私たちが公開したすべての記事に加えて、春のタイトルに適切に進む前に、2025年の初めに私たちに感銘を受けた他の作品についてのコメントと短いエッセイのこの長いエッセイをお楽しみください。もちろん、大きなヒットについてはいくつかのメモがありますが、昇格したショー、それでも注意に値する小規模な作品、そしてインディーとアベントのための空間は<今日のいくつかの記事。理由が十分に明確でない場合は、2025年の最初の数ヶ月で私たちを感動させたアニメーションの作品について最初に1回のラウンドアップを公開するつもりだったからです。あなたが後で見るように、ほとんどの年は今年もリリースされたものであり、また、時間性に縛られていない独立したものもあります。いくつかの記事を自己完結型の投稿に分割した後、私たちは最後のメモのコレクションを残しています。これらの作品がより低いとは思わないでください。また、記事は必ずしも詳細ではありません。これらは、作業が短いか、特定のエピソードディレクターがショーの規範をはるかに上回るバーを上げたため、単に小規模なハイライトです。第二次世界大戦中に、 himeyuriの学生の状況に匹敵する若い女の子のグループを中心に中心にあります。著者のあとがきによれば、その夢のような品質は、彼女が個人的に想像した方法と関係があります。おそらくさらに重要なことは、この作品の中心的なモチーフとその背後にある世界観にも結びついていることです。子供が目撃してはならない口径の悲劇に浸り、女の子、特に太陽にちなんで名付けられた想像力豊かな主人公は、彼らを守るために甘いcocoを回転させる彼らの交際と空想で現実から身を守ります。しかし、それはそのような容赦のない状況でそれらのいずれかを安全に保つのに十分であるでしょうか?または、kyouが簡潔に説明するように:砂糖錆鋼?
死、切断、飢ation、性的暴行の近く、子どもたちの生きた腐敗のグラフィカルな描写は、彼らを甘い空想と対照的にすることがシリーズのすべてであるという意味では無償ではありませんが、それでも忘れられないイメージです。極端な描写に関しては、アニメーションがより厳格な基準を冒すことを考えると、当初発表されたときに私が抱えていた最大の質問の1つは、そのような物語をどのように伝えることができるかということでした。 プロジェクトは、若いアニメーターの指導に向けられているように見えるに向けられているという事実そのチームが到着した答えは、ある意味で、ことわざのcocoの中から撮影することです。
簡単な適応を試みる代わりに、Cocoonアニメはキャラクターを、1時間のランタイムに合うように、キャラクターをわずかに伝統的で長いキャラクターの成長ストーリーに輸送します。同様の状況は、最初のcocoのアイデアの導入のように、特に重要と見なされるときはいつでも再考されます。雪の日の雰囲気とcocoに包まれている間の比較を聞いて、ストーリーボードは、そのアイデアを反映した雲とキャラクターを重複させます。彼らが説明しているものとは逆のタイプの天気でありながら、この物語の中心的なモチーフの印象的な外観。私たちは彼の後継者を見つけることに夢中になっている世界に住んでいます。そこでは、ジブリの経験を持つアーティストがあらゆる種類のプロジェクトに貢献しています。ポノックのようなスタジオからの直接の派生物で作られたプロジェクトを含む。 cocoは同様の血統を誇ることができます。アートディレクターアートディレクター（美術監督、Bijutsu Kantoku）:シリーズのバックグラウンドアートを担当する人。彼らは、かつてシリーズディレクターによって承認された多くのアートボードを描き、シリーズ全体のバックグラウンドのリファレンスとして機能します。アート部門内の調整は必須です。設定とカラーデザイナーは、首尾一貫した世界を作成するために協力する必要があります。 Color DesignerColorデザイナー（色彩設定/色彩設計、Shikisai Settei/Shikisai Sekkei）:ショーの全体的なパレットを確立している人。エピソードには、特定の外出が必要とするモデルシートの監督と供給を担当する独自のカラーコーディネーター（色指定、iroshitei）があります。これは、カラーデザイナーによってまだ定義されていないトーンである場合に自分自身を作ることさえできます。 （ watanabe and nobuko mizuta 、それぞれ、それぞれ）。
知らない人のために、同社は有名なギブリ・ダガのベテラン hitomi tateno によって設立されました。スタジオでの長い在職期間の後、彼女はアニメーションを作成するのと同じくらい、他のアーティストを指導するのと同じくらい、自分が愛したものを支持して、制作のストレスを残しました。彼女は最初にカフェの本質的にゆったりとした環境でそれをしました。そして、パンデミックが襲ったとき、それは悲しいことに閉鎖されましたが、彼女はアニメーション制作部門の設立でそれをフォローすることができました。それにより、彼女はササユリトレーニングコースを受ける学生に実世界の経験を与えることができます。有望な若者が参加しています。 2019年、彼らは natsuzora のアニメーションを処理するために適切に任命されました。過去数年にわたり、彼らは物事を一気に取り上げ、最初の映画「Cocoon」を制作することにしました。前述の相続人候補者はどれもこれまでに（確かに試したが、彼らが義務を負っていたわけではないが、確かに試したが、https://x.com/yuyucow/status/19060290644277610510″>を管理するために、 Yasuo otsuka フレーバーを特徴としています。カメラが人々の顔に近づくにつれて、感情のうねりに固執します。部分的な部分に対する頑固さにより、それはそれに影響を与えた映画と共有しているため、ラインは絶えず生きているように感じます。シーケンスのタイミングは、個人が自分自身を切るのと同じくらい認識されます。ダムが爆発したように群衆を解き放つ前に息を止める傾向があります。