Travaillant en étroite collaboration, l’auteur original de la ville Keiichi Arawi et une équipe d’animation kyoto construite autour de Taiichi Ishidate ont défié les normes de la planification de l’animation télévisée, des tendances stylistiques et des flux de travail réguliers, tous avec un seul objectif: la création d’une animation unique qui réduit la production.
Réitérant régulièrement est que, contrairement à la croyance populaire, le studio ne prend pas beaucoup plus de temps que la norme pour faire des dessins animés. Leur personnel n’a pas le meilleur cadre de référence à cet égard, car la grande majorité n’a jamais travaillé que dans leurs propres projets, mais c’est une comparaison que leurs membres vétérans sont équipés pour faire. Notoirement, le défunt Yasuhiro TakeMoto -actif en tant que réalisateur à l’époque où Kyoani était un studio de soutien exceptionnel pour les autres-a mis en évidence qu’ils passent aussi longtemps que d’autres sociétés pour assembler un épisode. Bien qu’ils aient ralenti leur production après l’incendie criminel tragique, ce qui leur donne un temps plus ample par défaut, cela reste essentiellement fidèle à ce jour.
La capture de cette affirmation a toujours été que la comparaison n’a pas été faite à la réalité de la production, mais plutôt à ce qu’elle est censée être sur papier. Le problème le plus courant avec les horaires d’anime TV est la compression; Les premiers épisodes prendront aussi longtemps que prévu, puis certains, mais avec des délais refusant souvent de bouger suffisamment pour compenser cela, la plupart des épisodes suivants seront sacrifiés d’une manière ou d’une autre. Qu’il s’agisse de simplement dépenser moins de ressources (temps, l’attention du personnel interne le plus précieux) ou le type de sous-traitance de SOURCE: le processus de sous-traitance d’une partie du travail à d’autres studios. L’externalisation partielle est très courante pour les tâches comme l’animation clé, la coloration, les arrière-plans et autres, mais la plupart des anime télévisés ont également des cas d’externalisation complète (グロス) où un épisode est entièrement géré par un autre studio. C’est bon marché et rapide par conception, ces coins sont constamment coupés au nom de la priorisation… et pour pouvoir terminer des projets. Mais dans un environnement où presque tout sera créé en interne par des camarades habiles, ce phénomène est pratiquement inexistant chez Kyoani. Right about every episode will take around 3.5 months to animate, with none of them being thrown under the bus.
The popular framing that the studio’s exceptional quality is rooted in their company policy to always lead Les comités de production se sentent donc quelque peu éteints. Ne vous méprenez pas: c’est un trait positif, car les studios prenant le contrôle du calendrier de production ont tendance à être plutôt utiles, mais ces résultats sont quelque chose qu’ils ont obtenu bien avant d’établir cette règle. Les horaires d’ampler sont également incontestablement positifs, mais les épisodes produits sur des durées beaucoup plus longs que tout ce qui est fait dans ce studio est constamment diffusé avec des résultats manifestement pires. Au lieu de cela, c’est leur engagement inégalé envers le mentorat et cet environnement interne hautement qualifié et profondément interconnecté qui vous aidera à comprendre leur succès.
Pourquoi en parler maintenant? Pour vous dire que ce n’est pas vrai en ce qui concerne ville . Pour faire de cette émission de télévision unique en son genre, même cette équipe très efficace a eu (et a été heureuse) de passer plus de temps à créer quelque chose de spécial.
Pour bien comprendre le calendrier de production d’un titre spécifique, vous avez toujours besoin d’une certaine conscience de ceux qui y ont été adjacents. Dans le cas de la ville, cela signifie que vous devez également comprendre son chevauchement de projets comme Hibike! Euphonium S3 et le récent film Maidragon . Heureusement pour les fans, une bonne quantité d’informations est publique cette fois-ci. Pour commencer, directrice de la série Directeur: (監督, Kantoku): La personne responsable de toute la production, à la fois en tant que décideur créatif et superviseur final. Ils dépassent le reste du personnel et ont finalement le dernier mot. Les séries avec différents niveaux de réalisateurs existent cependant-directeur en chef, directeur adjoint, réalisateur d’épisode de la série, toutes sortes de rôles non standard. La hiérarchie dans ces cas est un scénario de cas par cas. Taichi Ishidate a partagé ses souvenirs du processus de production de la ville en tant qu’amis hebdomadaires sur le site officiel, qui sont également disponibles traduites sur Les comptes de médias sociaux anglais de l’émission . Ironiquement, cela a été l’une des productions à conclure la plus proche de sa date de sortie, ce qui l’a fait vers le printemps, encore des mois d’avance sur la diffusion-c’est celle où l’équipe a été la plus honnête au sujet de la chronologie de la production. Peut-être, en partie, parce qu’Ishidate avait déjà planifié un récit plutôt candide de l’ensemble du processus.
