CITY: The Animation si è concluso con un’altra esplosione di animazione, design e musica esuberanti per catturare la sensibilità di Keiichi Arawi e i suoi temi gioiosi. Diamo un ultimo sguardo a questa produzione di tutti i tempi… e già che ci siamo, anche a cosa ci aspetta KyoAni.
Il nostro primo pezzo dedicato a CITY: The Animation era inteso come un’introduzione a un progetto così unico, mentre il secondo era una cronaca dettagliata del suo processo di produzione, del coinvolgimento dell’autore originale Keiichi Arawi nel rompere le norme e di come le scelte estremamente creative del team si sono manifestate nella maggior parte delle fasi dello show. correre. C’erano molte informazioni da elaborare, ma ora che è finito, possiamo sederci e rilassarci mentre osserviamo gli ultimi due episodi: un atteggiamento più adatto all’atmosfera di CITY, francamente.
L’episodio n. 12 è firmato dal regista e storyboarder Noriyuki Kitanohara. È rimasto una delle presenze più attive dello show, nonostante si sia destreggiato anche con il film Maidragon in uscita nel 2024; ancora una volta, se desideri uno sguardo preciso alla sequenza temporale di produzione dello studio, ti consigliamo di consultare il nostro precedente articolo su CITY. Lì abbiamo evidenziato qualcosa che diventa evidente ancora una volta: Kitanohara è molto compatibile con una serie come questa. Essendo un animatore attivo dall’inizio degli anni’90, con un’ampia gamma di competenze ma anche un debole per i tagli 2D aggressivi, si adatta perfettamente al desiderio di CITY di enfatizzare il ruolo dell’animatore come figura onnicomprensiva e ideologo del divertimento ampolloso.
Come abbiamo notato in precedenza, durante il suo passaggio ai ruoli da regista, Kitanohara ha iniziato a mettere da parte le sequenze con più calorie per se stesso. Finché ricopre una posizione del genere in un progetto (che è praticamente sempre) non si prende nemmeno la briga di attribuire a se stesso il merito dell’animazione chiave. Animazione chiave (原画, genga): questi artisti disegnano i momenti cruciali all’interno dell’animazione, definendo sostanzialmente il movimento senza effettivamente completare il montaggio. L’industria degli anime è nota per concedere a questi singoli artisti molto spazio per esprimere il proprio stile, motivo per cui uno sguardo alla sua carriera nei database potrebbe far sembrare che non abbia disegnato molto negli ultimi due decenni… nonostante abbia scritto molte sequenze impressionanti nella storia di KyoAni. Nella sua più recente apparizione pubblica per un evento Maidragon, ha preso in giro il suo amico veterano Tatsuya Ishihara perché gli piacciono così tanto gli anime che spesso fa storyboardStoryboard (絵コンテ, ekonte): i progetti di animazione. Una serie di disegni solitamente semplici che servono come sceneggiatura visiva dell’anime, disegnati su fogli speciali con campi per il numero del taglio dell’animazione, note per il rigo e le linee di dialogo corrispondenti. Altre esplosioni e altri tipi di contenuti appariscenti e ostentati. L’ironia nella sua affermazione è, ovviamente, che questo è ancora più vero per un Kitanohara a cui piace animare personalmente queste cose. Anche se non è andato in modo così nucleare come ha fatto negli episodi precedenti con il numero 12, il disegno in momenti come la serie di reazioni ridicole ed esplosive di Niikura e Nagumo sembra come se stesse ancora una volta disegnando tali momenti da solo. Le vecchie abitudini sono dure a morire.
Ci sono un paio di ragioni per cui, rispetto ai suoi episodi precedenti, Kitanohara non ha spinto l’animazione a scatenarsi così selvaggiamente; vale a dire che è ancora ridicolo per gli standard degli anime televisivi, ma all’interno di CITY sembra sottomesso ad altri interessi. Il primo dovrebbe risaltare piuttosto rapidamente: l’episodio n. 12 ha finora la maggiore musicalità nella sua direzione, quindi le immagini accompagnano quell’audio mano nella mano invece di correre avanti da sole. La scenetta iniziale che rende questo ovvio si concentra su Niikura che incontra nuovamente il ciondolo che ha inseguito per anni, quello contenente una foto di Nagumo, che minaccia sempre di esporre la sua cotta ispiratrice a ogni altro cittadino. Il bizzarro finale della sua ricerca era stato originariamente raccontato in un capitolo essenzialmente privo di dialoghi, basandosi invece sulla sua narrazione interna. E poiché questa è la CITTÀ, ciò significa essere esposto ai suoi pensieri in qualche modo profondi mentre affronta una creatura così incomprensibile che tutti gli esseri mitologici riuniti in città ne rimangono sconcertati. La sua semplice presenza fa deragliare Niikura durante una delle missioni più importanti della sua vita, che porterà a una battaglia secolare.
Era un dato di fatto che un regista come Kitanohara avrebbe assicurato che un momento come questo fosse dotato di grande animazione. Abbiamo effetti 2D che incarnano l’atteggiamento di supremazia del disegno dello show, mentre la recitazione carina e fumettistica conserva il fascino originale di Arawi. Tagli esplosivi e concetti visivi evocativi lavorano insieme, proprio come riesce a combinare multipli fumettistici e forme di corsa impossibili con inquadrature che enfatizzano l’equilibrio del corpo. E perché no, anche qualche bel pugno.
