10年前、東映アニメーションは虹色ほたる:虹色ほたるをリリースしました。彼らの過去の象徴的な作品と伝統的なアニメーションの力を完全に称えるための制作。 10年後、このようなプロジェクトの喪失はスタジオの将来を脅かします。
東映は、アニメスタジオが比較することを望むことのできないエンターテインメントの集合体であり、いくつかの点で、同業者の誰もが望むべきではありません。に例えられる;アニメにおける彼らの遺産と同じくらい巨大であるため、その巨大な足跡はまた、労働と創造の両方の面で、真っ暗な影を落とします。過去70年間で、彼らのアニメーション部門は現在の巨大なものに進化しました。多くの同時、終わりのない世界的なヒットを生み出すことができるもの、そしてワンピースの視聴者が今証明できるように、それらのタイトルがうまく管理されているとき、彼らと素晴らしい仕事をすることもできます。しかし、まったく同じシリーズのベテランファンの多くが覚えているように、彼らのモデルは継続的にストレスの多い作業につながる可能性があり、その結果は慣性からのみ存在し、製品を毎週配達する必要があるように感じます。
アニメ業界は、スタジオが組み立てラインに過ぎない未来に向かって憂鬱に進んでいますが、東映はベテランであり、その結果は目新しいものではありません。彼らは何年もの間そのように扱われてきましたが、それでも冷笑主義が完全に引き継ぐのを防ぐためにそれらの商業的義務の中に十分な創造的なナゲットを束ねることができます。不安定なバランスかもしれませんが、東映は、思い出に残る作品をまとめ、アニメで最も輝かしい若者の心を育てながら、それらの要求に応えることができる公式を見つけました。美少女戦士セーラームーン、ドレミ、明日のナージャ、プリキュアを越えて、幾原邦彦、細田守、五十嵐卓哉、 松本理恵と鎌谷悠香-これらのポジティブなパターンは幸せな事故ではありません。ある特定のシリーズでそれらを当然のことと見なすことはできませんが、何十年もの間確実であったことが1つあります。それは、東映の大規模なホール内で常に非常に興味深いことが起こるということです。
ここでのトリック、もちろん、東映にはそのうんざりした過激な創造性のための脱出弁があるということです。スタジオが通常よりも野心と創造性で知られている人気のある長期的なタイトルにアプローチすることは可能であり、スタジオの文化は大胆な監督にそうすることを奨励していますが、人気のアクションアニメやプラスチックの販売を続けなければならない巨大なフランチャイズの厳格な境界。東映のフラッグシップタイトルの象徴的なエピソードを扱うのは、多くの場合、最も特異な監督ですが、それだけで取り組むことができれば、スタジオでのキャリアはかなり短くなります。たまにしかありませんが、非常にユニークなアーティストは束縛から解放される必要があります。そのため、東映は、このファクトリーラインの現実に向かって進化するにつれて、常に代替手段を用意することを強調しているように見えました。 10年前にリリースされたそのようなプロジェクトの1つは、忘れられない幾原ほたる—虹色ほたるでした。
宇田鋼之介の名前は確かにそれほど魅力的ではありません。幾原のような彼の同時代人として、または彼のロールモデル佐藤順一として、東映の史上最高の監督のカノンで彼らの地位を獲得しました。ただし、公的または批判的な名声がなくても、誰のキャリアもそれほど重要ではありません。一つには、ワンピースの最初のシリーズ監督であることを自慢できる人は他にいません…ただし、谷口悟朗は、パイロットその数十年後、次のワンピースフィルムレッドにつながりました。 ラブ★コン、銀河へキックオフ、マジンボーンなど、さまざまなジャンルのスペースでの宇田の最高の作品は、商業的なメガヒットでも、典型的なクリティカルダーリンでもありません。 、しかし、彼らは人々が自分自身を愛情を込めて覚えていると感じるタイプの仕事です。キャリアの早い段階で道に迷い、意欲を失った監督として、前述のさとじゅん。の下で働き、東映で遭遇する可能性のある定型的なシナリオに楽しさを注入することで常にマスターとして、その後、一貫してその楽しさを聴衆に伝えることに成功しました。
静かに重要な偉業と楽しいが並外れた作品ではないというキャリアの中で、1つの大きな例外があります。
その後、梅沢はこの一生に一度の機会を宇田のような監督に引き継ぐことができました。彼がスタジオの遺産にふさわしい何かを作り、有名なチームと彼が自由に使える多くの時間。長いプロセス（アニメーションで2年、制作全体で3.5年、リリースまでに5年近く）を経て、最終的には上層部がうんざりして完成品を要求しましたが、そのプレッシャーは妥協するのに十分ではありませんでした東映アニメーションの最大の功績を生かした映画。実際、このチームが達成したものと比較できるアニメはほとんどありません。
