție. De asemenea, nu ar trebui interpretate ca fiind singurii pași importanți ai procesului; Privind înapoi la exemplul Pompo, este clar că o mare parte din satisfacția viscerală din tranzițiile lui Hirao începe cu propriile sale storyboard-uri, mult mai devreme decât are loc faza de editare. Ceea ce fac aceste expresii este doar să sublinieze aspectul care se va simți esențial pentru experiență pentru spectator, ceea ce le face, de asemenea, destul de utile pentru regizorii care trebuie să comunice cu echipele lor în fazele incipiente ale unui proiect.
Și, chiar de la începuturile The Summer Hikaru Died/Directorul serialului anime HikaNatsu,監監監kantoku): Persoana responsabil de întreaga producție, atât ca factor de decizie creativ, cât și ca supervizor final. Ei depășesc restul personalului și în cele din urmă au ultimul cuvânt. Cu toate acestea, există seriale cu diferite niveluri de regizori – director șef, director adjunct, director de episoade de serie, tot felul de roluri non-standard. Ierarhia în acele cazuri este un scenariu de la caz la caz. Ryohei Takeshita avea ceva clar: urma să fie un anime enshutsu. Adică un spectacol care subliniază experiența imediată prin punere în scenă complicată și instrumente unice. Unul în care aspectul senzorial devine piesa centrală incontestabilă. Ideea a fost atât de fundamentală încât a transmis-o nu doar echipei și, în cele din urmă, telespectatorilor prin alegerile de execuție, ci chiar și producătorilor atunci când proiectul era doar un pitch. De fapt, a fost, de asemenea, unul dintre primele lucruri pe care Takeshita le-a comunicat autorului original, care a găsit-o o modalitate excelentă de a îmbogăți o adaptare pe care ați putea-o viziona mereu.
Într-un interviu pentru Anime Corner, producătorul CyberAgent, Manami Kabashima, datează acele discuții inițiale despre o adaptare anime încă din mai 2020, producția nu va începe cu adevărat până în mai 2022. mai târziu, când seria director Director de serie: (監督, kantoku): Persoana responsabilă cu întreaga producție, atât ca factor de decizie creativ, cât și ca supervizor final. Ei depășesc restul personalului și în cele din urmă au ultimul cuvânt. Cu toate acestea, există seriale cu diferite niveluri de regizori – director șef, director adjunct, director de episoade de serie, tot felul de roluri non-standard. Ierarhia în acele cazuri este un scenariu de la caz la caz. și-au clarificat programul în jurul lunii octombrie 2023. Într-o conversație mai largă pentru numărul din septembrie 2025 al revistei PASH!, care a implicat nu doar Kabashima, ci și producătorii Kadokawa, Chiaki Kurakane și Toshinori Fujiwara, acesta din urmă confirmă că a contactat diverse studiouri în jurul lansării primelor două volume manga (din 22 martie până în 2020). 2022) înainte de a se stabili în această echipă la Cygames Pictures condusă de Takeshita.
Când a fost vorba de a face această alegere, claritatea viziunii lui Takeshita a oferit producătorilor încredere. În loc să caute un regizor blând care să se aplece la alegerile lor, ei par să fi înțeles că captarea atractivității lui HikaNatsu se bazează pe elementele intangibile, cel mai bine lăsate creatorilor geniali cu idei specifice. De aceea, li s-a părut reconfortant faptul că Takeshita a fost foarte vocal și părtaș cu privire la procesul de recrutare a personalului, îndreptându-l preventiv spre ideea unui anime enshutsu. Partea pozitivă a alegerilor făcute atunci va fi unul dintre punctele de atenție atunci când vom aprofunda în episoadele în sine, dar înainte de a ajunge la acel punct, ar trebui să risipim un mit tentant: ideea că Takeshita a adoptat această abordare pentru a ocoli limitările producției.
Este important să fim clari cu privire la faptul că producțiile CyPic nu sunt, așa cum s-ar aștepta ca regizorul să fie la fel de plin de farmec, Takeshita ar trebui să fie întotdeauna. nicio motivație externă pentru a experimenta. În timp ce ascensiunea unui studio susținut de o companie masivă și lansările de pietre uimitoare precum Beginning of a New Era proiectează o aură de producții scumpe și de mare profil, nu toate proiectele CyPic sunt create la fel. Și, pentru a fi mai precis, creșterea mare a producției lor în ultima vreme a făcut ca mulți dintre ei să fie nevoiți să depășească colțuri vizibile.
Aceste limitări se manifestă în diferite moduri; începerea proiectelor devreme, dar și stabilirea unor termene limită care limitează posibilitățile personalului, refuzul de a intra în războaiele actuale de licitații pentru a-și asigura animatori de top, zgârcindu-se oarecum cu studiourile de asistență și, în general, stabilind un nivel mai scăzut atunci când vine vorba de desenul lucios decât și-ar dori proiectele de profil superior. Rețineți că acesta este ceva cu care au scăpat-nu întotdeauna, îmi pare rău pentru tipul de adaptare copleșitoare a lui Cinderella Grey-pentru că au lucrat cu multe echipe inteligente și pline de resurse. Și așa, meritul ar trebui să le revină mai mult lor decât mediului.