Soprattutto, però, c’è un’esilarante sinergia tra la cadenza degli eventi e l’uso della musica negli oltre 6 minuti di questa gag. In questa avventura senza dialoghi, l’anime ha fatto il passo successivo e ha rimosso anche i pensieri di Niikura, lasciando lo spettatore a chiedersi cosa diavolo sta succedendo mentre gli eventi in qualche modo si allineano perfettamente con le scelte della musica classica. Poiché CITY: The Animation si impegna a far scrivere ad Arawi tutti i titoli di produzione a mano, ciò significa anche che l’autore originale ha dovuto scrivere con attenzione i lunghi titoli dei brani di Bach e Franz Liszt utilizzati qui. Ora, questo potrebbe farlo sembrare stranamente pietoso, ma considera quanto segue: sappiamo che, mentre dormiamo nella stessa stanza del regista della serieDirettore della serie: (監督, kantoku): la persona responsabile dell’intera produzione, sia come decisore creativo che come supervisore finale. Superano il resto dello staff e alla fine hanno l’ultima parola. Esistono tuttavia serie con diversi livelli di registi: regista capo, assistente alla regia, regista di episodi della serie, tutti i tipi di ruoli non standard. La gerarchia in questi casi varia caso per caso. Taichi Ishidate durante le fasi di pianificazione, ha condiviso alcuni toni musicali che li hanno fatti ridere entrambi durante la notte. E quindi, c’è una possibilità realistica che Arawi si sia assunto questo incarico di scrittura. Ne vale la pena, però!
La scenetta seguente continua a incarnare queste qualità, questa volta con il ritmo fortemente legato alla musica di sottofondo dello spettacolo. Le montagne russe emotive dell’intera città mentre seguono una tumultuosa corsa di cavalli sono un momento divertente di per sé, soprattutto con la sua consegna ritmica. Detto questo, è il collegamento con gli obiettivi principali di CITY a renderlo così eccezionale. Uno dei pensieri ricorrenti di Ishidate riguardava l’eccellenza del lavoro di Arawi nella sua capacità di farti immaginare i come e i perché dietro il suo umorismo surreale, e per l’intera gag, lo spettacolo si concentra esattamente su questo. Proprio come nel manga, non vediamo nemmeno un assaggio della corsa che rappresenta questa avventura. Invece, siamo costretti a immaginare una serie ridicola di eventi, con la scomparsa di fantini e cavalli che in realtà sono animali diversi, mentre le reazioni dei giocatori oscillano selvaggiamente. Se vuoi testare la tua compatibilità con il lavoro di Arawi, dare un’occhiata a questo capitolo potrebbe essere un buon inizio.
Ancora una volta, dobbiamo solo andare avanti di una scenetta per trovare l’altro motivo per cui l’episodio n. 12 è più controllato con la sua animazione. Essendo arrivato così vicino all’episodio finale, e soprattutto concentrandosi su una trama che minaccia di separare i due personaggi più vicini della serie, c’è una sfumatura di malinconia che CITY non ha mai avuto prima. Lo spettro della separazione tra Matsuri ed Ecchan aleggia sull’intero spettacolo: fa parte di ciò che rende le loro adorabili avventure insieme, dal momento che sai che il tempo che condividono è limitato. Ma è solo ora che puoi sentirlo prendere possesso delle inquadrature e delle scelte cromatiche dell’episodio, anche prima che Ecchan intraprenda il suo bizzarro rituale di separazione. Per scoprire se questa è davvero la fine della loro relazione, dovrai sintonizzarti su CITY: The Animation #13.
Prima di immergerci completamente nell’ultimo episodio, diamo uno sguardo ai giorni che hanno preceduto la sua messa in onda. Per la precisione dovremmo parlare dello staff centrale di questo finale, che è già stato reso pubblico – come sempre – insieme ad un’anteprima che potrebbe aver sorpreso qualcuno. Il ritorno del regista della serieRegista della serie: (監督, kantoku): la persona responsabile dell’intera produzione, sia come decisore creativo che come supervisore finale. Superano il resto dello staff e alla fine hanno l’ultima parola. Esistono tuttavia serie con diversi livelli di registi: regista capo, assistente alla regia, regista di episodi della serie, tutti i tipi di ruoli non standard. La gerarchia in questi casi varia caso per caso. e il disegnatore dei personaggi che avrebbe diretto l’ultimo episodio era un dato di fatto; è una pratica comune all’interno degli spettacoli televisivi, e una pratica che Ishidate ha sostenuto nei suoi progetti, sempre firmati personalmente. Eppure, ci sono più creatori al loro fianco. L’intera corsa di CITY, non importa quanto fosse arduo il carico di lavoro, era stata guidata da un singolo regista di episodi e storyboarder, accompagnato da un direttore dell’animazione. Cioè, fino al finale.
