Yang terbaik, Jujutsu Kaisen Musim 2 adalah upaya terfokus untuk sepenuhnya mewujudkan ide sutradaranya, mulai dari aksi termegah hingga detail yang paling tidak terlihat. Namun di sisi lain, ini juga merupakan hal lain: perjuangan melawan jadwal yang melelahkan. Mari kita ikuti salah satu produksi terbesar, terkeren, namun juga paling menyusahkan tahun ini.
Sebelum penayangan Jujutsu Kaisen Musim 2 dimulai, ada suara penting dalam industri anime menunjukkan dampak negatif nyata yang, dalam pandangan mereka, film sebelumnya Jujutsu Kaisen 0 sudah berdampak pada pekerja. Film tersebut mungkin tidak selalu dapat dilihat secara teknis oleh mata yang terlatih, namun bagi khalayak luas yang memasarkannya, film tersebut merupakan kesuksesan besar—yang dicapai dengan mendedikasikan sedikit waktu untuk produksinya, dan terlebih lagi untuk proses perencanaan. Orang itu bukannya berbicara tanpa sepengetahuannya: mereka mengenal banyak orang yang berpartisipasi dalam film tersebut, mereka telah bekerja dengan tim tersebut setelah kesuksesan JJK0, dan saat ini mereka mendapati diri mereka sebagai seseorang yang perlu memastikan JJK2 hampir bertemu. tenggat waktu yang mustahil. Ketika mereka mengatakan bahwa mereka dapat merasakan bahwa produser yang kejam menjadi lebih berani dengan keberhasilan proyek yang tidak direncanakan dengan baik seperti JJK0, itu karena mereka sendiri yang merasakan dampaknya.
Ini adalah keseluruhan dimensi dari perbincangan seputar hal ini. produksi dan tenaga kerja yang berantakan yang cenderung diabaikan orang, jadi pengingat yang keras itu sangat berharga. Anda mungkin berpikir bahwa kesadaran penonton akan nuansa ini dan keadaan produksi secara umum tidaklah terlalu penting, namun pihak studio sendiri tidak akan setuju. Bukan rahasia lagi bahwa bagian penting dari resep kesuksesan mereka adalah memasarkan diri mereka sendiri sebagai pemenang, itulah sebabnya mereka baru-baru ini melakukan hal-hal seperti menggantungkan ancaman litigasi kepada para pembuat konten agar produksi di ICU tetap berjalan, hanya karena mereka tidak berhasil. tidak cukup diam mengenai perjuangan mereka; sesuatu yang mereka lakukan tidak hanya kepada orang yang membuat komentar awal tersebut tetapi juga kepada rekan-rekan lainnya, yang mengarah pada tindakan jari tengah yang fasih seperti “jika Anda tidak ingin para pekerja berbicara buruk, mengapa Anda tidak menciptakan lingkungan yang tidak akan membuat mereka melakukannya”, atau langsung menasihati staf muda untuk menggunakan judul populer mereka demi membuat nama mereka terkenal dan kemudian meninggalkannya selamanya.
Ingat, tidak ada pengalaman seseorang yang dapat mewakili proses yang terjadi seperti untuk semua orang; Anda bisa menjadi tamu yang beruntung dalam proyek yang gagal, terjerumus dalam produksi yang sebagian besar berhasil tanpa rasa sakit, atau sekadar menderita karena perjuangan unik di posisi tertentu. Sayangnya, sentimen di balik semua keluhan tersebut selalu melekat pada setiap komentar yang saya dengar dari orang-orang yang bekerja di JJK2. Bukan hanya para pencipta vokal, bukan hanya mereka yang merahasiakannya, dan bukan hanya orang-orang di tim yang saya ajak bicara setiap hari selama berbulan-bulan—hampir semua orang, terutama jika mereka berada di posisi staf inti, di mana mereka harus memastikan semua materi disampaikan dan disempurnakan hingga mencapai standar teknis minimum.
Fakta bahwa banyak orang, termasuk seniman dan kutu buku animasi yang sering kali lebih kritis, mendapati diri mereka menghargai banyak hal aspek pekerjaan yang dihasilkan berbicara tentang keterampilan dan upaya tim di belakangnya. Namun jangan salah paham: perencanaan JJK2 terbukti sangat kejam, dan meskipun visi stafnya cemerlang, pelaksanaannya pada dasarnya telah dikompromikan; apa yang dimulai dengan kekurangan yang bisa mereka atasi dengan anggun kemudian menjadi sisi kasar yang tidak bisa mereka sembunyikan begitu saja, dan saat ini, bahkan placeholder untuk potongan yang hilang atau belum selesai seluruhnya merupakan masalah yang berulang.
Mustahil untuk melakukannya hindari perasaan campur aduk ketika melihat tim yang penuh dengan seniman yang meminta maaf yang tahu bahwa mereka telah meninggalkan beberapa ide mereka yang lebih ambisius dan menarik, atau telah melihat mereka merasa gugup hingga tidak bisa dikenali lagi di tengah terburu-buru memenuhi tenggat waktu, padahal hal itu masih menghasilkan a pekerjaan yang dihasilkan jauh lebih baik daripada yang dapat Anda harapkan dari jadwalnya. Ada rasa pahit yang tersisa ketika Anda melihat beberapa di antara mereka menyalahkan ambisi mereka sendiri atas situasi ini, ketika mereka berada di posisi ini karena ambisi mereka membuat mereka menonjol dan mendapatkan posisi dalam produksi terkenal seperti ini. Sementara itu, siapa pun yang benar-benar bertanggung jawab atas kekacauan ini akan membiarkan proyek ini tanpa dampak buruk, atau bahkan langsung diperkuat. MAPPA akan tetap menjadi studio anime aksi terkenal saat ini, dan semua orang di panitia akan memuji diri mereka sendiri untuk pekerjaan lain yang diselesaikan dengan baik. Itulah yang ingin diperingatkan oleh komentar awal kepada orang-orang, dan mengapa perusahaan-perusahaan ini ingin mengontrol wacana seputar judul mereka.
