Mamoru Hosoda e Takayuki Hirao, >Pompo il cinefilo e One Piece Baron Omatsuri e l’isola segreta: due dei più brillanti registi di anime hanno usato le loro disgrazie personali per alimentare film molto divertenti, elaborando i loro sentimenti più oscuri attraverso animazioni vivaci.
Eiga Daisuki Pompo-san, localizzato come Pompo il Cinéphile, è stato uno dei film anime più selvaggiamente divertenti in un 2021 zeppo di anime selvaggiamente divertenti film. Questo da solo dovrebbe servire come raccomandazione, ma se stai cercando un tono più concreto, Pompo sembra molto simile a un film molto apprezzato da uno dei registi più amati dei nostri tempi.
Dato che Pompo sia stato diretto, scritto e completamente sceneggiato da Takayuki Hirao, sarebbe ragionevole presumere che mi riferisca ai lavori del suo primo mentore nel settore: Satoshi Kon, uno dei più grandi registi che abbiano mai benedetto gli anime. Sebbene l’influenza di Kon su Hirao persista fino ad oggi, specialmente nella sua comprensione del tempo e dello spazio come tessuto artificiale da tagliare e cucire a piacimento, non sono i suoi film che vengono in mente per la prima volta guardando Pompo. Non sono nemmeno quelli degli gli altri registi che cita apertamente come influenze, né quelli che si ispira più tranquillamente a.
Alla fine, il film che sembra più vicino a Pompo è One Piece: il barone Omatsuri e l’Isola Segreta, e per estensione il suo direttore Mamoru Hosoda; opere senza somiglianze al valore nominale, essenzialmente senza legami creativi diretti tra i registi, eppure condividono qualcosa di piuttosto profondo.
Per capire questo parallelo, dobbiamo tornare all’inizio di questa storia, che in questo caso significa l’anno 2000. A quel punto, un giovane Hosoda stava già sperimentando una crescita propulsiva come regista alla Toei Animation, evolvendosi da regista di episodi per principianti a un ammirato project leader in un folle arco di appena un paio d’anni. Ciò ha attirato l’attenzione di importanti produttori, ecco perché si è trovato nella posizione di portare la sua carriera a un livello completamente nuovo dirigendo Il castello errante di Howl presso il leggendario studio Ghibli; proprio l’azienda a cui non era entrato a far parte prima di lavorare con Toei, e con la quale non avrebbe mai avuto più fortuna.
Sin dall’inizio del progetto, Hosoda si è scontrato con uno studio fondamentalmente costruito per placare i capricci e bisogni dei suoi due capi iconici. Mentre è riuscito a storyboard Storyboard (絵コンテ, ekonte): i progetti di animazione. Una serie di disegni solitamente semplici che fungono da sceneggiatura visiva dell’anime, disegnati su fogli speciali con campi per il numero di taglio dell’animazione, note per il pentagramma e le linee di dialogo corrispondenti. Più tre atti interi di quella che sarebbe stata la sua opinione sul materiale, ha costantemente lottato per costruire una squadra e assicurarsi le risorse di cui avrebbe avuto bisogno per essere all’altezza della sua visione, il che ha continuato a incidere negativamente sul programma. Ci si aspettava che Hosoda fosse qualcuno che non era, qualcuno che nessun altro può sperare di imitare per cominciare, in un ambiente che potrebbe non essere stato attivamente dannoso ma che è stato comunque truccato contro di lui; una battaglia irregolare, come ha accennato lui stesso.
Nella primavera del 2002, Howl di Hosoda è stato eliminato e ha ritrovato la strada per Toei grazie ad amici come il produttore Hiromi Seki e il regista Takuya Igarashi. In un momento in cui la sua carriera sembrava crollare, in cui Hosoda non era sicuro di quale strada intraprendere, gli hanno offerto l’opportunità di lavorare su Ojamajo Doremi Dokkan, uno che ha preso, scaricando quei sentimenti in uno degli episodi più suggestivi di anime TV mai realizzati. L’episodio #40, Doremi e la strega che hanno rinunciato a essere una strega, pone il personaggio titolare in una situazione simile: tutte le sue amiche hanno trovato un obiettivo che le appassiona e che possono perseguire in futuro, ma si sente senza scopo e grossolanamente incapaci al loro fianco, bloccati nel crocevia della vita. Questa metafora semplice ma brillantemente eseguita che avrebbe poi rivisitato in The Girl Who Leapt Through Time proveniva da un luogo molto personale, in un momento in cui Hosoda stava anche cercando di capire cosa fare della sua vita.
