City: l’animazione è finalmente arrivata, attraverso una collaborazione insolitamente vicina tra l’autore Keiichi Arawi e l’animazione Kyoto. Per catturare il suo fascino originale, il team guidato da Taiichi Ishidate si è ritrovato a sperimentare ogni sorta di tecniche inventive e fresche. Questa è la storia delle circostanze e delle scelte creative che hanno portato a questo adattamento, che puoi già godere nel suo primo episodio.
Se ti è piaciuto il nichijou nel 2011, congratulazioni, sei sulla stessa pagina come molte persone all’animazione di Kyoto. Era piuttosto comune trovare merce per la serie attorno ai banchi dei loro membri molti anni dopo la sua trasmissione, che ha lasciato alle spalle ricordi divertenti nonostante (e talvolta grazie a) tutta la follia intorno allo spettacolo e la sua produzione. Sapendo cosa stava arrivando, tutte le ipotesi dei fan quando lo studio ha preso in giro i loro titoli per il 2025 erano interessanti. È diventato dimostrabilmente chiaro che poche persone erano consapevoli di quell’offesa passione per Nichijou, ed essenzialmente nessuno ha creato il collegamento a City -una serie scritta dalla stessa mano e che, come discuteremo presto, erano molto più prontamente disponibili per Kyoani.
Intendiamoci, se fossi sorpreso da quell’annuncio dall’annuncio del pubblico, così erano molto in più in posizioni. Nell’evento stadio dello staff allegato alla prescreening dei primi tre episodi, direttore della serie di direttori: (監督, Kantoku): la persona responsabile dell’intera produzione, sia come decisore creativo che come supervisore finale. Hanno superato il resto dello staff e alla fine hanno l’ultima parola. Tuttavia esistono serie con diversi livelli di registi: direttore direttore, vicedirettore, regista dell’episodio della serie, tutti i tipi di ruoli non standard. La gerarchia in quei casi è un caso per caso. Taichi Ishidate ha osservato che il suo autore originale Keiichi Arawi aveva tenuto il passo con loro per tutti questi anni, disegnando le carte di Capodanno con la sua versione dei personaggi dello studio e persino chiedendo di lavorare insieme un giorno. In un mondo migliore, tutti sarebbero stati in grado di assistere alla presa di Arawi su Violet, che isolida ricorda con affetto ancora. Eppure, nonostante sia Le politiche sulla selezione del progetto di Kyoani e quanto siano strettamente guidate da quelle. Come direttore di Assistant Series Directories: (監督, Kantoku): la persona responsabile dell’intera produzione, sia come decisore creativo che come supervisore finale. Hanno superato il resto dello staff e alla fine hanno l’ultima parola. Tuttavia esistono serie con diversi livelli di registi: direttore direttore, vicedirettore, regista dell’episodio della serie, tutti i tipi di ruoli non standard. La gerarchia in quei casi è un caso per caso. E probabilmente il leader artistico di nuovo a Nichijou, Ishidat era vicino ad Arawi e certamente in grado di spingere per un progetto come questo se lo desiderava. Oltre a ciò, ci sono sempre più fattori legati al business. Dovrebbe anche essere noto che lo studio semplicemente non funzionerà su qualcosa se non guidano il comitato di produzione e che nella loro transizione a questo modello, la loro relazione con Kadokawa sembra essere danneggiata per sempre; Ah, povera megacorporazione vittima di bullismo da parte dei creatori che vogliono garantire il controllo creativo e finanziario sul loro lavoro. Dato che Nichijou è sotto l’ombrello di una festa con cui non sono alle migliori condizioni con cui, quindi, un titolo come City pubblicato da Kodansha (con cui avevano già lavorato a Koe no Katachi ) era un modo molto più fattibile per riunirsi con Arawi.
