În plus față de toate articolele pe care le-am publicat și înainte de a trece corect pe titluri de primăvară, bucurați-vă de această compilație îndelungată de comentarii și eseuri scurte despre alte lucrări care ne-au impresionat la începutul anului 2025. Există câteva note despre hituri mari, desigur, dar și o privire asupra momentelor specifice pe care le-a ridicat, lucrări mai mici care, totuși Câteva articole astăzi. Dacă motivul nu a fost suficient de clar, se datorează faptului că inițial intenționam să publicăm o singură rundă despre lucrări de animație care ne-au impresionat în primele luni din 2025; În mare parte, cele lansate chiar în acest an, deși după cum veți vedea mai târziu, și cele independente, care sunt mai puțin legate de temporalitate. După ce am împărțit câteva scrieri în postări de sine stătătoare, am rămas cu o colecție de ultime, dar nu în ultimul rând note. Nu vă așteptați ca aceste lucrări să fie mai mici, nici scrierile în mod necesar mai puțin în profunzime. Acestea sunt elemente de reper la scară mai mică, fie că sunt pentru că sunt lucrări mai scurte sau pentru că directorii de episoduri specifice au ridicat bara cu mult peste normele emisiunii lor.
Cocoon este un efort uimitor, miyazaki-aromat… cu o latură mai întunecată a acestuia
cocoon este un scurtmetraj în jurul lui
cocoon , este un stâlp scurt în jurul valorii Un grup de fete tinere care paralelează situația Studenți Himeyuri În timpul celui de-al doilea război mondial. Calitatea sa asemănătoare visului, potrivit cuvântului ulterior al autorului, are mult de-a face cu modul în care a avut în vedere personal: ca tipul de coșmar neplăcut pe care un copil l-ar putea avea atunci când citește cărți de istorie despre războaiele din trecut. Poate chiar mai important, este legat și de motivul central al acestei lucrări și de viziunea asupra lumii din spatele ei. Scufundate în tragedii de un calibru la care niciun copil nu ar trebui să fie martor, fetele-în special protagonistul său imaginativ numit după soare-se protejează de realitate cu tovărășia și fanteziile lor, care învârt un cocon dulce pentru a-i proteja. Dar va fi suficient pentru a păstra vreunul dintre ei în siguranță într-o situație atât de neiertătoare? Sau, așa cum KYOU îl exprimă succint: poate zahărul de rugină?
pentru a fi la fel de interesant ca și Cocoon nu este un manga. Înfățișările sale grafice de moarte, dezmembrare, înfometare, aproape agresiune sexuală și putregaiul în viață al copiilor nu sunt gratuite în sensul că contrastarea lor cu fanteziile dulci este ceea ce este vorba despre seria, dar încă mai este imagini bântuitoare. Având în vedere că animația este supusă unor standarde mai stricte atunci când vine vorba de portrete extreme, una dintre cele mai mari întrebări pe care le-am avut atunci când a fost anunțată inițial a fost cum ar putea fi transmisă o astfel de poveste. Faptul că Proiectul ar fi orientat către îndrumarea animatorilor tineri părea să se potrivească (aproape prea potrivit pentru ca un proiect de antrenament animator să fie despre copiii cădeți într-o warzonă), dar altfel, cum ar putea fi un proiect de formare animator să fie despre copii cădeți într-o warzonă), dar altfel, cum ar putea să fie un proiect de formare a animatorilor? Răspunsul la care a ajuns echipa sa este, într-un fel, să-l filmeze din interiorul proverbialului Cocon.
în loc să încerce o adaptare simplă, anime-ul Cocon transportă personajele într-o poveste puțin mai tradițională, mai lungă, de creștere a personajelor, pentru a se potrivi cu timpul său de o oră. Situații similare sunt reimaginate ori de câte ori sunt considerate deosebit de importante, cum ar fi introducerea ideii coconului chiar de la început. Auzind comparația dintre atmosfera unei zile înzăpezite și fiind învăluite de un cocon, storyboard-urile fac ca personajele să se suprapună cu un nor care oglindește această idee; Tipul opus de vreme față de cel pe care îl descriu și totuși o apariție izbitoare a motivului central din această poveste.
Un aspect care iese în evidență la fel de rapid este capacitatea neobișnuită de a canaliza energia Hayao Miyazaki . Trăim într-o lume obsedată de găsirea succesorului său, în care artiștii cu experiența Ghibli contribuie la tot felul de proiecte-inclusiv cele realizate la offshoot-uri directe din studio, precum Ponoc. Cocoon se poate lăuda cu un pedigree similar; Director Director Art (美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督 美術監督, Aceștia desenează multe tablouri de artă care odată aprobate de directorul seriei servesc drept referință pentru medii de-a lungul seriei. Coordonarea în cadrul departamentului de artă este o setare obligatorie, iar designerii de culori trebuie să lucreze împreună pentru a crea o lume coerentă. și designer de designeri de culoare (色彩設定/色彩設計, Shikisai Settei/Shikisai Sekkei): persoana care stabilește paleta generală a emisiunii. Episoadele au propriul lor coordonator de culori (色指定, Iroshitei) responsabil de supravegherea și furnizarea de pictori cu foile de model pe care le necesită o ieșire specială, pe care le-ar putea face chiar dacă sunt tonuri care nu erau deja definite de designerul de culori. ( yoichi watanabe și Nobuko Mizuta , respectiv) cu filme Ghibli în CV-ul lor, animatori as shinji otsuka și akihiko yamashita care sunt inseparabile de la lucrările lor și, în mod cel mai important, de fapt, pe care l-a produs la Sasayuri.