Dopo la regia in quell’incredibile episodio, Hosoda ha continuato a lavorare con Toei-e altrove sotto il suo noto pseudonimo Katsuyo Hashimoto-per un po’, concentrandosi su progetti su piccola scala prima di essere incaricato del suo prossimo lavoro importante. E lo è stato, visto che è stato scelto per dirigere il sesto film di One Piece: il già citato Barone Omatsuri e l’Isola Segreta. Mentre è stato coinvolto nel progetto solo una volta che lo scenario era già stato stabilito, Hosoda lo ha rapidamente fatto suo, riformulando le idee che erano già sul tavolo in qualcosa che avrebbe potuto usare per esprimere i suoi sentimenti in quel momento. Se Doremi Dokkan #40 era stata una cristallizzazione della sua incertezza sul futuro, il barone Omatsuri è diventato il suo sfogo per scaricare rancori e paure, usando l’attenzione della serie sul cameratismo per dare forma ai suoi pensieri su cosa significa guidare una squadra: essere si tratta di pirati o animatori.
Dato che Hosoda è stato chiarissimo su questo, non ha senso girare intorno al cespuglio. Come ha ammesso in interviste come questa per AnimeStyle che puoi leggere tradotta qui, il barone Omatsuri è analogo alla sua esperienza con Ghibli. Nel film, Rufy e il suo equipaggio vengono ingannati in un’isola turistica apparentemente paradisiaca dove le cose si rivelano rapidamente non come pubblicizzate. I suoi abitanti, guidati dall’Omatsuri dai capelli di palma, li costringono a competere in minigiochi; ora questa è un’idea dallo scenario originale che prevedeva il film come un gioco comico, ma Hosoda l’ha distorto in modo che l’intero concerto fosse truccato verso la gente del posto sin dall’inizio. Se sei consapevole del suo passato, la sua amarezza si manifesta in modo divertente e chiaro.
Le cose si fanno solo più oscure da quel momento. Gli uomini di Omatsuri, che si rivelano essere anche una ciurma di pirati, riescono a creare discordia tra gli amici di Rufy usando quei minigiochi truccati come un cuneo tra i compagni di ciurma. Man mano che i personaggi scoprono gradualmente l’isola e il piano di Omatsuri di riportare in vita il suo equipaggio fantasma, lo spettatore inizia a rendersi conto di cosa rappresentano tutti i capitani dei pirati bloccati. Sebbene Baron Omatsuri sia un film con sentimenti amari che chiarisce che il regista pensava che Ghibli lo trattasse male, non è affatto una rivendicazione superficiale delle sue azioni, ed è questo che lo rende così interessante. Alcune letture superficiali hanno interpretato Omatsuri come un rappresentante dei leader di Ghibli, ma Hosoda ha convenuto che il suo ruolo fosse associato a qualcun altro: il cattivo del film era se stesso.
Quando arrivi al punto, ogni capitano pirata rappresenta una reazione diversa vedere che un progetto di squadra che hai guidato improvvisamente va in pezzi. Con Omatsuri, Hosoda sta canalizzando i rimpianti che aveva per il suo atteggiamento in quel momento: proprio come il capitano che visse intrappolato nel passato dei Pirati Freccia Rossa, incapace di andare avanti fino al punto di diventare amareggiato e doloroso, l’ossessione di Hosoda per la vita fino alle promesse fatte alla sua squadra non gli ha permesso di andare avanti. Il regista condanna questo atteggiamento, il tutto pur accettando che il senso del dovere non provenga intrinsecamente da un posto sbagliato, e riconosce persino che questo tipo di ostinazione ha un fascino naturale, quasi costringendo Rufy a percorrere quella strada nelle ultime fasi del film.
In contrasto con quello, il film attribuisce anche un ruolo importante al padre codardo che guida la troupe di famiglia dei Pirati Tearoom. Di fronte alla trappola di Omatsuri, la sua decisione è stata quella di scappare e proteggere la sua famiglia a tutti i costi; essenzialmente, l’equivalente di abbandonare tutte le responsabilità per proteggere la sua squadra il più possibile. Da qualche parte tra queste reazioni estreme, puoi trovare Brief of the Short Moustache Pirates: qualcuno che una volta ha abbandonato la sua ciurma di fronte al disastro per salvarsi, ma a differenza di Omatsuri, questo ha portato a una crescita positiva nella sua decisione di impedire che ciò accadesse a altri, e anche per trovare nuovi compagni con cui ricostruire.