ISHIMAZIONE Messaggio animato per celebrare l’annuncio della città, in caduta, durante la caduta, durante la caduta, mentre si è unito a tutti i caduti, mentre si è unito a tutti i caduti, mentre si è unito a tutti i giorni. Ciò rende possibile la città, ce ne sono più significative per il regista per voler creare città in modo specifico. Questa spinta è qualcosa a cui si è accennato anche nell’evento teatrale: non solo il desiderio, ma la convinzione che gli artisti dovrebbero costantemente creare cose nuove, a differenza di qualsiasi cosa avessero fatto prima. Il semplice desiderio di modificare i registri tende ad accumularsi in studio ogni volta che progetti consecutivi si appoggiano in particolari direzioni; Nelle tracce di commenti per Maidragon S , il regista Tatsuya Ishihara ha osservato che la squadra non vedeva davvero l’ora di avere la sensazione di libertà che la sua commedia fornisce, dopo essersi concentrata su lavori più drammatici e intensi per un po’. Passando dalla tremenda moderazione e dal dettaglio che Tsurune S2 e eufho S3 richiedevano-il primo attraverso la calma solennità e la riverenza per i rituali, il secondo accompagnato da un crescente senso di terrore-il loro tabellone attuale offre una sensazione molto apprezzata di liberazione. Ciò include anche un film di Maidragon, anche se considerando invece quanto più sforzo sia andato in città, è difficile non vederlo come il cambio di ritmo che lo staff desiderava di più.
di nuovo, tuttavia, l’obiettivo di Ishida è più ampio di un momentaneo cambiamento di stili. Il regista esamina lo studio nel suo insieme e li invita a sfidare se stessi con obiettivi completamente nuovi, che devono richiedere strumenti altrettanto nuovi. È facile vedere che non sta solo cercando di abbandonare grandi dichiarazioni nelle interviste, poiché ha applicato quella filosofia a se stesso. Dopotutto, il suo precedente progetto (che ha condiviso con più membri chiave dello staff che ora lavora con lui in città) era HagureBoshi no Uta . Non animazione, non un romanzo regolare, ma un libro illustrato che funziona in combinazione con la musica originale di Evan Call . I due avevano parlato di un tale progetto prima ancora che avessero concluso Violet Evergarden , e alla fine si manifestava in questo formato in cui la parola, l’immagine e il suono tentono di influenzarsi a vicenda. Ci sono varie iniziative in studio in questo momento per spingere i creatori in nuove direzioni, ma finora nessuno è stato proattivo e di successo come isidati.
È così che arriviamo all’anime della città come lo conosciamo ora; Una traduzione unicamente diretta della visione del mondo di Arawi, con sfondi fortemente stilizzati che si fondono così perfettamente con i personaggi che questi ultimi richiedono una linea audace da pop-da sola, un altro tratto simile a Arawi. Curiosamente, più cercavano di conservare l’appello del materiale di origine, più si allontanarono dalla norma, poiché gli standard degli anime TV semplicemente non erano compatibili con ciò che rende unico il lavoro di Arawi. Il processo di prova e errore che ha modellato l’approccio della squadra ha solo consolidato ulteriormente le convinzioni del regista che, anche se l’obiettivo di City come serie era quello di abbinare (e poi superare, è competitivo) il fascino esistente dell’autore, dovrebbero fare qualcosa di fresco lungo la strada. Uno sguardo dietro le quinte è sufficiente per dire che, quando Ishidate dice che vuole che il personale operi in opere che non avevano prima, lo intende davvero. Pertanto, la selvaggia conferma che i betweensin-betweens (動画, douga): essenzialmente colmando le lacune lasciate dagli animatori chiave e completando l’animazione. Il Genga è rintracciato e completamente ripulito se non lo era stato, i frame mancanti vengono disegnati seguendo le note per il tempismo e la spaziatura. (che significa non solo le lacune tra le chiavi ma tutti i disegni finali) sono è completamente disegnato con le penne di pennello .