Pentru cei care nu au cunoștință, compania a fost fondată de renumitul veteran Ghibli Douga Hitomi Tateno . După o lungă perioadă de mandat la studio, a lăsat în urmă stresul producției în favoarea a ceva ce i-a plăcut la fel de mult ca și crearea animației: îndrumarea altor artiști. Ea a făcut-o pentru prima dată în mediul inerent relaxat al unei cafenele și, în timp ce, din păcate, s-a închis, atunci când pandemia a izbucnit, a reușit să o urmărească cu înființarea unui departament de producție de animație. Cu ea, ea poate acorda experiență din lumea reală studenților care suferă cursul de pregătire Sasayuri, care a câștigat o cantitate corectă de notorietate din cauza acredităților sale. Tinerii promițători s-au alăturat lor și Imediat ieșind în medii solicitante, , iar domeniul de aplicare al propriilor proiecte a crescut constant. În 2019, au fost numiți în mod adecvat să se ocupe de animația pentru natsuzora -o poveste inspirată de o altă femeie importantă din punct de vedere istoric în animație, Reiko Okuyama. În ultimii ani, au preluat lucrurile și au decis să producă primul lor film: Cocoon.
chiar și cu relația cu Ghibli și accesul la talent extraordinar, atât veteran, cât și proaspăt, este remarcabil cât de bine au surprins limbajul corpului și cadența unei lucrări Miyazaki. Niciunul dintre candidații moștenitori menționați nu au mai fost niciodată (nu că nu au fost sub nicio obligație, deși au încercat cu siguranță) au gestionat imităm acțiunea empatică și modulele de animație pe care toți asociați cu miyazak i. Există un sentiment de a vă prezenta și în munca sa pre-Ghibli, cu o aromă groasă yasuo otsuka . Se fixează pe ondulațiile emoțiilor pe măsură ce camera se apropie de fețele oamenilor; Cu această încăpățânare împotriva parțială a deținerii, se împărtășește cu filmele care l-au inspirat, ceea ce face ca liniile să se simtă constant în viață. Momentul secvențelor este la fel de recunoscut ca și individul se taie, cu tendința de a te face să-ți ții respirația înainte de a dezlănțui mulțimile ca un baraj care tocmai a explodat. Scene precum pregătirea pentru primul raid aerian și acest moment ulterior al haosului întruchipează perfect aceste tendințe.
Acest contrast este în centrul scenei sale cele mai impresionante, ceea ce are ca rezultat uciderea majorității studenților. Spre deosebire de reprezentările de masacre ale manga-ului, anime-ul le filtrează prin fanteziile pe care acești copii trebuie să le agățeze când realitatea este doar atât de crudă. În loc să se stropească de sânge peste tot, începem să vedem moartea ca petale fluturând-idealizarea în cocon. Cu toate acestea, nu este la fel de simplu ca anime-ul fiind o versiune mai înstelată a poveștii. Punctul său de vedere subliniază, de asemenea, aspectul transformator al coconului, oferind protagonistului un arc despre creșterea mai hotărâtă, mai degrabă decât să supraviețuiască prin virtute neatinsă. Acest accent pe schimbare este deosebit de interesant atunci când vine vorba de zdrobirea ei; În ambele versiuni ale unei povești, Born a băiat într-o familie bogată care a încercat să se escoleze fiind redactat ca soldat prin shenanigans de gen, ceea ce permite interpretări suplimentare într-o adaptare despre a fi născut din nou. Dacă credeți că puteți stomaca aceste subiecte, v-aș recomanda să consultați ambele versiuni ale poveștii pentru a experimenta aromele vizibil diferite.
În ciuda sentimentelor în general pozitive față de acest proiect, nu am putea termina această piesă fără a aborda natura sa ca program de antrenament-și, din păcate, nu din un unghi pozitiv de această dată. Trebuie să prefațez acest lucru spunând că personal, am auzit mărturii despre nu numai acest proiect, ci și alte eforturi Sasayuri care au pictat o experiență pozitivă; În special, despre ea însăși Tateno, se acomodează cu circumstanțele personale ale oamenilor. Nu mă îndoiesc de cei pentru o secundă, având în vedere că provin de la persoane de încredere care nu aveau niciun motiv să-și prezinte greșit propria experiență în acel mediu. Cu toate acestea, a devenit din ce în ce mai clar că a lor nu a fost neapărat un sentiment universal.
De remarcat faptul că anecdota care a stârnit totul specifică faptul că făceau parte dintr-un studio care și-a externalizat programul de formare Douga către Sasayuri; O afacere pe care au stabilit-o cu like-urile și oasele și care s-a împiedicat imediat de intervenția companiilor precum Netflix care au sponsorizat-o, dar adăugând clauze de exclusivitate discutabile. Este în întregime posibil ca acest decalaj în experiențele cu Sasayuri să se reducă nu doar la abilitatea tehnică, așa cum este apreciată de mentori, ci și dacă este unul dintre proiectele proprii ale companiei sau aceste oportunități de muncă pentru închiriere.
indiferent, concluzia este aceeași: nu este niciodată suficient pentru a acționa corect, chiar și în cea mai mare parte a timpului. Chiar dacă obiectivul tău este nobil, nu merită să traumatizezi perspectivele tinere până la punctul în care nu mai sunt de părere că nu mai desenează. Ghibli înșiși aruncă întotdeauna, pentru o companie care stătea cu capul și umerii deasupra practicilor industriei în ansamblu, o umbră întunecată care acoperă acei artiști care au fost zdrobiți de standardele lor înalte. Și dacă este deja excesiv să tratăm veteranii într-un anumit mod, este și mai inacceptabil să o facem studenților proaspăt din școală. Cocoon este un film superb care păstrează tehnici pe cale de dispariție, folosindu-le pentru a înfățișa tinerii care trebuie să se ascundă de realitățile care strică sufletul pentru a încerca să supraviețuiască. Cu toate acestea, în calitate de spectatori, ar trebui să ne confruntăm nu doar cu frumusețea ei, ci la realitatea inconfortabilă din jurul ei.