最初の空襲の準備やその後のカオスの瞬間のようなシーンは、それらの傾向を完全に体現しています。漫画の虐殺の描写とは異なり、アニメは、これらの子供たちが現実がまさにその残酷であるときに固執しなければならない空想を通してそれらをろ過します。血が飛び散るのではなく、死は花びらを羽ばたくと見なし始めます。つまり、cocoの理想化です。ただし、アニメがストーリーのより星空のバージョンであるほど簡単ではありません。その視点はまた、cocoの変革的な側面を強調し、主人公に、汚染されていない美徳を乗り越えるのではなく、より断固とした成長についてのアークを与えます。変化に重点を置いているのは、彼女のクラッシュに関しては特に興味深いものです。ストーリーの両方のバージョンで、少年を裕福な家族に生まれ、性別のシェナンガンを通じて兵士としてドラフトされることを避けようとしました。これらのトピックが腹を立てることができると思われる場合は、両方のバージョンのストーリーをチェックして、顕著に異なるフレーバーを体験することをお勧めします。
このプロジェクトに対する一般的な肯定的な感情にもかかわらず、トレーニングプログラムとしての性質に対処せずにこの作品を完成させることはできませんでした。個人的には、このプロジェクトだけでなく、ポジティブな経験を描いた他のササユリの努力についても証言を聞いたことがあると言って、これを前進させる必要があります。特に、テイテノ自身が人々の個人的な状況に対応していることについて。彼らがその環境で自分の経験を誤って伝える理由がない信頼できる個人から来たことを考えると、私はそれらを一瞬疑いません。しかし、彼らのものが必ずしも普遍的な感覚ではないことはますます明らかになりました。彼らがWit and Bonesのようなもので確立した取引であり、Netflixのようなスポンサーを務めたが疑わしい排他性条項を追加する企業の介入によってすぐに泥だらけになりました。 Sasayuriとの経験のこのギャップは、メンターが判断した技術的なスキルだけでなく、会社自身のプロジェクトの1つなのか、これらの雇用機会の機会であるかにもなります。
結論は同じです。たとえあなたの目標が高貴であっても、若い見通しを傷つける価値はありません。ギブリ自身は、業界全体の慣行の上に頭と肩の頭と肩を立てていた会社のために、彼らの高い基準で押しつぶされたアーティストを覆う暗い影のために常にキャストされています。そして、退役軍人を特定の方法で治療することがすでに過度である場合、学校を卒業した生徒にそれをすることはさらに受け入れられません。 Cocoonは、絶滅危edicleな技術を保存する豪華な映画であり、それらを使用して、魂を砕く現実から自分自身を隠して生き残るために自分自身を隠さなければならない若者を描写します。しかし、視聴者として、私たちはその美しさだけでなく、それの周りの不快な現実に直面するべきです。
ハニーレモンソーダとキヨタカオハタの狂気の輝き
は、JCスタッフがほとんどの視聴者である視聴者に、ほとんどの訪問者であり、その年には豊かな作品であるために、ほとんどの視聴者に伝えるのは難しいです。そして、これがその時代の傑出した才能を追い払っていないことを彼らに理解させることはさらに複雑です。 kuniko kuhara のようなものと一緒に輝い始めた多くの個人は、重要な役割も委ねられ、スタジオに残ります。残念ながら、生産システムは会社全体と、それらの高い責任の役割に伴うものを歪めています。 hasingawa は彼がかつてないほど伝説のようですが、彼の仕事がしばしば急いでいる作品の絵が十分に良いことを保証することであるとき、彼が知られていた活気のある演技のような側面は、あまり一般的ではないことで知られています。一部の退役軍人は、業界の回転の潮に適していませんが、他の人はアニメで輝きたい場合に必要な方法で船外に出るのをやめることに決めました。しかし、全体として、JCスタッフの一見ti病な退役軍人の問題は明らかに体系的です。繰り返しますが、それは主に業界と彼のホームスタジオに帰着しているようです。その形容詞を、自分で別の、より否定的な言葉に自由に置き換えてください。このあまり好ましくないシナリオでも、時々その効率的な魅力を垣間見ることができます。ちょうど昨年、彼はダンダダンの最も壮大なエピソードをフォローアップすることを委ねられました。彼は、面白いストーリーボードストーリーボード（絵コンテ、ekonte）:アニメーションの青写真で達成しました。アニメの視覚的なスクリプトとして機能する一連のシンプルな図面。アニメーションカット番号のフィールド、スタッフのメモ、対話の一致するラインを備えた特別なシートに描かれています。生産値が著しく低いことに疑問を投げかけるのを止めないこと。また、彼が悪い監督にならないことを指摘する価値があります。 Nishikioriのタイトルの天井は最近では確かに低くなっていますが、彼が流砂の上に家を建てるように言われていない限り、床は頑丈なままです。ある意味では、それは全身のJCスタッフの悪化を要約しています。非常に熟練した退役軍人は、彼らの輝きではなく信頼性のために展開されなければなりません。