kyoani rimane una delle poche immagini di spazzole . È una cosa da disegnare sulla carta e una diversa per farlo con uno strumento che non ti consente di cancellare i tuoi errori. Soprattutto, non farlo come una scelta artistica occasionale, ma come spina dorsale di un’opera che sarà sempre richiesta. I membri veterani del dipartimento di Douga come Hiroko Kuroda hanno sollevato le loro preoccupazioni per quel sistema di produzione, ma una volta che hanno provato, si sono resi conto che la maggior parte dei membri dell’equipaggio sono stati in grado di disegnare tutto in una volta. Ciò ha permesso il metodo che li ha portati più vicini alla magia di Arawi nell’animazione, dopo aver sperimentato molto la grafica durante la pre-produzione. A quanto pare, paga per enfatizzare storicamente un passo del processo su cui molti studi guardano in basso.
allo stesso modo in cui è stato difficile catturare il fascino visivo di Arawi nell’animazione, quindi stava facendo lo stesso con la sua scrittura, considerando così tanto i vincoli di tempo rispetto a una serie di 13 volumi. Un primo passo solido è stato realizzare che gran parte del sapore distinto di City si riduce alla simultaneità; In una storia che non riguarda gli individui ma interi quartieri, il modo in cui puoi notare come tutti i ridicoli dirottamenti stanno accadendo allo stesso tempo e interagire tra loro è un importante punto di appello. Con questo in mente e con un po’di finezza, puoi aumentare ulteriormente la densità attraverso strati sovrapposti di follia, in un modo che aggiunge al suo fascino originale piuttosto che diminuisce. In termini pratici, ciò significa che un personaggio può essere comicamente inciampato su un volantino che sarà rilevante per una scenetta imminente, proprio come possiamo già ascoltarne uno diverso in background. È efficiente, è interconnesso, è città.
Sebbene ciò aiuti, tuttavia, i loro obiettivi per la storia generale hanno ancora richiesto gravi riarrangiamenti e alcuni tagli. In un ambiente anime moderno in cui il pubblico è diventato ostile agli adattamenti che fanno qualsiasi cosa tranne rigari rigorosi, vale la pena ricordare che l’amato nicou di critica è costruita su un arco che in origine non esisteva mai. Se ti sei trovato ad amare la crescita di Nano da un robot a casa a una ragazza un po’ordinaria con amici a scuola, vale la pena sapere che il manga di Arawi inizia con lei già come studente. Sin dalla rivelazione dello spettacolo, la mancanza di una composizione in serie (シリーズ構成, serie Kousei): un ruolo chiave dato allo scrittore principale della serie. Si incontrano con il regista (che tecnicamente li supera ancora) e talvolta i produttori durante la pre-produzione per redigere il concetto della serie, escogitano eventi importanti e decidono di come ritmo tutto. Da non confondere con i singoli sceneggiatori (脚本, Kyakuhon) che generalmente hanno poco spazio per l’espressione e sviluppano solo bozze esistenti, sebbene ovviamente, i compositori di serie scrivono da soli. Il credito è stato evidente e grazie a Intervista di ishida con Nikkei , sappiamo che questi due aspetti sono correlati. City semplicemente non ha mai portato un compositore della serie esterna, perché tutte le decisioni di scrittura sono state prese insieme all’autore originale fisicamente presente. Per inciso, ciò dovrebbe anche significare che tutti gli script sono stati scritti dal personale interno. Finora, è il caso di Ayano Sato (che ha anche scritto Hagureboshi insieme a Ishida src=”https://blog.sakugabooru.com/wp-content/uploads/2025/07/literal-arawi-writing.jpg”altezza=”477″> Uno dei ruoli più insoliti di Arawi in questo adattamento è la scrittura dei crediti nella apertura e nella fine. I rapporti iniziali ci hanno fatto credere di aver progettato i caratteri da usare in essi, ma la variabilità tra diverse istanze degli stessi personaggi dimostra che è tutto scritto dalla sua mano. Questo non è un grosso problema con l’OP, poiché i crediti collocati sono a livello di serie e quindi non sono soggetti a modifiche, ma l’ED richiederà nomi completamente diversi ogni settimana. Se non fosse stata una produzione di Kyoani, una rarità nel settore quando si tratta di piccoli team dietro ogni episodio, Arawi avrebbe potuto fuggire dal paese per sfuggire a questo impegno.
