Ciao gente e bentornati a Wrong Every Time. Oggi ho un tocco di suono e rabbia per tutti voi, poiché le proiezioni della settimana includevano un film che odiavo con ogni singola fibra del mio essere. Sì, abbiamo davvero visto il detestabile remake del Re Leone di Favreau, quindi tutti voi potrete godervi un pizzico di quella furia nuda che dirigo solo verso cose che peggiorano il mondo. Fortunatamente, il resto delle proiezioni di questa settimana sono state molto più fortuite, spaziando da un artefatto distintivo della transizione digitale dell’anime a un film slasher semplicemente eccellente. Cominciamo con le cose brutte e andiamo avanti con le cose belle, mentre scorriamo l’ultima settimana in rassegna!
Sostenuti dall’insistenza dei miei coinquilini, abbiamo seguito la visione della scorsa settimana di Il leone King con la sua rivisitazione in CG del 2019. Bene,”reimmaginare”è probabilmente la parola sbagliata, poiché non sono riuscito ad analizzare un briciolo di immaginazione in nessun aspetto di questo film maledetto. Mi aspettavo già quanto sarebbe stato brutto: nelle mani uncinate di Jon Favreau, ogni bel colore, ogni composizione sbalorditiva e ogni frammento della recitazione del personaggio è prosciugato dall’originale. Nella sua insensata ricerca del presunto fotorealismo, si assicura che ogni ripresa di questo film sembri sfocata e noiosa, aspirando a nient’altro che a mantenere i suoi animali CG inespressivi più o meno a metà fotogramma. Una volta che le sequenze di canzoni dinamiche e ricche di colore sono completamente prosciugate del loro fascino; riesci a malapena a vedere cosa sta succedendo durante l’oscuro Be Prepared, mentre I Just Can’t Wait To Be King abbandona qualsiasi tipo di narrazione visiva al di là di”ecco alcuni animali sullo schermo”.
Ma Favreau è sempre stato così un trucco, e”perseguiamo il fotorealismo invece dell’arte”è sempre stato un esercizio intrinsecamente privo di valore. Ciò che mi ha sorpreso di questo film è stato il modo in cui non è stato all’altezza dell’originale anche quando si ignorano le immagini. La scrittura è più goffa e meno focalizzata, apparentemente più interessata a dimostrare”ehi, abbiamo doppiatori di celebrità!”piuttosto che raccontare una storia. E il missaggio della canzone è atroce, con gli strumenti completamente sommersi e le voci troppo alte nel mix, in un modo che evidenzia ulteriormente quanto le melodie vocali siano paragonabili alle loro controparti originali. Praticamente l’unica performance vocale che si confronta favorevolmente con l’originale è quella di Donald Glover, ma nemmeno lui riesce a superare i difetti di produzione. Questa versione de Il re leone è”l’originale ma drammaticamente peggiore”in ogni modo che si possa immaginare, prendendo un film che ha stupito milioni di persone e rigurgitandolo come un cinico esercizio di sfruttamento delle priorità del pubblico fuori luogo. Favreau, l’hai fatto di nuovo.
Abbiamo quindi completato la nostra rassegna di ciò che il mio coinquilino ha classificato come”l’essenziale Rocky”(Rocky da 1 a 4) con una visione di Rocky III, in cui Stallone affronta l’affascinante Clubber Lang (Mr. T). Mentre scrivevo di Rocky II, ho riflettuto su come i film di Stallone tendano a inserirsi nello studio del personaggio o nei modelli di machismo hoo-rah; Rocky III segna il punto di transizione tra questi modelli, poiché il nostro protagonista passa da un uomo perseguitato dai suoi demoni a un supereroe che combatte un supercriminale.
Il primo incontro fallito di Rocky contro Lang sembra la conclusione della storia iniziale di Rocky: va lontano con il campione, alla fine vince il campionato, perde fiducia nella validità dei suoi risultati ed è castigato da un tragico promemoria di ciò che è veramente prezioso nella vita. La scena di Stallone che urla accanto al suo allenatore morente è una delle migliori della sua carriera; in quel momento, tutte le sue ansie per le”vere vittorie”si sono dimostrate inconsistenti, poiché mente con entusiasmo sulla sua prestazione per placare le preoccupazioni del suo allenatore. Al suo meglio, Stallone può evocare una tragedia molto simile a De Niro nelle mani di Scorsese, un emblema butterato del potere maschile in un mondo in cui tale forza può solo portare alla rovina.
Poi compare Carl Weathers, abbiamo un vivace montaggio di allenamento e Stallone batte a morte Mr. T nella loro rivincita. Quindi sì, alla fine un film un po’sconnesso, ma onestamente mi sono piaciute entrambe le parti. Ci sono cose da amare sia in Stallone l’uomo macho che in Stallone la critica mascolina, e Rocky III offre una parte vincente di entrambi.