Alla fine, il mantra idealistico di Rufy di combattere per i suoi compagni non evoca una soluzione magica; dopotutto, non importa quanto tu sia premuroso di un capo progetto, ci saranno sempre innumerevoli fattori fuori dalle tue mani. Il film, tuttavia, si basa su quello che sembra essere il modo più salutare per andare avanti: formare un nuovo gruppo per affrontare le tue sfide. Rufy alla fine sconfigge Omatsuri grazie agli astuti trucchi dell’unico membro Short Moustache e del più giovane dei Pirati della Tearoom e, soprattutto, grazie al padre un tempo codardo che ha accettato la sfida.
Una volta il fiore che stava manifestando che l’equipaggio di zombi di Omatsuri è stato ucciso, le loro voci reali lo implorano di allontanarsi da loro e trovare nuovi compagni, indicando Rufy, circondato da questa nuova squadra disordinata, come qualcuno che ci è appena riuscito. Hosoda è arrivato al punto di suggerire che se il suo equipaggio non fosse sopravvissuto a malapena, il risultato naturale sarebbe stato che Rufy si alleasse con questi nuovi compagni. Una specie di posizione radicale da assumere con un personaggio che normalmente non rinuncerebbe mai a nessuno dei suoi compagni di squadra, ma rappresentativa della conclusione a cui è arrivato Hosoda.
Dati questi sentimenti ed esperienze dolorose che si stanno preparando sotto, e il inclusione di eventi oscuri come la tortura e una lotta all’ultimo sangue, potresti pensare che il barone Omatsuri sia un’esperienza deludente. E, naturalmente, ti sbagli in modo spettacolare. Tra il ritmo elettrizzante, l’estetica colorata, l’animazione energica e la regia con un senso dell’umorismo anche quando le cose prendono apertamente una svolta oscura, Hosoda si è assicurato che l’esecuzione momento per momento del film fosse molto divertente. Per coloro che non conoscono le sue circostanze personali, anche per coloro che hanno poca o nessuna idea dell’etica generale di One Piece, il barone Omatsuri vale comunque il prezzo dell’ammissione come film d’avventura divertente e intenso. Più conosci il contesto, più puoi uscire dall’esperienza, ma il regista avrebbe tradito il suo ruolo se avesse realizzato un film per famiglie estremamente sensibile al contesto che ha deluso il suo giovane pubblico.
Sebbene sia difficile definire la sua grafica brillante, soprattutto quando una tavolozza tenue prende il sopravvento con la graduale rivelazione dei segreti dell’isola, l’estetica kagenashi del marchio di Hosoda sembra così onesta e trasparente che semplicemente non può lasciarti con sentimenti confusi. E, anche se i colori non sono sempre al massimo della luminosità, la sua direzione lo è sicuramente. La musicalità della regia è palpabile anche nelle discussioni aspre, per non parlare delle sequenze più divertenti. Tra tutti i seguaci di Kunihiko Ikuhara, Hosoda si è sempre distinto per la sua capacità di coniugare lo storyboard artificiale messo in scena con un’architettura molto complessa, e questo film potrebbe benissimo avere i suoi casi più divertenti di personaggi che si perdono in meraviglie architettoniche. Tutti i suoi soliti trucchi sono orientati ad aumentare quel divertimento immediato; i suoi famosi scatti di doupoji, i layoutsLayouts ricorrenti (レイアウト): i disegni dove nasce l’animazione; espandono le idee visive solitamente semplici dallo storyboard allo scheletro reale dell’animazione, descrivendo in dettaglio sia il lavoro dell’animatore chiave che gli artisti di sfondo. usa per sbirciare nella vita quotidiana dei suoi personaggi, sono accelerati per effetti comici in tutto il film, mantenendo quel ritmo molto energico per tutto il tempo.