Honey Lemon Soda și Kiyotaka Ohata Brilliance Brilliance
este greu să transmiteți spectatorilor mai tineri, pentru care personalul JC este în mare parte o linie de fabrică nemiloasă care a depășit o anime în anime. Și este și mai complicat să-i determinăm să înțeleagă că acest lucru nu a implicat alungarea talentului deosebit din acea epocă; Mulți indivizi care au început să strălucească alături de Kunihiko Ikuhara rămân la studio, încredințați și roluri importante. Din păcate, sistemul de producție a deformat întreaga companie și ceea ce implică aceste roluri de înaltă responsabilitate. Shinya Hasegawa este la fel de mult o legendă ca el, dar atunci când meseria lui este în mare parte să se asigure că desenele din producțiile adesea grăbite sunt suficient de bune, aspecte precum actoria plină de viață pe care a fost cunoscută pentru a deveni mai puțin prevalente. Unii veterani nu se adaptează bine la valurile de întoarcere ale industriei, în timp ce alții decid pur și simplu să nu mai treacă peste bord în modul în care trebuie să doriți, dacă doriți să străluciți în anime. În general, însă, problema cu veteranii aparent timizi ai personalului JC este clar sistemică.
scânteia din acel moment lipsește foarte mult în producția modernă a lui Nishikiori. Din nou, asta pare să se apropie de industrie și de studioul său de acasă creând un alt tip de muncă într-un ritm diferit; Simțiți-vă liber să înlocuiți acel adjectiv cu un alt cuvânt, mai negativ. Chiar și în acest scenariu mai puțin favorabil, puteți totuși să obțineți imagini ale acelui farmec eficient din când în când. Just last year, he was entrusted with following up the grandest episode of Dandadan, which he accomplished with a funny enough storyboardStoryboard (絵コンテ, ekonte): The blueprints of animation. O serie de desene de obicei simple care servesc ca scenariu vizual al Anime, desenate pe foi speciale cu câmpuri pentru numărul de animație, note pentru personal și liniile de dialog potrivite. Că nu vă opriți să puneți la îndoială valorile de producție mai mici. De asemenea, merită să subliniem că, în niciun moment, nu a devenit un director rău. Plafonul titlurilor lui Nishikiori este cu siguranță mai scăzut în zilele noastre, dar podeaua rămâne robustă atât timp cât nu i se spune să construiască o casă deasupra Quicksand. Într-un fel, asta rezumă acea deteriorare sistemică a personalului JC: veteranii foarte pricepuți trebuie să fie implementați pentru fiabilitatea lor, mai degrabă decât pentru strălucirea lor.
De ce să aducă asta acum, totuși? Ei bine, 2025 a început cu o adaptare a sodă de lămâie de miere condusă de Nishikiori, care este… din nou, exact bine. Deși nu le-aș cere oamenilor să-și ia drumul pentru a urmări anime-ul dacă nu sunt deja interesați, este o serie destul de drăguță despre dragoste ca vector de auto-îmbunătățire și conexiune. Episoadele sale proprii ies în evidență oarecum din cauza camerei spațioase; Deși de multe ori cere tipul de desen complicat cu care se luptă o producție modestă ca aceasta, permite, de asemenea, seriei să tragă o punte clară între distanța fizică și emoțională. Chiar și fără directorul directorului de director al seriei: (監督, Kantoku): persoana responsabilă de întreaga producție, atât ca factor de decizie creativă, cât și ca supervizor final. Aceștia au depășit restul personalului și, în cele din urmă, au ultimul cuvânt. Cu toate acestea, există seriale cu diferite niveluri de regizori-director șef, director asistent, director de episoduri în serie, tot felul de roluri non-standard. Ierarhia în aceste cazuri este un scenariu de caz după caz. Swinging pentru gardurile așa cum a făcut-o cândva, aceste fundamentale pot susține tipul de proiect care s-ar fi putut destrăma la cusături altfel.
în locul directorului directorului de regizor: (監督, Kantoku): persoana responsabilă de întreaga producție, atât ca producător de decizie creativă, cât și de supervizor final. Aceștia au depășit restul personalului și, în cele din urmă, au ultimul cuvânt. Cu toate acestea, există seriale cu diferite niveluri de regizori-director șef, director asistent, director de episoduri în serie, tot felul de roluri non-standard. Ierarhia în aceste cazuri este un scenariu de caz după caz, indivizii care pot îmbina ambiția la producții de genul acesta tind să fie povestitorii și regizorii de episoduri. #05 arată la fel de mult, la fel de îmbarcat de un alt veteran al personalului JC din același cerc în Yoshiki Yamakawa ; Gradul său mai mare de abstractizare face ca viața de zi cu zi să fie mai evocatoare și chiar să conducă la o animație mai jucăușă. Cu toate acestea, dacă există cineva care își duce episoadele la un nivel în care merită o recomandare largă (în special pentru persoanele cu gust pentru anime-ul anilor 90), aceasta este fără îndoială kiyotaka ohata . În cel mai bun caz, el a fost cel mai mare aliat al lui Nishikiori-atât în cantitate, cât și în calitatea muncii lor împreună. Din cele mai mari episoade din Azumanga și alte aspecte importante precum deschiderea sa iconică până la cele mai idiosincratice, proiecte personale precum Tenshi Ni Narumon; Ohata a fost întotdeauna acolo și a livrat mereu.