Potresti essere tentato di indicare l’episodio n. posizione. Questo passaggio obbligatorio è quello che abbiamo visto di recente per Kouhei Okamura (assistente alla regia dell’episodio su Eupho S3 #13 prima di gestire CITY #10 da solo), Ryo Miyagi (assistente di Ishidate nel quinto episodio di quello show, prima di diventare gradualmente un leader solista tra quel progetto e CITY) e la stessa Tamami Tokuyama; assistente di Ikeda anche in Tsurune S2 #04, diventando supervisore solista nell’ottavo episodio… e non molto tempo dopo, il designer e direttore capo dell’animazione che stiamo ammirando ora. Insomma, è una pratica in studio, non qualcosa legato alla produzione di quello specifico episodio.
Che succede con il finale di CITY, allora? Anche se difficilmente affollato, soprattutto per gli imbarazzanti standard degli attuali anime televisivi, ha due registi e tre supervisori dell’animazione all’interno di uno spettacolo che ha fatto tesoro della perfetta coesione che si può ottenere da sforzi guidati individualmente. Una cosa da tenere a mente mentre il settore si sposta gradualmente verso il personale a contratto è che, una volta che paghi le persone per lavorare al tuo fianco anziché semplicemente per ciò che offrono, dovresti metterle a frutto. In uno studio in cui tutti sono dipendenti a tempo pieno e dove non viene svolto quasi alcun lavoro per altre aziende, è necessario essere intelligenti nell’allocazione del lavoro; altrimenti, hai persone sedute senza niente da fare per un mese alla volta.
Anche se le produzioni sono normalmente in corso, è improbabile che ciò accada. La rotazione dello staff di CITY è straordinariamente regolare, con 5 unità di animatori chiave che compaiono una dopo l’altra in perfetto ordine. I 3 gruppi intermedi hanno fatto più o meno lo stesso, così come i direttori e i supervisori che spesso erano assegnati allo stesso identico gruppo di animatori chiave. Ma cosa succede quando 5 gruppi provano a ruotare all’interno di uno spettacolo di 13 episodi? Alla fine della corsa, due di loro sarebbero rimasti senza niente da fare. Se guardiamo i direttori dell’animazione e teniamo conto del fatto che Tokuyama scivola preferenzialmente verso il finale, ci rendiamo conto che i prossimi supervisori che dovrebbero ricevere un episodio sarebbero Kayo Hikiyama e Nobuaki Maruki, vale a dire, i due che si sono uniti a lei per CITY #13. Anche se c’è un po’più di fluttuazione tra i registi, il primo a concludere gli episodi assegnati senza un compito successivo a cui passare è stato Takuya Yamamura. Ecco, è lui che accompagna Ishidate per il finale. Un po’come la gestione del personale è importante!
Tuttavia, questa è tutta la storia? Non proprio. Certo, CITY è stato il focus dello studio per molto tempo, ma non è certo l’unico progetto in cantiere presso KyoAni. Se lo avessero davvero voluto, avrebbero potuto trovare un ruolo altrove per questi membri dello staff improvvisamente disponibili. Francamente, se fosse stato un ultimo episodio regolare, avrebbero potuto essere propensi a spostarli su una certa serie di film che erano già in lavorazione. Ma quando il CITY ha fatto qualcosa normalmente? Prima ancora che la sua trasmissione iniziasse, lo staff e il cast delle preproiezioni avvertivano gli spettatori che alcuni episodi erano semplicemente fuori dal mondo, spesso indicando il quinto… e l’ultimo episodio. Sapendo che la serie ha standard pazzeschi, e avendo visto che gli altri episodi menzionati come speciali erano veramente generazionali, dovrebbe essere facile capire che il finale impiegherebbe volentieri quei veterani affidabili e improvvisamente disponibili.
Mentre l’episodio n. 05 è un concetto così oltraggioso che qualsiasi spettatore noterà la sua produzione gravosa, e il n. 09 lo rende molto chiaro con la sua corsa dinamica, il n. 13 inizia con una nota meno appariscente. Questo non è certo un difetto, ma piuttosto una conseguenza delle idee e del tono che hanno voluto mettere in primo piano. L’ultima scena dell’opera originale è infatti quella che apre questo finale; un momento non di ampollosità e fanfara, ma di una realizzazione più tranquilla per Nagumo. A quanto pare, questa ragazza dispettosa ma seria è stata ossessionata dalla ricerca della vita più divertente possibile… prima di realizzare l’ovvio, che la vita frenetica in questa città era già molto divertente. I cambiamenti nel punto di partenza della serie, che Arawi ha trovato geniale, sono stati fatti in modo che il primo episodio segnasse già l’inizio di quell’arco di personaggi semplice e affascinante. È sempre più facile vendere momenti del genere quando la tua estetica è così casualmente bella, sai.
Dopo questa introduzione, spostiamo l’attenzione su quello che è stato uno dei cuori pulsanti—CITY ha un cast corale, può averne più di uno—dell’intera serie: Matsuri, Ecchan e la loro temuta separazione. Vale la pena notare che la loro intera trama è quella un po’ più disconnessa dal resto, a parte il fatto che fanno entrambi parte dell’esilarante ecosistema di CITY. Certo, puoi strizzare gli occhi abbastanza da collegare il loro modo di affrontare il futuro alla ricerca di Nagumo e al tema dei sogni, ma la verità è che non ha avuto un ruolo importante nell’anime per la sua coesione tematica. Lo ha fatto perché quei due ragazzini sono gli esseri più preziosi del mondo, e questa è una ragione più che sufficiente.