Acest lucru este adevărat și pentru HikaNatsu. Există o mulțime de indivizi excepționali în cadrul acestui personal de bază ales de Takeshita, dar când a venit să dezvolte restul echipei, el s-a descurcat cu o formație mai modestă. Având o viziune atât de clară, totuși, el a putut să se potrivească perfect și încă trecute cu vederea cunoștințelor în regia episodului. Regia episodului (演出, enshutsu): o sarcină creativă, dar și de coordonare, deoarece implică supravegherea numeroaselor departamente și artiști implicați în producerea unui episod – aprobarea machetelor de animație alături de directorul de animație, personalul de artă al echipei, supravegherea departamentului de animație, personalul de artă al echipei… rol există și în filme, referindu-se la persoanele responsabile în mod similar de segmente ale filmului. îndatoririle. Doar premiera este dovada atât a succesului, cât și a limitărilor lor. Arta sa oarecum aspră a personajului poate fi în contradicție cu renumele proiectului, în special cu puținii invitați grozavi de animație care își fac apariția. Regizorul nu a ascuns niciodată cum programul a devenit destul de problematic pe măsură ce se apropia de sfârșit, dar merită remarcat că au dobândit un sentiment de stabilitate în ciuda acestor circumstanțe. Sigur, anime-ul HikaNatsu nu se poate egala cu luciul celui mai înalt profil anime TV – să nu mai vorbim de calitatea ilustrativă a manga – dar reușește să rămână în jurul aceluiași nivel acceptabil pentru întreaga transmisie. Dacă ar fi fost prea ambițioși cu standardele lor în episoadele anterioare, serialul s-ar fi prăbușit în jumătatea din spate.
Flexibilitatea care le-a permis să se adapteze la circumstanțele producției este o calitate pozitivă, una pe care o putem lega atât de echipa Takeshita, cât și de personalul de management al CyPic. Cu toate acestea, așa cum am menționat anterior, nu ar trebui să atribuim cauzalitate acolo unde nu există. Asta înseamnă că Takeshita și-a dorit întotdeauna să creeze un anime horror atmosferic, experimental – un gen pentru care și-a arătat interesul când vorbea cu ANN. Sincer, nici măcar nu era nevoie de o astfel de confirmare, deoarece era ceva ce se simțea întotdeauna în opera lui; desigur că excentricul regizor care iubește să imite camerele portabile era pasionat de groază captivantă. Există un motiv pentru care era atât de sigur că vrea să creeze un anime enshutsu cu mult înainte de a avea măcar un gust din acele circumstanțe de producție: aici se află interesele lui Takeshita, iar natura acestei serii a fost scuza perfectă pentru a le folosi.
Nu este limitarea care a dat naștere strălucirii lui HikaNaher, ci oamenii care sunt creați în ea. Circumstanțele sale medii de producție (foarte departe de a fi cele mai rele când vine vorba de anime-ul TV actual, pentru înregistrare) nu sunt ceva de sărbătorit, deoarece spectacolul ar fi putut fi și mai bun cu programe mai ample și mai multe resurse. Aceștia nu și-ar stingheri marginea, ci mai degrabă deschiderea ușilor către tipul de actorie nuanțat pe care nu le-ar putea realiza, către desene de impact imediat care ar putea concura cu materialul sursă în acest sens. În orice caz, ar fi fost și mai experimental, deoarece metodele neobișnuite de care este interesat Takeshita tind să dureze mai mult timp pentru a se realiza. Deși nu aș lua de la sine înțeles, văzând cum aceasta devine o tendință în studio, putem spera că succesul său îi motivează pe producători să susțină continuarea deja anunțată atât cât merită.
Având în vedere unghiul declarat în mod explicit al regizorului, a trebuit pur și simplu să începem să încadrăm această adaptare prin optica anime-ului enshutsu. Este modul în care și-a imaginat adaptarea de la început și o modalitate excelentă de a aborda groaza. La urma urmei, vorbim despre un gen în care experiența captivantă, moment în moment, este cheia. Cu toate acestea, pentru cât de reușit poate fi în mâini ca ale lui Takeshita, obsesia pentru micro cu prețul macro ar fi putut în cele din urmă să creeze o experiență goală. Unul în care ești atras de fiecare scenă, dar de care pleci fără o impresie durabilă și rezonantă. Dacă nu ar fi luat în considerare temele sale generale și ideile atrăgătoare prezentate de autorul original Mokumokuren, acesta ar fi putut fi cazul, chiar și cu nivelul de storyboarding inspirat pe care l-am obținut.