L’animazione del film funziona a un livello di energia altrettanto alto, a partire con i design dei personaggi del principale direttore dell’animazione Sushio. Sebbene sia stato scelto come intrinsecamente adatto allo stile di One Piece e alla scioltezza che richiede, c’è una netta nitidezza nella sua interpretazione della serie in movimento, che ha contribuito a diffondere in tutto il film. La squadra che comandava comprendeva tutti i tipi di nomi ormai illustri, uno dei più grandi ad affrontare la serie fino ad oggi; e, in un modo tematicamente appropriato, era un equipaggio con vecchi alleati con cui Hosoda aveva intenzione di collaborare per Howl e volti nuovi, mancando alcuni dei suoi soliti partner ma compensando con tonnellate di talento. Anche gli aspetti più rozzi come l’uso eccessivamente ambizioso del 3DCG: il contrasto tra l’estetica pulita e quelle mostruosità può essere un vero doozy: a volte abilita sequenze dinamiche e molto fantasiose. Tutti i suoi aspetti formali sono così dedicati all’essere visceralmente soddisfacenti che un film spesso oscuro alimentato da disgrazie personali non si avvicina mai a sentirsi cupo. Se questo non è un risultato cinematografico, non so cosa lo sia.
Dopo aver letto fino a qui, puoi probabilmente indovinare qual è il problema con Pompo; anzi, un’altra corsa selvaggiamente divertente, se non altro più brillante e apertamente allegra del barone Omatsuri, ma anche alimentata dalle disgrazie che cambiano la carriera del regista che informano la tesi del film… o la mancanza di essa. Quindi, piuttosto che chiederci qual è il problema con Pompo, forse è meglio chiedere che succede al suo direttore.
Se segui questo sito, la figura di Takayuki Hirao non ha bisogno di molto di un’introduzione. Sebbene sia meglio conosciuto per artisti del calibro di Kara no Kyoukai/The Garden of Sinners: Paradox Spiral, Hirao era già la voce principale durante l’era precedente, molto più sperimentale di ufotable. La sua capacità di pensare fuori dagli schemi, sia come regista in trincea che come project leader, lo ha reso il creatore perfetto da avere a capo di un giovane studio alla ricerca della propria personalità. Come storyboarder, aveva un senso abbagliante del flusso e del controllo del tempo, così come la mente ingenua di inventare nuovi trucchi che nessuno aveva nemmeno considerato prima, qualcosa che si applicava alla sua leadership come regista della serie Direttore della serie: (監督, kantoku): il responsabile dell’intera produzione, sia come decisore creativo che come supervisore finale. Superano il resto del personale e alla fine hanno l’ultima parola. Tuttavia esistono serie con diversi livelli di registi: direttore capo, vicedirettore, regista di episodi di serie, tutti i tipi di ruoli non standard. La gerarchia in questi casi è uno scenario caso per caso. anche. Sebbene fosse la cosa più vicina a un regista tradizionale in titoli come Manabi Straight, il progetto ha portato all’estremo l’idea dello studio di un ambiente simile a una famiglia senza una rigida gerarchia e ha avuto 4 leader diversi per gli aspetti principali di lo spettacolo; scrittura, estetica, layoutsLayouts (レイアウト): i disegni dove nasce l’animazione; espandono le idee visive solitamente semplici dallo storyboard allo scheletro reale dell’animazione, descrivendo in dettaglio sia il lavoro dell’animatore chiave che gli artisti di sfondo e l’esecuzione. Anche nei progetti con un team assemblato in modo più tradizionale, avere Hirao in una posizione di potere significava che qualcosa di unico doveva succedere.
Anche se il successo della relazione di ufotable con aziende come Aniplex e Type-Moon ha reso il studio si stabilisce in una routine molto più ordinata, il rapporto di Hirao con loro è proseguito attraverso lavori meravigliosi come Majocco Shimai no Yoyo to Nene, un radicale allontanamento dall’intenso post-processing che era già diventato sinonimo di ufotable. Anche nei casi in cui sarebbe mancato, un fallimento di Hirao tendeva a essere un tentativo piuttosto interessante di creare qualcosa di nuovo. Sfortunatamente per lui, tutto è andato in crash durante la produzione del programma TV GOD EATER. Hirao aveva lavorato ripetutamente nel franchise, costruendo un forte rapporto con i produttori Bandai nel processo, il che ha trasformato un progetto che si potrebbe presumere fosse solo un compito per un regista così eccentrico in un affare molto personale. Ha proceduto a storyboardStoryboard (絵コンテ, ekonte): i progetti di animazione. Una serie di disegni solitamente semplici che fungono da sceneggiatura visiva dell’anime, disegnati su fogli speciali con campi per il numero di taglio dell’animazione, note per il pentagramma e le linee di dialogo corrispondenti. Più l’intero spettacolo, avendo una mano essenzialmente anche in tutte le sceneggiature, il tutto pur essendo molto specifico sulla sua visione di regista della serie. Direttore della serie: (監督, kantoku): la persona responsabile dell’intera produzione, sia come decisore creativo e supervisore finale. Superano il resto del personale e alla fine hanno l’ultima parola. Tuttavia esistono serie con diversi livelli di registi: direttore capo, vicedirettore, regista di episodi di serie, tutti i tipi di ruoli non standard. La gerarchia in quei casi è uno scenario caso per caso. E quando la forza inarrestabile di un programma che crolla incontra un oggetto immobile come un regista ostinato, le cose si mettono male.