Nel manga, questi due ricevono solo un’attenzione parziale nel mezzo degli frenetici avvenimenti del volume finale. Non è che non ci sia alcuna cura nei loro ultimi momenti insieme, ma c’è un livello di enfasi nell’anime che rende questa risoluzione ancora più efficace. Gran parte di ciò è dovuto alla durata assoluta (richiede poco meno di 10 minuti nel finale) e alla finezza nella rappresentazione di ritmi teneri ed emotivi che ci aspettiamo dai registi di KyoAni. Ma questo è anche CITY: The Animation, un progetto guidato da un animatore pazzo e un autore ancora più demente che gli sussurra all’orecchio. Ovviamente c’è molto di più.
Ed è per questo che, ad esempio, invece di andare in bicicletta fino all’aeroporto come facevano nel manga, Matsuri e l’affidabile Adatara ci arrivano a cavallo. Un cavallo che in realtà è gente con un travestimento scadente, senza alcuna spiegazione esplicita. Se hai buona memoria, però, ricorderai che uno degli eventi narrati nella corsa dell’episodio n. 12 riguardava la squalifica di un partecipante per morso alla gola di un altro cavallo—che è una gazzella, non chiedetemelo. E quello è davvero il loro destriero, il che significa che il colpevole dietro azioni così brutali era in realtà una coppia di umani in costume da animale… e che c’erano molteplici ragioni per squalificarli da una corsa di cavalli. Un’aggiunta deliziosamente arawiana che favorisce la connessione costante tra gli eventi, e anche un’ottima scusa per infondere ai tagli lungo il percorso un dinamismo più ritmato e divertente.
In contrasto con quegli aspetti del materiale originale su cui si è espanso il finale, ce ne sono altri che sono stati abbattuti per una semplice ragione: la coerenza. Nessuna delle scelte che l’adattamento ha operato a livello concreto di narrazione ha veramente cambiato gli eventi raccontati; attingere alla storia un po’ più tardi non ha cambiato il luogo di lavoro di Nagumo stabilito nei primi capitoli, proprio come riassumere il sonnambulismo di Riko non ha impedito che si verificasse. Forse non abbiamo visto un intero capitolo dedicato alla nonna che picchia un paio di cittadini, ma nelle vignette laterali di episodi come la villa e la corsa, abbiamo continuato a vederli litigare. Nonostante tutte le piccole modifiche nei punti focali, si sono assicurati di aggiustare ogni elemento successivo che si basava su di essi, un motivo ovvio per cui Arawi era responsabile del processo insieme a Ishidate.
Lo stesso vale per il culmine della serie. Nell’episodio n. 12, potevi già individuare i poster che si riferivano alle elezioni che originariamente avevano posto fine agli eventi della CITY. Questo viene brevemente menzionato anche nel finale, quindi è giusto supporre che sia successo anche nella continuità dell’anime. Come i precedenti eventi su larga scala, quel mini-arco serve semplicemente come scusa per riunire tonnellate di cittadini in un’avventura interconnessa; ed, essendo quello finale, consente loro di concludere più storie secondarie. Tuttavia, data la sua dipendenza dalle relazioni tra personaggi rimasti ai margini dell’anime, un adattamento diretto non avrebbe molto peso. E così, con 15 minuti rimanenti del finale, torniamo a un desiderio: il sentimento condiviso di Arawi e Ishidate secondo cui l’anime dovrebbe intensificare ulteriormente le cose, sfruttando il fatto che ora è un lavoro di animazione nel processo. Per una volta, e nonostante l’autore sia ancora più coinvolto che mai, questo significa che CITY: The Animation sceglie di concludere con una nota completamente originale.
Capiscilo, nota, perché hanno inventato un musical.
Per quanto sia un’idea scandalosa, ho trovato la mia reazione al fatto che CITY terminasse con un lungo atto musicale come”ovviamente [imprecazione]!”. Il rapido passaggio dalla grande sorpresa al divertito conformismo non è dovuto al fatto che l’episodio precedente enfatizzasse la musicalità della consegna, come per preparare il pubblico. Non è nemmeno dovuto al fatto che la gag più divertente del primo episodio prevedeva l’aggiunta di una canzone tratta da una certa opera di Broadway, su cui Ishidate era irremovibile nonostante i produttori temessero il processo di licenza. Il motivo è più semplice: finire con un musical enorme e stravagante in cui ogni strano cittadino ha in mente qualcosa e si scontra con gli altri è proprio la cosa più CITY immaginabile.
E immagina che lo facciano, quasi come se i suoi creatori principali fossero fortemente coinvolti in questo aspetto della serie! La premessa che il ristorante Makabe abbia ottenuto una stella Michelin (o l’ha fatto?) innesca una frenesia collettiva tra innumerevoli cittadini, ognuno dei quali porta sullo schermo una melodia e uno stile visivo propri. Il cast sfila per le strade, ridisegnato per contenere innumerevoli riferimenti al loro oggetto di celebrazione, mentre indossa un pastiche di abiti che potremmo vedere in uno spettacolo teatrale. Quella stessa sequenza di gioia culmina con uno schermo simile a ukiyo-e, che ci trasporta in un’era completamente diversa in un unico swing; e adornandolo all’improvviso con trame moderne, con strati su strati di idee visive. Con la stessa rapidità, tutto ciò può essere buttato dalla finestra in favore della più colorata isola dei crepacuori o del mix tra un romanzo poliziesco e una pixel art RPG.