Namun, dengan tidak adanya peringatan wajib tersebut untuk saat ini, izinkan saya membuat satu hal jelas: arc pertama JJK2 sungguh luar biasa, terlepas dari keadaan seperti itu. Kini, masalah produksi tersebut tidak muncul begitu saja di kemudian hari. Anda mungkin menganggap sisi kasar dalam animasi sebagai kebisingan frekuensi tinggi yang selalu ada; Setiap orang mempunyai ambang batas yang berbeda untuk memahami, merasa sedikit kesal, dan merasa memekakkan telinga. Berbeda dengan pendengaran Anda, ini adalah sesuatu yang dapat Anda latih agar lebih tanggap… meskipun seperti yang dikatakan oleh beberapa orang di dunia bisnis dan pengamat, ini adalah profesi deformasi yang tidak Anda inginkan, karena akan sulit untuk mematikannya. bagian otak.
Dalam kasus lima episode pertama di bawah arc Inventaris Tersembunyi/Kematian Dini , penyampaiannya sangat mengasyikkan sehingga saya tidak dapat meluangkan waktu sedetik pun untuk menontonnya. pikirkan tentang suara mendengung dari setiap sudut jalan atau detail yang tidak dipoles. Eksekusinya yang luar biasa mewujudkan pertumbuhan seorang seniman yang kami liput di situs ini karena ia telah berubah dari seorang pemula yang menjanjikan menjadi inovator teknis, kemudian menjadi sutradara pemula yang membangun segala sesuatu yang membuatnya menonjol sebelumnya. Saat ini, Shota “Gosso” Goshozono adalah pendongeng lengkap yang tidak dapat Anda anggap remeh di anime TV, dan sutradara serialSutradara Seri: (監督, kantoku): Orang yang bertanggung jawab atas seluruh produksi, baik sebagai pengambil keputusan kreatif maupun penyelia akhir. Mereka mengungguli staf lainnya dan pada akhirnya mengambil keputusan. Namun serial dengan tingkat sutradara berbeda memang ada – Direktur Utama, Asisten Direktur, Direktur Episode Seri, segala macam peran non-standar. Hierarki dalam kasus tersebut adalah skenario kasus per kasus. mampu meningkatkan keseluruhan produksi meskipun ini adalah proyek pertama yang dipimpinnya.
Ada godaan yang jelas untuk menilai JJK2 berbeda dengan pendahulunya, karena ada upaya untuk menciptakan kembali seri yang Anda inginkan. jarang sekali saya melihat properti yang aktif dan sangat sukses seperti ini. Dan saya akan berusaha menghindari melakukan hal itu sebisa mungkin. Bukan hanya karena rasa hormat—bukan hanya tim sekuelnya yang harus menghadapi perencanaan yang meragukan—atau karena menurut saya JJK2 penuh dengan karya yang patut diperhatikan, tetapi juga karena menurut saya JJK2 dibangun dengan cara yang sama. cara yang mendapatkan manfaat besar dari apresiasi holistik.
Kita dapat melihat aspek-aspek individual yang telah berubah secara besar, sering kali dikaitkan dengan penggantian posisi terdepan di departemen tertentu; beberapa merupakan penyesuaian yang melibatkan orang-orang yang sudah menjadi bagian dari tim, seperti penunjukan Eiko Matsushima sebagai perancang warna sebenarnya. Perancang Warna (色彩設定/色彩設計, Shikisai Settei/Shikisai Sekkei): Orang yang menetapkan palet keseluruhan acara. Setiap episode memiliki koordinator warnanya sendiri (色指定, Iroshitei) yang bertugas mengawasi dan menyediakan lembar model yang dibutuhkan pelukis untuk tamasya tertentu, yang bahkan mungkin mereka buat sendiri jika warnanya belum ditentukan oleh perancang warna. , sementara yang lain adalah pendatang baru yang dapat dengan mudah ditelusuri kembali ke sutradaranya, seperti direktur suara baru Yasunori Ebina—posisi yang dia tempati di Ousama Ranking, di mana Gosso benar-benar menemukan jati dirinya pijakan sebagai sutradara.
Bahkan dengan mempertimbangkan perubahan individu, menurut saya paling signifikan dan estetis, seperti stilisasi yang lebih berat dalam revisi desain karakter Sayaka Koiso, melihatnya dalam isolasi gagal untuk menggambarkan kehebatan pilihan di baliknya. Saya dapat mengatakan bahwa menurut saya penampilan mereka lebih menarik, atau melalui fokus mereka pada siluet yang mudah diurai dan kebangkitan atas penggambaran eksplisit yang terus-menerus, mereka telah membuat produksi yang merepotkan ini menjadi lebih mudah dikelola. Namun, hanya ketika Anda mengalami pertunjukannya, Anda dapat menghargai betapa baik mereka berinteraksi dengan setiap bagian lain dalam teka-teki ini.
