Kenji Nakamura è un direttore anime dirompente, unico e veramente d’avanguardia. Un creatore in continua evoluzione la cui mentalità si è spostata 15 anni fa quando ha diretto Kuuchuu Buranko / trapeze , nonostante abbia già ottenuto incredibili opere già. Anche se insegue nuove forme di espressione, che possono ancora essere avvertite nei suoi nuovi film di Mononoke.
Calling Kenji Nakamura Un direttore anime unico è un eufemismo. Non è necessario arrivare fino al suo senso di progettazione visivamente radicale, alle preoccupazioni insolitamente grandiose e allo spirito semplicemente dirompente per discernarlo. In verità, la sua educazione e la sua relazione con l’animazione sono già molto diverse dal tuo bambino tipico che ha attirato da bambino e ammirava i cartoni animati che ha guardato. Come ha ammesso nella prima voce di Febri Talk dedicata a lui , Nakamura era un marmocchio di snotty che ha guardato lo sguardo su tutti i ragazzi e le ragazze che hanno goduto di un po’di pascolo come Anime e Tokusatsu. Non è stato fino a quando Yoshiyuki Tomino Zambot 3 ha aperto gli occhi sulla potenziale animazione morale di complessità può contenere che gli ha dato una bella scossa. Dopo essere stato deluso dal fatto che nulla lo abbinasse, era la volontà di Hayao Miyazaki di sfidare le norme narrative che alla fine lo hanno agganciato.
Sebbene ciò lo abbia costretto ad ammettere che aveva in effetti un debole per gli anime, al minimo, al minimo, al minimo per quello che gli parlava, non era abbastanza per fare la sua carriera; Nakamura si è laureata all’università ed è diventato un salario regolare presso un’agenzia pubblicitaria, che potrebbe essere per quanto si può provenire da atti di creatività dirompenti. Rendendosi conto di anni dopo che potrebbe essere stata del tutto la scelta sbagliata per lui, si iscrisse a Yoani Prima di colpire finalmente l’industria anime a metà degli anni’20 attraverso un piccolo studio di supporto. Come ha detto in la prossima voce della sua copertura febbri , che la carriera di animazione era estremamente breve, poiché ha rapidamente contratto la tendinite e quindi ha dovuto rinunciare a disegnare tutto così tanto.
Instead, Nakamura switched to the role of production assistantProduction Assistant (制作進行, Seisaku Shinkou): effettivamente il ruolo di”produttore”di classificazione più basso, eppure un ingranaggio essenziale nel sistema. Controllano e portano in giro i materiali e contattano le dozzine su decine di artisti necessari per finire un episodio. Di solito gestendo più episodi degli spettacoli con cui sono coinvolti.. Una volta che il suo studio si è collegato all’animazione TOEI, è diventato un libero professionista con legami sempre più forti con lo studio, che è stato trattato come se fosse un dipendente, con le sue stesse parole. Ciò gli ha concesso privilegi che non dovrebbe essere pensato per avere, come agire come vicedirettore per Digimon Adventure 02 del 2001: Revenge of Diaboromon ; E siamo fortunati che sia successo, perché è stato un momento fondamentale per la sua carriera. Per cominciare, quel tipo di trattamento favorevole lo ha spesso seguito ed è importante capire perché. Nakamura è semplicemente il tipo di talento speciale che fa sì che coetanei e produttori con un occhio attento gli offrano opportunità che non si sarebbero normalmente concessi. E questo si distingue molto in contrasto con la sua tendenza come creatore irriverente e turbolento per la sua crash per crash e piani senza rimorso.
Non devi guardare oltre questo progetto Digimon per trovare un perfetto esempio di quella dualità. Essere concessi questa opportunità significava, ad esempio, che gli sarebbe stato permesso di storyboardStoryboard (絵コンテ, Ekonte): i progetti dell’animazione. Una serie di disegni solitamente semplici che fungono da script visivo di Anime, disegnati su fogli speciali con campi per il numero di taglio di animazione, note per lo staff e le linee corrispondenti del dialogo. Il video promozionale per il film, che significherebbe il suo primo storyboardstoryboard (絵コンテ, Ekonte): i progetti dell’animazione. Una serie di disegni solitamente semplici che fungono da script visivo di Anime, disegnati su fogli speciali con campi per il numero di taglio di animazione, note per lo staff e le linee corrispondenti del dialogo. pure. Nakamura ha fatto un ottimo lavoro che avrebbe giustificato quella fiducia posta su di lui… ma mentre lui stesso ha ammesso a Febri, ha fatto il budget selvaggio nel processo (soprattutto per quanto riguarda la quantità di CGI che ha usato) e ha ottenuto un orecchio. Questo status contraddittorio del bambino preferito e problematico dell’insegnante lo ha seguito probabilmente per tutta la sua carriera, soprattutto quando stava ancora scoprendo le corde in quell’epoca.