Si il se souvient, City: L’animation est devenue une réalité avec son incontour 2022 . Ce n’était pas la première fois qu’il élevait le nom de la série, car il était un fan de la série depuis qu’il a commencé à publier, mais il ne s’attendait pas à ce qu’il soit green éclairé sur place; Surtout pas donné l’ambition que vous pouvez tenir pour acquis dans ses projets, cette fois axé sur le type de travail qui n’est pas un chouchou commercial. Dans le numéro d’octobre 2025 de NewType, sa conversation avec l’auteur original Keiichi Arawi confirme que l’éditeur de mangas Kodansha lui a donné l’approbation immédiate du projet. Plus intéressant, cela révèle également le côté d’Arawi de l’histoire; Il était en voyage en famille lorsque son éditeur a appelé avec enthousiasme à présenter une collaboration avec Kyoani, le studio qu’Arawi avait toujours espéré travailler à nouveau. Étant donné qu’il pensait qu’il n’aurait pas l’occasion, la perspective soudaine l’a fait vibrer physiquement en prévision. Qui veut dire que la bande dessinée de fête multiple colonne en coulisses; y compris le fait que le caquetage la nuit dans la salle que l’auteur et le réalisateur partageaient les autres, car ils partageaient avec enthousiasme des idées dément pour le spectacle. S’adressant à Animage pour leur numéro de septembre 2025, Ishidate a expliqué comment cela a conduit à un facteur extrêmement inhabituel que nous avons mentionné dans notre article précédent: l’absence d’un écrivain externe. Le réalisateur avait estimé que, lors de la production de nichijou , la présence d’Arawi avait été positivement énergisante pour le studio. Il espérait qu’il serait une fête plus active cette fois-ci, et avec une certaine expérience dans le monde de l’anime, le mangaka a emboîté le pas. Contrairement au modèle traditionnel où tous les choix créatifs sont effectués par l’auteur ou un représentant (comme un éditeur de l’éditeur) pour approbation, il a décrit leur arrangement comme absorbant autant d’idées Arawi directement à partir de la source. Son devoir est donc devenu le rôle de le compléter avec la propre équipe et de reconstruire l’histoire aux côtés de l’auteur. Par conséquent, leur rôle de superviseurs de scénarios partagés dans les crédits.
Sur ce sujet: Le dernier numéro d’Eureka consacre ses 300+ pages à la critique littéraire et aux hommages au travail d’Arawi, mettant en vedette toutes sortes d’essais, de commentaires et d’interviews impliquant des chercheurs et des créateurs intéressés par l’impact artificiel et sociologique de ses commiques drôles. Sans surprise, il comprend une longue conversation entre Ishidate et Arawi qui creuse plus loin dans ce que cet arrangement représenté à un niveau plus idéologique. Du point de vue du réalisateur, le point de vue d’Arawi était précieux, même au-delà du poids inhérent de la figure de l’auteur. Après tout, Ishidate a personnellement passé toute sa carrière à faire des anime, et a donc essentiellement tout le monde au studio. L’expérience est utile, mais cela conduit à des routines et à ces nouvelles idées asphyxées. D’un autre côté, Arawi n’a été impliqué que dans deux émissions de télévision, donc il ne connaît pas vraiment les coutumes du terrain. Surtout avec la position plus proactive qu’il a adoptée, sa présence était libératrice; Non seulement avec les idées inhabituelles sur la façon de créer une animation qu’il présenterait, mais même au niveau de la gestion, favoriser un environnement où tout le monde se sentait plus que tout le monde enhardant à partager leurs propres idées folles.
En ce qui concerne Arawi, tout cela a commencé parce que la lecture des brouillons de script et l’écoute des premiers projets flottant autour de son cerveau ont commencé à surdimenter. Une fois qu’il a commencé, il ne pouvait tout simplement pas s’empêcher de verbaliser tout ce qu’il venait de trouver. Il parle avec une tendresse extrême des jours qui ont commencé en 2022 et ont continué avec des réunions souvent hebdomadaires jusqu’en 2025, allant jusqu’à appeler cette période l’un des 5 moments les plus heureux de sa vie. Pour mémoire, Ishidate a également partagé ses doux souvenirs, bien qu’il ait ajouté en plaisantant que le processus réel de faire une chose a un côté intrinsèquement stressant.