Non si può negare che Hirao stesse chiedendo molto dalla sua squadra. Disegni dettagliati con sfumature multicolori che hanno richiesto un trattamento speciale da parte dello staff di pittura, così come l’azione pesante con il suo lavoro di ripresa sempre coinvolto, si aggiungono a un cocktail che non dovresti desiderare a nessun team di animazione. Inoltre, la sua insistenza nel gestire tutto da solo ha inflitto un colpo critico preventivo al programma; non essendo riuscito a scrivere tutti gli script prima di una scadenza ragionevole, tutto è rimasto indietro rispetto alla pianificazione dall’inizio. Se ufotable fosse stato al meglio, però, è probabile che lo studio avrebbe resistito alla tempesta. Se non avessero appena terminato il secondo corso di Fate/Stay Night: Unlimited Blade Works, un titolo con una priorità comprensibilmente più alta che li ha già spinti al limite, le cose avrebbero potuto funzionare per Hirao. Molto probabilmente lavorerà ancora con loro, insieme a sua moglie e alla frequente collaboratrice di design del colore Emi Chiba. È facile vedere come una sequenza temporale del genere potrebbe evolvere, ma non è quella in cui viviamo.
Hirao ha preso la caduta in modo molto personale. In un’altra intervista nell’ultimo numero di AnimeStyle, ha ammesso quanto sia l’ambiente della squadra era diventato, con i suoi coetanei che mettevano in dubbio la sua umanità e sanità mentale mentre GOD EATER cadeva a pezzi. A dire il vero, Hirao aveva sempre avuto la reputazione di non considerare la fattibilità delle sue idee stravaganti, ma essendo in uno studio straordinariamente robusto, era riuscito a farla franca per lo più con sospiri divertiti. Una volta che le cose sono diventate davvero terribili, quella è diventata un’aperta animosità, che, combinata con l’incapacità dello show di ricevere il plauso della critica o della pubblicità, ha lasciato Hirao in una posizione in cui sentiva di dover lasciare il suo posto di lavoro.
Non lo sarai. sorpreso di sapere che questo ha lasciato Hirao completamente devastato, anche se fortunatamente per lui, è qui che le cose iniziano a migliorare. Con appena il tempo per rimuginare su quello che era successo, ha ricevuto una telefonata da uno dei suoi più vecchi amici del settore: Tetsuro Araki, famoso per Death Note e Attack on Titan. I due avevano coinciso nelle prime fasi della loro carriera in Madhouse, diventando rapidamente buoni amici e il più stretto collaboratore possibile mentre crescevano fino a diventare figure impegnate in diversi studi. Araki, che secondo il suo amico era stato anche costretto a riconsiderare le sue responsabilità come capo progetto e l’effetto che la sua visione esigente potrebbe avere sullo staff, ha permesso a Hirao di ricostruire la sua fiducia raccontando episodi culminanti della seconda e della terza stagione. di Attack on Titan.