なぜ今それを育てるのですか?さて、2025年は、ニシキオリが率いるハニーレモンソーダの適応から始まりました。まだ興味がない場合は、アニメを見るために邪魔にならないように人々に頼むことはありませんが、それは自己改善とつながりのベクトルとしての愛についてのかわいいシリーズです。彼自身のエピソードは、広々としたカメラワークのためにやや際立っています。しばしば、このような控えめなプロダクションが苦労しているタイプのトリッキーな絵を要求しますが、シリーズは物理的な距離と感情的な距離の間に明確な橋を描くこともできます。シリーズディレクターリーズディレクターがいなくても:（監督、カントク）:創造的な意思決定者と最終監督者の両方として、プロダクション全体を担当する人物。彼らは残りのスタッフを上回り、最終的に最後の言葉を持っています。ただし、さまざまなレベルのディレクターを持つシリーズが存在します。チーフディレクター、アシスタントディレクター、シリーズエピソードディレクター、あらゆる種類の非標準的な役割です。これらの例の階層は、ケースごとのシナリオです。彼がかつて行ったようにフェンスのためにスイングして、これらの基礎は、それ以外の場合は縫い目で崩壊した可能性のあるプロジェクトのタイプを維持できます。彼らは残りのスタッフを上回り、最終的に最後の言葉を持っています。ただし、さまざまなレベルのディレクターを持つシリーズが存在します。チーフディレクター、アシスタントディレクター、シリーズエピソードディレクター、あらゆる種類の非標準的な役割です。これらの例の階層は、ケースごとのシナリオです。このようなプロダクションに野心を漏えられる個人は、ストーリーボーダーやエピソードディレクターである傾向があります。 ＃05は、 Yoshiki Yamakawa の同じサークルから別のJCスタッフのベテランが搭乗したように、多くを示しています。その抽象度が高くなると、日常生活がより刺激的になり、より遊び心のあるアニメーションを促進します。ただし、エピソードを幅広い推奨に値するレベルに（特に90年代のアニメの味を持つ人々に）レベルに引き上げる人がいる場合、それは間違いなく kiyotaka ohata です。最高の状態で、彼はニシキオリの最大の同盟者でした。アズマンガの最大のエピソードやその象徴的なオープニングのような他のハイライトから、Tenshi Ni Narumonのようなより特異な個人的なプロジェクト。オハタはいつもそこにいて、彼はいつも配達していました。しかし、その声明の利点は、それらの2つがまさにハニーレモンソーダにあったことです。エピソード＃06の彼の最初のシーンは、私たちが要約したすべての資質の声明です。刺激的なストーリーボードがあり、狭い窓から主人公を閉じ込めて開いた空を飛ぶ飛行機に移行します。前者は、これまでの彼女のti病な生活を表しています。ソリッドカラーのシルエットは彼のイントロからまっすぐにあり、リズミカルな繰り返し（ジャンプカット、絶えず重複するパネル）は、オハタのスタイルをさらに代表しています。彼のパーカッションは、ゆったりとした、まだ活気のあるリズムを確立するのに十分なほど遅くなる可能性があります。ポーズと声の演技の両方が同期して音楽性を高めることができます。モチーフ（その個人的な成長に関連する交通標識など）および繰り返しのレイアウトルイアウト（レイアウト）:アニメーションが実際に生まれる図面。彼らは、ストーリーボードからアニメーションの実際のスケルトンに通常シンプルな視覚的なアイデアを拡張し、キーアニメーターとバックグラウンドアーティストの作品の両方を詳述しています。マクロレベルで同様に韻を踏む構造を与え、彼女の友人のグループが自然な方法でどのように拡大しているかを強調しています。そして、彼がそれを逃れることができるときはいつでも、コメディーのアニメーションは数十年前にあなたを物理的に引きずります。面白い多様性、さまざまなレベルの人工レベルの間のダンス、そして彼自身が紹介したモチーフの素晴らしい再利用。主人公が初めて光に浸るエピソードの後、彼女がノックダウンされた瞬間、彼女の愛の関心だけが照らされるように見える暗い場所に彼女をもたらします。すべてのことの中で、太陽を覆ってから飛び去るのは彼女の決意を表した飛行機です…彼女が見事なもののように見えるようにする完璧なタイミングで。今回は後者をさらに進めます。彼は、誇らしげに人工的なものからすべてのダイゲティックにタイポグラフィとVFXを挿入する方法を見つけました。いくつかの新しいしわにより、史上最高のアニメーターの1人が複数のゲスト出演をするという事実から始めて、さらに特別なものになります。 Takeshi Honda は、オープニングで彼の顔（今日のテレビアニメではほとんど見られない）を見せて世界を驚かせましたが、それでも、ショー自体に降りるために演劇アニメーションで最も有名な人物の1つを期待していなかったでしょう。単なる練習ショットでの生地だけの自然な羽ばたきは、彼がまったく別の品種であることを知るのに十分です。
このエピソードがさらに影響を与える2番目の理由は、おそらくコース全体で進歩した関係で最も満足のいく発展であるということです。ハニーレモンソーダは、2つのリードの間でより均等で相互的な結合の方向に身振りで示していましたが、エピソード＃11まで、オハタの狂った砂糖ハイを介して、わずかにシュールで非常にかわいい方法で実現していることがわかります。これは、ホンダの比類のない形とオハタの風味豊かな方向との別の会議で頂点に達します。また、両方とも頼ることができる2人の高校生の間の会議。コンテキストはこのような瞬間をはるかに良くしますが、ショーでのOhataの作品は十分であるため、少なくともこれら2つのエピソードで誰にでもチューニングするように懇願します。前述の作品のいずれか、または90年代から00年代初期のアニメに興味があれば、親愛なる古い友人に会うようなものです。前向きな評判を得る。 tokio Igarashi の作品を見たことがないかのようではありません。ほとんどの場合、彼は Vinland Saga の第2シーズンに参加していました。しかし、以前に道を渡ったにもかかわらず、彼の入力が私の心に登録するのに十分な意味がなかった。 2022年以来、他の人を掃除するためのクレジットを持っているにもかかわらず、彼は最近自分のストーリーボードを描き始めたことがあることは注目に値します。 Zenshuu への彼の貢献は、ショーのバックエンド中に到着しましたが、後にこの場合はそれほど低いという意味ではありません。エピソード＃07は、彼が監督し、ストーリーボードを監督し、シリーズが以前に欠けていた重要な領域に対処しています。最も重要なことは、それは彼らが開いた傷の上に急いでバンドの援助をしているように感じたままにならないほどの魅力的な方法でそうしていることです。