Bien que cela semble doux, le réalisateur a également été ouvert sur d’autres aspects de la pré-production qui n’étaient pas si brèse. Contrairement à la façon dont les idées se sont déroulées dans du papier avec peu ou pas de résistance une fois que l’inondation a commencé, leur donnant une forme plus visuelle était parfois un peu un peu de lutte. Si nous suivons le processus chronologiquement, remontant toujours à 2022, un de ces aspects était l’art de fond. Comme mentionné pour la première fois lors de la présélection présente par le personnel de base, ils ont traversé toutes sortes d’approches avant de s’installer sur le look distinct et distinct de la ville: l’animation. Bien que ce processus ait eu lieu, Ishidate et une grande partie des voix les plus grandes de City ont jonglé avec plusieurs tâches: poursuivre leur rôle dans l’Eupho S3 au cours de cette année, avant que le processus de conception ne soit terminé et que la plupart d’entre eux puissent commencer à passer à une étape de production active.
Bijutsu Kantoku): La personne en charge de l’art de fond de la série. Ils dessinent de nombreux planches artistiques qui, autrefois approuvées par le directeur de la série, servent de référence aux arrière-plans de la série. La coordination au sein du département d’art est un incontournable-le cadre et les concepteurs de couleurs doivent travailler ensemble pour créer un monde cohérent. Shiori Yamasaki . De retour pendant ces pics, l’équipe a déjà souligné ce que nous venons d’expliquer: le paysage de la ville tel que nous le voyons maintenant est le résultat d’un long processus d’essais et d’erreurs. Il y a de nombreuses raisons pour lesquelles cela a été si compliqué, en commençant par le bien connu d’Ishidate. Pour le dire simplement, il voulait choquer positivement l’auteur d’origine, donc les hausses visuelles initiales étaient plus radicales ostensivement; Soit dit en passant, Arawi a également alimenté ce feu, leur rappelant constamment qu’ils pouvaient faire quelque chose de plus impressionnant que lui.
Au fil du temps, cependant, il est devenu clair que la façon de capturer sa magie d’origine serait quelque chose qui semble simple… mais fini par être aussi délicat que ces approches sauvages à la fin. L’équipe s’est enfermée sur l’objectif de représenter un monde transparent, comme on le voit dans la bande dessinée originale. C’était une vision de tout ce qui existait dans un plan cohérent qui vous permet de vous demander ce qui peut arriver ensuite, sans coin en arrière-plan soupçon qu’il sera intervenu avec sa nature différente . Un style qui mélange tout, dans la ville où tout le monde est bizarrement connecté.
Dans l’interview d’animage susmentionnée, Ishidate explique sa vision de cette approche d’une manière qui fait penser à la légende de Ghibli Isao Takahata . Comme ses fans le savent peut-être déjà, il n’a jamais été donné que sa carrière de réalisateur se poursuivrait après ses films du début des années 90 seulement hier et pom Poko . Pour autant de diversité stylistique que possible, il n’y a pas d’échappement du paradigme de l’animation japonaise commerciale: les visuels qui en résultent sont toujours conçus comme l’union de couches distinctes. Il y a des dessins de personnages et des peintures d’arrière-plan, qui sont censées être superposées et-malgré le fait de viser souvent un résultat harmonique-perçu comme des éléments distincts. Il est tout à fait révélateur que l’industrie continue de désigner ces dessins de personnages sous le nom de couches CEL, même si les celluloïdes n’ont pas été largement utilisés depuis des décennies; Le concept est resté fondamentalement le même, malgré l’évolution matérielle. Dans le cas de Takahata, c’était précisément l’avancée de la technologie numérique et la conception de styles holistiques comme ceux que nous voyons dans mes voisins les Yamadas et la histoire de la princesse Kaguya qui a ravivé sa passion, se sentant frais et difficile lorsque les procédures classiques ne sont pas celles-ci. a un large sens de la curiosité concernant l’animation et le film. De son propre aveu, il aime changer le type de chose qu’il fait, d’où le passage sauvage de Violet Evergarden à la ville. Tout comme c’est un coup de fouet Tonal, il était heureux d’avoir une excuse pour évoluer encore plus radicalement en ce qui concerne la présentation. Et, s’ils allaient vraiment faire quelque chose qui avait l’impression que nous observons une bande dessinée en mouvement, il s’engagerait pleinement, tout en le transformant également en une expérience instructive. faisant écho à des sentiments similaires aux autres leaders vétérans du studio , il déplore que la commodité de la technologie a fait pour que de plus en plus des aspects de l’anime n’ait pas à tirer les animateurs. La conséquence indésirable de cela, palpable dans l’industrie animée actuelle, est que les générations ne peuvent vraiment pas représenter autant de choses qu’autrefois.