Există o modalitate ușoară de a ilustra situația sa actuală: în ultimul deceniu, el a fost doar într-o poziție de control al unui episod în calitate de storyboarder și regizor de 6 ori. Cu toate acestea, această afirmație este că două dintre ele au fost tocmai în sodă de lămâie cu miere. Prima sa scenă din episodul #06 este o declarație a tuturor calităților pe care le-am rezumat. Există povestirea evocatoare, cu trecerea de la o fereastră îngustă care îl prinde pe protagonist la un avion care zboară cerul deschis; Prima, o reprezentare a vieții sale timide până acum, cea de-a doua, a dorinței ei de a ajunge la noi destinații acum, când a fost revigorată de dragostea ei. Siluetele de culoare solidă sunt direct din introducerea sa, iar repetarea ritmică (tăieturi de salt, panouri care se suprapun constant) este, într-un fel, și mai reprezentativă pentru stilul Ohata.
în ciuda râului său, abordarea lui Ohata se dovedește a fi mai degrabă atmosferică. Percuția lui poate încetini suficient pentru a stabili un ritm relaxat, dar încă plin de viață, în care atât pozarea cât și acțiunea vocală se sincronizează pentru a adăuga muzicalității. Motivele (cum ar fi semnele de trafic legate de această creștere personală) și layoutslayouts recurente (レイアウト): desenele în care animația se naște de fapt; Ei extind ideile vizuale de obicei simple de la storyboard în scheletul real al animației, detaliat atât opera animatorului cheie, cât și artiștii de fundal. Dă-i o structură de rime în mod similar la nivel macro, care subliniază modul în care grupul ei de prieteni se extinde într-un mod natural. Și ori de câte ori poate scăpa de ea, animația comică te trage fizic cu câteva decenii înapoi. Multiplicitate amuzantă, un dans între diferite niveluri de artificiu și repunerea strălucitoare a motivelor pe care le-a introdus el însuși. După un episod în care protagonistul se află în lumină pentru prima dată, momentul în care a fost doborât o aduce în locuri mai întunecate, pe care doar interesul ei de dragoste poate părea să le lumineze. Dintre toate lucrurile, este avionul care a reprezentat rezolvarea ei care acoperă soarele și apoi zboară… cu timpul perfect pentru a o face să pară ca cea orbitoare.
următoarea apariție a lui Ohata în episodul nr. 11 începe cu ritm și reguli de desene animate la fel de recunoscute; Luându-l pe acesta din urmă și mai mult de această dată, deoarece găsește modalități de a introduce tipografia și VFX cu întreaga gamă de diegetic până la mândru artificial. Câteva riduri noi îl fac și mai special, începând cu faptul că unul dintre cei mai mari animatori din toate timpurile face mai multe apariții pentru oaspeți. Takeshi Honda a luat lumea prin surprindere arătându-și chipul (abia văzut în anime-ul TV în zilele noastre) în deschidere, dar nici atunci, nimeni nu s-ar fi așteptat la una dintre cele mai renumite figuri din animația teatrală pentru a coborî în emisiunea în sine. Flutterul natural al țesăturii singure în simple fotografii de practică sunt suficiente pentru a spune că este o rasă diferită cu totul.
Al doilea motiv pentru care acest episod aterizează cu un impact și mai mare este că este poate cea mai satisfăcătoare dezvoltare în relația pe care ați văzut progres pentru aproape un întreg cursuri. Soda de lămâie de miere a făcut gesturi în direcția unei legături mai uniforme și reciproce între cele două avantaje ale sale, dar abia la episodul nr. 11-prin zahărul înnebunit al lui Ohata-vedeți că se materializează în moduri ușor suprarealiste, foarte drăguțe. Aceasta culminează cu o altă întâlnire între forma de neegalat a Honda și direcția aromată a Ohata; Și, de asemenea, o întâlnire între doi liceeni care au demonstrat că amândoi se pot baza. În timp ce contextul face momente de genul acesta mult mai bine, munca Ohata în emisiune este suficient de bună încât să implorez pe oricine să acorde cel puțin aceste două episoade. If you were into any of the works we mentioned earlier, or 90s to early 00s anime at all, it’ll be like meeting a dear old friend.
I had heard Tokio Igarashi was good, and Zenshuu #07 really showed that he is
From the opposite angle to rediscovering excellent veteran creators, there’s the equally rewarding feeling of finding out why an up-and-coming artist Câștigase o reputație pozitivă. Nu este ca și cum nu aș fi văzut vreodată opera lui Tokio Igarashi până acum-mai ales, el a participat la cel de-al doilea sezon din Vinland Saga , care am găsit a fi chiar mai puternic decât predecesorul său. În ciuda faptului că a traversat căi înainte, însă, nu a fost niciodată suficient de semnificativ pentru ca contribuția sa să se înregistreze în mintea mea; Este demn de remarcat faptul că a început recent să-și deseneze propriile storyboard-uri, în ciuda faptului că a avut credite pentru curățarea altor persoane din jurul anului 2022.