宇田が
その時点で、山下はテレビ番組と演劇の両方のキャリアですでに高い需要がありました。離陸も。虹色ほたるは、彼の援助を必要とした他のプロジェクトは言うまでもなく、1本ではなく2本の細田映画と重なるほどの長いコミットメントでした。当初から虹色ほたるに全力を注ぐことができないことは明らかだったので、宇田は同じようなサークルを走る非常に特別なアーティスト、森久司に助けを求めました。磯光雄のリアルな波に乗るが、シャープさと幾何学的なフォルムを失うことはなく、今後は大胆な線画を倍増させる。 3人は、当時のスタジオでは異常だったロケハンに出かけ、映画の理想的な形を思い描くためのコンセプトアートを描きました。ある意味では、チームが先入観を持って急いで進むのではなく、その自然な結果を慎重に考古学的に明らかにしたように感じました。
繰り返しになりますが、そのプロセスは簡単ではなく、チームは戻ってきました。多くの場合、彼らの決定について。計画の最初の大きな変更はそのトリオ内でした:森は元々忙しい山下を助けるためにタグを付けましたが、宇田は彼の大胆なドラフトをとても愛していたので、代わりに彼がキャラクターデザイナーになるべきであるとすぐに決定されました。それはまた、彼らがプロジェクトのアイデンティティに関して持っていたいくつかの初期の不安に対処するのに役立ちました。より現代的な文脈を除いて、東映ドガの伝統に従うようにという要求を考えると、宇田と彼のチームは、ジブリの作品や当時のマイマイミラクルの同時制作など、そのスタイルの他の遠い相続人とあまりにも重く重なっていると感じました。しかし、森ならではの太い線画を基に、虹色ほたるはすぐに自分の作品のように感じました。彼らが最終的に構築したアニメーションパイプラインは、それらの新しいダイナミクスも反映していました。山下は、無数のラフなレイアウトを描くことで、画像構成の専門知識を今でも貸し出しています。レイアウト（スライド）:アニメーションが実際に生まれる図面。彼らは、ストーリーボードから実際のアニメーションの骨格に、通常は単純な視覚的アイデアを拡張し、主要なアニメーターと背景アーティストの両方の作品を詳しく説明します。ストーリーボードを拡張したストーリーボード（絵コンテ、ekonte）:アニメーションの青写真。アニメのビジュアルスクリプトとして機能する一連の通常は単純な図面で、アニメーションのカット番号、スタッフへのメモ、および一致する対話の行のフィールドを含む特別なシートに描かれています。さらに、それは演技の特異性を調整するために森に渡され、最後に標準のアニメーションワークフローに従うために特定の主要なアニメーターに渡されます。
原作の主人公がたまたま奥山玲子を姓にしたので、東映アニメーションの伝説の奥山玲子のように、チームは生意気な名前を付けるという考えを持っていました。小田部羊一にちなんで本に名前がない主人公、スタジオでも同様に重要な人物。やり過ぎを避けるために、代わりにOtabeを使用しました。これは、彼のVAの発音を考えると非常に近い音でした。結局、小田部羊一は他の東映ドガの伝説と一緒に映画を見て、彼らのジェスチャーにとても感謝していました。
その変更は、最初に行われたものであり、その多くは、以前に行った決定に動機付けられていました。一つには、森の大胆な線を採用することを選択したことで、パイロット映画のアニメーション化を求められたときに彼らが苦々しく気づいたので、あまりにも抑圧的な雰囲気を作り出すことが判明しました。 となりのトトロのような作品に見られる茶色のカーボン紙の効果を模倣して、その視覚的な影響を軽減しようとしても、うまくいきませんでした。 、それが夏を上から下まで具現化することを意図した映画になめらかな秋っぽい感じを与えたので。彼らが決めた解決策は、写真が呼吸できるように意図的に配置されたカラートレースセグメントで森の黒い線分を中断することでした。
これにはアートディレクションの変更も伴い、その新鮮な感覚がさらに高まりました。スケジュールの競合のためにスタジオパブロの秋山健太郎の初期の監督に取って代わったアニメ工房バサラの田村せいきは、彼らの時代の最も偉大なスペシャリストの2人を獲得することについて話しました。 高村むくおのような以前の東映に隣接するマスターの注意深い二極化を反映して、細部を選択的にドロップします。宇田は美少女戦士セーラームーンで悲劇的な死を迎える前にムクオの作品に出会い、彼のスタイルに魅了されていた。スポットが非常にまばらであるため、それらの絵が完成したのかどうか疑問に思いましたが、最終的にすべての作品が重ねられたときに逮捕されました。この意図的な経済は、視覚のバランスを取り、強い印象を維持する上でのもう1つの主要な柱になりましたが、彼らが描くことを意図した町のさわやかな雰囲気を過負荷にするほどではありませんでした。重くて軽い、現代と古い、アニメーションと実写、ファンタジーと平凡、生と死、作品の核となる基本的なコントラストがゆっくりと展開し始めました。