Il risultato è sempre riconoscibilmente simile a CITY, ma anche infrangere le regole della produzione è consentito ora che ci stiamo scatenando così vicino alla fine. Potresti ricordare che Ishidate ha vietato l’uso di punti salienti standard nella grafica dei personaggi; una deviazione radicale dal suo lavoro precedenteViolet Evergarden, che in realtà aggiungeva più toni ai soliti 3 stati dell’anime (ombra/normale/luci). Ma cosa succede se abbiamo un delirante idiota che fantastica sulla sua stessa fiaba? Ciò incoraggia un completo rinnovamento della direzione artistica, cambiando lo sfondo in qualcosa di più simile a quello che potremmo trovare in uno di questi libri, e utilizzando l’idealizzazione del suo persona amata come scusa per infrangere la regola iniziale. Ancora una volta, vale la pena notare come tutti questi divertenti perni non riescano mai a scrollarsi di dosso l’identità Arawi: basta guardare gli animali carini e incomprensibili che circondano la principessa. Il grado in cui sono riusciti a eguagliare la sua sensibilità, pur provando così tante idee, è francamente sorprendente. Difficile credere che il mondo quasi simile a Moebius in cui vengono trasportati per un breve periodo non provenga dal suo manga originale, considerando come sembrano Arawi il robot Niikura e i suoi meccanismi.
Come se i cambiamenti stilistici per ogni numero musicale non fossero sufficienti, i personaggi che sono naturalmente più disconnessi dalla realtà come Wako possono sterzare anche per individuale tagli. Un episodio come questo richiede una quantità assurda di lavoro di progettazione e anche di riprese stesse. Potresti aver sentito che i lavori di KyoAni tendono a presentare un numero di tagli superiore alla norma-una conseguenza naturale dell’ossessione per le minuzie nella vita delle persone-ma anche i loro standard impallidiscono rispetto alla follia durante la parte musicale, che da sola riesce a fare in modo che questo finale abbia il doppio dei tagli rispetto a un episodio regolare e denso. Una scelta che aumenta enormemente il carico di lavoro, ma che dà loro anche spazio extra per intrufolarsi in accenni al manga durante questa celebrazione originale. Shia, uno dei personaggi che non è apparso molto nell’adattamento e che avrebbe avuto un ruolo nelle elezioni, si gode il suo momento in mezzo a tutto questo canto. E, come accennato in precedenza, anche le elezioni stesse rialzano la testa nell’avventura che le ha sostituite.
Inutile dire che abbassare gli standard dell’animazione per annullare il maggior numero di tagli non è mai stata un’opzione per CITY. Molte sequenze, che si tratti della telecamera che incrocia molti personaggi o delle danze infinite, sono eccellenti di per sé, per non parlare di come parte di questo insieme più ampio. Concettualmente, molte sequenze risplendono attraverso la loro capacità di mantenere uniti i personaggi, sia per inerzia che anche narrativamente, con l’atto musicale che sottolinea ripetutamente che Ecchan è ancora una parte attiva della banda. E quel livello di attenzione ai dettagli è abbinato alla resa tecnica di ogni taglio, con ancora quel senso dell’umorismo di Arawi incorporato in essi. È un episodio che ti incoraggia fortemente a riguardarlo, in modo da poter catturare quante più piccole gemme possibili.
L’espressione di frustrazione di Nagumo non è affatto sottile, ma anche i momenti esplosivi nascondono dettagli. Dovrai prestare particolare attenzione per notare le forme confuse di due animali che lampeggiano brevemente negli effetti; forme molto simili ad Arawi di un cavallo e un cervo, corrispondenti al kanji di 馬鹿 mentre pronuncia la parola ad alta voce.
Così come un paio di supervisori e direttori che avevano completato i loro compiti si sono fatti avanti per aiutare, così hanno fatto altri due animatori chiave, portando il numero totale di loro per questo gran finale a 7 (+1). La promettente Ayumu Yoshida, appartenente alla quarta unità genga della CITY che avrebbe gestito l’episodio successivo se fosse esistita, è stata scelta per aiutare rispetto ai suoi coetanei più rinomati. Ma il grande nome è senza dubbio Tatsuya Sato, leader sia della divisione di Osaka dello studio che della quinta unità di questa produzione. Quando abbiamo spiegato come fosse possibile realizzare l’episodio n. 05, completamente assurdo, abbiamo notato che a Sato era stato dato il permesso di concentrarsi su di esso più a lungo che in qualsiasi lavoro precedente, permettendogli di disegnare circa la metà di uno degli episodi anime più densi mai realizzati.
Dopodiché, la sua unità sarebbe riapparsa nel decimo episodio. Nonostante si sia presentato insieme al resto della squadra, il ruolo relativamente timido di Sato – “solo” un paio di minuti si sono distinti per la sua vivace animazione – lasciava intendere un’altra apparizione speciale. Questo è stato effettivamente il caso del finale, che sembra averlo schierato specificamente in tutto il segmento musicale. Anche se il carico di lavoro non è allo stesso livello del quinto episodio, il suo tempismo è più frenetico in tutte le diverse parti delle varie esibizioni. Senza dubbio, uno dei maggiori contributori alla gioia che irradia questo episodio.