それをより具体的に言えば、イガラシの配達は、Zenshuuの主人公Natsuko Hiroseを人間化することに成功し、彼女の人生とそれに触れられた人々との交差点の一連のビネットを描いています。シリーズディレクターリーズディレクターがいます:（監督、河口）:創造的な意思決定者と最終監督者の両方として、プロダクション全体を担当しています。彼らは残りのスタッフを上回り、最終的に最後の言葉を持っています。ただし、さまざまなレベルのディレクターを持つシリーズが存在します。チーフディレクター、アシスタントディレクター、シリーズエピソードディレクター、あらゆる種類の非標準的な役割です。これらの例の階層は、ケースごとのシナリオです。 yamazaki と彼女の繰り返しのアシスタント sumie noro 、作家 kimiko ueno 、そしてもちろん、みんなのお気に入りのデザイナー kayoko shikawa 。彼女の象徴的な aikatsu エンディングを再び共有するためにこの機会をとらないと思ったら、あなたはとても間違っています。代替案は、代わりに埋葬されたプロジェクトの1つについて泣くことでした。
もちろん、物語には普遍的に好感の持てるリードを備えている義務があるわけではありません。また、根本的に説得力のある紛争なしに主人公のケースを扱っていません。彼女が最初のエピソードで残した創造的なブロックと期待は堅実な出発点です…しかし、彼女は実際にそれらを置き去りにします。彼女と新しいキャストの間に多くの化学がなければ、あなたは他の人からの距離をたむろしたり、指摘したりするのに楽しいものでもないものとして提示されている主人公に固執しています。つまり、エピソード＃07が到着するまで、彼女が彼女のコアにカリスマ的なクリエイターの性格を持っていることを示しています。それは、彼女の技術的なスキルと名声よりもアニメーション（そして今、世界を救うために）を作成するために彼女の周りに集まった理由を説明するものです。確かに、彼女は現在の自己をまだ同じようにする方法で自己吸収されたままですが、ナツコもなぜそんなに磁気的な個人であったかがわかります。繰り返しますが、それは彼女が絵を描くのが得意だからではありません-ショーはすでにそれを伝えようとしていましたが、むしろ他の人に触れる本物の焦点を絞った情熱を通してです。その短編小説の最初の愛のフレーミングは、それらのほとんどの固有のコメディを追加しますが、それを過剰な皮肉と混同しないでください。どちらかといえば、このエピソードは、イガラシの方向性が、彼女が彼女の人生に引き込まれた人々と共有するロマンチックな視点を恥ずかしくも受け入れない方法で輝いています。特に2番目のものは際立っており、同じように共鳴する、正直でシンプルでないロマンチックな短編映画のように効果的に動作します。ストーリーボードについては、想像力に富んでいることが証明されていることが証明されていることがありますが、それが要求するテクニックでそのフレーミングと野心的であることがありますが、感情的な魅力において非常に鈍いです。彼らは派手な仕事を出力できる才能を引き付ける並外れた能力を持っており、どんな状況でも仕事を終えることができるサイズに成長しました（Zenshu自体がそのような強迫の下にあるわけではありません）が、ポーランドはすべてのアニメーションの方向性の方向（作画監督、Sakuga kantoku）:アニメーション自体を監督する芸術家の監視と一貫性を監督するときに、当たり前のことをとることができません。彼らは、彼らがそれが適合した場合、デザインからあまりにも大きく逸脱するカットを修正するかもしれませんが、彼らの仕事は主に動きがあまりにも荒く見えないようにすることを保証することです。メカ、エフェクト、クリーチャーなど、専門的なアニメーションの方向性の役割がたくさん存在します。危険な海の支援会社に振りかけられています。 There’s no doubt that much of it comes down to the chief supervisors and their assistants—Masahiko Komino and Shuji Takahara on top of the regular Kazuko Hayakawa and Ishikawa herself—who certainly feel cherry-picked for an episode meant to be important.さらに、その微妙な品質は、中間にさえ滴り落ちることがあります。チームのより信頼できる個人の1人によって監督され、クレジットが繊細なスポットでより信頼できる紙のダーガを選んだのではないかと思う方法で構成されています。アニメの視覚的なスクリプトとして機能する一連のシンプルな図面。アニメーションカット番号のフィールド、スタッフのメモ、対話の一致するラインを備えた特別なシートに描かれています。エピソード＃09の場合、今回はスミーノロの指示の下で。その前半は、＃07のエピローグのように感じます。ナツコと道を横断し、多くの髪と不機嫌さの後ろに隠された人類を目撃している人のさらに別のビネットは、彼らの人生にハート型のマークを残すのに十分です。しかし、最終的には、Igarashiの以前の製品のような特別な機会のようには感じません。彼のためのストーリーボードのみの仕事と、より初歩的なストーリービートとして、そもそも設計されていません。ショーがそのような負荷をかけるエピソードを遅くすることは大胆であり、それが最良の決定であるとは完全には確信していません。しかし、私が知っていることは、それ自体で、愛が創造的なプロセスに必須であるというメッセージを表現することが愛らしい方法だったということです。私は今、私が目を光らせていることを知っている監督によるこのような甘いエピソードを見ることができてうれしいです。
人々がより独立した代替アニメーションを見るための必須の嘆願