その核となる虹色ほたるは、短期間しか輝かないホタルのような生き物をテーマにした、儚さの美しさ。これは、子供が過去にタイムスリップする物語であり、タイムトラベルの仕組みにこだわるのではなく、最終的に私たちを通り過ぎるであろう完全な知識でその瞬間を鑑賞することに焦点を当てています。主人公のゆうたは、この一生に一度の夏の体験を楽しむように勧められており、日ごとに近づいてくる新しい友達からの分離の幽霊にもかかわらず、彼はそうすることを学びます。彼らの冒険は、ダムを建設するために放棄され、氾濫することになっている村で設定されています。これは、ユウタが当初のタイムラインでの運命だったため、避けられない結果であることがわかっています。彼が気付くと、彼が人生の時間を過ごしている彼の新しい知人の多くは、同様に避けられないフォールアウトにつながる個人的な状況を持っています。そして、それがこのチームが最終的に具体化することを意図した視覚スタイルです。森の線画のようないくつかの点で非常に影響力があります。なぜなら、これらは結局のところ関係者全員にとって記憶に残るイベントであるだけでなく、彼らにとってもろさの色合いがあるからです。永遠のものはありません。
初期のコンセプトアートが公開されましたAnimeStyle002。
テーマ別に映画を完成させるのは、新世代への自信です。これにより、ちょっとしたダウナーだったかもしれないものが、非常に高揚する物語に変わります。
これらのテーマが完成したことで、アニメーションプロセスがすでに進行している間、スクリプトを調整し続けたため、時間がかかりました。 —残ったのは、最終的な文体の決定を下し、最終的にそれらすべてのアイデアを紙に書き出すことでした。このフェーズではまだ計画をいくらか変更する必要がありましたが、この時点ではプロセスはより単純でした。宇田は当初から、東映ドガの名作に敬意を表して、70年代にゆうたと視聴者を田舎町に没頭させようとすれば、それを反映した技術が必要であることを明確にした。機械的な理由でセルアニメーションを使用できなくなったため、セルアニメーションを使用するというアイデアを断念しなければなりませんでしたが、現代のデジタル技術に関しては、自分自身が厳しい線を引いていることに気づきました。
その結果、虹色ほたるはCGiは、ホタル自体のような要素を際立たせているにもかかわらず、それらのツールでより簡単に描写できます。映画のアニメーションが完全に紙に描かれ、専門の担当者によって監督されていることも、業界と東映にとっては異常な論点でした。投資家のレポートは、そのワークロードのどれだけが東映フィルの子会社によって海外で迅速に処理されるかについて何年も誇りを持っていましたが、宇田はそれらのシーケンスの多くがタブレットに描かれていることを知っていたので、中間プロセスを国内企業に限定しました彼は紙だけで仕事をしていることを知っていました。映画のすべての要素は、たとえそれがカメラワークを制限したり、費用のかかる下請けで邪魔になったりすることを意味したとしても、アナログアニメーションの伝統を可能な限り尊重することを意図していました。
この点で最も興味深い側面は、彼が故意に写真に委託した合成プロセス写真（アニメーション、薩摩）:さまざまな部門によって作成された要素を組み合わせて完成した画像を作成します。これには、より調和のとれたフィルタリングが含まれます。この過程で実際にカメラが使われた過去から受け継がれた名前。物理的な素材の時代からその役割を果たしてきた
これらの伝統的なアイデアは、アニメーション自体の哲学に浸透しました。チームは、特定の東映ドガ作品。そして、信頼性を高めるためにその参照映像を入手すると、すべての個人が好きなように描くように促されました。繰り返しになりますが、キャラクターシートの一貫性が今のように評価されていなかった時代から、その懐かしい気持ちを取り戻そうとしています。森のアニメーション監督アニメーション監督（作画監督、作画監督）:アニメーション自体の品質と一貫性を監督するアーティスト。彼らは、デザインから大きく外れたカットを修正する可能性がありますが、彼らの仕事は主に、動きが粗くなりすぎないようにしながら、モーションが標準に達していることを確認することです。メカ、エフェクト、クリーチャーなど、特定の繰り返し要素に焦点を当てた、特殊なアニメーションディレクションの役割が多数存在します。は、特定の視覚スタイルよりもジェスチャーを通じてキャラクターのアイデンティティを保護することを目的としていたため、映画は、個人的な解釈の余地が十分にあるキャラクターアニメーションの無限の光景になりました。