Ora che sappiamo come è arrivato il progetto e il processo di pensiero dietro le scelte creative fondamentali, siamo meglio preparati a dare un’occhiata al primo episodio. Proprio prima di farlo, però, potremmo voler risparmiare alcuni pensieri per l’apertura e la fine. Dopotutto, queste due sequenze ci dicono alcune cose più importanti sulle figure chiave in questo spettacolo. Iniziamo proprio in cima, con un OP guidato dal direttore della serie Directorseries: (監督, Kantoku): la persona responsabile dell’intera produzione, sia come decisore creativo che come supervisore finale. Hanno superato il resto dello staff e alla fine hanno l’ultima parola. Tuttavia esistono serie con diversi livelli di registi: direttore direttore, vicedirettore, regista dell’episodio della serie, tutti i tipi di ruoli non standard. La gerarchia in quei casi è un caso per caso. se stesso. C’è un aspetto per quanto riguarda Taichi Ishidate che devi capire se intendi cogliere il suo lavoro: gli piace animare. Molto. L’atto di disegnare cose che si muovono in modi intrinsecamente attraenti è soddisfacente per lui come un creatore che per gli spettatori sperimentare il risultato. Sebbene ci sia di più in lui come artista, quel desiderio di respirare la vita nelle cose avrà sempre un impatto sul modo in cui si avvicina al suo lavoro. Non solo significa che influenza il tipo di storia che persegue, ma anche quali compiti decide di intraprendere: esserlo pubblicamente o no.
Questo è per dire che, quando si comportano come regista e storyboarder, ci sono intere sequenze negli episodi di Isidate che non vengono mai assegnati a nessun animatore, eppure in qualche modo hanno finito uno stile caratteristico quando è fatto e fatto. Questa potrebbe essere gli elfi di animazione al lavoro… o potrebbe anche essere che, proprio come il suo defunto mentore yoshiji kigami , mette da parte molti tagli che gli piacciono e poi non si preoccupa nemmeno di accreditare sotto il suo nome.
Che ne dici dei progetti che conduce, però? Essere il direttore delle directorie della serie: (監督, Kantoku): la persona responsabile dell’intera produzione, sia come decisore creativo che come supervisore finale. Hanno superato il resto dello staff e alla fine hanno l’ultima parola. Tuttavia esistono serie con diversi livelli di registi: direttore direttore, vicedirettore, regista dell’episodio della serie, tutti i tipi di ruoli non standard. La gerarchia in quei casi è un caso per caso. In TV o il capo in un film è su un livello completamente diverso di responsabilità, il che rende anche il collega Sakugasakuga (作画 作画 作画 作画 作画 作画 作画 作画 作画 作画 作画 作画 作画 作画 作画 作画 作画 作画 作画 作画 作画 作画 作画 作画 作画 作画 作画 作画 作画 作画 作画 作画 作画 作画 作画 作画 作画 作画 作画 作画 作画 作画 作画 作画 作画 作画 作画 作画 作画 作画 作画 作画 作画 作画 作画 作画 tivamente. I fan occidentali hanno da tempo stanziato la parola per riferirsi a istanze di animazione particolarmente buona, allo stesso modo di fare un sottoinsieme di fan giapponesi. Abbastanza parte integrante del marchio dei nostri siti. I registi fanatici trattengono i compiti di animazione; Soprattutto nelle produzioni di alto profilo, dove le aspettative di qualità sono così scoraggianti (e, si spera, la squadra circostante abbastanza abile) che il loro tempo è meglio speso altrove. Di conseguenza, la posizione di Ishidate in quegli scenari è… in realtà, continuare a fare lo stesso, poiché i momenti climatici in quelle opere continuano a atterrare magicamente sulla sua scrivania. Per essere onesti, tuttavia, si limita di più rispetto al suo comportamento come direttore dell’episodio. Invece di chiamare Dibs in interi minuti alla volta, sono parti più piccole di sequenze emblematiche che tiene per sé. Vedi, ha un po’di moderazione.