Dengan mengikuti contoh desain ini, Anda menyadari bahwa mereka bukan hanya bersinergi dengan aspek visual lain seperti pencahayaan yang lebih murung, namun juga memainkan peran nyata dalam upaya bercerita; misalnya, dengan memberikan jalan tengah yang sempurna bagi para animator untuk beralih antara horor dan komedi sesuai dengan cerita yang dirasa cocok, sementara tingkat stilisasi yang kurang disesuaikan akan gagal membuat hal tersebut terasa seperti poros organik. Meskipun saya ingin meminimalkan perbandingan, saya akan mengakui satu hal yang menyimpulkan mengapa saya merasa sangat positif terhadap pendekatan tim ini: meskipun saya tidak merasa hal ini benar-benar terjadi sebelumnya, semua aspek JJK2 menyatu tidak hanya menjadi satu dunia, tetapi satu pandangan dunia. Ini benar-benar Jujutsu Kaisen Gosso sekarang.
Jika kita melompat ke episode pertama musim 2, mudah untuk menggambarkan apa arti semua ini dalam praktiknya. Langsung saja, pencahayaan yang lebih suram dan pemrosesan yang lebih sederhana tentang cara berinteraksi dengan tubuh membawa perhatian pada perubahan bayangan Geto saat dia berjalan—tetapi detail seperti jitter organik dalam animasi latar belakang 2D masih membuatnya berakar pada perasaan Kerajinan. Saat dia menggambarkan rutinitas yang telah melelahkannya, kesibukan kesepian yang membuatnya gila, kita melihat wajahnya dari dekat. Ini membangkitkan ide-ide realistis, namun dicapai melalui penambahan yang terarah dan terkendali, sehingga tidak terasa seperti menyimpang terlalu banyak dari semangat lembar desain. Suara mendengung yang kian meningkat seiring dengan kegelisahannya yang kian meningkat, nada monokrom yang mencerminkan sifat berulang dari tindakannya—hanya menyala dalam kilatan biru terang dan berwarna-warni saat dia menggunakan kekuatan sihirnya—dan pemahaman Gosso terhadap lingkungan tiga dimensi yang digunakan untuk membingkai dunia sebagai sesuatu yang menindas. seperti yang dirasakan Geto. Banyak dari pilihan-pilihan ini yang langsung efektif dan jelas dalam percakapan satu sama lain, dan pilihan-pilihan tersebut menjadi lebih jelas ketika menjadi landasan bagi bahasa JJK2. Itulah yang Gosso berikan dalam pertunjukannya.
Hal yang sangat penting untuk digarisbawahi adalah fakta bahwa JJK2 memiliki identitas yang lebih jelas tidak berarti gayanya monoton. Faktanya, justru sebaliknya. Dengan memiliki kesadaran diri yang jelas, dan membawa elemen desain ke titik pivot yang lebih alami, ia mampu terus-menerus mengubah register dengan cara yang lebih tajam dan berdampak, sambil tetap terasa seperti hanya berjarak satu kaki dari keadaan aslinya.
Episode pertama menampilkan konsep film horor saat kilas balik beralih dari godaan kejatuhan Geto kembali ke misi Utahime yang lebih muda di rumah yang jelas-jelas berhantu. Kami memiliki penggambaran kiasan genre yang luar biasa seperti rekaman rekaman yang sangat autentik, dan keputusan pembingkaian seperti pengambilan gambar dari atas kepala secara konstan yang menyiratkan bahwa mereka sedang diawasi . Kesadarannya yang lebih baik terhadap perangkat animasi tertentu memungkinkannya membangkitkan perasaan serupa melalui kehalusan yang tidak wajar dari perjalanan Utahime ke dalam rumah besar tersebut, atau dengan sekali lagi mengatur tingkat realisme dalam karya seni berkat spesialis seperti Hokuto Sakiyama. Sebuah poros yang lebih keras, meskipun terasa seperti masih bermain dalam batas-batas yang telah ditetapkan, membawa kita dari rendering 3D yang lebih realistis dari lingkungan tempat mereka terjebak ke cel bonanza rasa Paprika saat mereka melarikan diri, dengan hadirnya protagonis sebenarnya: Gojo muda yang bahkan lebih kurang sopan, Shouko yang sangat santai, dan Geto, yang kekacauan akhirnya sudah kita kenal.
Kedua anak laki-laki dalam kelompok, sudah cukup kuat pada saat itu , dengan cepat dipercaya untuk melindungi seorang gadis remaja… dan akhirnya membimbingnya sampai kematiannya, karena dia dimaksudkan untuk menjadi korban untuk mempertahankan tatanan dunia saat ini. Melalui pengarahan dan percakapan yang dilakukan secara simbolis—walaupun dilakukan dengan sangat alami—kita semakin mengetahui pendirian mereka mengenai isu-isu ini. Mungkin mengejutkan, Geto-lah yang memiliki tulang punggung moral yang lebih kokoh; sesuatu yang, seperti yang akan kita lihat di alur ini, sebenarnya membuatnya lebih rentan untuk menghancurkan pandangan dunia tersebut.
Penyampaian yang disengaja seperti ini menunjukkan bahwa tim yang dipimpin Gosso tidak hanya membuat pilihan yang tajam di storyboardStoryboard (絵コンテ, ekonte): Cetak biru animasi. Serangkaian gambar yang biasanya sederhana yang berfungsi sebagai naskah visual anime, digambar pada lembaran khusus dengan kolom untuk nomor potongan animasi, catatan untuk staf dan garis dialog, arahan, dan fase animasi yang cocok, tetapi pada pertunjukannya yang terbaik adalah gambar-gambar tersebut. Saya sudah mengubah rute skrip untuk memaksimalkan potensi momen tersebut. Ambil contoh kualitas momen-ke-momen lainnya seperti arah suara, yang telah ditetapkan dalam adegan pertama sebagai sesuatu yang digunakan musim ini dengan cara yang lebih cerdas. Ketika mereka memulai misi mereka untuk melindungi Riko Amanai yang akan segera dikorbankan, pilihan-pilihan lucu sehubungan dengan audio terus digunakan untuk menggarisbawahi perbedaan antara misi yang seharusnya mematikan dan situasi konyol yang terus-menerus mereka hadapi—tetapi sekali lagi, contoh terbaiknya adalah yang menunjukkan bahwa kerajinan tersebut juga disengaja pada tingkat yang lebih tinggi.