Il processo di produzione per quel teaser ha svolto un altro ruolo chiave: il nostro gioco di guerra: il nostro STUMON. lo studio. Nakamura descrive quella scoperta come un’esposizione improvvisa a una tecnica così raffinata che sembrava una svolta, quindi non sorprende che abbia modellato i suoi storyboard dopo di loro. E chiaramente ha fatto un buon lavoro, perché lo stesso Hosoda lo ha notato e in seguito lo avrebbe invitato al suo prossimo progetto teatrale. Fino ad oggi, Nakamura attribuisce ancora a Hosoda non solo stilisticamente, ma in termini di atteggiamento; La spina dorsale logica che consente ai suoi progetti di prosperare nel caos piuttosto che crollare sotto di essa proviene dall’approccio calcolato di Hosoda, così come la sua volontà di fare molte ricerche anche se alla fine non si trasforma in materiali utilizzabili. Nonostante abbia avuto questa opportunità con Diaboromon, Toei non è stato costruito per offrire opportunità di regia agli estranei tecnici, quindi Nakamura ha tentato la fortuna altrove; Ha ripetutamente menzionato nelle interviste che avrebbe fissato una scadenza per guidare un intero progetto e altrimenti avrebbe lasciato questo settore, dimostrando che ha sempre avuto quel desiderio di creare i suoi lavori. Arrampicare la scala è un processo sequenziale, tuttavia, quindi dovrebbe prima farsi un nome come narratore e regista di episodi. To his credit, his short run on that role was one of the most impressive I’ve ever seen—and it had much to do with strolling into Tatsunoko Productions and meeting Keiichi Satou.
In his final Febri feature, dedicated precisely to this other mentor, Nakamura describes Satou as a very flexible individual who plays by the ear and has the innate ability to get away with it. Se Hosoda era stato un regista che ha costruito logicamente una struttura e poi gli ha dato un sapore divertente rimuovendo i pezzi che sapeva che non era necessario-tutti sappiamo del suo divertimento di tempo e spazio-l’approccio di Satou è essenzialmente il contrario. All’interno delle sue opere più istintive, lavora per aggiunta anziché per sottrazione, imballandole fino alle idee interessanti che potrebbe avere sul posto; Nakamura esemplifica quella natura spiegando come Sato lo ha affidato l’apertura di The Soul Taker semplicemente perché era in giro e sembrava abbastanza libero. Alla fine, l’identità di Nakamura come direttore delle directorie della serie: (監督, Kantoku): la persona responsabile dell’intera produzione, sia come decisore creativo che come supervisore finale. Hanno superato il resto dello staff e alla fine hanno l’ultima parola. Tuttavia esistono serie con diversi livelli di registi: direttore direttore, vicedirettore, regista dell’episodio della serie, tutti i tipi di ruoli non standard. La gerarchia in quei casi è un caso per caso. sarebbe un affascinante mix di entrambi. La sua consegna ha preso Hosoda come punto di partenza, mentre a livello di design e concettuale, ha immaginato le opere sulla scala di Satou e ha optato per il suo sentimento di densità.
Prima di raggiungere quel punto, i primi a metà degli anni’00 erano il suo tempo per macinare come regista all’interno delle opere delle altre persone; Effettivamente speedrunning quella fase una volta che ha iniziato a essere affidato a storyboard, il che ha aiutato altri a notare che era un individuo speciale. Come accennato in precedenza, lo stesso Hosoda aveva già raccolto questo, quindi ha deciso di invitarlo al suo prossimo film. Guardarlo disegnare storyboard è stato illuminante… ma ciò non è durato a lungo, dal momento che quel progetto è stato la versione di Hosoda di Howl’s Moving Castle che non ha mai visto la luce; Uno dei tanti su e bassi della carriera di Nakamura, e certamente uno che non era autoinflitto in almeno.