Takeshita nu a fost singurul în dorința de a păstra ideile de bază din spatele seriei. Alături de el a fost, de exemplu, autorul care a venit cu ele. Mokumokuren a spus de mai multe ori că, deși nu au experiență anterioară cu proiecte de adaptare, își imaginează că sunt mult mai implicați decât au tendința de a fi autorii. Acesta este ceva afirmat în Newtype octombrie 2025, cu Mokumokuren, Takeshita și Murayama, dar cel mai amuzant exemplificat în Comic Nataliemasa rotundă dintre autorul respectiv și interpretul de deschidere Vaundy. Acolo, acesta din urmă a explicat că nu au participat niciodată la o întâlnire cu autorul înainte ca acesta să creeze o melodie pentru ei. Deși procesul de producție a fost fundamental obișnuit, chiar și atunci când vine vorba de prezența creatorului original, proactivitatea lui Mokumokuren în întâlnirile obișnuite-și sarcini suplimentare, cum ar fi scenariul color pentru secvența de deschidere-au dus la o situație în care ideile prețuite ale autorului au rezonat puternic în adaptare.
Atenție, există mai degrabă un motiv care ne interesează despre acest concept, decât despre un concept specific. a materialului sursă. Animeul HikaNatsu nu a ezitat niciodată să schimbe povestea originală, cu atât mai puțin să ajusteze execuția pentru a profita de natura noii sale pânze. În conversația Newtype menționată mai sus, Mokumokuren își amintește prima lor întâlnire cu Takeshita, în care regizorul a întrebat dacă ar putea schimba lucrurile imediat – „nu te deschide cu asta!”, s-a gândit amuzat autorul. De fapt, ambii au fost de acord cu privire la necesitatea modificării anumitor aspecte. Multe dintre modificările propuse (inclusiv cele la scară mai mare) s-au născut din sugestiile lui Mokumokuren, sau cel puțin din colaborarea lor strânsă cu Takeshita. Mă simt încrezător spunând că unele dintre aceste ajustări au ridicat emisiunea TV. Și, în ceea ce privește cele despre care cred că au rezultate mai amestecate, încă pot admira intenția clară și ascuțită pe care o prezintă. Încă o dată, lecția este că autorii înțeleg nevoia inerentă de schimbare a adaptărilor mai bine decât bazele de fani vocali.
Atunci, despre ce este HikaNatsu la bază? Premisa sa este pe cât de simplă, pe atât de convingătoare. Suntem transportați într-un cadru rural destul de izolat, urmându-l pe introvertitul băiat de liceu Yoshiki Tsujinaka. În ceea ce aflăm treptat că era ritualul secret al satului lor, cel mai bun prieten al său, Hikaru, a dispărut înainte de începutul seriei. O poveste potențial tragică care părea să aibă un final fericit când a apărut din nou, confuz, dar suficient de sănătos. Dar asta este, într-adevăr, doar suprafața. Oricare ar fi ceea ce locuiește acum pe pielea lui nu mai este persoana pe care Yoshiki o cunoștea. De fapt, nu este deloc o persoană; „Hikaru” este o ființă supranaturală care a venit în această lume fără un sentiment de sine, cu atât mai puțin moralitatea umană. Cei doi devin intrinsec legați în această reconstituire directă a experimentul de gândire Swampman, ceea ce obligă cititorul-și copiii săraci care trec în această situație-să se gândească la ceea ce face o persoană cu adevărat importantă ca o poveste a acelei părți.
o poveste. adică acele idei sunt inseparabile de altceva: oroarea conformității și, dimpotrivă, alura alterității înfricoșătoare. Dacă bodysnatching este un clasic horror, la fel este și legarea atmosferei opresive a unui mediu rural de supranatural. Pentru Yoshiki, viața de zi cu zi asfixianta nu a început când a apărut „Hikaru”. S-a întâmplat cu mulți ani înainte, deoarece s-a săturat de toți adulții care îi spuneau să taie bretonul cu care se simte mai confortabil. S-a întâmplat când și-a dat seama că nu poate scăpa de șoaptele despre familia lui; mama lui din afară, sora lui care nu merge la școală, el însuși. Și mai ales, a făcut-o când a interiorizat că propria sa sexualitate este neobișnuită și este tratată ca o abatere grosolană de la normă. Hikaru nu era doar prietenul lui, ci o persoană de care era atras din punct de vedere romantic și sexual. Acum că a plecat și a fost înlocuit de o creatură nemaipomenită, lucrurile sunt pe cale să devină mult mai complicate.
În acest sens, Mokumokuren a devenit din ce în ce mai explicit despre ce este HikaNatsu, precum și despre ce nu este. Dacă reveniți pentru a citi inițial-shot-ul său, cu siguranță veți observa că multe pagini sunt exact aceleași cu începutul serializării. Ceea ce veți observa, totuși, este că cele două personaje principale procedează rapid să împărtășească un sărut și să înceapă o comedie romantică la fel de normală pe care o puteți avea în astfel de circumstanțe. Cu toate acestea, nu aceasta este calea pe care a parcurs-o întreaga poveste. După cum Mokumokuren a fost forțat să spună de multe ori din cauza presiunii ventilatorului din mai multe unghiuri, HikaNatsu este o poveste non-romantică queer. Există mai multe motive care i-au împins în această direcție: convingerea că este important să disociezi ciudatul de romantism, dorința de a ajunge la tot felul de oameni care se simt respinși de normele societale și, cel mai important, dragostea lui Mokumokuren pentru celălalt.