Episode ini, kali ini dibuat dan disutradarai oleh Yosuke Takada, mencatat bahwa Riko harus ikut serta kelas musik sementara pembunuh mengincarnya. Setelah Geto mencegat salah satu pengejar itu dan pertempuran bombastis pun terjadi, putaran terakhirnya membuat si pembunuh bertemu dengan anjing masa kecilnya. Apakah musik paduan suara sesuai dengan lucunya bahwa dia hanya melihat hidupnya melintas di depan matanya? Ya, tapi itu juga karena episode tersebut tetap memperhatikan konteks yang lebih luas yang diperhatikannya, sehingga musiknya terus melampaui beatdownnya hingga akhirnya menjadi suara diegetik. Riko memang berada di kapel, di mana kita disuguhi poros lucu lainnya dalam animasi untuk serangkaian lelucon lucu yang sepertinya tidak pernah berakhir. Jelas sekali bahwa keseluruhan alur cerita ini dieksekusi secara flamboyan, namun yang sama pentingnya adalah bagaimana setiap pilihan sebelumnya tampak dipikirkan dengan matang—meskipun pilihan tersebut hanya mengarah ke adegan komedi.
Aspek lain dari ini produksi yang langsung terlihat jelas adalah seberapa besar tanggung jawab yang diberikan kepada staf pendatang baru yang melakukan debut mereka; tidak mengherankan, mengingat Gosso sendiri juga memimpin sebuah proyek untuk pertama kalinya. Hal ini paling baik diwujudkan dengan banyaknya orang yang mengarahkan dan membuat storyboard sebuah episode untuk pertama kalinya, yang merupakan prospek menarik sekaligus pedang bermata dua. Meskipun serial ini tetap dalam kondisi terbaiknya di arc pertama, kami merasakan potensi tersebut. Takada yang disebutkan di atas menulis papan cerita pertamanya di episode kedua, namun contoh awal terbaik datang dari debut Naoki Miyajima di posisi tersebut dan sebagai sutradara episode di episode ketiga.
Saat Gojo mencoba memastikan Riko menikmati hari-hari terakhirnya, episode ini terasa sangat menarik untuk mengabadikan momen; cara ini menekankan peran naskah warna, salah satu alat yang diperkenalkan pada musim ini untuk meningkatkan kohesi tersebut, meskipun setiap sutradara berinteraksi secara berbeda. Mengingat karya Miyajima, tidak terlalu mengejutkan bahwa ketika segala sesuatunya mulai mengarah ke selatan, kita disuguhi beberapa aksi keren, terutama yang datang dari tangan jagoan seperti Kosuke Kato dan Keiichiro Watanabe . Namun, kemahiran dalam aspek penceritaan yang lebih halus itulah yang membuat episode seperti ini menjadi kejutan yang menyenangkan. Meskipun mengetahui bahwa Miyajima telah terbukti memiliki sentuhan untuk menghidupkan akting yang efisien, Anda tidak boleh berasumsi bahwa hal ini akan diterjemahkan ke dalam kemampuan untuk memperkuat cerita yang Anda ceritakan dari posisi yang lebih tinggi. Sama seperti yang dilakukan Gosso pada level sutradara serial, debut seperti ini mencerminkan sisi positif dari kepercayaan pada pencipta muda. Bukankah akan lebih baik jika selalu seperti ini?
Meskipun tentu saja, bukan hanya anak-anak muda yang memimpin—terkadang, sutradara serialSutradara Seri: (監督, kantoku): Orang yang bertanggung jawab atas seluruh produksi, baik sebagai pengambil keputusan kreatif maupun penyelia akhir. Mereka mengungguli staf lainnya dan pada akhirnya mengambil keputusan. Namun serial dengan tingkat sutradara berbeda memang ada – Direktur Utama, Asisten Direktur, Direktur Episode Seri, segala macam peran non-standar. Hierarki dalam kasus tersebut adalah skenario kasus per kasus. kebetulan baru-baru ini berteman dengan seorang superstar aksi kelas dunia di pekerjaan mereka sebelumnya, oleh karena itu mengapa episode keempat ada di tangan salah satu Arifumi Imai. Meskipun ia tidak memiliki pengalaman penyutradaraan yang luas di atas kertas meskipun berstatus demikian, peran Imai di Attack on Titan telah menempatkannya pada posisi untuk membuat pilihan cerita melalui animasi. Seperti yang telah kami diskusikan berkali-kali dalam liputan serial ini, cara Imai mendefinisikan sepenuhnya gaya aksi yang kini dikenal di seluruh dunia, dan bagaimana ia membuat storyboardStoryboard (絵コンテ, ekonte): Cetak biru animasi. Serangkaian gambar yang biasanya sederhana yang berfungsi sebagai naskah visual anime, digambar pada lembaran khusus dengan kolom untuk nomor potongan animasi, catatan untuk staf, dan baris dialog yang cocok. momen klimaksnya sendiri sejak awal siklus promosi, telah memberinya tanggung jawab yang jauh melebihi apa yang diasumsikan dilakukan oleh seorang animator. Resumenya mungkin tidak mengatakan bahwa dia adalah sutradara, tapi memang dia yang mengarahkan.