Come notato in quell’ultima intervista di Febri, fu Satou a salvarlo con disinvoltura in quel momento, prendendo la sua presenza al prossimo Karas Masaaki Yuasa kemonozume , dove era responsabile del decimo episodio. Anche nel quadro di un altro autore, è facile raccogliere l’influenza di Hosoda nel modo in cui l’episodio è strutturato. La ripetizione è il nome del gioco, vale a dire attraverso l’uso di Dou-Poji: i layoutslayouts che ricorreno (レイアウト): i disegni in cui l’animazione nasce effettivamente; Espandono le idee visive solitamente semplici dallo storyboard nello scheletro reale dell’animazione, descrivendo in dettaglio sia il lavoro dell’animatore chiave che gli artisti di sottofondo. Inquadrando la stessa identica posizione per stabilire una routine, spesso con lo scopo di aumentare l’impatto di guardarla. La miscela meccanica ed emotiva attraverso il suo ritmo; In questo caso, è servito a mostrare il prima e dopo di una tragedia, e per collegare i fiori visti per la prima volta in un campo ricorrente con un atto finale fatto per amore, ma portando a qualsiasi cosa tranne la felicità.
Se c’è un episodio che può aiutarti a capire il fenomenone di Nakamura, tuttavia, dovrebbe essere Iriya no #03 . Nonostante sia successo molto presto nella sua carriera di storyboard, è un vero capolavoro che alza molto il bar per la consegna dello spettacolo. Mentre questa serie OVA è abbastanza chiara quando si tratta della sua esecuzione visiva, l’arrivo di Nakamura mentre lo storyboarder e il regista dell’episodio cambiano interamente.
A prima vista, è facile dire che è notevolmente più oscuro del resto dello spettacolo, aumentando la sua sensazione off-kilter in un inspiegabile vibrazione horror a basso costo. Ciò che è più ovvio in tal senso è il cambiamento nel composizione; Iriya no sora è per la maggior parte uno sforzo ordinario per il suo tempo, ma l’approccio di Nakamura è molto più ambizioso e coinvolto, concedendole un aspetto confuso che si adatta meglio al suo umore (anche con gli aspetti tecnici che non hanno invecchiato anche). È notte e giorno rispetto all’aspetto normale e un aspetto interessante da tenere a mente quando più opere di Nakamura hanno in seguito abbandonato le moderne tendenze di enfasi sulla postprocessing fotorealistica a favore del look CEL. Più che avere un’unica preferenza, si tratta di sperimentare nuovi strumenti-come visti anche per il suo interesse per gli elementi 3DCG all’epoca-per trovare soluzioni situazionalmente interessanti.
più di questi aspetti a livello di superficie e persino al di là del lavoro estremamente immersivo, è l’evoluzione di quel ritmo simile a un filo di filo che rende iriya #03 episout. L’idea di costruire per sottrazione che ha ereditato dal suo mentore è espressa in tutto l’episodio, come nelle affascinanti conversazioni filmate ripetendo avanti e indietro delle interazioni dei personaggi con il mondo. La stessa idea di stabilire una routine pacifica per consegnare in modo scioccante la sua destabilizzazione che puoi trovare in Konozume #10 è presente in questo episodio, più chiaramente in uno scatto di armadietto che si ripete anche dentro di sé, fino a quando non cambia. Attraverso queste scelte, inizi a vedere come Nakamura lo trasforma in una lingua tutta; Un focus sugli oggetti di scena piuttosto che sulle opinioni aeree che Hosoda tende a impiegare per il suo Dou-Poji, avvicinandosi alle loro routine materiali da un angolo diverso, nonché a distribuire la tipografia come un altro meccanismo di stimolazione. Se ti piace la direzione intelligente, questo episodio è un must-watch.
Un certo produttore di Toei Animation sarebbe d’accordo anche con tale affermazione. Hiroaki Shibata era un assistente di produzione di produzione di produzione (制作進行 制作進行, Seisaku Shinkou): effettivamente il ruolo di”produttore”di classificazione più basso, eppure un ingranaggio essenziale nel sistema. Controllano e portano in giro i materiali e contattano le dozzine su decine di artisti necessari per finire un episodio. Di solito gestisce più episodi degli spettacoli con cui sono coinvolti. Nakamura incontrò nei suoi primi giorni intorno a Toei e, essendo diventato un produttore nel 2005, fu lui a invitarlo a Iriya. La sua scommessa ha pagato, dal momento che come ricorda ancora oggi , l’eccellenza dell’episodio n. 03 era ciò che lo ha convinto a concedere a Nakamura un’opportunità di direzione in serie. Ciò si manifesterebbe l’anno successivo sotto forma di ayakashi , un’antologia horror che per la maggior parte reinventa reinventa le opere classiche come indicato dai veterani di vari campi.
non ti aspetteresti un nuovo arrivato come Nakamura per adattarsi all’interno di quello stampo, che da solo sia quello per liberare il climax attraverso una storia originale, e non ti aspetteresti la stessa strada; Come Nakamura e la persona che sarebbe stato il suo braccio destro ha spiegato in questa intervista di Animesty si sono seduti insieme a Tatsunoko.
