Il recente film di Naoko Yamada trae spunto dal suo rapporto con la natura, dall’arte e dal processo creativo, dall’immaginario spirituale e da scelte molto specifiche di strumenti per la sua band di adolescenti: tutti questi elementi diventano gli strumenti della regista per esprimere la sua tesi.
Pezzo ospite di Jade. Puoi trovarla nei panni di un’avventurosa bibliotecaria da qualche parte in Francia.
TheColors Within di Naoko Yamada è stato presentato in anteprima la scorsa settimana al Festival di Annecy, ricevendo un premio standing ovation e tanti elogi da parte del pubblico. Coloro che avevano amato i suoi film precedenti ne furono nuovamente conquistati, e coloro che non ne riconobbero ancora la regia impeccabile. È simile nello spirito a Liz and the Blue Bird (2018), con un tono e un’estetica molto più caldi, oltre a una struttura più sperimentale che potrebbe sorprendere alcuni.
Come i film precedenti di Liz e Yamada, Colors Within è caratterizzato da una grande attenzione ai dettagli e da un comprensione completa del movimento umano, piccolo e grande: ogni personaggio cammina e agisce in un modo specifico, dalla studentessa che fa un passo laterale verso la scuola alla stretta di mano ansiosa di un altro. La profonda comprensione di Yamada delle persone e del modo in cui agiscono è qui pienamente evidente. Forse questa maestria dei movimenti è al culmine nelle scene di balletto all’inizio e alla fine del film, che riproducono fedelmente la difficile coreografia del primo atto di Giselle e poi modificandolo per adattarlo alle capacità della protagonista, mostrando tutta l’energia e l’esitazione di un’ex studentessa di danza classica che non ha ancora padroneggiato i movimenti più difficili.
Oltre alla sua prevista personalità, il film è anche pieno del solito amore di Yamada per la flora e la fauna. Nel mondo di Colors Within, le stagioni e i sentimenti sono indicati dalla breve apparizione di una pianta specifica (come un dolce osmanto per Autunno) o uccelli che volano all’unisono sopra un mare inesplorato: anche gli adesivi sulla scrivania di un personaggio raffigurano uccelli in un’unione amorevole. Questi momenti illustrativi e il modo in cui sono modificati sono qui sia per creare uno spazio di respiro sia per simboleggiare le emozioni senza alcun dialogo; una culla di Newton che riflette il volto dubbioso di un personaggio si trasforma in pomodori acerbi, e i fiocchi di una sfera di neve destinata a una persona cara si trasformano in pezzi immaginari dell’arcobaleno, riempiendo l’inquadratura con l’idea del primo amore. Il film non è mai prepotente con i suoi simboli, cullando lo spettatore con un tocco leggero come una piuma. Nessuna scelta, dalla musica all’animazione, è lasciata al caso, eppure il risultato sembra sorprendentemente semplice.
Recensire Colors Within senza spoiler non è un compito facile, ma anche parlare di spoiler qui sembra inesatto, poiché il il film non ha colpi di scena e pochissimo o nessun conflitto. Non che i tre personaggi principali non siano essi stessi in conflitto, o non attraversino una storia di scoperta di sé. Ciò che Yamada e Reiko Yoshida hanno fatto con questo film è stato eliminare tutti i soliti nemici e i fili drammatici di una storia di formazione. Mentre la maggior parte dei film dedica tempo alla tensione e al pathos per concludersi con un’esplosione di felicità e risoluzione, Colors Within fa quasi il contrario, come un balsamo curativo continuo.
La storia, che è ambientato in un’ambientazione quasi fiabesca, forse un mix tra il Giappone e la stessa città di Annecy, e ha come protagonista Totsuko, una sinesteta sempre allegra che percepisce le persone come colori. Come un pianeta rispetto al sole, è attratta dalla sua compagna di scuola Kimi, una studentessa esemplare che improvvisamente abbandona la scuola. Nella sua ricerca, incontra Rui, un appassionato di musica destinato a diventare il prossimo e unico medico della vicina isola. I tre decidono subito di formare una band e nel giro di un anno diventano grandi amici. Come la maggior parte degli adolescenti, i tre lottano con il modo in cui vengono percepiti e con il modo in cui vedono se stessi. Totsuko non può spiegare agli altri la sua unica sinestesia per paura di essere rifiutata, Kimi non riesce a conciliare l’immagine perfetta che sua nonna ha di lei con le sue vaghe ambizioni, e Rui teme di svelare una parte di sé a sua madre che lo vede come il futuro salvatore di la clinica dell’isola. Il nocciolo del film è semplice: accettazione e amor proprio.