En réponse, la ville devait donc devenir un spectacle où les animateurs doivent tout tirer; Et à l’inverse, un où les artistes de fond devraient également penser et agir comme des animateurs. Cela impliquait l’établissement d’une série de trucs et de règles (comme la façon dont les arrière-plans de la ville doivent toujours avoir des lignes légèrement plus minces que les personnages pour guider les yeux), que nous pouvons examiner plus tard en discutant eux-mêmes des épisodes. En fin de compte, le style transparent que nous voyons dans l’émission télévisée est la réponse multicouche à toutes les préoccupations du réalisateur. C’est une tentative d’assortir la sensibilité d’Arawi, si enracinée dans les bandes dessinées elles-mêmes. C’est aussi un moyen de se défier, après avoir réalisé la formule inhérente à la façon dont un anime est fait. Et enfin, c’est aussi un anime joyeux dans les temps sombres , un qu’il pourrait armé pour s’assurer que les animateurs plus jeunes ne voit pas que la vision artistique soit réduite. Établir le style d’art de fond en tant que goard de l’ambiance globale de la ville, directeur artistique Directeur (美術監督, Bijutsu Kantoku): la personne en charge de l’art de l’arrière-plan de la série. Ils dessinent de nombreux planches artistiques qui, autrefois approuvées par le directeur de la série, servent de référence aux arrière-plans de la série. La coordination au sein du département d’art est un incontournable-le cadre et les concepteurs de couleurs doivent travailler ensemble pour créer un monde cohérent. Yamasaki a également joué un rôle énorme. Après tout, elle était celle verrouillée dans le laboratoire en 2022, expérimentant toutes ces autres possibilités et enfin formuler ce style magnifique. Elle serait également celle qui pousse à des peintures d’arrière-plan plus intrinsèquement idiosyncratiques, comme elle l’avait déjà fait aux côtés d’Ishidate ; Le réalisateur a confirmé autant lors de ces événements de présélection, plaisantant que le choix final peut l’avoir déçue même si elle a fini par faire partie d’une esthétique révolutionnaire. Dans notre rédaction précédente sur City, nous avons fait référence à la séquence de fin-une émulation de 3DCG d’argile saupoudré de vrais matériaux-comme un moyen d’apaiser le Yamasaki expérimental. Dans cette interview Animage, Ishidate a ajouté que son état d’esprit semblable à un réalisateur et son vaste connaissance avaient piqué son intérêt, d’où le choix inhabituel de configurer la séquence de clôture au directeur du directeur artistique (美術監督, Bijutsu Kantoku): la personne en charge de l’art de fond de la série. Ils dessinent de nombreux planches artistiques qui, autrefois approuvées par le directeur de la série, servent de référence aux arrière-plans de la série. La coordination au sein du département d’art est un incontournable-les concepteurs de réglage et de couleur doivent travailler ensemble pour créer un monde cohérent..
Now that we know what aspect they focused on during the first year of the project and who spearheaded it, we can move on to 2023. The next key staff member to drop out of other responsibilities and focus on CITY entirely was character designer and chief animation directorChief Animation Director (総作画監督, Sou Sakuga Kantoku): Often an overall credit that tends to be in the hands of the character designer, though as of late messy projects with multiple Chief ADs have augmenté en nombre; Moreso que les directeurs d’animation réguliers, leur travail consiste à s’assurer que les personnages semblent être censés le faire. La cohérence est leur objectif, qu’ils appliqueront autant qu’ils le souhaitent (et peuvent). tamami tokuyama . Alors que d’autres aspects ont subi des processus de conception plus gênants, les personnages eux-mêmes étaient plutôt simples. Cela dit, prendre ce succès pour acquis en raison de la similitude entre leur approche et les illustrations originales d’Arawi serait une erreur fatale.
Ses sensibilités comiques sont strictement liées à la logique de dessin animé de ses mondes, qui est tout à fait différent des préceptes réalistes de la plupart des animateurs du studio. Il était du devoir de Tokuyama de trouver un moyen d’épouser les deux, cette fois d’une position beaucoup plus proche de celle d’Arawi que le studio n’avait pris pendant Nichijou. À la surprise même des pairs qui lui avaient fait confiance, elle le retira comme si c’était parfaitement naturel. Ishidate note qu’en tant que débutant dans de tels rôles, elle a fait de son mieux pour suivre ses conseils très tôt… mais que son respect pour le style d’Arawi et la compréhension surnaturelle de ses subtilités sont devenus presque effrayants à assister de côté. Elle s’est rapidement installée dans des proportions beaucoup plus compactes que ce que le défunt futoshi nishiya avait fait pour Nichijou, avec des membres et des doigts plus rectangulaires qui plient la réalité d’une manière qui a l’impression de jeter un coup d’œil directement dans l’esprit de l’auteur. Sa mission finale à l’avance était précisément aux côtés d’Ishidate, comme l’équipe derrière Le cinquième épisode éblouissant d’Eupho S3 . Nous pouvons placer ce prochain point de repère pour la production dans les premiers mois de 2023, toujours avant le début du processus d’animation, mais pas si loin. Cela se produirait une fois qu’Ishidate aurait terminé sa propre affectation finale d’Eupho- L’épisode douloureux # 09 . Et donc, vers l’été 2023, City est devenue le principal travail d’un nombre de plus en plus grand de personnes au studio.