Per compensare quella riduzione sempre così luminosa dell’output di animazione, Ishida ha escogitato una soluzione per le sue esigenze: l’apertura delle sequenze. Ha alluso loro come una valvola di fuga per il suo desiderio reggato di animare quando si dirige uno show televisivo, che diventa un discorso simile a un tossicodipendente se si considera che sta ancora gestendo i tagli sotto copertura negli episodi stessi. City è il suo terzo anime televisivo come direttore della Sole Series Directories: (監督, Kantoku): la persona responsabile dell’intera produzione, sia come decisore creativo che come supervisore finale. Hanno superato il resto dello staff e alla fine hanno l’ultima parola. Tuttavia esistono serie con diversi livelli di registi: direttore direttore, vicedirettore, regista dell’episodio della serie, tutti i tipi di ruoli non standard. La gerarchia in quei casi è un caso per caso. Oltre allo storyboarding e alla regia, Ishidate dividerà l’animazione dell’animazione chiave (原画, Genga): questi artisti disegnano i momenti chiave all’interno dell’animazione, definendo sostanzialmente il movimento senza effettivamente completare il taglio. L’industria anime è nota per aver permesso a questi singoli artisti di esprimere il proprio stile. doveri tra il solo personaggio del personaggio e se stesso. Ciò significava lavorare a fianco di Miku Kadowaki per un kyoukai no kanata apertura dove si è schiantato nel coro, abbinando akiko takase nel suo più dettagliato in viola Evergarden Intro Tokuyama .
Il risultato è una sequenza adorabile che incarna le differenze tra la città e il fratello maggiore, Nichijou. Mentre molti avrebbero amato il ritorno di di
Come si fa a fare un artista eccentrico che non poteva fare di tutto con la sua idiosincrasia personale all’interno dello spettacolo stesso, allora? Le permetti di dirigere il finale, ovviamente. Yamasaki ha seguito l’esempio e ha creato un finale rinfrescante che potresti non trovare in una serie normale, anche se piuttosto che farlo con le sue illustrazioni impressionanti, questa volta ha messo in scena una sequenza simile a una argilla in cui seguiamo le molte creature che vivono nella città titolare. Sebbene la base sia l’animazione CG (guidata dal regista 3D Tatsuki Kase ), sembra incorporare anche materiali reali, che riguarda ciò che ti aspetteresti da una squadra così irremovibile nel provare nuove tecniche.
Con tutte queste conoscenze sulla squadra, possiamo finalmente sederti e goderti il loro lavoro attraverso il primo episodio. La sua straordinaria introduzione ti invita in città attraverso i divertenti miti di Arawi, ma anche attraverso quelle qualità del personale chiave di cui abbiamo parlato. Proprio come nel finale di Yamasaki, catturiamo scorci di utilizzo dei media misti per rappresentare il passare del tempo in modo creativo; Vale la pena notare che non è stata attribuita nel primo episodio, quindi se non ha raccolto anche le abitudini anonime di Ishida, gli strati alternati di dipinti e i colori della matita erano il lavoro di qualcun altro. E a proposito di quei due, l’incredibile taglio che ti permette di salutare praticamente ogni abitante allo stesso tempo è sicuramente come quel tipo di scatto che abbiamo visto si anima silenziosamente animato. Tanto per aver bisogno delle sequenze di apertura come scusa per attirare le cose in movimento, il signor Director.