Acest punct final este făcut în narațiunea anterioară, dar eu cred mai degrabă explicit în relatarea anterioară. fi cel mai amuzant rezumat al lui. În esență neîndemnat, autorul continuă să dezvăluie împotriva Frumuseții și Bestiei și a tuturor poveștilor care urmează modele similare. Ca cineva care este atras de aberații – percepând alura și respingerea lor ca pe un cocktail îmbătător – ideea că un final fericit implică transformarea lor într-o ființă umană obișnuită este ofensatoare pentru Mokumokuren. Pentru că, pe cât de important a fost să definești sentimentele lui Yoshiki într-un mod precis, la fel a fost și să protejăm natura anormală, de neînțeles a lui „Hikaru”. O poveste de dragoste simplă așa cum este înțeleasă de societatea umană ar implica inevitabil demonstrarea lui „Hikaru”, ceea ce autorul detestă. În timp ce serialul este foarte mult despre dragoste și oricine are o apreciere pentru picante va vedea acest scenariu doar ca și mai gustos BL, este important să înțelegem de ce autorul original nu este îndrăgostit de etichete. La urma urmei, a-i împinge agresiv pe aceștia înseamnă, de asemenea, a impune acea viziune centrată pe om, care nu le place.
Ai putea veni cu o viziune atât de interesantă, coerentă în interior și totuși să reușești să găsești execuția. Dar acesta este HikaNatsu, seria care a atras atenția tuturor pentru că livrarea sa este atât de inspirată. Chiar și cu propriile sale interese înclinate în această direcție, Takeshita poate să nu fi fost forțat să meargă all-in pe unghiul anime enshutsu dacă Mokumokuren nu a fost genial în a sintetiza acele teme în imagini care ți se potrivesc. Dintre multele instrumente pe care autorul le folosește în acest proces, există un fel în special care a fost menționat în fiecare interviu pe care l-am menționat până acum. Și, în mod realist, în majoritatea celor pe care nu le-am adus încă în discuție, cum ar fi conversația lui PASH cu art directorArt Director (美術監督, bijutsu kantoku): Persoana responsabilă cu arta de fundal pentru serial. Ei desenează multe tablouri de artă care, odată aprobate de directorul serialului, servesc drept referință pentru fundalurile din întreaga serie. Coordonarea în cadrul departamentului de artă este o necesitate – designerii de decor și culori trebuie să lucreze împreună pentru a crea o lume coerentă. Kouhei Honda. Dacă ați citit vreodată HikaNatsu, probabil știți că vorbim despre utilizarea lui SFX, onomatopee și evocarea generală a sunetului.
Capturarea întregii lățimi a acestui aspect în anime ar necesita o direcție a sunetului mai mult decât grozavă, dar să nu ne înșelăm, ar trebui să începem cu asta. Takeshita s-a gândit la fel de mult când a venit cu numele de Kouji Kasamatsu pentru a da formă sunetului omniprezent, aproape palpabil; și la fel ca în alegerile anterioare, și pentru că căutase personal o scuză pentru a lucra cu el. S-ar putea să fi înțeles că Takeshita este direct implicat și în acest aspect, câștigându-și rolul de director de sunet (ongaku kantoku). Între timp, Kasamatsu este listat în rolul non-standard de ongaku enshutsu. Într-adevăr, cuvântul cheie pentru întreaga producție, după cum se dovedește.
Într-un interviu cu JINS PARK, Kasamatsu dezvăluie modul în care s-a intersectat cu anime-ul, precum și de ce preferă acel credit specific. Cariera sa profesională a început ca tehnician de efecte sonore în programe de televiziune, deși adevărata lui pasiune a fost filmul. Și pentru că era pasionat, a fost și critic – motiv pentru care a găsit sunetul din filmele japoneze ca fiind oarecum dezamăgitor. Lucrând cu o Digital Audio Workstation de ultimă generație pe care o achiziționase șeful său, făcea experimente precum editarea propriului trailer al Patlabor: The Movie în timp ce înlocuia sunetul cu ceva care se ridica la standardele sale. În acest proces, el a atras atenția producătorilor mașinii și, în cele din urmă, a personalului audio al lui Patlabor.
Prin acel incident distractiv, ușile animației și filmului s-au deschis pentru Kasamatsu. Fiind atât de deosebit, îi place să fie implicat de la primele etape (ca o parte proactivă în planificarea coloanei sonore) până la sfârșit, modificând dialogul și sincronizarea cu privire la tăierile finale. El este conștient de faptul că o astfel de poziție tinde să fie etichetată ca un ongaku kantoku deosebit de influent, dar din moment ce nu este un mare fan al aurei impunătoare pe care o au acele cuvinte, el preferă să meargă cu ongaku enshutsu care sună mai umil. Așa a fost creditat în mai multe proiecte Ghibli, inclusiv în perioada în care Miyazaki i-a cerut să conceptualizeze toate efectele sonore din The Wind Rises ca zgomote create de om. El a devenit persoana exclusivă pentru icoanele animației teatrale japoneze. Și cu HikaNatsu, el a fost în fruntea unui anime TV pentru prima dată în peste un deceniu. Puteți număra de câte ori s-a întâmplat acest lucru cu o singură mână și veți avea încă degete de rezervă. Chiar și personajul din serial, căruia îi place prea mult să sacrifice părți ale corpului său, ar putea reuși.