Come 2025, am avut în sfârșit șansa de a experimenta ceva care se simte ca cu adevărat este un episod Igarashi. Contribuțiile sale la Zenshuu au ajuns în perioada din urmă a emisiunii, dar mai târziu cu siguranță nu înseamnă mai puțin în acest caz. Episodul #07, pe care l-a regizat și s-a storyboard, abordează domenii cheie în care seria lipsea înainte. Cel mai important, face acest lucru într-un mod suficient de convingător, încât nu ai lăsat să simți că ar fi pus un ajutor de bandă grăbită peste o rană deschisă. Pentru a spune în termeni mai specifici: Livrarea lui Igarashi reușește să umanizeze protagonistul lui Zenshuu, Natsuko Hirose, înfățișând o serie de viniete ale intersecțiilor dintre viața ei și cei care au fost atinși de acesta.
personalul de bază al lui Zenshuu prezintă, de asemenea, unii creatori despre care am vorbit în ultimul deceniu. Există director de regizor de serie: (監督, Kantoku): persoana responsabilă de întreaga producție, atât ca factor de decizie creativă, cât și ca supervizor final. Aceștia au depășit restul personalului și, în cele din urmă, au ultimul cuvânt. Cu toate acestea, există seriale cu diferite niveluri de regizori-director șef, director asistent, director de episoduri în serie, tot felul de roluri non-standard. Ierarhia în aceste cazuri este un scenariu de caz după caz. mitsue yamazaki și asistentul ei recurent sumie noro , scriitor kimiko ueno și, desigur, designerul preferat al tuturor Kayoko Ishikawa . Dacă ați crezut că nu vom avea această șansă să împărtășim din nou iconicul ei Aikatsu din nou, sunteți foarte greșit. Alternativa ar fi fost să plângi despre unul dintre proiectele ei îngropate cu prietenul ei Sayo Yamamoto în schimb.
Desigur, nu este ca și cum poveștile ar avea datoria de a prezenta un rol universal. De asemenea, nu avem de-a face cu un caz de protagonist fără un conflict fundamental convingător; Blocul creativ și așteptările pe care le lasă în urmă în primul episod sunt un punct de plecare solid… Cu toate acestea, ea le lasă într-adevăr în urmă, spectacolul doar ocazional, poate sublinia modul în care viața ei actuală Isekai scrie un răspuns. Fără prea multă chimie între ea și noua distribuție, ești blocat cu un protagonist care nu este prezentat ca tot ceea ce este plăcut să stea și nici nu este arătat în distanța ei de ceilalți. Adică până la sosirea episodului nr. 07, arătând că a avut o personalitate carismatică a creatorului în centrul ei-una care explică de ce oamenii s-au adunat în jurul ei pentru a crea animație (și acum, pentru a salva lumea) mai bună decât abilitatea ei tehnică și faima.
Fiecare scenariu arată o parte ușor diferită a personalității sale, pe măsură ce ea crește în urma visului ei pentru a deveni o animatoare Virtuoso. Sigur, ea rămâne auto-absorbită într-un mod care să-și facă sinele actual recunoscut la fel, dar vedem de ce Natsuko a fost și un individ magnetic. Din nou, nu pentru că este bine să deseneze-spectacolul a încercat deja să o transmită înainte-ci mai degrabă prin pasiunea ei autentică, concentrată, care îi atinge pe ceilalți. Prima încadrare de dragoste a poveștilor sale scurte se adaugă comediei inerente a majorității, dar nu te confundă cu un exces de ironie; Dacă este ceva, episodul strălucește în modul în care direcția lui Igarashi îmbrățișează în mod rușinos punctul de vedere romantic pe care îl împărtășește cu cei atrași în viața ei. Al doilea, în special, iese în evidență, funcționând eficient ca tipul de scurtmetraj romantic onest, necomplicat, care rezonează la fel. Există ceva de spus despre storyboarding-ul care se dovedește a fi imaginativ și încadrarea sa și ambițioasă în tehnica pe care o cere, dar atât de neclintit în atracția sa emoțională.
Un alt aspect care a ieșit în evidență este gradul mai mare de rafinament al animației, care nu este un calitatea pe care o ieșiți în mod natural dintr-un sistem de producție, precum MAPPA. Aceștia au o abilitate extraordinară de a atrage talent capabil să producă o muncă strălucitoare și au crescut la o dimensiune care îi face capabili să termine munca în orice circumstanțe (nu că Zenshuu însuși a fost sub astfel de acțiuni), dar polonezul nu poate fi luat de la sine atunci când toate direcțiile de animație obișnuită de animație (作画監督, Sakuga Kantoku): artiștii care supraveghează calitatea și consecvența de animație în sine. S-ar putea să corecteze reduceri care se abat de la designuri prea mult dacă o consideră potrivită, dar munca lor este în mare parte pentru a se asigura că mișcarea este la fel, în timp ce nu pare prea aspră. Există o mulțime de roluri specializate de direcție de animație-mecha, efecte, creaturi, toate concentrate într-un element recurent particular. este presărat pe companii de sprijin din Marea Dodgy. Nu există nici o îndoială că o mare parte din acestea se referă la supraveghetorii șefi și asistenții lor- Masahiko Komino și Shuji Takahara deasupra celor obișnuiți Kazuko Hayakawa și Ishikawa însăși-care cu siguranță se simte că cireșul aruncat pentru un episod menit să fie important. În plus, această calitate mai subtilă, uneori, se reduce chiar și la internarea; Supravegheat de unul dintre persoanele mai de încredere ale echipei și cu credite structurate într-un mod care mă face să mă întreb dacă au optat pentru o hârtie mai fiabilă Douga în pete delicate.
Igarashi s-ar întoarce ulterior cu un StoryboardStoryboard (絵コンテ, Ekonte): Blueprins-urile de animație. O serie de desene de obicei simple care servesc ca scenariu vizual al Anime, desenate pe foi speciale cu câmpuri pentru numărul de animație, note pentru personal și liniile de dialog potrivite. Pentru episodul #09, de data aceasta sub regia lui Sumie Noro. Prima jumătate a sa se simte ca epilogul la #07; Cu toate acestea, o altă vinie a cuiva care traversează trasee cu Natsuko și asistând la umanitatea ascunsă în spatele multor păr și mormăit, ceea ce este suficient pentru a lăsa un semn în formă de inimă în viața lor. În cele din urmă, însă, nu se simte ca o ocazie specială, cum ar fi oferta anterioară a lui Igarashi-nu este concepută să fie în primul rând, ca un loc de muncă doar pentru storyboard pentru el și o poveste mai rudimentară. A fost îndrăzneț ca spectacolul să plaseze un astfel de episod purtător de încărcare cât mai târziu și nu sunt deloc sigur că a fost cea mai bună decizie. Ceea ce știu, totuși, este că în sine și în sine a fost un mod adorabil de a exprima mesajul că iubirea este obligatorie pentru procesul creativ. Sunt fericit că am urmărit un episod atât de dulce de către un regizor pe care acum știu să-mi păstrez ochii.