Self-serve come potrebbe essere stato l’incarico, la scelta di trasformare Un’illustrazione diffusa in una tale taglio coinvolta incarna il desiderio del regista di battere Arawi a proprio gioco. A volte, cercheranno invece di abbinare il fascino del materiale di origine in modi più semplici, come rievocare le sue memorabili viste isometriche di dozzine di personaggi che si mettono in giro, insieme a una prospettiva scoraggiante quando devi animare ognuno di essi. Possono persino usare un taglio rapido per trasmettere la sensazione che una moltitudine di persone stia facendo contemporaneamente le proprie cose. Ma proprio all’inizio dello spettacolo, e soprattutto per il tipo di scatto che è così rappresentativo del vivace fascino di City, hanno fatto la lunghezza in più per dargli un impatto che potresti solo sperimentare su questa nuova tela animata. Diventa rapidamente chiaro che una delle forze trainanti dietro la scelta di ristrutturare la storia era che gli spettatori potessero godere di quella curiosa atmosfera fredda, totalmente diversa dalla frenetica maggioranza di Nichijou. Un aspetto che è cambiato altrettanto, e forse quello che sarà più interessante da tenere d’occhio, è il modo in cui l’immaginazione di Arawi è resa. Per dirla semplicemente, Nichijou era tutto incentrato sul compromesso; La propensione dello studio verso i principi radicati dell’animazione del personaggio si è incontrata nel mezzo con le credenze dei cartoni animati di Arawi. Lo spettacolo ha navigato tra queste estremità, inadempiente a un mix uniformemente abbinato. Uno in cui potresti ancora riconoscere Arawi, ma sentirsi anche una versione leggermente trattenuta del defunto futoshi nishiya l’approccio anatomicamente attento.
Non è assolutamente il caso di City, che opera in base a quello che potresti chiamare Arawi Logic. È andato quella preoccupazione per l’anatomia, e invece otteniamo Tokuyama che mira alle forme tozze e stilizzazioni di rottura delle prospettive che sono caratteristiche dell’autore. Ci alterniamo tra realtà e vuoti colorati in cui esiste fisicamente la tipografia. Gli effetti sono esagerati in termini di qualità ma semplificati nella rappresentazione, non preoccupati di abbinare i principi reali che gli animatori dello studio di solito tengono a mente: essere divertenti è più importante. Allo stesso modo, la fisica predominante è la legge di divertente, secondo la quale gli oggetti si muovono in la traiettoria più divertente e ritmo possibile. Di tanto in tanto, una posa naturalistica e un movimento secondario vero per la vita ti ricorderà che è davvero qualcosa di animato dalla squadra di Kyoani, ma si stanno davvero sfidando con qualcosa che nessuna delle loro precedenti serie comiche aveva fatto; Francamente, non molti anime TV mai.
Anche quando vogliono integrare un concetto più realistico, la sua esecuzione mantiene quell’atteggiamento da cartone animato, disegni; Potresti aver notato che il primo episodio occasionalmente cerca di interpretare elementi come sfocati, facendo così con linee abbozzate piuttosto che digitalmente . I tagli simili a kyoani più riconoscibili sono una tale rarità che sono trattati come configurazioni per i gag e anche da soli, sono fatti per adattarsi a questo mondo dei cartoni animati esteticamente piacevole. Questo impegno per l’identità visiva rigorosamente costruita attorno allo stile dell’autore originale fa sembrare la migliore reimmaginazione dello stile di Arawi nell’animazione, il che è impressionante dato che Arawi è anche un animatore. Ma come ha detto Ishidate, intendono abbinare e poi superarlo nel suo campo, piuttosto che nel campo di battaglia neutro di Nichijou.
Quando parlano di questo processo, Ishida si è riferito alla sfida di colmare le lacune. All’interno del suo fumetto, Arawi può saltare in giro mentre giocava con onomatopea, impossibile in posa, multipli e giusto su tutto ciò che può immaginare, ma che dire dell’animazione, una forma d’arte molto più sequenziale? Se vuoi essere intrinsecamente divertente come Arawi, non puoi disegnare la stessa cosa che ha fatto. Quello che devi fare è immaginare ciò che l’autore avrebbe disegnato tra i pannelli per collegarli, e talvolta, all’interno di quei disegni singolari.