Il risultato è stato il famoso racconto finale di Ayakashi: Bakeneko , che copre gli episodi da #09 a #11. Sebbene le precedenti storie autonome abbiano fioriture occasionali per quello che è già uno spazio insolito da esplorare nell’animazione televisiva commerciale, l’approccio radicale di Bakeneko sembra immediatamente un progetto completamente diverso. Il suo impegno per ukiyo-e è tanto accurata quanto è coerentemente collegato alla sua ambientazione del periodo Edo e alla struttura classica. Quell’estetica in particolare sembrava una rivelazione all’epoca: abbagliantemente moderna per una mini-serie del 2006 per costruire attorno ad elementi 3dcg e trame digitali, eppure, impiegando quegli strumenti per evocare forme più vecchie di espressione-entrambi nel farla sentire come un salto in pericolo che ti saluti dinamicamente come te come te stesso come il pericolo che si è unito come il pericolo che si è unito in pericolo che lo stesso si stabilisce come te stesso come te stesso come te in pericolo che ti saluti dinamicamente. Direttore sfacciato di quelle acrobazie dello storyboarder per il noleggio. Ancora una volta, il ritmo viene stabilito attraverso la ripetizione, così come l’umorismo. An aspect that he’s particularly good at is tying those recurring moments to specific sound effects and text that unfold in oddly satisfying ways, which turns these mechanical elements into another enjoyable aspect of Nakamura’s audiovisual prose.
The same director who was so interested in exploring the possibilities of CG animation—and so willing to blow up the budget recklessly in the process—is visible across its action sequences, which combine a Senso deliberatamente caotico dello spazio 3D con un lavoro di espressione tradizionalmente eccellente. A causa dell’arazzo chiuso e fantastico che è l’ambientazione, Nakamura e la compagnia sono in grado di disorientare un po’lo spettatore senza frantumare alcuna realtà; Il livello predefinito di astrazione è troppo alto per opporsi a queste esplosioni caotiche. Quei setper fanno un uso eccellente di un’arma che non è sempre stato in grado di mantenere: la straordinaria abilità di animazione degli animatori di Toei-adiacenti e le stelle correlate di allora, con una menzione speciale a un Takashi hashimoto .
Secondo il meglio per le sue competenze di effetti, con cui ha già avuto il kakamura in lizza di kar) opportunità di agire come designer di personaggi e concept artist per questo lavoro, un ruolo che ha avuto così tanto successo che ha occupato un ruolo simile anche nei prossimi 3 progetti di Nakamura. Bakeneko, e per estensione lo show televisivo tra fratelli che lo avrebbe seguito, era anche per molti aspetti del bambino di Hashimoto; Non solo ha definito quell’aspetto spigoloso dei suoi personaggi che permetteva loro di trasformarsi in esseri soprannaturali come se fossero anche 2dfx, ma aveva anche il lavoro difficile di trasformare le idee astratte di Nakamura in qualcosa di tangibile che poteva essere compreso dal resto della squadra e del pubblico. Progetto del 15 ° anniversario, che ha raggiunto livelli senza precedenti di cattiveria pubblica. Ciò che è iniziato con le accuse di un tradimento pianificato per rimuoverlo dal progetto e il lavoro non retribuito ha preso una svolta più oscura con la messa in onda di problemi di salute personale (fisico e mentale) con il coinvolgimento del produttore Koji Yamamoto ; Vale a dire, il volto di noitamina e uno dei più grandi alleati di Nakamura sia durante quel periodo con Fuji TV che in seguito a motore gemello . La situazione è stata deprimente e ha reso tutti i soggetti coinvolti che hanno un aspetto peggiore, ma a causa della natura sensibile dell’argomento, preferirei non concentrarmi su di essa al di là di un fatto innegabile: Hashimoto una volta era parte integrante a materializzare il caos di Nakamura nei modi memorabili che tutti ricordiamo, ma quella relazione non aveva un finale pulito. Se sei consapevole di quanto Hashimoto aveva sostenuto per la concessione del sequel della serie, questo risultato è un enorme peccato.