私は、ほとんどの人がアニメとアニメーションの見解をコマーシャルワークスに完全に制限することに気付くことで驚くことではありません。オンラインでビデオの共有を容易にすることで、他の人がミュージックビデオ、学生卒業プロジェクト、あらゆる種類の短編映画につまずく可能性がはるかに高くなりましたが、それらは非営利的で独立したアニメーションの豊富なスペクトルのほんの一部に過ぎません。多くの見事な、深く共鳴する作品は、国際的な映画祭で上映されていますが、誰もがアクセスできるプラットフォームで共有されていません。視聴者がこの事実を受け入れずに商業作品にそれほど強く引き寄せられる理由を理解することはできません。簡単に言えば、私たちは、文化に重く昇進し、定着している作品よりも、より受動的に消費する作品よりも、より複雑な方法で積極的に求める芸術に関与する傾向があります。それは、創造物が恐ろしい言葉、コンテンツになる瞬間です。しかし、哲学的な観点からはその視点を理解することはできますが、興味深い作品を共有することを楽しんでいる人として、そしてそれらを見ることができる人として、それを楽しんでいる人として、これにいくつかの名前を付けてみましょう。 Yamamuraは独立したアニメーションの歴史の中で最も重要な人物の1つですが、 非常に短い の名前による散文とアニメーションのブレンドを見る機会は見つかりませんでした。競合のスケジュールのため、最近の映画祭では、 ファーストライン 技術的には、Tohoイニシアチブの一部でありながら、代替アニメーションサーキットに続いて、このサイトの友人によるこの短編映画は、中国の友人によるアニメーション自体を作成する行為を検討しています。同じことが、ヨリコ・ミズシリの普通の生活であるであるベルリンの賞金2025での賞品。商業表面の下のアニメーションに注意を払っても、最も有名な代替品をキャッチするのは必ずしも容易ではありません。 src=”https://www.youtube.com/embed/vohpczh-qcw?version=3&rel=1&showsearch=0&showinfo=1&iv_load_policy=1&fs=1&hl=en-us&autohide=2＆wmoded=transperent”>
心に留めておいてください、これはインディーアニメーションを見るために必要な信じられないほどの努力についての落胆的な物語ではありません。むしろ反対です。むらのある分布がこれらのタイトルをより面倒にすることができることを否定することはありません。不規則なリリースパターンのために、彼らはまた、商業アニメに与えられた公共の関連性の窓から剥奪されます。それでも、彼らの性質は、彼らを個人的な感じる発見をより生じやすくします。 For all we’ve highlighted their limited availability, they will often get shared in quieter corners that are often just one search away.This can be illustrated by returning to the previous anecdote: another short film I thought I had missed at a local festival was Nana Kawabata’s The Point of Permanence. Its trailer had caught my attention, and a bit of research indicated that I wasn’t alone; she’s been able to share morphing landscapes that feel like a deity peeking into humanity not just through plain animation, but in exhibits, installations, and books as well. While lamenting that I’d missed a chance to watch her work, I looked it up one more time and noticed two things: one, that she’d been nominated for the Asia Digital Award FUKUOKA, and two, that the site to showcase the winners features the actual works. Stumbling upon a channel that gets just about a dozen views while sharing gems that have limited availability is the type of rewarding experience you can get out of alternative animation, if you put just a bit of interest into it. Don’t be scared to give it a try!
Was Kawabata’s work worth the excitement, though? The answer is clear. The Point of Permanence challenges itself to simultaneously tell the story of the cells that compose a living being, of one individual, and of humanity as a whole. The lines between them are blurred; or rather, weren’t they hazy in the first place? At all levels, we organize ourselves in a similarly orderly fashion, requiring