À l’automne, il est juste de dire qu’il était déjà complètement en mouvement. Si vous gardez une trace des artistes de Kyoani, vous avez peut-être repris certains indices qui y allument. Plus précisément, quelques personnes qui ont quitté le studio vers novembre 2023 et avril 2024 (comme l’a confirmé les publications occasionnelles de leur liste de personnes en pleine employée) ont été créditées pour leur participation jusqu’aux stades intermédiaires de la série, une personne qui est devenue indépendante à l’automne 2024 ayant travaillé dans ses derniers épisodes avant également. Bien que le blog du personnel tente de ne pas révéler trop d’informations à l’avance, le vétéran noriyuki kitanohara —Storyboarder et directeur d’épisode pour la ville n ° 02, # 07, # 12-Tend à toujours inclure les mentions de l’étape actuelle de son travail qui sont faciles à dépirer en rétrospect. Une certaine référence à travailler sur un épisode à une étape avancée de production, en juin 2024 , peut facilement être lié au septième épisode en raison de l’animation de fond à la première contribution.
plutôt que d’indiquer simplement que la ville a été faite tôt, ces dates se réfèrent au point avec qui nous avons ouvert cette pièce: chaque épisode, chaque étape du processus de production, a pris plus de temps que la norme du studio parce que tout le monde était joyeusement inefficace. Leur tâche de reconstruire 13 volumes dans le même nombre d’épisodes a été délicat. Bien sûr, ils avaient le soutien des idées de l’auteur original et ses encouragements à devenir balistiques avec un nombre modéré de sketchs plutôt que de les en lasser avec moins de force, mais ce projet a commencé parce que le réalisateur aime le manga-bien sûr, il essaierait de couvrir autant de chapitres que possible! La solution? Une durée d’épisode non standard qui leur a permis de dépasser les normes de TV Anime tellement qu’avec quelques épisodes restants, la série a déjà reçu deux épisodes de séquences supplémentaires; Un miracle réalisable, pour les débutants, car les émissions de Kyoani sont accompagnées des propres publicités du studio, ils devaient donc laisser tomber leurs propres annonces. Excellent choix pour le spectacle, mais qui a augmenté sa charge de travail d’une bonne quantité.
Et encore une fois, l’objectif n’était jamais d’inclure plus de contenu pour lui-même, mais plutôt d’aller au-delà à tout moment. La quantité de mouvement et l’équilibre délicat (IM) de l’animation des personnages le mette déjà parmi les œuvres les plus difficiles du studio, et c’est avant même l’affectation dans tous les choix créatifs qui ont contesté les normes de production-les manifestations qui ont rendu le résultat plus intéressant, mais le processus plus coûteux. Chaque épisode a été entre les mains de 5 petites unités de 4 ~ 6 animateurs clés et un seul directeur d’animation, qui permet un progrès multithread et améliore considérablement la cohésion dans le résultat, mais confie également chaque individu à charges de travail qui exigeaient beaucoup de temps. Alors que les téléspectateurs remarqueront le plus les balançoires plus sauvages comme l’épisode # 05, il n’y a pas une seconde de la ville qui n’a pas défient le statu quo. Littéralement, car il convient de répéter comment chaque trame que vous voyez à l’écran a finalement été dessinée avec des stylos à pinceaux que vous ne pouviez pas effacer. Cela a également conditionné les unités intermédiaires du studio, regroupées en 3 grands groupes alternatifs où de nombreux anciens combattants capables pourraient toujours avoir le dos de quelqu’un.
Après avoir traversé les hauts et les bas de la pré-production en 2022, la transition dans la réalisation réelle de l’émission d’ici 2023, et comment les choses ont commencé à terminer pour un processus nécessairement en 2024, vous avez une prise de vue solide. La dernière étape pour comprendre ses tendances artistiques et la dynamique de production au studio est simple: vous n’avez qu’à penser à son chevauchement éventuel avec Mlle Kobayashi Dragon Maid: A Lonely Dragon veut être aimé . Le récent film Maidragon a naturellement atteint des étapes de production à part entière après la ville; Alors que l’adaptation du travail d’Arawi était en cours d’élaboration alors qu’Eupho S3 était toujours en préparation, ce film a dû attendre que ce réalisateur et un seul storyboard pour y aller. Et pourtant, il a également été terminé devant City, en février 2025. Il s’avère que un film pour une série qu’ils connaissaient déjà était moins compliqué à gérer que la folie Ishidate essayait d’invoquer pour la télévision.
avec Maidragon frappant sa phase d’animation à l’été 2024, de nombreux membres du personnel du studio ont commencé à gérer plusieurs tâches en même temps. Beaucoup, mais surtout, pas tous. Il est courant que les gens de Kyoani divisent leur attention comme cela lorsque la télévision et les projets théâtraux se chevauchent, conduisant à tout le monde sauf aux individus au cœur même de chaque travail en cours-comme leurs principaux directeurs-travaillant sur toutes les productions. Maidragon commandé par leur réalisateur le plus vétéran, étant donné le matériel qu’il connaît plutôt à ce stade, à peu près tous les réalisateurs étaient autorisés à rester concentrés sur City à la place; À l’exception de deux axés sur l’action, qui ont prêté leur main à cet aspect du film. Même s’ils auraient également partagé des responsabilités, les animateurs techniquement capables du studio sont également restés dans la série télévisée sans jamais toucher le film de Maidragon.