Nel mezzo di questo, il 2017 per la precisione, un rinvigorito Hirao ha ricevuto una proposta interessante. Per tutti i danni che la produzione di GOD EATER aveva causato alla sua carriera, la sua folle dedizione gli ha concesso anche una certa buona volontà. Yusuke Tomizawa, il produttore dei giochi di Bandai, si è rivolto a Hirao per consigliargli una serie manga Pixiv che secondo lui sarebbe stata all’altezza; ovviamente, non era altro che Pompo. Una volta che ha deciso di affrontare il progetto sul serio, ogni altro pezzo è andato a posto come se il progetto fosse destinato a esserlo. Hirao all’epoca stava lavorando a un romanzo con illustrazioni di Shingo Adachi e pubblicato da Kadokawa, che divenne rispettivamente il designer e il principale finanziatore di Pompo. Un altro dei suoi vecchi amici dai tempi in Madhouse e poi in progetti ufotable come Majocco, Ryoichiro Matsuo, ha appena fondato lo studio CLAP con il tempismo perfetto per gestire questo progetto. Una bella serie di coincidenze con una battuta finale molto divertente: Bandai ha finito per non avere nulla a che fare con il film, ma Tomizawa si trova ancora proprio sopra ringraziamenti speciali del film ed è orgoglioso di elencare la sua curiosa assistenza anche sul suo profilo Twitter.
Proprio come il lavoro di Hosoda dopo la sua disastrosa esperienza alla Ghibli, la versione di Hirao di Pompo è un prodotto delle circostanze del regista. Nonostante fosse un adattamento, si è subito reso conto che il fumetto semplicemente non aveva abbastanza materiale per un lungometraggio, il che gli ha dato l’opportunità perfetta per liberare i suoi sentimenti imbottigliati. Di conseguenza, Pompo è un delizioso pasticcio; è ottimista e abilitante tanto spesso quanto ciecamente cupo e autolesionista, il che riassume l’atteggiamento di Hirao nei confronti del processo creativo in questo momento. La trama del film, che segue l’assistente produttore Gene e il suo carismatico produttore Pompo mentre il primo trova l’opportunità di dirigere il proprio lavoro, lascia molto spazio a quei sentimenti contraddittori.
Il mantra di Hirao ha deciso, uno che dice che solo lasciare ufotable gli ha permesso di formulare correttamente, è che vuole creare opere in cui la minoranza torni alla maggioranza. O, per dirla un po’più precisamente, opere che celebrano il successo di emarginati e disadattati sociali senza erodere le loro identità uniche. Questo è ripreso magnificamente in una delle scene culminanti, in cui Gene afferma che i film lo hanno salvato-proprio come Hirao ha detto che gli è successo in gioventù-e affinché questo accada agli altri, farà film che coloro che sono caduti anche ai lati della strada possono vedere se stessi, mentre le immagini lampeggiano attraverso tutti i tipi di comunità cronicamente private dei diritti civili. Gli atti finali del film confondono i confini tra Gene e il film che sta girando e, così facendo, incanalano direttamente anche i sogni ben intenzionati di Hirao.
In modo simile, però, l’approccio malsano di Hirao nei confronti il processo creativo diventa una presenza inevitabile nel film. Mentre il lavoro originale è un po’ironico sulla sua stanchezza, Hirao lo affronta in modo completamente serio, riflettendo se il processo creativo sia davvero sinonimo di sacrificare parti della tua vita-relazioni, tempo, persino la salute-e un processo intrinsecamente solitario. E a lui sembra davvero di esserlo. Il viaggio di Gene e quello dei suoi personaggi è autodistruttivo; il regista lo sa, anche il film ne è perfettamente consapevole, eppure nessuno dei due ha la forza di condannarlo completamente. La loro visione del mondo è messa in discussione, ma a differenza del barone Omatsuri di Hosoda che ha avuto abbastanza tempo per trovare una risposta definitiva, tutto ciò che Hirao può offrire è un netto scontro di idee.
Questo è illustrato al meglio da Alan, un libro completamente originale personaggio separato dal mondo del cinema che Hirao ha inventato per raggiungere più spettatori. All’inizio del film, Pompo afferma di aver reclutato Gene perché non aveva vita ai suoi occhi, poiché solo le persone che non hanno condotto una vita appagante possono incanalare i loro bisogni di evasione per creare avvincenti mondi di finzione. Alan è in contrasto con questo, essendo un ragazzo popolare che è cresciuto per ottenere rapidamente una posizione importante in una banca, eppure alla sua vita manca qualcosa. In una delle sue scene più silenziose, dice a Gene che i suoi occhi, fissi sul processo creativo come sono, brillano di vita. In una recente discussione con Yuichiro Oguro, Hirao ha ammesso di non riuscire a sostenere completamente nessuna delle due posizioni, e che anche se quella visione solitaria del processo creativo è ciò che vede per se stesso, pensa che Pompo sia autolesionista e superlavoro. gli atteggiamenti sono l’ultima cosa che l’industria degli anime conduce in questo momento. Scherzando, hanno convenuto che se avesse realizzato questo film più avanti nella sua vita, avrebbe sicuramente avuto un tono più caldo al riguardo.