Sebbene questi temi siano stati affrontati molte volte in passato, l’esecuzione è ciò che rende Colors Within unico. Come già detto, il film è minuziosamente dettagliato, ogni fotogramma è ricco di informazioni senza mai diventare travolgente. Non è ambientato solo in una generica scuola cattolica, con alcune menzioni bibliche come sfondo: la suora Hiyoko cita sia la preghiera della serenità di Niehbur che Isaia 43:4 nei momenti chiave del film, stringe il rosario in un momento di dubbio. Il coro canta popolari canzoni cristiane What a Friend we Have in Jesus e Ave Maria de Lourdes, i giovani apprendisti del balletto si esercitano su Le mie cose preferite dal musical Tutti insieme appassionatamente, uno dei film più popolari, se non il più popolare, da guardare nelle famiglie cattoliche.
Scavando ulteriormente nell’ambientazione, potrebbero notare che gli studenti portano il simbolo di ichthys, noto come Jesus Fish. La stessa Totsuko trova ripetutamente gioia nel confessarsi e nel pregare nella cappella. La band si esercita in una chiesa abbandonata che ospita i propri strumenti e la propria amicizia, per poi esprimersi durante il concerto del Festival di San Valentino. Tutti questi elementi accompagnano con grazia una visione di amicizia, amore e perdono, che termina con una vetrata che reca la scritta”Ama il tuo prossimo”. Il film non parla del cattolicesimo e nemmeno della religione: l’immensa ricerca svolta per creare questo mondo serve semplicemente a rafforzare la tesi del film nel miglior modo possibile.
Quella tesi, o almeno i precetti che lo informano, sono enunciati nella preghiera della serenità di Niehbur sull’accettazione citata all’inizio. Allora come si accetta se stessi? La risposta di Yamada è farlo attraverso l’arte stessa.
L’arte, rendendo visibile l’invisibile, consente alle persone di trovare l’amore e l’amor proprio attraverso il processo di creazione. Il dono del personaggio principale è direttamente collegato a quell’idea. Totsuko non si limita ad assegnare colori casuali alle persone che vede, ma ne percepisce effettivamente il potenziale nascosto. È ciò che la attrae verso Kimi e Rui, insicuri di se stessi e di dove andranno. È ciò che la attrae verso Hiyoko la monaca, una donna severa con gli occhi grigi e un’uniforme grigia che brilla nei suoi occhi come il sole del mattino. Il suo amore, la sua gioia e la sua onestà aiutano ognuno di loro a realizzare il proprio valore e, grazie alla musica e all’arte, sono in grado di mostrare il loro vero sé al mondo.
Hiyoko, attraverso una lente cattolica, sottolinea l’importanza di creare, di esprimere “verità e bontà” con quelli che lei chiama inni, che includono non solo il canto gioioso ma anche la ballata triste di Kimi. Totsuko afferma di voler trasporre il bellissimo colore blu di Kimi in suono e vede la sua aura quando sente note specifiche. I personaggi si legano ascoltando la musica degli altri e sono stimolati dalla creazione comunitaria: non solo è necessario creare per realizzarsi, ma è anche fondamentale condividere quel processo creativo con gli altri.
Forse il miglior esempio di questa idea è nello strumento scelto da Rui. Suona il theremin, simbolo diretto del rendere visibile l’invisibile. Uno strumento musicale elettronico inventato negli anni’20, il theremin è complesso da padroneggiare e produce un suono quasi alieno e inquietante, simile a una voce ronzante. Si dà il caso che io sia un fan di un particolare suonatore di theremin, musicista Grégoire Blanc, e lo ho immediatamente riconosciuto nei gesti delle mani e nei suoni controllati di Rui.
Direi che Blanc è forse il miglior suonatore di theremin nel mondo di oggi e un maestro di molti altri strumenti, elettronici e non, arrangiandoli in video meravigliosamente diretti. Yamada sembrava pensare allo stesso modo quando l’ho incontrata, essendo lei stessa una fan e dicendomi che non avrebbe scelto nessun altro per il film. L’altezza di Rui, il suo amore per gli strumenti elettronici e gli arrangiamenti, e persino il fatto che suoni in una chiesa sembrano essere stati ispirati dallo stesso Blanc, che è stato invitato in Giappone durante la produzione del film per essere usato come riferimento. All’interno del film, offre una bellissima versione theremin di Giselle di Adolphe Adam, che permette finalmente a Totsuko di ballare liberamente e senza vergogna. Liz era già notevole nella sua attenzione alla musica e al modo in cui i ritmi seguivano i passi dei personaggi, e questo film lo collega alla narrazione stessa in modo sorprendente. Il lavoro di Kensuke Ushio è ancora più importante qui, ed è piacevole vedere l’animazione e la musica lavorare in tandem quando il ruolo dei compositori è stato spesso svalutato negli ultimi anni, a volte relegato a un altro gancio promozionale.
Le canzoni che suonano si adattano inoltre a ogni personaggio per un T. La gioia e l’amore di Totsuko per tutte le cose che ruotano sono resi in un perfetto tormentone sui pianeti, che fa girare lei e la suora Hiyoko in un altro riferimento a Maria in The Suono della musica. Kimi desidera”sbocciare come un fiore”e afferma che”il domani arriverà sempre”in una ballata e in una canzone rock elettronica, mentre Rui stupisce con il suo sensibile theremin.