それは橋本真司の表情豊かなビーズのような目と絶え間なく流れるライン、または石神ひろみの柔らかなタッチ、映画は絶えず変化するスタイルを恐れていませんでしたが、それが誰かの性格描写を損なうように感じたことはありませんでした。 大平晋也よりも優れたアプローチを具体化した人は誰もいません。彼のアニメーションは、フォトリアリズムとシュールな表現主義の境界にあります。宇田は、キャラクターが文字通り生と死の間の道を歩く瞬間に最も効果的であると知っていました。この映画は、特に従来のアニメーション手法に敬意を払うという文脈において、アニメーターの特異性を強化することで完全に正当化されたはずですが、どこに展開するのかという独自のスタイルにも注意を払っていたことは注目に値します。そのチームには、スタジオが自由に使える最も熟練したアニメーターと、森自身が集めた個人的な知人が含まれており、全員が最高の品質を認識している緊密なチームになりました。
映画のクライマックスは純粋な大平アニメーション:ここにあるすべての図面は彼が描いたキーであり、時間がかかりすぎて修正のアイデアが適用されるシーケンスのように感じられなかったため、最終的にはいかなる種類の修正も行われませんでした。その中のシングルカットのレイアウトは約6メートルの長さであり、スキャンプロセスでさえ彼の図面から可能な限り多くのニュアンスを拾うように調整されました。
時間のかかる、非常に注意深い制作プロセスを経たすべての人の作業の結果は、並外れたものに他ならない映画です。東映の作品が虹色ほたるのような作品でいっぱいになると期待するのは現実的ではなく、宇田が告白したように、それはまさに特別なプロジェクトであり、誰もが最善を尽くすようになったという気持ちでした。彼はそれを彼らのフランチャイズ作品と直接対比し、誰もがそれで途方もない芸術的自由を持って、それ自体で立っている映画に取り組む機会を大切にしたと言った。彼らの熱狂的な反応から、東映がこのような映画を送り出すことは期待できませんが、そもそも彼らの精神とは正反対のものであることが明らかになりました。最も優秀なクリエイターには、これらのエスケープバルブが必要です。
東映は長い間、それらを持っていました。商品を販売するという漠然としたアイデアが、京騒戯画または中村健二の世界観をカラフルに塗りつぶした魅惑的な情熱プロジェクトに変わりました。彼がスタジオで監督したさまざまなタイトルにわたって。さて、2022年に東映がこのようなプロジェクトを持っているとは言えません。そして、それはすでに問題です。
過去数年間、東映の代替プロジェクトは大幅に危険にさらされているか、完全にキャンセルされています。 ポッピンQは風変わりな小さな映画で、予定されていなかったスタジオの記念プロジェクトとしての責任を負い、パフォーマンスが低下した後、約束された続編が大幅に削減され、最終的には消滅しました本に。それ以来最も興味深いイニシアチブは、短編映画を通じて若いスタッフにプラットフォームを提供するプロジェクトでした。これは、通常のフィクスチャであることを約束する複数のプレスリリースの後、石谷めぐみのジュラ紀。それ以来、スタジオはフランチャイズの仕事にのみ焦点を当ててきましたが、ユニークなプロジェクトは内部サポートに飢えている、儀式的にプラグが抜かれている、または私たちが無視したほうがよい詐欺です。
スタジオにとってのこれの危険性理論的なだけではありません。東映で最も人気のある人物の一部は、より大きく、永遠のフランチャイズに属さないプロジェクトに取り組みたいという願望を正確に引用して、近年去っています。結果として、多かれ少なかれ商業アニメーションを残している人もいれば、個人的なプロジェクトが行き詰まっている間に、単に別のフランチャイズに行き詰まっていることに気付いた人もいます。これは、私たちが話している業界のタイプだからです。今日まで東映と距離を置いていても喜んで一緒に仕事をしている宇田は、それを非常に明確に述べています。フランチャイズの仕事では決して許されないように、スタッフに創造力を発揮させる必要があります。虹色ほたるは、アナログアニメーションの新しい波を始めることは決してありませんでしたが、少なくとも、アーティストの仕事がそれを標準にすることを許可していなくても、アーティストには自由が必要であることを驚くほど思い出させるはずです。
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