coordinated repetitive action for our collective growth. It’s no surprise, then, that the smallest units inside our bodies seem to have human silhouettes of their own—stylized into universally recognizable stickman figures. They pulsate endlessly, as they navigate systems that are reminiscent of both tiny snapshots of biology and history at large. The awe of life is delivered by instinctively satisfying visuals as clearly as its preoccupations about it become sound, growing more uncomfortable as everything expands and overlaps.
This short film’s triumphs are many and not particularly subtle. Above all else, Kawabata’s work impresses in the way it can stretch the exact same concept for slightly over 10 minutes. The enchanting morphing animation that had already caught my eye in trailers is what kept me glued to the screen for its entire runtime, constantly finding ways to iterate on that seemingly endless cycle. In that progression, you notice its ability to evoke scale and expansion; despite having no objective point of reference, and with drawings that already begin with a high degree of density, it still feels like it takes us from the microscopic to the infinite.
In the end, Kawabata doesn’t seem to interpret this eternal growth that we’ve historically sought (a biological tendency, given the parallels she draws?) as liberating, however. After so much advancement, development, and increases in complexity, the cell of humanity that felt so massive slowly fades into the distance. From this still point of view, it’s actually becoming smaller, trapped into an increasingly tiny dot that it can’t escape from—the point of permanence.
Just by checking out a few more offerings from those recent awards, one can find a few more interesting works; amusingly, that includes one with very similar traits to The Point of Permanence. HuaXu Yang’s Skinny World too draws parallels between the human body and society, specifically to cities, as two meticulously arranged systems of functions. Despite the complex imagery that gives form to those ideas, he’s able to evoke by subtraction and implication as well. This process results in a surprisingly aKarenble, surreal landscape that might leave you wondering if our society is merely replicating animalistic, fleshy behaviors. And if you’re not into this type of arthouse efforts that speak to the senses above all else, you can swing the other way around to Li Shuqin’s To the Moon and Back: an uncomplicated, honest story about processing grief at a point where you don’t quite know that feeling; only its pain, fresh and new.