pledoaria obligatorie pentru ca oamenii să urmărească mai multe animații alternative, alternativă
Nu voi surprinde pe nimeni, observând că majoritatea oamenilor își limitează viziunea despre anime și animație cu totul la lucrări comerciale. În timp ce ușurința de a împărtăși videoclipuri online a făcut mult mai probabil ca alții să se poticnească pe videoclipuri muzicale, proiecte de absolvire a studenților și tot felul de scurtmetraje, acestea nu sunt decât o fracțiune din spectrul bogat de animație necomercială și independentă. Multe lucrări uimitoare, profund rezonante, sunt proiectate în cadrul festivalurilor internaționale de film, dar niciodată nu au fost împărtășite pe platforme la care toată lumea are acces. Nu înțelege de ce spectatorii gravitează atât de puternic spre lucrări comerciale, fără a accepta acest fapt.
pentru atât de incomod pe cât îi face pe unii să ia în considerare chiar ideea, există oarecare în sus pentru acea barieră de intrare. Pentru a spune pur și simplu, avem tendința de a ne angaja cu arta pe care o căutăm proactiv într-un mod mai implicat decât acele lucrări care sunt atât de puternic promovate și înrădăcinate în cultură, încât le consumăm aproape pasiv; Acesta este momentul în care creațiile devin temutul cuvânt, conținut. Deși pot înțelege acest punct de vedere din punct de vedere filozofic, cu toate acestea, nu mă pot abona la el ca pe cineva care se bucură să împărtășească lucrări interesante-și ca cineva care se bucură să le poată urmări, pentru asta.
să punem câteva nume în acest sens. Koji Yamamura este una dintre cele mai importante figuri din istoria animației independente și, totuși, nu am găsit nicio șansă de a viziona amestecul său de proză și animație cu numele de extrem de scurt . Din cauza planificării conflictelor, în recentele festivaluri de film am reușit să-l ratez alături de Prima linie ; Tehnic o parte dintr-o inițiativă Toho, încă în urma circuitului de animație alternativ, acest scurtmetraj al prietenului site-ului China examinează actul de a crea animație în sine. La fel s-a întâmplat și cu Viața obișnuită a lui Yoriko Mizushiri, câștigătorul unui premiu de urs de argint la Berlinale 2025. Chiar dacă acordați atenție animației sub suprafața sa comercială, nu este întotdeauna ușor să surprindeți chiar și cele mai renumite oferte alternative. src=”https://www.youtube.com/embbed/vohpczh-qcw?version=3&rel=1&showsearch=0&showinfo=1&iv_load_policy=1&fs=1&hl=en-us&autohide=2&wmode=transprent”>
minte-te, aceasta nu este menită să fie o poveste descurajantă despre efortul incredibil necesar pentru a urmări animația indie-este mai degrabă opusul. Nu se poate nega faptul că distribuția sporită poate face ca aceste titluri să fie mai supărătoare. Din cauza modelelor lor de eliberare neregulată, acestea sunt, de asemenea, dezbrăcate de pe fereastra de relevanță publică acordată anime-ului comercial. Și totuși, natura lor îi face, de asemenea, mai predispuși la descoperiri care se simt personale. For all we’ve highlighted their limited availability, they will often get shared in quieter corners that are often just one search away.
This can be illustrated by returning to the previous anecdote: another short film I thought I had missed at a local festival was Nana Kawabata’s The Point of Permanence. Its trailer had caught my attention, and a bit of research indicated that I wasn’t alone; she’s been able to share morphing landscapes that feel like a deity peeking into humanity not just through plain animation, but in exhibits, installations, and books as well. While lamenting that I’d missed a chance to watch her work, I looked it up one more time and noticed two things: one, that she’d been nominated for the Asia Digital Award FUKUOKA, and two, that the site to showcase the winners features the actual works. Stumbling upon a channel that gets just about a dozen views while sharing gems that have limited availability is the type of rewarding experience you can get out of alternative animation, if you put just a bit of interest into it. Don’t be scared to give it a try!
Was Kawabata’s work worth the excitement, though? The answer is clear. The Point of Permanence challenges itself to simultaneously tell the story of the cells that compose a living being, of one individual, and of humanity as a whole. The lines between them are blurred; or rather, weren’t they hazy in the first place? At all levels, we organize ourselves in a similarly orderly fashion, requiring coordinated repetitive action for our collective growth. It’s no surprise, then, that the smallest units inside our bodies seem to have human silhouettes of their own—stylized into universally recognizable stickman figures. They pulsate endlessly, as they navigate systems that are reminiscent of both tiny snapshots of biology and history at large. The awe of life is delivered by instinctively satisfying visuals as clearly as its preoccupations about it become sound, growing more uncomfortable as everything expands and overlaps.
This short film’s triumphs are many and not particularly subtle. Above all else, Kawabata’s work impresses in the way it can stretch the exact same concept for slightly over 10 minutes. The enchanting morphing animation that had already caught my eye in trailers is what kept me glued to the screen for its entire runtime, constantly finding ways to iterate on that seemingly endless cycle. In that progression, you notice its ability to evoke scale and expansion; despite having no objective point of reference, and with drawings that already begin with a high degree of density, it still feels like it takes us from the microscopic to the infinite.