Un alt aspect central al adaptării împărtășește protagonismul cu sunetul pentru o scenă la fel de puternică, în special pentru spectatorii care nu sunt conștienți de premisa serialului. Este ceea ce dă formă adevăratei naturi a lui „Hikaru” – o formă distinct de lipicioasă, fascinantă. În momentul în care adaptarea a fost anunțată, fiecare fan a înțeles imediat de ce Takeshita l-a cercetat personal pe Masanobu Hiraoka ca artistul încredințat cu acel rol specific. Stăpânirea sa în transformarea mișcării în lucrări independente i-a câștigat uneori o poziție în proiecte comerciale de mare profil, deși stilul unic îl face incompatibil cu majoritatea anime-urilor.
Majoritatea anime-urilor, dar nu HikaNatsu, unde se potrivește cu (ne)naturalitatea perfectă. Formele fluide ale lui Hiraoka sunt fascinante, la fel ca actualul „Hikaru”, de care Yoshiki nu se poate opri să fie atras în ciuda pericolului clar. Formele în schimbare amintesc de structurile biologice pe care le puteți găsi în celule; și totuși, ele sunt fundamental diferite, potrivindu-se cu efectul pe care îl obțin ororile fractale ale lui Mokumokuren. Animeul trece la aceste tăieturi speciale ori de câte ori intenționează să accelereze groaza, dar ele sunt probabil cele mai eficiente atunci când coexistă cu evenimentele obișnuite. În acest sens, puține scene sunt la fel de memorabile precum adaptarea scenei care l-a ajutat inițial să decoleze: „Hikaru” se topește în timp ce Yoshiki întreabă cine este cu adevărat.
Cred că este important să văd acești stâlpi ai groazei lui HikaNatsu nu ca elemente distincte, ci ca parte a rețelei interconectate pe care le formează. În ciuda diversității absolute de tehnici pe care le folosește fiecare regizor de episod, toate se unesc într-o textură unificatoare care este strâns legată de temele discutate mai devreme. HikaNatsu este lipicios, vâscos. Un fluid care se scurge peste tot. La fel ca căldura verii, surprinsă atât de precis de direcția artistică a Honda, designul de culoare al Naomi Nakano și compoziția lui Tomohiro Maeda. Zdrobirea negrilor în umbră și ajustarea inconfortabilă a contrastului ar putea fi alegeri nedorite în alte serii, dar se potrivesc cu neliniștea atotcuprinzătoare a lui HikaNatsu. Până și rolul lui Hiraoka primește numele de animație dorodoro, după onomatopeea din manga. Din nou, aceasta leagă îndeaproape oroarea care se scurge cu o formă de sunet. Ambele aspecte împărtășesc această textură, cum ar fi presiunea societății care curge în jurul lui Yoshiki, indiferent unde se află. Toate acestea sunt neplăcute, dar nu poți privi în altă parte. Aceasta este relația complexă cu necunoscutul pe care Mokumokuren vrea să-l evoce.
Chiar și Takeshita fiind atât de pe deasupra tuturor, anime-ul HikaNatsu nu ar fi pe jumătate la fel de convingător dacă fiecare episod dintre cele pe care le-ar fi experimentat într-o povestire proprie. Din fericire, procesul de angajare care a dat încredere producătorilor s-a dovedit a fi la fel de ascuțit pe cât speraseră. Următoarele episoade arată cum sosirea altor regizori nu împiedică producția să danseze inventiv în jurul limitărilor sale, întărindu-și ideile în acest proces. Atentie, al doilea mar nu a cazut departe de copac; Episodul #02 a fost regizat și regizat de promițătorul Mitsuhiro Oosako, un animator Dogakobo care a absorbit multe trăsături de la regizorii activi în prezent în studio. Deoarece una dintre cele mai notabile personaje principale din acel grup este Takeshita însuși, nu este surprinzător că Oosako a făcut clic atât de frumos în această serie.
În timp ce Yoshiki încearcă să proceseze tot ce s-a întâmplat, de la smulgere de cadavre până la o crimă care cu siguranță nu are legătură cu „Hikaru”, Oosako își subliniază subiectivitatea prin recurente fotografii prin ale lui breton. Acesta este tipul de alegere a încadrării atât de evidentă pe care nimeni nu i-ar putea rata sensul și, totuși, cele mai eficiente ilustrații ale episodului despre spațiul capului lui Yoshiki sunt din nou cele care traduc în presiunea asfixianta pe care o simte. Cea mai strălucită alegere din episod literalizează glumele lui Yoshiki despre măruntaiele care se simt ca de pui, prin utilizarea fotografii live de carne. Ceea ce este amuzant inițial devine imagini bântuitoare atunci când crapă sub presiune. Mâinile întinse devin pâlcuri realiste de carne de pui desenată, cu o fotografie mai reală. Un nume moștenit din trecut, când camerele erau de fapt folosite în timpul acestui proces. interstițiale transformând obișnuitul în ceva revoltător. Desenele respingătoare întruchipează efectul neobișnuit de vale pe care Mokumokuren îl armonizează adesea, dar prin percepția sa subiectivă, putem încă simți o atracție îmbătătoare. Se întâmplă lucruri rele și băiatul nostru este în mod tragic atras de ei.