It’s no surprise that many stories about loss are framed from the eyes of a child. It’s not simply due to those experiences being the ones that stick with us in the long run, but also because the lack of preconceptions about death allow us to explore it without the baggage that we inevitably accumulate later in life. It’s a vision of loss that doesn’t get diluted in thoughts about repercussions that we may not understand. And yet, it’s also materially tied to elements of that small world that surrounds us when we’re young, like a tadpole that we may have raised. What stood out the most about this short film was the creative choice to retain visible remnants of the previous frame when moving to the next one—an attempt to capture a feeling akin to paint-on-glass animation, which is also reminiscent of the marks left by the lives that have left us. Although not strictly autobiographical, it’s a very personal short film in a way that gets across clearly to the viewer.
If we started this corner by acknowledging the barriers of entry to independent animation on a material level, I want to let To the Moon and Back serve as an example that the idea that they’re inaccessible as art is silly. Inscrutable arthouse pieces do exist, and they can be an excellent way to free yourself from dogmatic beliefs about what storytelling should be like; and whether it’s even necessary to tell a story for art to be poignant, for that matter. But at the same time, many of these independent short films are simple, personal tales that resonate through honesty, that become memorable by choosing uniquely fitting styles and techniques that commercial animation would be afraid of. So leave those fears behind yourself and follow artists, keep an eye on festivals and specialized sites, or I don’t know, follow vtubers with a good eye for indie folks. That helps too.
Did you think those were all the animated works that stood out to us? Of course not
Kusuriya no Hitorigoto/The Apothecary Diaries is fundamentally great in ways that should surprise no one now that we’re halfway through its second season. The source material lures you in with a charming cast, whose antics and episodic mysteries are later used to assemble overarching puzzles. Although the scriptwriting ought to be a bit more confident in spots—the dialogue sometimes goes out of its way to reiterate clues—the actual plotting is bold and always very satisfying in retrospect. Our coverage of the first season highlighted those qualities, as well as the understated system of success they built for all directors to shine. Although that remains true, reckless scheduling has caught up to it; a less extreme case than the issues My Happy Marriage has gone through, though similar in nature. Their attempts to smooth over the troublesome schedule by dragging in a capable studio like C-Station to produce one in three episodes past a certain point led to notable results at first, yet gradually less consistent as they too got stuck in a cycle of crunch. Please give them props though, they’ve done more for the series than the credits convey! Great show, solid team, somewhat held back by inexcusable planning. As many other people, Hunter x Hunter 2011 was the TV series that helped me discover Yoshihiro Kanno’s animation. Ever since then, I’ve been following his career on and off, even in the types of shows that you wouldn’t expect from his reputation. For as much as I encourage everyone to broaden their understanding of artists, though, there’s no denying that Kanno shines best in action anime. His timing is forceful, but especially when he’s storyboarding as well, his setpieces have palpable flow. He has a tendency to overwhelm the screen through 2DFX and debris overload akin to the work Nozomu Abe, despite their stylizations being nothing alike. For starters, rather than aiming for Abe’s more picturesque sense of awe, Kanno uses those effects to indicate aspects like directionality; both in an objective way (where do the blows come from?) and subjective ones (how can we use elements like the direction of the rain to indicate a power imbalance?). This is all to say that I’m glad Solo Leveling fans seem to have realized how lucky they are to have him as an action director, because he deserves all the flowers. Although I was reluctant to get around to the third season of Re:Zero when it originally began its broadcast for reasons that now go without saying, I finally binged it in time to watch the final episodes as they aired. The series is in no position to compete with the seamless, immersive quality of the first season’s production, and having replaced series directorSeries Director: (監督, kantoku): The person in charge of the entire production, both as a creative decision-maker and final supervisor. They outrank the rest of the staff and ultimately have the last word. Series with different levels of directors do exist however – Chief Director, Assistant Director, Series Episode Director, all sorts of non-standard roles. The hierarchy in those instances is a case by case scenario. Masaharu Watanabe also makes it struggle to reach the same heights of catharsis for its character beats—he operated on a different level of ambition. Although this results in a bit of a lesser season, I wouldn’t point at the new team (especially not with Haruka Sagawa as the new designer) so much as the arc itself being inherently less resonating; rather obviously so when its grand speech echoes one that carried more weight. It is, however, consistently entertaining to see every volcanic character in its world locked inside the same city after an exposition-heavy season. While Vincent Chansard’s transcendental draftsmanship understandably got the most applause, I’d point to Hamil’s constant appearances and the Archbishop of Lust’s morphing animation as the MVPs. The sequences where she unnaturally regenerates her body are not only technically impressive, but as unpleasant as she ought to be. While I didn’t get around to finishing the show, shout out to Shin Itagaki for his work on