In the end, Kawabata doesn’t seem to interpret this eternal growth that we’ve historically sought (a biological tendency, given the parallels she draws?) as liberating, however. After so much advancement, development, and increases in complexity, the cell of humanity that felt so massive slowly fades into the distance. From this still point of view, it’s actually becoming smaller, trapped into an increasingly tiny dot that it can’t escape from—the point of permanence.
Just by checking out a few more offerings from those recent awards, one can find a few more interesting works; amusingly, that includes one with very similar traits to The Point of Permanence. HuaXu Yang’s Skinny World too draws parallels between the human body and society, specifically to cities, as two meticulously arranged systems of functions. Despite the complex imagery that gives form to those ideas, he’s able to evoke by subtraction and implication as well. This process results in a surprisingly aKarenble, surreal landscape that might leave you wondering if our society is merely replicating animalistic, fleshy behaviors. And if you’re not into this type of arthouse efforts that speak to the senses above all else, you can swing the other way around to Li Shuqin’s To the Moon and Back: an uncomplicated, honest story about processing grief at a point where you don’t quite know that feeling; only its pain, fresh and new.
It’s no surprise that many stories about loss are framed from the eyes of a child. It’s not simply due to those experiences being the ones that stick with us in the long run, but also because the lack of preconceptions about death allow us to explore it without the baggage that we inevitably accumulate later in life. It’s a vision of loss that doesn’t get diluted in thoughts about repercussions that we may not understand. And yet, it’s also materially tied to elements of that small world that surrounds us when we’re young, like a tadpole that we may have raised. What stood out the most about this short film was the creative choice to retain visible remnants of the previous frame when moving to the next one—an attempt to capture a feeling akin to paint-on-glass animation, which is also reminiscent of the marks left by the lives that have left us. Although not strictly autobiographical, it’s a very personal short film in a way that gets across clearly to the viewer.
If we started this corner by acknowledging the barriers of entry to independent animation on a material level, I want to let To the Moon and Back serve as an example that the idea that they’re inaccessible as art is silly. Inscrutable arthouse pieces do exist, and they can be an excellent way to free yourself from dogmatic beliefs about what storytelling should be like; and whether it’s even necessary to tell a story for art to be poignant, for that matter. But at the same time, many of these independent short films are simple, personal tales that resonate through honesty, that become memorable by choosing uniquely fitting styles and techniques that commercial animation would be afraid of. So leave those fears behind yourself and follow artists, keep an eye on festivals and specialized sites, or I don’t know, follow vtubers with a good eye for indie folks. That helps too.
Did you think those were all the animated works that stood out to us? Of course not
Kusuriya no Hitorigoto/The Apothecary Diaries is fundamentally great in ways that should surprise no one now that we’re halfway through its second season. The source material lures you in with a charming cast, whose antics and episodic mysteries are later used to assemble overarching puzzles. Although the scriptwriting ought to be a bit more confident in spots—the dialogue sometimes goes out of its way to reiterate clues—the actual plotting is bold and always very satisfying in retrospect. Our coverage of the first season highlighted those qualities, as well as the understated system of success they built for all directors to shine. Although that remains true, reckless scheduling has caught up to it; a less extreme case than the issues My Happy Marriage has gone through, though similar in nature. Their attempts to smooth over the troublesome schedule by dragging in a capable studio like C-Station to produce one in three episodes past a certain point led to notable results at first, yet gradually less consistent as they too got stuck in a cycle of crunch. Please give them props though, they’ve done more for the series than the credits convey! Great show, solid team, somewhat held back by inexcusable planning. As many other people, Hunter x Hunter 2011 was the TV series that helped me discover Yoshihiro Kanno’s animation. Ever since then, I’ve been following his career on and off, even in the types of shows that you wouldn’t expect from his reputation. For as much as I encourage everyone to broaden their understanding of artists, though, there’s no denying that Kanno shines best in action anime. His timing is forceful, but especially when he’s storyboarding as well, his setpieces have palpable flow. He has a tendency to overwhelm the screen through 2DFX and debris overload akin to the work Nozomu Abe, despite their stylizations being nothing alike. For starters, rather than aiming for Abe’s more picturesque sense of awe, Kanno uses those effects to indicate aspects like directionality; both in an objective way (where do the blows come from?) and subjective ones (how can we use elements like the direction of the rain to indicate a power imbalance?). This is all to say that I’m glad Solo Leveling fans seem to have realized how lucky they are to have him as an action director, because he deserves all the flowers. Although I was reluctant to get around to the third season of Re:Zero when it originally began its broadcast for reasons that now go without saying, I finally binged it in time to watch the final episodes as they aired. The series is in no position to compete with the seamless, immersive quality of the first season’s production, and having replaced series directorSeries Director: (監督, kantoku): The person in charge of the entire production, both as a creative decision-maker and final supervisor. They outrank the rest of the staff and ultimately have the last word. Series with different levels of directors do exist however – Chief Director, Assistant Director, Series Episode Director, all sorts of non-standard roles. The hierarchy in those instances is a case by case scenario. Masaharu Watanabe also makes it struggle to reach the same heights of catharsis for its character beats—he operated on a different level of ambition. Although this results in a bit of a lesser season, I wouldn’t point at the new team (especially not with Haruka Sagawa as the new designer) so much as the arc itself being inherently less resonating; rather obviously so when its grand speech echoes one that carried more weight. It is, however, consistently entertaining to see every volcanic character in its world locked inside the same city after an exposition-heavy season. While Vincent Chansard’s transcendental draftsmanship