În schimb, cel de-al treilea episod este o alegere de personal mai riscantă. Este de remarcat faptul că Asaka Yokoyama este un mare fan al serialului, așa că nu este o mare surpriză că a înțeles atât de bine natura acestuia. Echipa trebuie să fi fost de acord, având în vedere că ea a animat deja marea răsturnare în premieră alături de Hiraoka. Și totuși, felul în care a ajuns acolo nu a fost la fel de sigur ca regizorul de serie Director de serie: (監督, kantoku): Persoana responsabilă de întreaga producție, atât ca decident creativ, cât și ca supervizor final. Ei depășesc restul personalului și în cele din urmă au ultimul cuvânt. Cu toate acestea, există seriale cu diferite niveluri de regizori – director șef, director adjunct, director de episoade de serie, tot felul de roluri non-standard. Ierarhia în acele cazuri este un scenariu de la caz la caz. încredinţând un episod unui elev de-al său. Când anime-ul a fost anunțat pentru prima dată, la câteva luni în procesul de producție, ea l-a sărbătorit și a implorat imediat echipa să o lase să lucreze în serie. Acesta nu a fost nici măcar un lucru nou pentru ea, deoarece spera public că va putea desena storyboard-uri pentru o adaptare ipotetică HikaNatsu din 2022, când au fost publicate doar câteva capitole. În ciuda faptului că avea puțină sau deloc experiență de regizor la acea vreme, Asaka pare ca o artistă cu idei, așa că echipa a primit-o repede (prin producătorul de animație Kenta Ueuchi) printre rândurile lor.
Acest pariu a dat roade, poate pentru că își petrecuse cu adevărat ani de zile imaginându-și ce ar face cu HikaNatsu dacă ar fi animată. Într-un mod asemănător cu escaladarea treptată a fricii din manga, episodul ei stabilește un ritm clar prin repetare. Imaginile și amintirile recurente devin mai corupte cu cât le vedem mai mult, într-o cadență care se simte inconfortabil de la sine. Acest lucru duce la explozia de sentimente umane și instincte inumane; transmis prin reimaginări ale panouri memorabile, acele instrumente recurente precum sunetul și Hiraoka ooze, precum și propriile ei completări, cum ar fi lucrarea în linie care evocă inumanitatea. Overall, Yokoyama’s sharpest choice may be the expression of the connection between HikaNatsu’s horror and the setting. Yoshioka’s forms morph from mountain to person, set to photographic materials gathered during every director’s scouting trips to the location of this tale. It’s in moments like this that you can feel how long she has spent imagining this series in motion.
Even with more measured delivery, the fourth episode continues to unravel the mysteries about the village in a compelling way. Rather than the adventures of Yoshiki and “Hikaru”, though, it’s about time we mention the part of the story that has seen the most fundamental changes in the anime. As far as the manga is concerned, both the reader and protagonist spend a fair amount of time completely in the dark, without any idea of the truth about the nature of “Hikaru” and how that relates to local beliefs, rituals, and the past. Contrary to that, the anime immediately dangles a parallel narrative thread. One that features adults in the village scrambling to solve this issue, the mysterious Tanaka, and even the existence of a company with an eerie desire to control the supernatural.
The loss of the disorienting feeling in the early stages of the original is a genuine shame. There is real value to the mystique you can only evoke when the audience doesn’t even know what it doesn’t know, merely feeling that they’re lost in a scary place. However, Mokumokuren and Takeshita’s interesting justifications make it easier to buy into this change. In spoon.2Di vol.125, the author confirms that they were the one who asked for Tanaka’s introduction to happen much earlier. With a second chance to visit their own story, they wanted to showcase the width of its world faster than they originally unraveled. Despite being a very particular creator and thus likely to plan ahead as much as possible, it’s clear that HikaNatsu‘s scope grew a bunch after its earliest stages. With the anime, Mokumokuren hopes to encompass all of it from the beginning, as opposed to a manga where you’re confined to specific viewpoints and plotlines at the beginning.
A fair stance, though it’s Takeshita’s input—as someone who was also onboard with this change—that I find most interesting. The director instead framed it in relation to the fact that the HikaNatsu anime doesn’t exist in a vacuum. The manga blew up in popularity coming out of nowhere, from a completely unknown author. The readers who stumbled upon it were immediately hooked by its initial twist, spreading the series through word of mouth to equally unprepared newcomers. Compared to that, this anime adaptation is being released at a point where HikaNatsu is a massive hit. Even if you haven’t read it, chances are that you’ll at least know about the gooey nature of “Hikaru”; and if you don’t, any promotional video for the anime will show as much. Since this environment lessens the original hook, he was partial to frontloading the mystery aspects so that new viewers felt strongly drawn to the series, even if they were already familiar with the imagery that once shocked readers. Again, I believe that the manga’s progression is more effective, but you can’t deny that a lot of thought went into this adaptation.