Ce fut, en partie, motivé par la composition contrastée entre les deux productions, ce qui ne s’est pas éloigné en raison de la composition de chaque équipe. D’une part, nous avons City: tellement concentré sur le mouvement et l’expression traditionnelle, dans une certaine mesure où ils tentent constamment de faire du report des concepts modernes en couches d’animation qui ne les avaient jamais exprimées. Par conséquent, ce qui se manifeste, en revanche, est une version de Maidragon qui est devenue un débouché pour l’équipe numérique du studio, en utilisant leurs compétences pour donner un punch supplémentaire aux événements à leur manière. Et, en ce qui concerne les animateurs 2D, il est devenu l’outil pour terminer le processus que la ville avait commencé. Les stagiaires en 2024 du studio ont rapidement terminé leur formation et, grâce au long processus pour terminer chaque épisode de City, ont pu y contribuer depuis le début. Comme nous l’avons noté précédemment, il s’agissait d’un processus plus compliqué et plus élevé que la norme, avec une animation tant impliquée nécessitant des lignes de stylo confiantes. Et cela semble avoir été une formation efficace, car 6 d’entre eux ont été autorisés à intensifier et à rejoindre le petit (22 au total) des animateurs clés du film Maidragon, en nettoyant les lieux de mise en page (レイアウト): les dessins où l’animation est réellement née; Ils étendent les idées visuelles généralement simples du storyboard dans le squelette réel de l’animation, détaillant à la fois le travail de l’animateur clé et des artistes d’arrière-plan. De leurs pairs plus vétérans.
Avec ses origines, la philosophie de production et son rôle dans le studio beaucoup plus clair, nous pouvons jeter un regard plus informé de la série elle-même. Bien que nous devrions ignorer le premier épisode car nous avons déjà couvert celui-là dans notre article d’introduction, le second est tout aussi bon microcosme de l’adaptation d’anime de la ville. Il présente le Kitanohara susmentionné en tête; Dans l’ensemble, il a été l’un des réalisateurs les plus actifs du projet, en tant qu’animateur tapageur avec une excellente affinité pour le matériel qu’il a déjà démontré à Nichijou. Le monde de la ville, si transparent que même ses créateurs doivent parfois réfléchir dur au département qui a produit chaque partie, reste parfaitement unifié. Et pourtant, il y a une largeur notable dans la gamme d’animation qui est mieux appréciée sous la direction d’un artiste comme Kitanohara. La poursuite de l’Université mélange quelques effets sur les 1, l’articulation traditionnelle, et la physique de dessins animés de l’Arawi dans la ville dans la ville dans la ville. Pensez immédiatement à l’animation de personnage souvent cartoony (pourtant, comme nous l’avons vu, divers). Et ils auront raison: Il y a que dans le bspe , . Cependant, ce n’est que la surface. Un aspect qui est déjà clair par ce premier point de la série est que tout en ville est vivant, même les parties qui ne sont pas littéralement là-dedans; Que nous comptions des mots qui peuvent vous poignarder dans le cœur en tant que diégétique ou non est un débat pour les âges. En effet, c’est le texte de la ville qui mérite un cri de la joie de son utilisation. Les titres ont des mouvements et des stylisations uniques qui correspondent à leur contenu, et onomatopée sont des participants actifs dans ses séquences d’animation folles . Que ce soit grand ou petit, il y a toujours quelque chose d’amusant à l’écran.
Il y a d’autres aspects que vous pouvez mettre en évidence à partir de ce deuxième épisode. Il y a, pour sa part, les portes qui s’ouvrent à travers le niveau de stylisation; Le style coloré simple du monde permet une abstraction naturelle des arrière-plans en mouvement, ce qui permet à son tour satisfaisant viscéralement, des astuces de direction efficaces . Il existe également la composition de composition de série plutôt calculée (シリーズ構成, série Kousei): un rôle clé donné à l’écrivain principal de la série. Ils rencontrent le réalisateur (qui les surclasse techniquement) et parfois les producteurs pendant la pré-production pour rédiger le concept de la série, proposer des événements majeurs et décider de la façon dont tout est rythmé. Not to be confused with individual scriptwriters (脚本, Kyakuhon) who generally have very little room for expression and only develop existing drafts – though of course, series composers do write scripts themselves.. The writing is happy to appear casual or even random when it comes to the everyday gags, yet it can hide the thoughtfulness in the placement of emotionally significant events, such as the relationships between Niikura and Nagumo or the beloved middle schoolers Ecchan and Matsuri. Since there are more layered examples of that a bit later, though, I believe that we should discuss something more fundamental as we move to the third episode: the appeal of CITY: The Animation.