Pengalaman itu penting bukan hanya untuk memahami mengapa dia bisa meluncur ke alur yang diarahkan dengan baik, tetapi juga karena dia membawa begitu banyak gaya. bagasi dari serial itu bahwa episode yang benar-benar tragis memiliki tingkat humor yang aneh bagi saya. Aku sama kesalnya dengan orang lain ketika melihat keputusan Riko untuk terus hidup ditanggapi dengan tindakan yang tidak tepat waktu. Saat Geto membalas dengan bentak, peningkatan skala setpiece aksi tentu juga terasa sesuai dengan gaya Imai. Namun hal itu tidak terjadi hingga citra secara harfiah di luar Tetsuro Araki buku yang saya sadari bahwa saya benar-benar menonton sebuah episode Titans. Meskipun dalam beberapa aspek hal ini tidak sehalus bagian lainnya, hal ini sama berdampaknya dengan aspek lainnya, dan benar-benar menggunakan ciri-ciri mirip Araki tersebut untuk memperkenalkan pengetahuan dengan konsep paling tinggi sejauh ini; Dipicu oleh amarah dan pengalaman mendekati kematiannya, Gojo akhirnya menguasai kekuatannya, benar-benar menjadi yang terkuat sekarang.
Papan cerita Gosso sendirilah yang kemudian membawa kita ke akhir dari arc ini, membungkus setiap cerita yang ada. gagasan yang diperkenalkan oleh cerita dan pilihan sutradaranya. Satu tahun kemudian, kita melihat kematian Riko berdampak besar pada Gojo dan Geto. Yang pertama telah dilatih secara obsesif, dan dalam prosesnya melampaui kemanusiaan—sebuah posisi yang pada dasarnya mengasingkan, seperti yang selalu pisahkan pisahkan ingatkan kita. Dualitas dengan rekannya yang diperkuat oleh storyboard sejak adegan pertama musim ini lalu secara harfiah membalik untuk membedakan pertumbuhannya dengan spiral ke bawah Geto. Isyarat suara yang familier menandakan kondisi mentalnya yang memburuk, meskipun itu adalah arahan animasinya. Arahan Animasi (作画監督, sakuga kantoku): Para seniman yang mengawasi kualitas dan konsistensi animasi itu sendiri. Mereka mungkin mengoreksi potongan yang terlalu menyimpang dari desain jika mereka merasa cocok, namun tugas utama mereka adalah memastikan gerakannya normal dan tidak terlihat terlalu kasar. Ada banyak peran Pengarah Animasi khusus – mecha, efek, makhluk, semuanya terfokus pada satu elemen berulang tertentu. yang mampu merangkum alasan hal itu terjadi.
Setelah melihat sebuah organisasi manusia biasa yang dengan kejam dan seenaknya merenggut nyawa Riko, dan dipukuli oleh pekerjaan yang membuat rekan-rekannya bisa mati kapan saja, Geto mulai terobsesi dengan anggapan kekotorannya terhadap massa yang seharusnya dia lindungi. Sama seperti episode pertama yang berputar di antara derajat stilisasi dalam gambar untuk membangkitkan suasana hati tertentu, visi subjektif Geto direpresentasikan melalui hiperrealistik karakter gambar; terutama yang diawasi oleh Takuya Niinuma di paruh pertama episode, meskipun ide serupa diikuti dengan baik di yang kedua oleh Souta Yamazaki. Penggambaran pada level ini patut diapresiasi, namun ini adalah jenis pertunjukan yang ingin Anda memikirkan tentang pilihan spesifik yang menghasilkan rangkaian menarik seperti ini.
A percakapan yang dibingkai dengan indah dengan penyihir aneh terkenal Yuki Tsukumo menjelaskan bahwa Geto masih belum terlalu membenci masyarakat biasa, melainkan bahwa ini hanyalah salah satu dari kemungkinan jalan di depannya, seperti halnya tetap berpegang pada prinsip moral aslinya. Sayangnya, mengungkit hal ini juga membuat Geto semakin sadar akan kemungkinan untuk menyerang, sehingga membuatnya semakin dekat dengan titik puncaknya.
Semakin banyak rekannya yang mati, dan untuk apa? Di matanya, demi orang-orang kejam yang menyerang orang-orang dengan kekuatan khusus hanya karena mereka berbeda. tidak manusiawi pembingkaian saat dia menyaksikan tindakan kekejamannya yang terakhir, memberi tahu kita di mana pandangannya sekarang. Ingat bagaimana cuplikan pertama musim ini tentang peralihan bayangannya? Dua kemungkinan di depannya yang disebutkan Yuki kini diwakili dengan dua candle, dan dua bayangan—yang satu jauh lebih kuat dari yang lain sekarang. Saat dia mengambil keputusan, hanya satu yang tersisa; perasaannya yang sebenarnya bergerak maju, seperti yang dia gambarkan. Gambaran yang elegan namun mengerikan menggambarkan pembantaian seluruh kota. Semuanya diwarnai dengan warna biru, warna yang sama yang menghidupkan adegan pertama pertunjukan. Segala sesuatu tentang busur ini sudah terangkum dalam satu setengah menit pertama.