ignaro di ciò che alla fine accadrebbe, il lavoro di questa squadra nell’arco finale di Ayakashi ha stabilito una formula così convincente che non è una sorpresa che non abbiano rapidamente avuto per ipotecarlo. Il ritmo inconfondibile del regista, usando colpi ricorrenti e porte scorrevoli pseudo-diegetiche rispettivamente come virgole e periodi, ti guida attraverso misteri soprannaturali con un pizzico di orrore. Quello incaricato di svelarli è un venditore di medicina errante, una persona misteriosa che formula il metodo di risoluzione che diventa sinonimo di questo lavoro: bisogna capire la forma, la verità e la ragione dietro un incidente soprannaturale prima di esorcizzare lo spirito dietro di esso. Incidenti, quindi il venditore di medicinali deve aiutare a elaborare anche quella legittima indignazione.”Sono stati gli umani che ti hanno reso quello che sei”è il testo reale che accompagna il suo omicidio del titolare Bakeneko , che ha necessariamente il pagamento delle vittime reali. Un produttore è stato innamorato del suo stile, ha consegnato un debutto così elegante della serie (mini) che ha rapidamente ottenuto il suo successore: il Mononoke di 2007, uno spettacolo televisivo completo dedicato alle avventure del venditore di medicine. Parlando con Animestyle per il numero 008 Molti anni dopo, Nakamura ha accennato a non sentirsi così che era un sequel reale; La breve durata di Ayakashi ha fatto sentire anche per il regista più simile a un pilota, rendendo questo programma televisivo la prima rappresentazione pienamente realizzata di quel concetto.
Come vedrai se segui la sua carriera da quel punto in poi, o controllando le sue interviste in cui non è timido sull’argomento, questa è una distinzione abbastanza importante nella sua vista. Dopotutto, intensificando il ruolo del direttore delle directorie della serie: (監督, Kantoku): la persona responsabile dell’intera produzione, sia come decisore creativo che come supervisore finale. Hanno superato il resto dello staff e alla fine hanno l’ultima parola. Tuttavia esistono serie con diversi livelli di registi: direttore direttore, vicedirettore, regista dell’episodio della serie, tutti i tipi di ruoli non standard. La gerarchia in quei casi è un caso per caso. ha dato a Nakamura abbastanza potere da raddoppiare un’idea chiaramente naturale per lui: fare sempre qualcosa di veramente nuovo. Tutte le sue opere sono completamente originali o così rivoluzionarie sulla storia di qualcun altro che potrebbero anche essere. Se è mai nella posizione di dirigere un sequel, è un prerequisito non negoziabile che abbia una nuova idea da trasmettere. Il fatto che Mononoke TV sia stata una continua continuazione stilistica e tematica di Ayakashi, quindi, è ulteriore prova che era ancora un affare incompiuto per lui.
quell’idea delle opere di Nakamura con un messaggio specifico che vuole sempre fresco è anche la chiave per capire l’evoluzione della sua carriera. In un’altra intervista con Animestyle, questa volta per il numero 005, il regista ha ammesso di sentirsi consapevole di spiegare i suoi pensieri; Per quanto hanno risuonato astrattamente in tutto il lavoro, spiegare il messaggio sembrava ammettere la sconfitta. Nakamura lo ha riassunto in modo divertente dicendo che era solito creare opere a forma di ciambella; Fare uno stampo in cui è possibile intuire la forma ma non procedere con il casting in modo esplicito, perché preferirebbe scrivere intorno al suo messaggio piuttosto che trasmetterlo in modi a distanza diretta.
Questo approccio ha reso Mononoke una delle opere più stimolanti là fuori. Lo stile del suo predecessore è raffinato, ampliato in widescreen e testato su contesti più diversi questa volta, anche se sono tutti inevitabilmente astratti da un angolo simile, che consente al loro team di flettere la propria inventiva quando si tratta di rendering di nuovi concetti e idee. In combinazione con il ritmo seducente per cui il regista era noto, trasforma lo spettacolo in una successione di pause convincenti e esplosioni esaltanti di energia che seguono la formula di Bakeneko; Per inciso, quell’arco viene reinventato nella vignetta finale all’interno di Mononoke, che fa sentire lo show televisivo come l’espressione completa della visione del regista. Non uno che rende retroattivamente la forma originale di Bakeneko, ma uno spettacolo degno di essere considerato la versione definitiva di questo concetto.