Okitsura. I’m not exactly surprised that his reputation among people who aren’t really in the know (or at least aware of his full resume) doesn’t match his ability, and a strangely crafted piece of Okinawa propaganda certainly won’t change that. All that said, I’m always happy to appreciate his work; the circumstances that surround him, though, not so much. His Teekyuu tenure proved that he could take the snappy timing that characterized his animation to the extreme, using posing alone to create an economical masterpiece. However, his eccentric artist blood has constantly pushed him in other directions. Even without citing the most controversial project he was tied to, shows like Kumo desu ga, Nani ka? showcased the type of volumetric ambition that a team like theirs simply couldn’t aspire to without crumbling… which is exactly what happened. Okitsura feels almost like an answer to that: occasionally built upon intricate character arc and bold framing, but willing to abbreviate the movement in classically Itagaki ways. In multiple ways, a romcom not quite like anything else. SK8 Extra Part was finally released a while back, living up to the promise of fun vignettes for the cast. Separated from the first season’s overarching narrative (though hinting at the direction that the sequel’s plot will likely take), those daily life moments range from worthy of a chuckle to very cute. While the ridiculous energy of the original show was its greatest asset, this OVA proves that some relationships have charming enough chemistry to still work in a more low-key situation. Here’s hoping that season 2 lives up to its predecessors, and that Hiroko Utsumi’s friends can show up like they did here. If you’ve been enjoying the combination of Gosho Aoyama‘s work with irreverent, Kanada-leaning animation in YAIBA, I’d strongly recommend watching episode #1155 of Detective Conan. Don’t let that large number scare you: it’s an original, ridiculous gag episode built entirely around the style of Hiroaki Takagi. Neither he nor the ex-Wanpack artists he surrounds himself with are newcomers to the series, but they rarely can go on a rampage with all limiters off in the way they did. The likes of Toshiyuki Sato appeared in the same way they’re doing for YAIBA; unsurprisingly, given that they both offer the possibility to have fun with pose-centric, loose animation. Convergent evolution within Aoyama series, I suppose. A good kind! Otona Precure—a series of spinoffs for the franchise both aimed and featuring adults—has been a mixed experiment. For its undeniable issues, ranging from certain Precure tropes feeling extraneous in this context to a subpar production, the 2023 series Kibou no Chikara was ambitious as well as angry in amusing ways. While I can’t say the same thing about Mirai Days, as it was a more straightforward sequel to Mahoutsukai Precure without much to state, it allowed Yuu Yoshiyama to go more ballistic than ever in the franchise. As the lead animator with a hand in every single highlight, be it from intervening in every step of the process to becoming a link with very interesting guest animators, Yoshiyama elevated Mirai Days’ experience way above what you’d expect from it on paper. What would happen if the Precure grew older? Kibou no Chikara’s answer was about time, the changes in our planet, and adult preoccupations. Yoshiyama delivers a more straightforward answer: they would punch damn hard, because magical girls are cool as hell sometimes. Since we published a lengthy piece about Kenji Nakamura’s entire career not long ago, I didn’t feel the need to talk about the Mononoke movies again; especially not given that they’re meant to be a trilogy which is yet to be completed. That said, the second film led by Nakamura and his right-hand man Kiyotaka Suzuki was recently released in theaters, so I simply want to issue the periodic reminder that you should check out the series. As unique as commercial anime gets, and by comparing each instance of it, a fascinating illustration of Nakamura’s constant evolution.
This has been quite the multi-part marathon about animation we published today, so we’ll be wrapping up here. And remember, if a work that resonated with you strongly wasn’t mentioned here, that must be considered a personal attack that invalidates you and the personality you wrote around a piece of fiction. Or perhaps that’s not how it works and fandom spaces are poisonous, who can tell! For as many things we try to keep track of with a rather omnivorous diet, it’s impossible to watch everything—and it would simply be disingenuous to fake interest in works that haven’t piqued our curiosity.
As always though, feel free to ask about anything else… unless it’s about a certain famous fighter who recently became a kid (again) or a group of dramatic girls who confused bands for therapists, since there are already drafts written for those. I didn’t go insane watching Ave Mujica just to bottle up those feelings, even if that would be very in-character for the series.
I know I said I would leave the raving about Ave Mujica for another day, but can you believe that one of the outstanding music videos they released during its broadcast was produced by Saho Nanjo’s usual team? Featuring the likes of Setsuka Kawahara in charge of the watercolor and sand animation, Haruka Teramoto in charge of the CG and photogrammetry, Kana Shmizu for its photomontages of nightmarish longing hands. Just a few months ago, I pointed at them as one of my coolest creator discoveries in recent times, and here they are in the (so far) series I’ve enjoyed the most in 2025. Nanjo & co have the radical edge (and unconventional choices of technique) you’d associate with avant-garde animation, but also the ability to adapt and capture specific moots that makes them a viable option for commercial, narrative works. They sublimated the band’s gothic aesthetic and the fact that these girls are often more emotion than person into an incredible expressionistic work of animation.
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