Setelah potongan domino pertama jatuh, semuanya sudah mulai bergerak. Gojo juga merasakan kebutuhan untuk mengubah dunia yang telah menyebabkan situasi ini, namun pendekatannya yang lebih penuh kasih akan berupaya untuk merobek struktur kekuasaan dari dalam, sementara Geto… sedikit lebih bersifat genosida, katakanlah. Namun, masih ada kehangatan dalam motivasinya, karena cerita ini telah memperjelas bahwa dia bukan hanya seorang pembunuh massal yang ceria. Geto awalnya adalah orang dengan keyakinan yang kuat, namun kekejaman biasa dan sistem yang salah yang mengisolasi seseorang yang sangat membutuhkan teman menghancurkannya. Skenario yang menarik, ditingkatkan dengan eksekusi yang sangat terfokus. Saya merasa akan mengingat ini sebagai salah satu arc paling bagus dalam anime shounen.
Dan terjadilah, Insiden Shibuya; dalam beberapa hal, insiden Insiden Shibuya. Sebagai penggemar karya Yoshihiro Togashi, saya cenderung menikmati alur cerita di mana Gege Akutami bersandar pada penceritaan ala Hunter, membawa kita selangkah demi selangkah ke dalam cerita rencana penjahat untuk menyegel Gojo melalui narasi yang sangat multithread. Dan ingatlah, saya menikmatinya, tetapi jelas bahwa hal itu tidak sepenuhnya disadari seperti HI/Kematian Dini. Di sinilah saya merasa bahwa tidak dapat dihindari untuk kembali ke tema pembuka artikel ini: perencanaan yang membawa bencana menghalangi ambisi tim.
Beberapa di antara mereka menyalahkan perjuangan mereka pada aspirasi-aspirasi tinggi itu dan juga diri mereka sendiri, tapi seperti saya katakan sebelumnya, itu adalah sudut pandang yang salah dalam menilai situasi. Pemilihan direktur MAPPA untuk proyek-proyek seperti ini tidak dilatarbelakangi oleh pengetahuan bahwa mereka akan melakukan pekerjaan dengan baik dalam peran tersebut, karena mereka terus memilih orang-orang yang belum pernah menanganinya. Sebaliknya, sifat jelas yang mereka miliki adalah menjadi animator yang menarik perhatian yang akan memiliki tipe gravitasi yang menarik seniman lain yang mencolok dan ambisius jika mereka memimpin sebuah proyek. Seperti yang telah dibuktikan oleh Gosso, bukan berarti mereka tidak bisa memilih pendongeng yang hebat apa pun motivasinya, namun perlu diingat dari mana semua ini berasal.
Ketika orang-orang dalam tim seperti ini menghadapi tantangan tenggat waktu yang tak kenal ampun, sulit untuk menyalahkan mereka karena bermimpi tinggi; sebagai permulaan, karena tembok tersebut terlalu sempit, namun juga karena jaringan seniman ambisius ini ditargetkan karena kualitas-kualitas ini. Gosso bisa saja mengambil jalan pintas dalam HI/Kematian Dini, mungkin mengorbankan sedikit ketelitian yang menjadi ciri setiap aspeknya demi lebih banyak ruang bernapas untuk episode selanjutnya. Namun melakukan hal tersebut tidak akan mengubah jadwal menjadi nyaman—dan mungkin yang lebih relevan, jika dia adalah tipe pembuat konten yang cenderung menghemat biaya, kemungkinan besar dia tidak akan mendapatkan kesempatan untuk mengarahkan acara ini di tempat pertama. Menyalahkan dia, serta sutradara episode lainnya dalam Insiden Shibuya, mengabaikan sumber perselisihan yang sebenarnya.
Itu juga berarti bahwa Insiden Shibuya sama ambisiusnya dengan arc pertama. Dalam beberapa hal, mungkin lebih dari itu, yang tidak terlalu berdampak pada kondisi produksi yang cepat memburuk. Menurut saya, hal ini mirip dengan mempertahankan langit-langit yang sama—yang sangat tinggi sehingga terkadang Anda bertanya-tanya apakah langit-langit itu ada—tetapi lantainya benar-benar runtuh. Terdapat tingkat dasar kualitas teknis yang sangat tinggi di seluruh HI/Kematian Dini yang tidak dapat dilindungi oleh Insiden Shibuya sejak awal. Hal ini terwujud melalui menurunnya kualitas di antara keduanya, erosi pada kohesi yang membuat bagian awal terasa begitu istimewa, tingkat pengerjaan gambar yang semakin tidak merata, dan pada akhirnya Anda bahkan tidak dapat memastikan apakah beberapa gambar sudah Anda lihat. di layar bahkan mendekati ide aslinya; setelah melihat materi untuk beberapa tembakan kapak tersebut, tidak, ternyata tidak.
Namun, jika Anda mengharapkan saya untuk melakukan pukulan pada contoh tertentu, saya dengan senang hati akan mengecewakan; menjelaskan secara panjang lebar bagaimana pencipta menjadi korban dari keadaan di luar kendali mereka dan kemudian menunjukkan konsekuensinya tidaklah masuk akal. Sifat alur cerita yang jauh lebih lugas dan penuh aksi memberikan lebih sedikit ruang untuk nuansa seperti yang kita lihat di bagian pertama, namun prinsip panduan di baliknya tidak terlalu berbeda. Ryouta Aikei membukanya dengan sebuah episode yang sangat mirip dengan buku Gosso, seperti yang Anda harapkan dari asisten sutradara serialSutradara Seri: (監督, kantoku): Orang yang bertanggung jawab atas keseluruhan produksi, keduanya sebagai pengambil keputusan yang kreatif dan penyelia akhir. Mereka mengungguli staf lainnya dan pada akhirnya mengambil keputusan. Namun serial dengan tingkat sutradara berbeda memang ada – Direktur Utama, Asisten Direktur, Direktur Episode Seri, segala macam peran non-standar. Hierarki dalam kasus tersebut adalah skenario kasus per kasus. yang sudah membantunya di episode pertama. Ia menemukan alur aslinya dengan penekanan pada warna dan menggugah komposisi sebagai teman sekelas yang hancur karena kejujuran Yuji bertemu dengannya lagi, dipaksa melakukan introspeksi diri. Namun, sorotan yang benar-benar memulai alur cerita ini adalah rangkaian yang diedit dengan cerdas yang mengungkapkan tahi lalat penjahat di antara para siswa; pencahayaan gratis yang menjadi bagian dari sulap adalah trik yang bagus, meskipun saya hampir berharap mereka menukar warna sehingga Yuji membuka ruangan kosong berwarna merah sementara lokasi Mechamaru yang sebenarnya bermandikan warna hijau. Saya kira komedi tidak selalu bisa menang.