The sixth episode is instead led by an in-house regular in FuKarenki Kataoka, assisted in episode directionEpisode Direction (演出, enshutsu): A creative but also coordinative task, as it entails supervising the many departments and artists involved in the production of an episode – approving animation layouts alongside the Animation Director, overseeing the work of the photography team, the art department, CG staff… The role also exists in movies, refering to the individuals similarly in charge of segments of the film. duties by Shinya Kawabe. It begins on a more contemplative note, leaning on tricks like associating the movement across physical space to metaphorical sliding in and out of memories, as well as shifts in tone. You can only go so far in this show before things get really tense, though, and so that calmer delivery makes way for more unsettling framing. “Hikaru” feels like a member of their group of friends at school may have found out about its nature and nearly kills her, being stopped at the last second by Yoshiki. The latter is forced to accept that the person he cared for is long gone, replaced by a creature who doesn’t even comprehend the concept of life, let alone its weight. To complete HikaNatsu’s contradictory puzzle, the episode dedicates a gorgeous sequence to illustrate the world as perceived by this otherworldly being. At a point where Yoshiki fears “Hikaru” may be beyond redemption, with inhumanity becoming synonymous with ruthlessness, there is so much beauty to its perception. Mokumokuren can rest assured—this show really gets the conflicting nature they wanted to capture.
Following up on that, episode #07 marks the return of Takeshita to storyboarding duties. This was an episode brought up by multiple staff members as the one they’d been looking forward to, and it’s easy to understand why. It’s also among the ones that begin on a quieter note, but you can immediately tell that something is off. That numb dread continues until we see that, in his desperation to take responsibility for the monster he has been hiding, Yoshiki attempts to kill “Hikaru”. The most viscerally upsetting moment in Takeshita’s delivery isn’t Yoshiki’s failure to do so, but “Hikaru” responding by tearing himself apart, making himself less dangerous so that he can remain with Yoshiki. As he accepts this deal, proposing to research its true nature, Takeshita’s direction takes a turn for the ominous; did you expect a comforting, pleasantly romantic framing? Sorry, we do things a bit messier over here.
Through his contributions to anime like 86, KoiAme, and G-Witch’s first cours, Ryo Ando has become a bit of a favorite on this site; and for the record, because of Pripara and Love Live as well, since those are the ones that actually tell us about his directorial school. Skilled as he is, being entrusted with an episode sandwiched by high-priority moments in the story forced him to take a more moderate stance for HikaNatsu #08. Regardless, you can still feel his compositing-focused direction with a particularly red sunset; dyed in the blood corresponding to the first murder by “Hikaru”, with consequences it still isn’t capable of understanding. Those two aren’t the only ones casting eerie shadows either, as Tanaka has investigated enough to find out that they’re involved with the supernatural happenings in the village. As its ghoul nearly catches them, the usual unnatural sound is accompanied by appropriately inhuman movement.
While other regulars had to assist him this time around, episode #09 marks the return of Oosako to directorial duties. This seems to confirm the suspicion that he’s a very effective sponge. Not one that regurgitates the exact same tricks used around it, but rather one that absorbs from its surroundings and synthesizes new things. Using the camera’s physical traversal (and putting that reference footage to good use) to transition through different points in time is something we’ve observed in previous episodes, but Oosako’s touch makes it all more gripping. Even the supernatural equivalent of a heads-up can become an unsettling relay of techniques. The reason why the staff were particularly giddy about the broadcast of this episode, though, was to feast upon people’s reactions as the protagonists’ investigation is truncated… and so is someone’s head, when Tanaka arrives and beheads “Hikaru”. Oh dear.
The tension from that event immediately carries over to episode #10, which was effectively co-produced by studio NUT. Its mainstay creators Yutaka Uemura and Hitomi Taniguchi storyboarded it, and the studio was involved in its management as well, so it’s fair to say that it draws a meaningful amount from a different company altogether. There’s always a risk of diluting your carefully crafted identity when reaching out, but the first scene should be enough to lessen those worries. Again, you only need to witness the role of sound in establishing the chaos of the moment. As the two recover, surprisingly left alone by Tanaka, the episode leans on striking imagery to give some spice to the investigation of the legends behind “Hikaru”. Even in that regard, it understands that it would be a betrayal of HikaNatsu’s identity if they uniformly stuck to a more standard style. By using the adaptation’s favorite tools and boarding a few remarkable shots, an episode conceived elsewhere manages to slot in nicely within this show. Better than the actual outsiders do in this village, at any rate.
And indeed, this feel-good moment ends halfway through the episode. Through the neck wound Tanaka left as a present to “Hikaru”, its most dangerous instincts begin leaking. With it, and under the direction of Aimi Yamauchi, so do the more radical stylistic choices; the Hiraoka-like morphing horrors, the aggressive sound direction, and involved camerawork to enhance the chase. Although the situation is quickly under control, “Hikaru” is shocked over having come close to harming Yoshiki yet again. It may lack a human grasp of mortality, but it understands that Yoshiki’s death would put an end to a relationship it treasures. And so, it makes a decision: it’ll leave this village, hopefully attracting all the supernatural beings away from Yoshiki in the process. Incidentally, the production of this episode was managed by friend of the site Hayato Kunisada aka eichiwai, which explains the much higher participation of animators recruited online. Solid job, at a point where the schedule had clearly decayed.