Nichijou was happy to be consumed as self-contained, surreal bursts of madness. That is its legacy within most online fandoms, to the point where it’s erasing the fact that its anime adaptation fundamentally changed its narrative; another topic we’ve written about in the past, of course. Creating an arc for Nano rather than immediately placing the funny robot girl in school gave the TV show a throughline, which ultimately makes it about finding a place to belong. CITY, on the other hand, was born as that place to belong—for everyone. Arawi created it with a sense of place missing in its predecessor, which gleefully leaps between locations that are more hazily defined. The anime further emphasizes that with its seamless interconnection of assets and characters, all placed in the same curiously chill town. In a weird that was never true for Nichijou, which simply focuses on other aspects, the atmosphere that brews from that setting is one of the main points of appeal.
There is plenty more to appreciate in Yamamura’s work. Although the solemnity of Tsurune S2’s excellence has him broadly pegged as a refined, quiet director, the truth is that he’s always been fond of using involved camerawork for emphasis. This third episode is full of shifting points of view, be it to track a new recurring cast member or to literalize a frog in a well metaphor. And, through sheer accumulation in a show that already pulls such tricks on the regular, this further solidifies the feeling that everything is connected—a swing of the camera will always lead us to a face we recognize. Even without the same technical range to the animation as the preceding episode, it’s also worth noting that Yamamura and animation director Kayo Hikiyama emphasize the characterfulness in the types of movement. Be it Riko’s sleepy floating form or the carefully depicted demeanor of the two kids, watching the inhabitants move around feels charming on a more personal level this time around.
In contrast to Yamamura, who has already solidified himself as one of the new leaders at the studio, episode #04 comes by the hand of someone that only avid followers had been keeping track of; though given his work in the show, that may be about to change. To put it plainly, this is the first episode that Ryo Miyagi ever storyboarded and only the second one he properly directed.
Back during the production of Violet Evergarden The Movie, when he was a key animator making a name for himself, Miyagi called dibs on a particularly tricky, climactic sequence. It took him a while and he had to consult multiple seniors along the way, but it eventually reached a stage where he felt confident about the result. When he showed it to Ishidate, the director said that it indeed was looking good… but watching it inspired him, so he came up with a new idea where tactically deployed wind would amplify the emotions at play tenfold. Since properly doing so would require an essential redo—try standing in wind the same way you do when it doesn’t blow—he asked Miyagi if he was up for the task, undoubtedly readying himself to animate the sequence. Miyagi, who felt like this would demonstrably improve the scene, took up the challenge with the feeling that commercial animation production is something one must do in a team. On his own, he felt like he might’ve not come up with an idea like that.
A few years later, he continues to work in a team, but now he is one of the staff members coming up with such enhancements. Ishidate clearly took notice of him as well, because this progression has continued to occur under his wing; remember the fifth episode of Eupho S3, which teased CITY’s core staff with the Ishidate/Tokuyama duo? That was also the one where Miyagi finished his training as episode director, having passed the internal test beforehand. After directing the show’s eight episode as well, Miyagi moved on to CITY with such confidence that people who don’t keep track of staff wouldn’t ever guess he’s a rookie.
Perhaps due to his position, Miyagi seems to take note of the style set by his predecessors rather than trying to reinvent the wheel, though he does so with so much enthusiasm and ingenuity that he can escalate the already exceptional. We highlighted how episodes like Kitanohara’s exploit the background art style through occasional abstractions that increase dynamism, and that they also manage to sway the grounded thoroughness of the studio’s character animation in the direction of Arawi’s cartoon logic—weighting it toward the latter, but without erasing the former. Within just one butlerian attempt to capture the protagonist (a common happening in CITY), we have some of the best examples of those dynamics. And what about the characterfulness of the comedic animation that Yamamura had emphasized? Watching Tatewaku move so distinctly (and so anxiously) under the lead of Miyagi and animation director Nobuaki Maruki should tell you that this aspect is stronger than ever.