Untuk sudut-sudut sulitnya, episode berikut ini menonjol karena keputusan untuk mencocokkan tema mecha—saat Mechamaru melawan penjahat yang membuat kesepakatan berbahaya dengannya—ke banyaknya animasi gaya Kanada, pendekatan umum yang umum terhadap genre ini; untuk ini, kami sangat berterima kasih kepada sutradara dan pembuat storyboard co-episode Yooto yang baru debut, yang telah menganimasikan banyak potongan dengan cara serupa untuk episode lainnya. Sayangnya, ini belum saatnya kepahlawanan terbayar, jadi para penjahat melanjutkan rencana mereka untuk menyegel kekuatan mengerikan Gojo. Rencana mereka adalah mengeksploitasi kehadiran besar-besaran warga sipil di Shibuya untuk merayakan Halloween, yang berarti inilah waktunya untuk bagian favorit saya dari episode ini: suasana film horor asli di tengah kerumunan naturalistik Takafumi Mitani, yang go from their partying to panicking when they start realizing that something is clearly wrong.
Things get rougher for the protagonists moving forward, and even more so for the team behind the show. Rather than the likely most controversial episode in Hiroyuki Kitakubo’s #08, the one I believe best exemplifies this is the following one, as it marks the return of Gosso to storyboarding duties. He’s still an ingenious storyboarder, pulling tricks like reframing a flashback to the villains planning the operation as a casual mahjong match for comedic purposes. Minutes later, as the plan to exhaust Gojo comes to fruition, Geto reveals his actual winning hand; not the yakuman I’d have chosen to represent gates when chuuren poutou is right there, but neat delivery regardless. As you’d expect from his storyboards, fights operate on a three-dimensional, mind-bending space, with that latter sequence by Daniel Kim also being a treat when it comes to expressivity—both in the palpable desperation of Mr. Volcanohead, and the terrifying nature of an unbound Gojo.
With such proximity to a much fuller realization of Gosso’s ambitions in the previous arc, though, episodes like this are also a reminder that the execution can no longer live up to the vision of the creators; not just in sheer ambition, but in the case of someone like Gosso, in the ability to connect every dot like HI/Premature Death did. Takada’s return for episode #10 follows a similar note, as a director we’ve seen leading thoroughly excellent work, but that at this point leaves behind mostly isolated moments of greatness instead.
In a way, it helps that at this point in the arc we’ve descended into nearly pure action. Sure, that means that basically every episode is demanding production-wise, but bruteforcing spectacular fighting with little time happens to be a special skill of many people in this team. Even as the more subdued qualities drown in a sea of increasing technical issues, episodes like #11 still have quite a lot of entertaining action, as they’re built around specialists like Hayato Kurosaki; even with rougher edges, and storyboards that don’t always fully connect, the spectacle is clearly still there for everyone to enjoy. It’s frankly no surprise that to the eyes of many, JJK2 still balances out into a largely successful effort. Awareness of the issues behind the curtain and how those manifest insidiously on-screen shouldn’t make people forget that the result is still pretty damn flashy.
This trend towards an environment where only bruteforced bombast has a chance to thrive, though, actually makes me want to highlight the flashes of subtle greatness that are somehow surviving this collapse. Episode #12 is the debut of the notoriously outspoken and wise Shunsuke Okubo, who acted as first-time storyboarder and episode director, as well as top animation director and key animator. I have the feeling that it will be mostly remembered for Yamazaki’s corrections of Nanami rightfully turning him into the hottest man on planet Earth. What fewer people will remember, and likely fewer noticed in the first place, is how Okubo’s philosophy seeps into the whole episode to make certain appearances—like this climax with Nanami—carry more weight.
Those who follow Okubo’s career know that he inherited the naturalistic, efficient acting of Yuki Hayashi and Soty through his work at Toei. If you follow him more closely on social media, you might also know that he’s a huge fan of the understated fundamentals that the works of Kyoto Animation are built upon, decrying the lack of such a thing in the industry at large. While JJK2 is not in a position to nail those details, as time is tight and all eggs are in the action basket, Okubo’s episode still goes out of its way to emphasize natural, comfortable postures. TV anime is limited in how it places people to the point of being hard to actually parse characters as such, so an episode like this feels like it’s fighting not just trends within this production but for anime at large.
Given how much fighting, assassination, and general chaos has been going on, one of the best showcases of that naturality is… well, people passed out or dead on the floor, always in believable distinct ways. Besides making the characters and world feel more quietly authentic, the benefit of this focused effort also comes through contrast—in a world of natural posture, flamboyant people gain a special type of charisma. Another fan-favorite moment in the episode comes in the form of Meimei’s walk, especially the cut around 35s here; courtesy of a certain uncredited animator you’d expect alongside Okubo. She’s a character who loves performing to an audience, always for a generous fee, and that has never hit as hard than when she’s otherwise surrounded by naturalistic demeanors. Her antics, just like this villain’s, or even Nanami’s moment of coolness, shine brighter because much effort went into an aspect that is invisible to most viewers.