Successivamente c’era Housebound, una commedia horror neozelandese su una giovane donna di nome Kylie (Morgana O’Reilly), condannata a otto mesi di arresti domiciliari nella casa della sua vecchia famiglia dopo l’ultimo di una serie di reati minori. Una volta lì, si riunisce con la madre chiacchierona, che sembra credere che ci sia una sorta di presenza che infesta la loro casa. Nel corso del tempo, Kylie inizia a essere testimone di alcuni suoi eventi inspiegabili, portando a un’indagine paranormale sui segreti più oscuri della casa.
Housebound è decisamente più commedia che horror, ma riesce abilmente in entrambe le sfere, offrendo molto di folli guadagni comici e un cast di personaggi immensamente simpatico. Non inizia in questo modo; Il personaggio di Kylie è così intensamente egocentrico che ci vuole del tempo per essere coinvolto nella sua storia, e sua madre interpreta abilmente il ruolo di qualcuno che è allo stesso tempo”carino”ma con cui è impossibile convivere. Ma una volta coinvolto Amos, ufficiale degli arresti domiciliari, investigatore del paranormale, il film si trasforma in una caccia ai fantasmi avvincente e costantemente divertente, con molti colpi di scena soddisfacenti e alcuni effetti pratici deliziosamente appiccicosi. L’atto finale di Housebound offre una fusione perfetta di tensione da gatto e topo e rilascio comico, con una gag così bella che devo stringere i denti per evitare di rovinarla. Leggero, affascinante e costruito in modo intelligente, Housebound è un orologio gratificante per i fan della commedia o dell’horror e probabilmente un bel film”horror di passaggio”per coloro che stanno trovando il coraggio di avvicinarsi al genere.
Poi ho proiettato un film anime che era nella mia lista da un po’, Blood: The Last Vampire di Hiroyuki Kitakubo. Il film dura solo quarantacinque minuti ed è essenzialmente solo una serie di scene d’azione, che seguono l’uccisore di vampiri Saya da uno scontro in metropolitana alla base aerea di Yokota, mentre dà la caccia a una serie di bestie assetate di sangue.
Il la trama del film non è particolarmente interessante, ma praticamente tutto il resto di questa produzione lo è. L’ambientazione, per esempio;”una base aerea americana in Giappone negli anni’60″è un ambiente specifico e nuovo, e facilita la miscela sicura di lingua inglese e giapponese del film. Il sangue riflette anche molteplici punti di svolta nella storia della produzione di anime. In quanto cortometraggio cinematografico concepito come fondamento di un franchising, risale agli inizi della storia del prestigio, dei film guidati dai creatori e degli OAV di Production IG, mentre come film concepito in gran parte per dimostrare il potenziale dell’animazione digitale, ovviamente presagisce l’adozione su larga scala da parte dell’industria dei metodi digitali. E, cosa più importante, funziona davvero: i design distintivi dei personaggi di Katsuya Terada si fondono bene con i componenti digitali e l’estetica generalmente oscura del film fa un ottimo lavoro nel mascherare le cuciture delle sue varie parti. Un’istantanea interessante di un momento molto diverso nella storia della produzione di anime.
L’ultimo della settimana è stato un semi-classico slasher, The House on Sorority Row. Nonostante il suo titolo banale, Sorority Row si è rivelato uno slasher distintivo e del tutto superiore, elevato dalla sua struttura narrativa unica e coinvolgente, dalla sceneggiatura insolitamente spiritosa e dalle forti interpretazioni del cast principale. Il film segue un gruppo di sorelle della confraternita che tentano di fare uno scherzo alla madre del dormitorio, solo per ucciderla accidentalmente. Con la confraternita che organizza una festa tra poche ore, il gruppo sceglie di nascondere il corpo nella piscina in disuso, facendo precipitare un’ora ansiosa nel tentativo di nascondere il proprio crimine mentre viene lentamente preso di mira da un misterioso assassino.
Piuttosto che la solita banda di vittime anonime che trovi spesso in questi lungometraggi, il cast di Sorority Row è distintivo e dinamico, caratterizzato da chiare suddivisioni di cricche tra il gruppo sociale generale e molte grandi personalità tra di loro. La relativa colpevolezza di questi personaggi li spinge in direzioni strane e in preda al panico ancor prima che inizino gli omicidi, mentre il contrasto tra violenza e baldoria conferisce all’atto centrale del film un’energia frenetica, quasi delirante. Il film tocca anche efficacemente la tragedia dell’eredità di questa madre del dormitorio, attingendo a quella vena sempre fertile di esperienza che brama la giovinezza. Stranamente, l’elemento più debole di questo film slasher è in realtà il taglio: le uccisioni non sono particolarmente distintive o spaventose, ma quando l’impalcatura che le circonda è così impressionante, è un fallimento facilmente perdonabile.