A livello tematico, il rifiuto del regista di precisare la conclusione rende anche un’esperienza soddisfacente; È uno spettacolo che ti chiede di incontrarlo nel mezzo, ma che lo fanno. A quanto pare, molte persone si sono sentite così: Mononoke era, nonostante ciò che ti saresti aspettato per un lavoro così idiosincratico, molto successo. Il suo alto pubblico e le vendite di DVD davvero notevoli sono un ottimo esempio di un fenomeno che abbiamo esplorato prima: la noitamina ha avuto probabilmente il maggior successo quando si è impegnato nella sua essenza di uno sbocco alternativo, sia per il pubblico che raramente erano soddisfatti (come le donne anziane) e per i creatori di Avantgarde come Nakamura e Yuasa. Affrontare il successo di Bakeneko e Mononoke non è importante semplicemente per capire perché gli è stato concesso un’intera trilogia teatrale per celebrare il suo 15 ° anniversario (17 ° quando il primo è uscito) ma anche come ciò ha influito immediatamente alla carriera del regista.
come ci siamo menzionati in precedenza, l’ambizione di Nakamura gli aveva fatto guadagnare una reputazione come una minaccia come un budget; E essere promosso al leader del progetto aveva solo aumentato il suo livello di pericolo, soprattutto quando lo ha colto come opportunità per diventare ancora più contrario alle norme di produzione. Eppure, aveva appena avuto un successo, con più produttori che ora stavano accanto. Ciò potrebbe aiutarti a capire come ha finito per guidare un adattamento delle opere dell’autore popolare Hideo Okuda , che tra molti altri generi si dilettava nella psicologia pop per la sua psichiatra Irabu . Quei libri da soli hanno generato un film dal vivo (in piscina, 2005), due drammi televisivi (Kuuchuu Buranko nel 2005 e il dott. Irabu Ichirou nel 2011), teatro e persino reinterpretazioni all’estero. Senza essere un’enorme sensazione mainstream, quella era abbastanza popolare da affidare.
In Grand Nakamura, la sua interpretazione della serie sotto forma di
Il suo approccio trasformativo si estende anche alla struttura della serie. La colla che teneva insieme il lavoro di Okuda era sempre il dottor Irabu: uno psichiatra squallido che diversi pazienti frequentano attraverso le sue antologie, che trasformano l’idea di aiutarsi in testa attraverso il suo cattivo atteggiamento e completare il rifiuto di agire secondo il protocollo e le norme sociali. Sebbene Nakamura liscia un po’il suo personaggio rispetto ai romanzi, si infila l’idea del dottore in modo interessante dandogli tre forme che corrispondono all’ID, all’ego e al superego di Freud; Uno è L’orso colorato che tende a essere chiuso all’interno della sua clinica nel seminterrato dell’ospedale, uno è un bambino familiare con un peluche familiare
Irabu appare in diverse forme e situazioni, seguendo i pazienti in modi che ti chiedono se esiste anche se esiste-e questo ti fa anche meravigliare chi ha più preoccupazione psicosiologica, dal momento che il suo Knink porta a una sequenza di scorte assurda in cui tutti i pazienti ottengono colpi di vitamina solo per giustificare i suoi impulsi. Mentre è infantile, arrogante, egoista e pericolosamente impulsivo, Irabu è anche molto veloce nel notare come le pressioni sociali siano la causa (o almeno l’amplificatore) di molte malattie mentali. La sua metodologia radicale, quindi, tende ad essere orientata ad affrontare i punti di attrito che si tratti interni o con l’ambiente circostante; Qualcosa che, a suo avviso, a volte coinvolge un po’di terrorismo domestico.
Esprimere la psiche di quei pazienti inizia con un’altra scelta ordinata a livello di progettazione: dare loro una testa di animali colorata che corrisponde ai loro problemi specifici, che funge da heads-up visivo (nessun gioco di parole previsto) quando i loro problemi si riaccendono. L’episodio #05, brillantemente storyboard dall’amico di Nakamura Kiyotaka Suzuki , ruota attorno a un collega psichiatra che soffre di successo. È sposato con la figlia del direttore di un ospedale e attualmente vive nella loro dimora, sentendosi così costretto ad adattarsi all’alta vita di qualcun altro. I suoi impulsi di sferzarsi e il meccanismo di autodifesa che si sta adattando con forza all’ambiente, quindi, è espresso da Occasionalmente trasformandosi in un chamleon —Infinché l’influenza di Irabu finalmente lascia che sia lui stesso a casa, che è a casa la vita di tutti. D’altra parte, l’episodio n. 02 si concentra su un uomo i cui sentimenti irrisolti per la sua ex moglie hanno portato a un problema fisiologico molto diverso . Non c’è bisogno di spiegare perché diventa Un rinoceronte con un magnifico corno , credo.
Come puoi dire ormai, Kuuchuu Buranko è una serie molto commedia. Tuttavia, tra l’argomento e la fama del titolo, Nakamura sentiva una pressione che non aveva mai provato prima. In this interview with IT Media, the director opens up about a reason why he decided to be particularly careful with this theme: someone close to him had already passed away because of mental health problems. Nakamura saw TV shows as something that anyone could casually tune into at any point, which was particularly true of a slot like noitaminA that aimed to appeal to non-core anime viewers. And if anyone can nonchalantly step into your world, wouldn’t you have to be tactful with an issue that can have such dark consequences? Conciliating that with his desire to make something bright and uplifting was one of his greatest challenges.