Proprio prima della fine arriva il nostro spunto per ricordare una delle prime cose che abbiamo scritto sul regista di CITY, quasi 3 mesi fa. Era vero allora, e rimane vero anche adesso: Ishidate ama animare le cose da solo. Parlerà a gran voce di come la direzione (specialmente quando sta guidando un intero progetto) non ti dia il tempo di disegnare personalmente interi tagli, per poi continuare tranquillamente a mettere da parte sequenze complesse per se stesso. CITY: L’animazione inizia virtualmente con un taglio sorprendente che sembra uscito dalla sua mano. E ora, come apoteosi di questo musical improvviso che conclude il tutto, la protagonista è di nuovo la sua penna. Movimenti svolazzanti familiari e una propensione verso l’uso di linee brevi, l’uso di minuscoli frammenti per aumentare la densità visiva e il tempismo stesso urlano il nome di Ishidate. Proprio come si è assicurato di fissare questo spettacolo a livello tematico, ha fatto lo stesso stilisticamente, con la sua animazione abbagliante.
E quindi, ora che è finito, quali sono i risultati finali di CITY? Anche se ti rifiuti di interagire con esso a qualsiasi livello tranne che in superficie, ti rimane comunque un cartone animato affascinante, super carino e bizzarro di un tipo che raramente incontrerai nell’animazione commerciale. Ha un predecessore apparentemente ovvio quando si trova a Nichijou, ma qualsiasi confronto tra i due evidenzia il loro contrasto. Uno, anche con la visione trasformativa della storia data dal suo adattamento, è felice di essere consumato come morsi vagamente collegati e non sequitur di animazione esplosiva e surreale. Pur offrendo la massima forza, l’altro opta per un apprezzamento molto più rilassato dell’atmosfera sciocca e delle dinamiche emergenti all’interno dell’ambientazione interconnessa. Scoprirai spesso che CITY ha molto a che fare con artisti del calibro di Yokohama Kaidashi Kikou così come con Nichijou, in quanto serie meno preoccupata di suscitare risate costanti (se non altro, un’idea scoraggiata) e più nell’idea di incoraggiare la tua immaginazione a vagare per le sue strade.
All’interno dello spettacolo e nelle interviste, il suo nucleo creativo si è opposto all’idea che la commedia sia necessariamente incentrata gag telegrafate che diventano gratificanti solo una volta che la battuta finale arriva. Ciò ricorda le conversazioni ricorrenti sulla commedia e sull’horror come due generi adiacenti; un’idea dimostrabile sfruttata da registi brillanti come Jordan Peele, eppure, un pensiero che molti nutrono quando considerano momenti divertenti all’interno di opere horror come fallimenti accidentali o totali. CITY occupa una regione diversa nella terra della commedia, ma Ishidate crede lo stesso nell’ampiezza di quel territorio. Come abbiamo discusso in precedenza, sono stati invece registi come Charlie Chaplin ad essere indicati come esemplari del fascino di Arawi. Vale a dire, comici che scateneranno la tua immaginazione con i loro dirottamenti, piuttosto che fermarti sul tuo cammino con uno scoppio di risate sconvolgente. Questa visione ha risuonato con l’autore, portando alla collaborazione estremamente stretta tra lui e lo studio di cui abbiamo parlato a lungo. Il risultato è, in un certo senso, riassunto dal semplice desiderio di Arawi:”Voglio che gli spettatori si chiedano cosa diavolo stavano facendo i creatori”.
Gran parte del fattore sorpresa richiesto per questo risiede nella presentazione. Il linguaggio visivo di CITY e la logica demente che sta dietro ad esso sono esuberanti, ma anche così facili da vedere, in un’era in cui ogni altro titolo è ansioso di dimostrare i suoi alti valori di produzione attraverso intensi effetti digitali. Sebbene ciò possa essere eseguito in modo efficace, è un approccio che è diventato così diffuso (e spesso utilizzato in modo rozzo) da aver risucchiato l’aria dalla stanza. Ed ecco che arriva CITY, una graditissima boccata d’aria fresca. Ogni componente è collocato organicamente all’interno di un insieme senza soluzione di continuità che offusca i precetti dell’animazione cel che hanno governato tutto il lavoro commerciale per un’eternità; non ci sono personaggi distinti e strati di sfondo, c’è una città. To be precise, there is one city that houses so much ridiculously intricate animation that it could make any TV project blush in shame.
One of the most interesting questions that Ishidate replied to in a social media campaign was about which episode director had surprised him the most, within a project where both young and veteran staff members have gone all out. His first instinct was to shout out Arawi himself yet again, as he’s been involved in so many iconic choices (like the mansion diorama!) that he might as well have been a director. Among KyoAni’s members, though, he shouted out the young director we’ve been most enthusiastic about as well: his pupil Ryo Miyagi. The storyboarding prowess he showed in moments like the end of episode #04 and the interconnected climax of the race is truly special.