In that sense, the final episode we’ll cover strikes a great balance between tangible, bombastic coolness, and smart craft that one might not notice. JJK2 #13 comes by the hand of Kazuto Arai and Takumi Sunakohara, and can be best described as the spiritual sequel to the second FGO Camelot movie. As we wrote about in our coverage of that film, Arai’s approach to its direction was to disregard production standards in favor of something he described as a more Disney-like approach; which is to say, character-coded animation assignments, with the wrinkle that the people entrusted with one specific character were his close friends, and that rather than simply drawing them, they would effectively have chief director status for their relevant chunks of the movie. One such pal was Sunakohara, and while not without flaw, the resulting work was one for the ages.
How do you follow that up, then? If you read Arai’s lengthy, very interesting summary of how JJK2 #13 came to be, you might think that it’s philosophically quite different from Camelot—after all, we’re going from a movie where individual animators were given freedom on the level of a director, to an episode where adlibs were essentially banned, and the job of an animator often came down to tracing. At the root of both of these, though, there’s a similar idea: the full realization of an artist’s ideas, the same goal Gosso has been chasing all along in his own way. Arai’s first half of the episode, built upon extensive 3D previs and live-action footage he recorded with his friends, and Sunakohara’s second one, relying on his extremely detailed storyboards meant to be layoutsLayouts (レイアウト): The drawings where animation is actually born; they expand the usually simple visual ideas from the storyboard into the actual skeleton of animation, detailing both the work of the key animator and the background artists. already, arrive at it in different ways. Camelot did it by elevating the role of specific animators, while this episode diminishes it somewhat—but it channels their energy towards a goal that everyone should be delighted to contribute to.
What’s that idea, then? It shouldn’t surprise you to hear that this episode draws from Cyberpunk Edgerunners and Kizumonogatari, because Arai already has joked about being ready to be called a ripoff. He pointed at Kai Ikarashi’s episode #06 in the former as the genesis of it all, to the point where he had him help in the planning stages of this episode; Ikarashi was even meant to play a big role in the episode, but in the end couldn’t comply with a schedule that we know isn’t exactly friendly. Just as obvious as Edgerunners’ influence is conveyed through the rim lighting, the brief moments of pause and specifics like the depiction of the rain make Kizumonogatari’s presence equally inescapable. They went as far as mimicking the techniques behind that film, with Sunakohara drawing multi-purpose layers of droplets with incredible adaptability, just like Oishi’s team had done for that movie.
That eclectic mix of influences and non-standard workflows results in an episode that feels unique from the start. For an arc with Shibuya in its title, it’s not until this episode that the action feels physically rooted there; the environments are inseparable from the setpieces, and even its violence is anchored to the real, physical elements that Arai and company filmed themselves around. It’s interesting to see how even its imagery and stylizations are derived from the actual location, starting from the very first shots—coincidentally, also the first of 101 layoutsLayouts (レイアウト): The drawings where animation is actually born; they expand the usually simple visual ideas from the storyboard into the actual skeleton of animation, detailing both the work of the key animator and the background artists. that Arai personally animated. The recurring usage of these signs builds up to Yuji’s fate in this episode, symbolically cut with another diagonal line. Similar things can be said about the direction signs, which are constantly used to represent the turning tides of the battle. Even those external influences are expressed in diegetic ways; the cyberpunk neons only kick in when Choso destroys the regular lights, then proceed to react dynamically to the position and state of decay.
On top of this, it helps that the action storyboarding simply kicks ass, and that the workflow they implemented—for as troublesome as Arai said it was—minimized the room for error in the final stages. A fair number of shots weren’t finished as they were intended to, which you may have noticed through some curious stiffness to certain bodies in an otherwise very kinetic fight, or even a few unreadable closeups that act as patchwork for a complex choreography that was meant to be there. But again, by deliberately keeping the execution so close to what they’d envisioned and personally developed to a large degree, Arai and Sunakohara managed to put together an action spectacle that feels remarkably complete for something that had no business being compressed into these deadlines.
While this is by all means a special episode, that about sums up what Shibuya Incident has been like. A tremendous effort by the staff is making up for a plan that doomed them to failure. After an initial arc that is nearly perfect in execution, the shortcomings here are more noticeable than I’d like them to be, especially in a situation where the team is still delivering occasionally jaw-dropping work. This team deserves nothing but respect, and everyone who put them in this position, right about the opposite.
Though he ultimately framed it as his own responsibility due to his ambition, Arai comically phrased the chronicle of his experiences as “We’re beyond critical, huh? Come at me then, MAPPA!”. And that’s the most positive read you can make out of an otherwise depressing situation: a group of creators rebelling not just against a studio, but every single producer who will wear the success of this show as another badge of honor. As these issues are starting to strongly bleed into the public domain, I hope at least that the person we opened this article with doesn’t end up being right again—the last thing anyone needs is producers drawing the conclusion that planning projects like this is something they can get away with.
Support us on Patreon to help us reach our new goal to sustain the animation archive at Sakugabooru, SakugaSakuga (作画): Technically drawing pictures but more specifically animation. Western fans have long since appropriated the word to refer to instances of particularly good animation, in the same way that a subset of Japanese fans do. Pretty integral to our sites’brand. Video on Youtube, as well as this SakugaSakuga (作画): Technically drawing pictures but more specifically animation. Western fans have long since appropriated the word to refer to instances of particularly good animation, in the same way that a subset of Japanese fans do. Pretty integral to our sites’brand. Blog. Thanks to everyone who’s helped out so far!