One of the strategies to conciliate the comedy with the gravity of those themes, besides focusing on less heavy conditions, was the inclusion of Fukuicchi. This funny cartoon man who always interjects to give advice, compliments Irabu’s talk about psychology, or outright contradicts him when he says something too outrageous is the avatar of a real, rather popular announcer at Fuji TV. Nakamura deployed him out of his sense of responsibility, but also as yet another way to modulate the rhythm in amusing ways—you never know when he may pop up again.
To achieve that, Nakamura relied on extensive research. He’d previously seen Hosoda’s dedication during pre-production, and so he applied the same fervor to interviewing psychologists, patients, and researching enough to realize that most information about mental health he’d see on television or circulating online was outdated. He told as much to noitaminA themselves, in an interview where he establishes Kuuchuu Buranko as a turning point for his whole career. He states that people with mental illnesses aren’t weak nor hopeless, and that if anything, they’re canaries in the coal mine of society. And that is the motif that he brilliantly built the entire adaptation around.
One of the greatest tricks executed by Nakamura and sies composer Manabu Ishikawa—another Tatsunoko connection who sadly passed last year—was to come up with points of connection between all patients. Originally, all the stories were self-contained, but the anime constantly places the eccentric protagonists of other episodes within the adventure you’re currently following. To begin with and despite sharing the title with a specific Okuda book, the team pulled stories out of all of Irabu’s published adventures at the time. Although the result is not the type of sappy story where absolutely everyone comes together in the end, new friendships do develop across the series, and you see the positive effect environments can have on your psyche if we’re all simply more respectful and conscious of others. This is expressed through the show’s wild audiovisual language, with all the tricks we’ve been highlighting since his previous works. And for some reason, a certain bird keeps flying around ever since the first time we stepped into Irabu’s office.
Chances are that you won’t really pay attention to the canaries in Kuuchuu Buranko. They appear consistently yet briefly, in a show that is so bursting with unique visuals that one bird won’t stand out. When Nakamura’s unsettling direction opens up the finale with a dead canary, though, things begin to turn. A previous case is revisited from the point of view of the father, which illuminates how it was his neglect of his family’s issues and their pleas for help that did the most damage.
His distant, uncaring stance is brilliantly depicted as childish and ultimately self-damaging too through the repetition Nakamura had become so good at using. While the show’s 2D animation is rarely a technical marvel, the likes of Yuki Hayashi, Masashi Kudo, and even the master Takeshi Honda himself appear to underline Nakamura’s new thesis for this work: the voices of his family he neglected to listen for the entire show were the canaries in the coal mine he tried to run away from. As a society, we ought to listen to them, not as weaklings who fall first but as heroes when compared to those who turn a blind eye to problems and minimize them. The show’s final statement goes to everyone who’s had any sort of mental health issue, telling them that they’re loved and that we’ve all been there at some point.
Now, this angle wasn’t a new one for Nakamura; it’s not a coincidence that Mononoke’s victims tended to be disenfranchised individuals, as the director used the fantastical setting to fire at unfair systems of power. Compared to the cryptic attitude he held back then, though, the sense of responsibility that he felt from Kuuchuu Buranko onwards made his message much more direct and explicit. His preoccupations with societal issues became more central as well, often being at the very core of those works.
Once again within noitaminA’s at the time still free environment, his worries about the economy—fueled by the global financial crisis—led to [C] The Money of Soul and Possibility Control. While much messier than its predecessor, Nakamura’s research not just with finance experts but with non-profit organizations that oppose the current system showed an interest in figuring out how the economy (further abstracted into ridiculous battles) affects actual people.
For his next shows, it was the idea of community that he explored the most. Tsuritama was born thanks to an Aniplex producer requesting him to make a show about adolescence with a male cast, but it wasn’t until he found this angle that it clicked for the director. Eccentric as some characters are, the diversity is meant to embody real groups of friends, while aspects like the physical rooting in the setting of Enoshima give it an authentic flavor. In terms of the delivery of these ideas, it’s worth highlighting that its more low-key direction was a successful experiment by Nakamura. That unique pacing from his previous works is something he calls rhythmic direction, with patterns and calculated yet stark shifts, while Tsuritama would be melodic direction; a natural flow, which he feels modern anime is disregarding and thus he feels more inclined to use now. If we’re looking at his evolution, this is another shift to keep in mind.