Perhaps due to that fundamental stylistic simplicity, the sheer scale of CITY as an animation effort is hard to parse. Sure, certain bombastic sequences will get attention, but the obscenely particular craft required to bring to life such comic-like sensibilities, while still retaining certain acting precepts that make KyoAni what they are, is just otherworldly. Ishidate conceived the project as a counterattack to a trend that other renowned veterans have observed: the supposed convenience of technology is erasing fundamental abilities among animators, as more and more aspects of the process are stripped away from their workload. A growing limitation in their capacity for expression, which in practice tends to hurt the cohesion of the visuals as well.
Since its early stages, CITY’s visual philosophy became a stone meant to hit two birds; on the one hand, the attempt to capture Arawi’s original charm, and on the other, the desire to retrain younger generations of animators in skills no longer demanded of them. To achieve the latter, CITY deploys thrilling background animation, draws all effects in analog form, and even backports modern photographyPhotography (撮影, Satsuei): The marriage of elements produced by different departments into a finished picture, involving filtering to make it more harmonious. A name inherited from the past, when cameras were actually used during this process. ideas into visual concepts that had never been drawn before. It was an overwhelming workload, but fortunately, it led to a result that is more rewarding the more you pay attention to it.
All that the production has in potency, it can match with originality and boldness as well. Arawi and Ishidate’s desire to surprise led to all sorts of creative choices that spit in the face of efficiency and custom. There’s a reason why we built our previous article about the series around a detailed timeline of the making process—making it clear that it was extraordinary even by the studio’s standards, demanding many resources for a long period of time. If dedicating entire months to craft one diorama was what it truly took to embody the creative leaders’ vision, they would do it. If they thought that leaving the length of each episode (always multiple minutes above the norm) up to each director would be ideal, they wouldn’t hesitate.
For as easy as it is to wish that it had received a 2 cours adaptation like Nichijou did, allowing for the staff to cover more material, you can’t separate CITY from the way it was made. And that is, again, infinitely more cumbersome than Nichijou’s amazing yet more straightforward production. Unless they were willing to spend 6 years on it and maybe bankrupt the studio along the way, you couldn’t make twice as many episodes without compromising on the philosophy that the author and director saw as essential. We all have chapters to mourn after its unusual series compositionSeries Composition (シリーズ構成, Series Kousei): A key role given to the main writer of the series. They meet with the director (who technically still outranks them) and sometimes producers during preproduction to draft the concept of the series, come up with major events and decide to how pace it all. Not to be confused with individual scriptwriters (脚本, Kyakuhon) who generally have very little room for expression and only develop existing drafts – though of course, series composers do write scripts themselves. process, but at the same time, there are many brilliant choices in the adaptation to emphasize CITY’s interconnection through the mixing and reimagining of situations. In that sense, the two versions of this wacky story may be perfect companion pieces. I highly encourage anyone who has watched the show to go and read it now, then return to the TV series once again; frankly, it’s a series that rewards revisits in the first place.
Even the key visuals are packed with fun details that you’ll only appreciate if you return to them. One of them had a device in the background that anyone acquainted with Doraemon would recognize as a time machine. The most attentive fans were tempted to speculate about what role this original addition could play, with the ultimate twist being that it simply blows up in joyous fashion.
To some degree, it’s a given that an environment packed with technically superlative artists will often make good anime. The poignancy of the source material—if there is one in the first place—and the sensibilities of the core staff are key factors, but there’s no sense of surprise whenever KyoAni wrap up an enjoyable, impressive work.
I’d argue that CITY isn’t just that. It feels like a milestone, in the way they may not have had since Liz and the Blue Bird.
Although their recent output includes works I’ve enjoyed about as much, CITY carries a sense that you’re witnessing a once-in-a-lifetime work that those lacked. That is, on some level, quite literal; Ishidate’s commentary about the production process has been marked by awe and joy, but also, comments that certain monumental challenges like episode #05 aren’t something he plans to repeat. In a less tangible way, I also feel like the synergies between the project’s goals, Arawi’s style, and the complete disregard for financial and production common sense were a set of stars unlikely to align again. It’s lighting in a bottle, not because their reasons for success are hard to understand, but rather because they’re perfectly well-known. And as it turns out, spending ages crafting the most gorgeous bottle you’ve ever seen and then standing under lighting is not considered sensible behavior. Even more reason to be glad that they succeeded at it, I suppose.
For as well-meaning as CITY is, that unrepeatable nature makes it feel like it’ll stand as a somewhat cruel milestone. If we look back at Liz, it’s easy to see that it cast a way bigger shadow than its modest financial performance would make you believe. It’s no coincidence that MyGO/Ave Mujica writer Yuniko Ayana was interviewed alongside Euphonium’s Ayano Takeda, not only because the former is a big fan of Liz, but because it’s understood in the community that there’s a continuity between that film and the current boom of music anime (often female bands) with heightened dramatism. And what is Love Live’s attempt to dip its toes in such waters called again? Oh, right. Either way, the point is that even such a masterpiece offers aspects for others to latch onto, recognizable themes that they can incorporate into their works. Even the always brilliant Naoko Yamada might never make another Liz, but its legacy lives on in many works already.