The situation wasn’t any easier for Takeshita in the finale, but that didn’t stop him from writing, storyboarding, and directing it on his own. Right off the bat, he nails the melancholy of a planned goodbye. His casual emphasis on the elements that represent the end of a school term coincides with “Hikaru” bidding goodbye to everything that has conformed its human-like routine for the entire show. Subtlety has hardly been his game across this project, though, so he quickly shifts to the real footage he recorded in the setting to depict “Hikaru” and Yoshiki’s promised trip to the ocean. This, of course, recontextualizes the show’s ending sequence—one he directed and storyboarded himself as well. While its mixed media and focus on real-life locations had always felt fitting for the HikaNatsu anime, it’s only with the details revealed by the final episodes that the meaning of their destination (and their clothes!) hits.
The final conversation between the two leads starts with ingenious Takeshita storyboarding. As “Hikaru” talks about its otherworldly nature to make a point about needing to leave, the camera travels through a body overlaid with nightmarish textures. However, when it reveals that this is something it wants to do to keep Yoshiki safe, it pulls away from its eye to reveal a regular, kind-looking boy. Although Mokumokuren keeps denouncing human values as the absolute, singular form of goodness, there’s no denying that the being hidden in Hikaru’s body is dangerous. And so, it doesn’t feel like a misstep to use its inhuman appearance to signal threats.
That said, Yoshiki is in too deep to accept a safe, standard human life. He’s someone who has always felt like a bit of a monster who hides his real self—our poster boy for internalized homophobia—and thus felt kinship for a being like “Hikaru”. Through imagery that is reminiscent of previous visual synthesizations of societal pressure, his reflection appears to agree with this proposal. And by his reflection, I mean a deeply unsettling figure with its mouth swapped for a real person’s; thanks for the nightmares, Takeshita. After his refusal to part ways (and a fight that mirrors one he had as a child with the real Hikaru), Yoshiki embracing his own twisted feelings is conveyed through the overlap of a clearly drawn silhouette over that photorealistic body. Again, the two natures that always coexist in HikaNatsu. As they swear to remain together despite their messy situation, their moment of intimacy is likely animated by the superlative Takashi Kojima. It’s rougher work than we’re used to from him, though understandably so given the circumstances of the production. But most importantly, it captures how much this relationship means for both of them.
That puts an end to an excellent first season of HikaNatsu; not without its flaws and limitations, but so inspired as an adaptation that those become minor inconveniences at worst. Again, this isn’t to say that we shouldn’t hope for the better—especially given that the timing for the sequel will be somewhat tricky. It’s worth pointing out that Mokumokuren planned the series around 10 volumes, with this show adapting the first five thus far. The immediate announcement of a sequel makes it sound like it’ll come in the form of a second season, which would complete the series while keeping a consistent sense of pacing.
How could they adapt events that won’t be published until late 2026 or perhaps even 2027 and still broadcast it in a timely fashion, though? The arrangement could be as simple as Mokumokuren sharing undisclosed information with them. A detail we’ve neglected to mention is that something along those lines has already happened. The specifics of the design for characters like Yoshiki’s mother were something that the author was particular about; after all, she’s meant to feel like an outsider whom the village never accepted. Despite being around for the early events, the manga avoided depicting her face for a long time, meaning that she didn’t have a visible design by the time the production of the anime started. Given that its team found it necessary to feature her properly—obscuring her face constantly might have come across more unnaturally than in the manga—Mokumokuren sent them extensive design sheets for a character manga readers had yet to see properly.
Of course, sharing a design and detailing the entire story aren’t quite on the same level, but I have my suspicions that Mokumokuren has already been instructing Takeshita in that regard. The two have worked too closely to keep secrets, especially given that a lack of knowledge about future events could have caused accidental incongruences in the anime. Since it’s clear that they always planned a full adaptation, and considering how we’re dealing with an author who plans everything obsessively, I would bet on this being their strategy; otherwise, they immediately announced a sequel that everyone would have to wait 3+ years for. This strategy would allow for a timely release of the sequel, though with a bit of an unforgiving production schedule attached to it. We’ve seen what this team could accomplish with limited resources and time, but as the story gets even crazier, I’d love to see more confident support from the studio and committee. Let this team cook something unsettling, bewitching, and possibly deadly for all of us.
Support us on Patreon to help us reach our new goal to sustain the animation archive at Sakugabooru, SakugaSakuga (作画): Technically drawing pictures but more specifically animation. Western fans have long since appropriated the word to refer to instances of particularly good animation, in the same way that a subset of Japanese fans do. Pretty integral to our sites’brand. Video on Youtube, as well as this SakugaSakuga (作画): Technically drawing pictures but more specifically animation. Western fans have long since appropriated the word to refer to instances of particularly good animation, in the same way that a subset of Japanese fans do. Pretty integral to our sites’brand. Blog. Thanks to everyone who’s helped out so far!