Una delle mie pagine preferite in tutto il manga è durante il primo incontro con Wako, il cui spargimento, la natura eccentrica e l’introduzione di una mUASS ECCENRICA e si è introdotta le sue palpitazioni potrebbero trascinarla per la strada? Ancor prima di iniziare a prendere in considerazione in tutti i modi divertenti per rendere tutta questa animazione, le piccole idee stesse rappresentano il desiderio di arricchire il lavoro di Arawi senza tradire il suo spirito.
Contrariamente a quei dettagli per aumentare il gusto di Arawi, lo spirito competitivo di Isida a volte si manifesta attraverso la venatura audace. La prima scena non è l’unico momento in cui una fotocamera ampia ci porta attraverso l’ambiente, qualcosa che vediamo anche quando colleghiamo il familiare al di fuori di un condominio con la posizione di un altro duo di strani. Mentre questi sono schierati per impressionare il pubblico-di nuovo, Ishida odia perdere anche con il suo amico-rafforzano anche la sensazione che facendo solo pochi passi, andremo dalla posizione di un personaggio noto all’altro. Dire che la città è tutta su ogni singolo abitante è facile, ma applicare quella filosofia alla consegna visiva a volte richiede un dannatamente difficile tiro per animare. Meno male che il direttore delle direttori della serie: (監督, Kantoku): la persona responsabile dell’intera produzione, sia come decisore creativo che come supervisore finale. Hanno superato il resto dello staff e alla fine hanno l’ultima parola. Tuttavia esistono serie con diversi livelli di registi: direttore direttore, vicedirettore, regista dell’episodio della serie, tutti i tipi di ruoli non standard. La gerarchia in quei casi è un caso per caso. loves those.
On a personal level, shots like this are also quite meaningful for Ishidate. In particular, his usage of rotations to build up tension during gags is extremely reminiscent of his mentor Kigami; you may have made the association between the ending for this scene and a certain Nichijou episode. There isn’t a single person at the studio who didn’t learn from Kigami, as he was well and truly an irreplaceable presence in the history of Kyoto Animation. And, across all those years, the closest thing to an heir for the studio’s mentor was Ishidate himself. A close pupil who first drew key animationKey Animation (原画, genga): These artists draw the pivotal moments within the animation, basically defining the motion without actually completing the cut. The anime industry is known for allowing these individual artists lots of room to express their own style. under him, someone who learned not just from his technique but also his behavior, as we’ve seen with those uncredited quirks. Eventually, an artist who developed a style of his own while rising to an equal rank of ace animator, before becoming a series directorSeries Director: (監督, kantoku): The person in charge of the entire production, both as a creative decision-maker and final supervisor. They outrank the rest of the staff and ultimately have the last word. Series with different levels of directors do exist however – Chief Director, Assistant Director, Series Episode Director, all sorts of non-standard roles. The hierarchy in those instances is a case by case scenario. anche. But even as they stood on the same level, he never stopped seeing him as someone to learn from. Watching Ishidate channel Kigami’s energy so clearly is a pleasant reminder that his influence will never fade.
As a whole, the first episode of this show feels like the kind of thing that could only be a short film, perhaps a commercial with creators gone rogue. Watching these creative ideas applied to an entire TV show, with the level of production values we’re dealing with, is nothing short of a glitch in the matrix. This first writeup has served us to scratch the surface of it all, but now that we’ve established how and why the series came to exist, further articles will allow us to get more into the specifics of each scene—as well as talking about the team beyond the main figures we’ve emphasized today, since smart leaders alone can’t sustain an entire project. As usual, we’ll also have to dedicate some time to talk about its production schedule and how that has affected the result we see on screen now. If you’re interested in that, tune back in… an indeterminate number of weeks, depending on how much the show pressures us to ramble about its greatness. Whether it’s just next week or after a few more episodes have passed, don’t worry, the coverage of CITY has only just begun.
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