In contrast to that, CITY is simply inaccessible. What the show is remains too tied to the way it was made, and that is seen as an anomaly within an environment that is already exceptional. The series being a quirky, way less trendy experience won’t motivate many others to even try to recreate it—but even if they wanted to, I’m not sure how you could make something that meaningfully draws from it. Instead, it’s bound to slot itself as a historical landmark for people passionate about animation to witness from afar. And you know what, that’s a sweet result as well.
While I’ve made it clear that I don’t expect CITY to be followed up on, the final look at KyoAni works always begs the question of what’s next for them; after all, they’re so isolated from the rest of the industry that one project always connects to neighboring ones. The obvious, already announced part of the answer is the theatrical recap for Eupho S3. Although that may sound like a minor project, and to some degree it is, it’s worth noting that the studio regularly produces recap films that are, by sheer mass, more original than old. For an obvious example, the recap of the previous season is a film that reframes the entire story to be more focused on the character of Asuka, granting it not just lots of new footage but an entirely new point of view. It’s not a replacement, as it gets rid of certain arcs in the process, but it turns an often-skippable offering like a theatrical recap into a rewarding experience for those who’ve already seen the show.
Mind you, I wouldn’t expect an outright reconstruction of the story like that for the third season’s retelling. What I believe will happen, though, is that they’ll expand on the original in a rather ambitious way. Considering that they’re splitting it into two film releases, and given the room left by the TV show, you should expect a lot of impressive new footage for the musical performances. Eupho S3 committed to a slowly asphyxiating experience, and that often involved denying the viewer the cathartic comfort of a successful performance being shown. While depicting those in triumphant fashion might make these films somewhat lesser as a story, it’s the type of indulgence that we’ve all earned after the stress of following that original season. And do you know who is the person in charge of Eupho’s fancy instruments? The charismatic Minoru Ota, who vanished from CITY after directing its unbelievable fifth episode. Hard at work already, it seems.
Considering the studio’s release patterns, I would expect those Eupho S3 films to drop in April 2026 and either July or September of that same year. With that, they should wrap up the series as we know it; which is to say, that I still believe in an eventual Natsuki-themed film whenever they want to revisit the franchise. In the meantime, KyoAni will also be announcing something new within the next month. After finding different formulas to connect with fans following on the tragic arson, 2025 will mark the return of the studio’s traditional events—with countless production materials exhibited and stages featuring all sorts of staff members. Among all those, one stood out as very suspicious. Its contents remained hidden for months, and it was scheduled as the Saturday equivalent of the stage dedicated to the upcoming Eupho recaps. To this day, the exact contents aren’t known, but they did indeed confirm that new work(s?) will be announced with the main staff and cast present.
That said, you might remember that we highlighted CITY’s art directorArt Director (美術監督, bijutsu kantoku): The person in charge of the background art for the series. They draw many artboards that once approved by the series director serve as reference for the backgrounds throughout the series. Coordination within the art department is a must – setting and color designers must work together to craft a coherent world. Shiori Yamasaki as the earliest, most extreme example of an individual completely dropping her responsibilities in favor of the upcoming project she had to lead. What have her peers at the art department been up to lately, then? Pretty much all of them worked on CITY, and for that matter, the Maidragon film as well. In fact, all of them but two, who skipped both projects despite remaining listed as employees. Two women who share one key characteristic: they’re up-and-coming painters who have acted as art directors in side projects, a mechanism that the studio uses to provide staff with experience before they hold those same positions in fully fledged works.
Who are they? Mao Takayama is a youngster we’ve talked about before, as a multi-talented artist who surprised the veterans from other departments as they scouted her; in their words, they had no idea that someone that skilled had remained an unknown name for a few years. Most notably, she was the art directorArt Director (美術監督, bijutsu kantoku): The person in charge of the background art for the series. They draw many artboards that once approved by the series director serve as reference for the backgrounds throughout the series. Coordination within the art department is a must – setting and color designers must work together to craft a coherent world. for the gorgeous Uji ni wa Monogatari ga Aru, an exercise in bringing their own city to life with a fantastical spin to it. While she’s got a fair amount more experience, broad audiences are similarly in the dark about the other missing painter: Momoka Hase. In her case, the awareness within the studio is understandably higher. She was entrusted with the artboards for the breathtaking Liz, and her chance to debut as an art directorArt Director (美術監督, bijutsu kantoku): The person in charge of the background art for the series. They draw many artboards that once approved by the series director serve as reference for the backgrounds throughout the series. Coordination within the art department is a must – setting and color designers must work together to craft a coherent world. for a small work already arrived in 2019 with the second Baja’s Studio OVA.
If a Denmoku anime were to come to fruition, it would feature a girl associated with the color blue, who was given a hairpin when they allowed the studio’s young staff to animate a commercial inspired by the book. By her side, it’d have a boy with spiky hair, an attitude, and highly specific clothing that fits the setting. And what is beloved baby dragon Kanna drawing in the studio’s event visual, attached to a book that—contrary to what they’ve done in previous instances—they’re making to sell after the event to keep things under wraps? Which novels are they selling at that event anyway? Just the recent ones and the two books written by Denmoku’s author? Hmmm, curious indeed. Although there are other directions I can see them taking, especially given that Osaka staff haven’t been as active as of late, there are a few too many subtle hints pointing at the 20th century right now. So I suppose that our answer about what lies in KyoAni’s future after CITY is, ironically, the past.
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