understandably got the most applause, I’d point to Hamil’s constant appearances and the Archbishop of Lust’s morphing animation as the MVPs. The sequences where she unnaturally regenerates her body are not only technically impressive, but as unpleasant as she ought to be. While I didn’t get around to finishing the show, shout out to Shin Itagaki for his work on Okitsura. I’m not exactly surprised that his reputation among people who aren’t really in the know (or at least aware of his full resume) doesn’t match his ability, and a strangely crafted piece of Okinawa propaganda certainly won’t change that. All that said, I’m always happy to appreciate his work; the circumstances that surround him, though, not so much. His Teekyuu tenure proved that he could take the snappy timing that characterized his animation to the extreme, using posing alone to create an economical masterpiece. However, his eccentric artist blood has constantly pushed him in other directions. Even without citing the most controversial project he was tied to, shows like Kumo desu ga, Nani ka? showcased the type of volumetric ambition that a team like theirs simply couldn’t aspire to without crumbling… which is exactly what happened. Okitsura feels almost like an answer to that: occasionally built upon intricate character arc and bold framing, but willing to abbreviate the movement in classically Itagaki ways. In multiple ways, a romcom not quite like anything else. SK8 Extra Part was finally released a while back, living up to the promise of fun vignettes for the cast. Separated from the first season’s overarching narrative (though hinting at the direction that the sequel’s plot will likely take), those daily life moments range from worthy of a chuckle to very cute. While the ridiculous energy of the original show was its greatest asset, this OVA proves that some relationships have charming enough chemistry to still work in a more low-key situation. Here’s hoping that season 2 lives up to its predecessors, and that Hiroko Utsumi’s friends can show up like they did here. If you’ve been enjoying the combination of Gosho Aoyama‘s work with irreverent, Kanada-leaning animation in YAIBA, I’d strongly recommend watching episode #1155 of Detective Conan. Don’t let that large number scare you: it’s an original, ridiculous gag episode built entirely around the style of Hiroaki Takagi. Neither he nor the ex-Wanpack artists he surrounds himself with are newcomers to the series, but they rarely can go on a rampage with all limiters off in the way they did. The likes of Toshiyuki Sato appeared in the same way they’re doing for YAIBA; unsurprisingly, given that they both offer the possibility to have fun with pose-centric, loose animation. Convergent evolution within Aoyama series, I suppose. A good kind! Otona Precure—a series of spinoffs for the franchise both aimed and featuring adults—has been a mixed experiment. For its undeniable issues, ranging from certain Precure tropes feeling extraneous in this context to a subpar production, the 2023 series Kibou no Chikara was ambitious as well as angry in amusing ways. While I can’t say the same thing about Mirai Days, as it was a more straightforward sequel to Mahoutsukai Precure without much to state, it allowed Yuu Yoshiyama to go more ballistic than ever in the franchise. As the lead animator with a hand in every single highlight, be it from intervening in every step of the process to becoming a link with very interesting guest animators, Yoshiyama elevated Mirai Days’ experience way above what you’d expect from it on paper. What would happen if the Precure grew older? Kibou no Chikara’s answer was about time, the changes in our planet, and adult preoccupations. Yoshiyama delivers a more straightforward answer: they would punch damn hard, because magical girls are cool as hell sometimes. Since we published a lengthy piece about Kenji Nakamura’s entire career not long ago, I didn’t feel the need to talk about the Mononoke movies again; especially not given that they’re meant to be a trilogy which is yet to be completed. That said, the second film led by Nakamura and his right-hand man Kiyotaka Suzuki was recently released in theaters, so I simply want to issue the periodic reminder that you should check out the series. As unique as commercial anime gets, and by comparing each instance of it, a fascinating illustration of Nakamura’s constant evolution.
This has been quite the multi-part marathon about animation we published today, so we’ll be wrapping up here. And remember, if a work that resonated with you strongly wasn’t mentioned here, that must be considered a personal attack that invalidates you and the personality you wrote around a piece of fiction. Or perhaps that’s not how it works and fandom spaces are poisonous, who can tell! For as many things we try to keep track of with a rather omnivorous diet, it’s impossible to watch everything—and it would simply be disingenuous to fake interest in works that haven’t piqued our curiosity.
As always though, feel free to ask about anything else… unless it’s about a certain famous fighter who recently became a kid (again) or a group of dramatic girls who confused bands for therapists, since there are already drafts written for those. I didn’t go insane watching Ave Mujica just to bottle up those feelings, even if that would be very in-character for the series.
I know I said I would leave the raving about Ave Mujica for another day, but can you believe that one of the outstanding music videos they released during its broadcast was produced by Saho Nanjo’s usual team? Featuring the likes of Setsuka Kawahara in charge of the watercolor and sand animation, Haruka Teramoto in charge of the CG and photogrammetry, Kana Shmizu for its photomontages of nightmarish longing hands. Just a few months ago, I pointed at them as one of my coolest creator discoveries in recent times, and here they are in the (so far) series I’ve enjoyed the most in 2025. Nanjo & co have the radical edge (and unconventional choices of technique) you’d associate with avant-garde animation, but also the ability to adapt and capture specific moots that makes them a viable option for commercial, narrative works. They sublimated the band’s gothic aesthetic and the fact that these girls are often more emotion than person into an incredible expressionistic work of animation.
Support us on Patreon to help us reach our new goal to sustain the animation archive at Sakugabooru, SakugaSakuga (作画): Technically drawing pictures but more specifically animation. Western fans have long since appropriated the word to refer to instances of particularly good animation, in the same way that a subset of Japanese fans do. Pretty integral to our sites’brand. Video on Youtube, as well as this SakugaSakuga (作画): Technically drawing pictures but more specifically animation. Western fans have long since appropriated the word to refer to instances of particularly good animation, in the same way that a subset of Japanese fans do. Pretty integral to our sites’brand. Blog. Thanks to everyone who’s helped out so far!