When reimagining another Tatsunoko icon for Gatchaman Crowds, Nakamura provided another example of his interest in communities—and also how fast his posture can change. During the 2011 Touhoku earthquake and tsunami, Nakamura observed how the internet allowed individuals to build the type of transversal systems of help that the government doesn’t necessarily provide. As a consequence, the adventures of its lively group of heroes have an optimistic outlook on online communities… which comes crashing down by the time of its sequel Gatchaman Crowds Insight. Rather than refuting its predecessor, Nakamura growing fed up with the proliferation of fake news and the culture of immediate, loud reactions to the news made him shed light on the other side of the coin. Insight is a warning against the power of mass media and of going with the flow, pushing back against the belief of unity as an absolute good; after all, it’s often fueled by intangible peer pressures and can do damage by stifling individual thoughts.
That thoughtfulness has accompanied Nakamura to this day, as have the difficulties of working with him—the 2015 to 2024 gap between his projects is quite telling in that regard. The director had to step down from Infini-T Force in 2017, which he was initially meant to direct rather than his pupil Suzuki. An original project that has been in the works since 2018, eventually adopting the codename Yotogi, never managed to materialize. Even among these titles that did come out, things weren’t necessarily easy; Crowds was a notorious production nightmare only rivaled by C, and Tsuritama’s higher stability (which couldn’t stop it from hitting a scheduling wall by the end) was only achieved because A-1 Pictures established a “Nakamura System” to shield themselves from those recurring issues.
When the stars align, however, Nakamura proves that he’s still got that special touch. And he does it in a way that maintains that general stance towards his role as director that he adopted with Kuuchuu Buranko. If you read any of the dozens of interviews that the director has given for Mononoke the Movie—a trilogy he has started releasing this year to culminate its 15th anniversary celebrations—then you most definitely have been told about the societal preoccupations motivating him this time. While he initially considered exploring the theme of peer pressure again, the way that idea was used during the heights of the pandemic made him want to find another theme to focus on. In the end, he settled on the fallacy of composition.
In socioeconomic terms, Nakamura sees that concept at its clearest in the application of policies like austerity. They are supposed to be good for the economy and thus everyone, and yet clearly impact people negatively on an individual level, which creates a dangerous mismatch. Back when he first led Mononoke TV, he limited himself to finding those individual voices and making them feel heard. Now that it’s easier to be heard because of the internet, though, he claims to want to soothe them and perhaps suggest solutions too.
Whether that ambitious goal will be successful or not is something that we’ll have to wait until the end of the trilogy to find out, but for now, we can already tell that Nakamura’s delivery is as bewitching as ever; and yet, it’s never exactly the way it was before. As if to make a point about his constant evolution, the director returns to a previous title and flips enough elements to give it a completely different flavor. His reveal that the medicine seller this time around is a different individual—and that there are countless of them—is only the tip of the iceberg. While still aiming for that ukiyo-e look, it’s clear right off the bat that we’re looking at parchment with way brighter pigment. The lines themselves have become Hokusai Blue, infusing the irotore with the theme of the series.
The most radical change, however, is once again related to the rhythm. More than ever before, Nakamura’s team is aiming for a sensorial overwork with a first entry in the trilogy that packs 2600 cuts in around 90 minutes of runtime; which translates to about twice as many of them as a regular movie would have, with most cuts lasting a couple seconds and only going up to 10. While Mononoke was always an intense experience, it allowed itself to be methodical at points—its unique style kept it visually engaging regardless—before its moments of acceleration, but this new take raises its baseline and accelerates even further in climactic moments. To best fit the theatrical format, those tend to be set in broader locations than the original show, which makes for some thrilling (if chaotic) setpieces. Even now, Nakamura proves he can change the flavor of anything he touches.
If you sign up to watch something led by Kenji Nakamura, chances are that it’ll feel unlike anything you’ve experienced before. The director himself will instinctively push in that direction, even on the rare occasion where he returns to a previous title—as we’ve seen with the fundamental change of pace for Mononoke. Just like the ever-changing audiovisual manifestations of the director’s ideas, his own mindset may change so fast that he’ll reach a rather different outlook on humanity altogether in-between one project and the next. In this sense, a title like Trapeze stands out as particularly special even among his unique works. While the likes of the medicine seller have had a stronger legacy among his viewers, it was the mad doctor Irabu who changed the way Nakamura perceives his role and responsibilities as a director of animation. And you know what, leaving such an imprint on one of the most notable figures in Japanese animation is quite the feat.
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