Ancora una volta il diavolo è in gioco dettagli, dalla chitarra Rickenbacker di Kimi al Casio SA-46 di Totsuko e al theremin Moog di Rui. Il film non si preoccupa troppo del suono realistico degli strumenti a parte il theremin, ma questi dettagli su ciò che rappresenta ciascuno strumento mostrano che nulla è stato lasciato al caso. Come l’ambientazione cattolica e il luogo fiabesco in cui è ambientato il film, c’è una miscela di realismo e idealismo che rende lo spirito del film così contagioso. È esattamente il tipo di film che ti fa venire voglia di uscire di casa e fondare immediatamente una band.
Alla fine, quindi, quali sono i colori di questo film altamente incoraggiante?
Il tre personaggi nel film sono rappresentati dai colori additivi di rosso, blu e verde. Grazie a vari oggetti di scena e vestiti, le loro figure genitoriali sono esse stesse raffigurate come colori sottrattivi: magenta, ciano e giallo.
Questi colori sono visualizzati ovunque nel film, anche nelle fondamenta della cappella che vediamo in l’introduzione, prima ancora di incontrare i personaggi: Blu (Kimi) e Rosa (Totsuko) sono cornici di vetro nelle finestre della cappella, mentre i suoi pilastri sono dipinti di un delicato verde salvia (Rui). Il blu, inizialmente raffigurato come un pesce che nuota liberamente, è ovviamente il colore della Vergine Maria e del cielo estivo, ma anche del dolore e del mare che cambia. Questo si adatta perfettamente a Kimi, in quanto icona un tempo popolare che ha deciso di trovare la propria strada e ha lottato lungo il percorso.
Il verde ha molti significati, ma in questo film simboleggia principalmente nutrimento, protezione e guarigione: anche quando Rui è assente il suo colore è ovunque nella scuola, nei suoi muri, nelle sue uniformi e, naturalmente, negli alberi e nelle piante. Quando Totsuko lo incontra, ne è immerso, ed è quasi sempre inquadrato con questo colore in mente. Il rosa e il rosso rappresentano l’amore, simboleggiato in una mela che Totsuko mangia ogni giorno. Lei stessa non conosce il proprio colore, nonostante affermi apertamente di voler essere rosa da bambina, ignara del suo potenziale. Che sia il suo colore non è un mistero, dai suoi occhi rosa al suo guardaroba. Totsuko, in quanto incarnazione dell’amore, non vuole essere sottile, ma il film evita il cliché dell’eterna angelica svampita: è incredibilmente divertente e sciocca ma ha sogni e dubbi comuni. Prova gioia tanto intensamente quanto tristezza: quando Kimi se ne va all’improvviso, il suo mondo smette letteralmente di girare e perde tutti i suoi colori.
Sebbene le scelte di tavolozza siano evidenti, Yamada rifiuta la noiosa scelta di un semplice 1: 1 teoria dei colori del film. Il trio non è quello delle Superchicche: molti oggetti di scena non corrispondono esplicitamente al tema e i personaggi si scambiano facilmente i colori. Rui vistosamente non indossa il verde alla fine del concerto, ma un abito color lavanda di Oscar Wilde con una camicia con volant e stivali bianchi a tacco alto. Kimi abbandona la sua uniforme blu per indossare per lo più il nero, il bianco e il rosso da ragazzo per tutto il film, e rivendica di nuovo il colore per il concerto finale con un gilet di jeans. Ciò evita che il film risulti troppo fumettistico e semplice: la maestria di Colors Within sta nel fondere tutta questa vasta ricerca e una miriade di dettagli in un’esperienza coerente e fluida. Sono certo che il film verrà analizzato e teorizzato nella sua totalità una volta uscito nelle sale, ma è innanzitutto uno spettacolo per i sensi, che migliora ad ogni rivisione.
Sostienici su Patreon per aiutarci a raggiungere il nostro nuovo obiettivo di sostenere l’archivio di animazione a Sakugabooru, SakugaSakuga (作画): tecnicamente disegni di immagini ma più specificamente animazioni. I fan occidentali si sono appropriati da tempo della parola per riferirsi a casi di animazione particolarmente buona, allo stesso modo di un sottogruppo di fan giapponesi. Abbastanza integrante del marchio dei nostri siti. Video su Youtube, così come questo SakugaSakuga (作画): immagini tecnicamente disegnate ma più specificamente animazioni. I fan occidentali si sono appropriati da tempo della parola per riferirsi a casi di animazione particolarmente buona, allo stesso modo di un sottogruppo di fan giapponesi. Abbastanza integrante del marchio dei nostri siti. Blog. Grazie a tutti coloro che mi hanno aiutato finora!