Ora, per quanto oscure possano essere le implicazioni tematiche del film, Pompo è un film quasi matematicamente rinfrescante da guardare. La verità è che, nonostante fosse molto apprezzato per il suo montaggio sgargiante, Hirao aveva perso fiducia in esso, chiedendosi se si stesse trasformando in un regista ingannevole e superficiale. Avendo notato tutti gli elogi che ha ricevuto la sua direzione di opere come Paradox Spiral dopo essere diventato freelance, e gli è stato affidato un film come Pompo che celebra l’artificio del film e il potere del montaggio, ha scatenato tutti i suoi trucchi in un modo più acuto che mai.
Anche prima di questo film, Hirao era stato un forte sostenitore del montaggio come fase di trasformazione dell’animazione che raramente riceve attenzione, non dai suoi colleghi, per non parlare del pubblico. Apprezza abbastanza per avere un editore dedicato a tutti i suoi lavori: Tsuyoshi Imai, con il quale ha lavorato già nella fase dello storyboard. In un certo senso, Pompo è diventato un film che richiedeva meno della sua fase di montaggio nominale perché era già stato visualizzato pensando a un montaggio preciso.
Il flusso continuo e il taglio intelligente sono piacevoli di per sé, ma il montaggio a livello macro è altrettanto deliberato. Il personaggio di Pompo crede fermamente nei film che durano circa 90 minuti, poiché è stato difficile per sua figlia rimanere più a lungo quando suo nonno l’ha costretta a guardare un film. E così, Hirao se ne è accorto; pur avendo esagerato con il suo materiale originale al punto da avere quasi 2 ore di sceneggiatura, l’ha ritagliata in modo tale che 90 minuti al secondo passaggio tra la prima apparizione di Gene e l’ultima ripresa del film, dove proclama il suo più grande trionfo stava girando un film della lunghezza desiderata da Pompo. Quella rigidità e quel controllo del tempo fanno di Pompo uno dei film più fluidi che abbia mai visto, cosa non facile considerando che tratta dei soggetti pesanti.
Alla fine, il barone Omatsuri e Pompo sono due film molto divertenti che non richiedono nulla di questo contesto. Entrambi sono il prodotto di registi che capiscono cosa rende il film un’esperienza visceralmente soddisfacente, probabilmente tra i loro migliori lavori quando si tratta di quel puro fattore di intrattenimento. Eppure, entrambi sono anche intrinsecamente legati a quelle esperienze dolorose che hanno avuto, il che crea un’affascinante dualità. Per quanto simili siano le loro situazioni, arrivano chiaramente a diverse fasi dell’elaborazione di quei sentimenti oscuri: nonostante gli amari ricordi su cui si basa, il barone Omatsuri si occupa di andare avanti in modo sano, mentre Pompo è un film senza una risposta e in cui-Le tendenze distruttive non sono completamente confutate. Al momento della stesura di questo, Hirao sta attualmente lavorando a un anime originale con lo stesso tema di edificanti emarginati, quindi è del tutto possibile che lo vedremo seguire un arco simile, dopotutto è quello che il regista stesso ha profetizzato!
Sostienici su Patreon per aiutarci a raggiungere il nostro nuovo obiettivo di sostenere l’archivio di animazione a Sakugabooru, SakugaSakuga (作画): Disegno tecnico di immagini ma più specificamente animazione. I fan occidentali si sono appropriati da tempo della parola per riferirsi a casi di animazione particolarmente buona, allo stesso modo in cui lo fa un sottogruppo di fan giapponesi. Abbastanza parte integrante del marchio dei nostri siti. Video su Youtube, oltre a questo SakugaSakuga (作画): disegni tecnici ma più specificamente animazione. I fan occidentali si sono appropriati da tempo della parola per riferirsi a casi di animazione particolarmente buona, allo stesso modo in cui lo fa un sottogruppo di fan giapponesi. Abbastanza parte integrante del marchio dei nostri siti. Blog. Grazie a tutti coloro che hanno aiutato finora!