The real highlight of this episode, though, is in the calculated chaos that begins with the series compositionSeries Composition (シリーズ構成, Series Kousei): A key role given to the main writer of the series. They meet with the director (who technically still outranks them) and sometimes producers during preproduction to draft the concept of the series, come up with major events and decide to how pace it all. Not to be confused with individual scriptwriters (脚本, Kyakuhon) who generally have very little room for expression and only develop existing drafts – though of course, series composers do write scripts themselves. choices. While many admire the astonishing episode that follows it, the buildup in the preceding one is essential to its success—and also, it’s something largely original to the anime. By grabbing snippets of different skits and coming up with new situations, CITY: The Animation can begin channeling its massive cast in a singular direction before the episode that culminates in everyone’s meeting. Of course, it’s easier to put this on paper than bring it to life, hence why much of the credit ought to go to Miyagi regardless. His connecting pathways extend to the crossroads in the eyecatches, and the casual ways in which so many characters come and go with their own agendas make the final minutes one hilarious rollercoaster.
While the flow of the most trepidant moments of action is what will catch attention, I’d point to something else as the best example of Miyagi hitting the ground running as a storyboarder. At one point, Niikura’s improvised pole vaulting goes wrong and the animation slowly suspends her in the air. Niikura, with her blue pants, set against the blue sky, waiting for her doom. You anticipate the fall and it does come… but the blue thing that drops is Wako’s penguin onesie, because once again she’s in her own world and not particularly aware of other people’s stressful ordeals. This simple way to give physical continuity and emotional whiplash at the same time is what an excellent, seasoned storyboarder would do. And also, it’s what an absolute newbie like Miyagi did.
If the fourth episode shines in such details, CITY: The Animation #05 is the show at its most overwhelming, grandest excellence. An entire volume dedicated to countless plot threads converging into one party asked for a bold response, but under no circumstances did anyone foresee what we’d eventually experience. That also goes for Ishidate himself, who after witnessing what the ideas were shaping up to be, told the episode director that they could at least relax when it came to the animation. Of course, their reaction was doing the complete opposite, resulting in an episode that will go down in history. Regardless of their degree of experience, no one involved had ever seen an episode that required multiple sets of storyboards to tell all the concurrent stories through constantly shifting panels, and chances are that they won’t see such a thing again.
One of the reasons why it was so important to carefully go over the show’s production schedule and how it differs from KyoAni’s norm, let alone from anime as a whole, was that episodes like this take outrageously long to animate even in the best environment possible. One unique aspect any viewer will immediately notice is that the mansion where all the events are set is a real-life, articulated diorama that they carefully incorporated into the animation. Tweaking those aspects is no easy feat, but do you know what’s even more work? Making it from scratch; to be precise, and according to Ishidate’s recent words to Animate Times, it took 3 months just to assemble this one part. The director loves how the result feels like a manifestation of Arawi’s ideas into a new dimension, retaining a handmade, warm appeal that you might associate with educational programs. Critically, that’s a vibe he feels is very compatible with the author, whose inspirations in classic manga like Fujiko Fujio’s works give him a childhood flavor to anyone who grew up in Japan. But for as much as he liked it, as much as the team creating the diorama had a blast, such things require extraordinary schedules.
That much is true of the 2D animation in the episode as well. Earlier, we noted that the Maidragon film was entirely skipped not just by some directors, but by ace animators who’d never miss it under regular circumstances. That very much includes CITY #05’s director and storyboarder Minoru Ota, as well as the leader of their Osaka animation team, Tatsuya Sato. The sheer complexity of the episode demanded Ota’s attention for a long time, and Sato’s workload wasn’t any less challenging. While drawing number isn’t always a useful metric, as elements like 2DFX can greatly inflate it and it says nothing of the actual quality, the 16k drawings sported by this episode (effectively, multiple episodes’ worth) feel earned and meaningful. When you consider how many sequences within it would already be excellent on their own, without that maddening context, it becomes an incomprehensible achievement. And within that massive workload, Sato appears to have personally handled around half the cuts in the episode, putting the longest break he’s ever had in-between appearances to excellent use. His snappy timing is everywhere, further enriching what was already a stunning experience.
In such a packed episode, the technical finesse is simply mind-boggling. You can lose yourself in endless rewatches not just of the narrative and character details hidden everywhere, but on the usage of panels themselves; they change shapes according to the setting and to maintain momentum, acting as parts of the animation in and of themselves. This reaches its catharsis with the equivalent of Arawi’s original spread illustrations, becoming a dynamic collection of character bubbles encompassing the entire population coming together—as officially confirmed, something drawn by a single key animator. It’s a technical marvel in ways few episodes have ever been, and somehow, that’s one of the least important parts.
The sheer scale and precision are so overwhelming that it’s easy to miss the endless details about each character’s quest, many of them original to this episode. While the manga eventually calls it quits and manifests everyone in the final destination, the anime imagines what everyone would be up to across the entire runtime. It doesn’t need to be particularly complex; in fact, the adaptation understands that Nagumo’s own quest was amusing because of its repetitive pattern, hence why it feels confident in diverting attention onto other citizens. What it needs to be, though, is always representative of what each weird individual could be up to—and that much, it greatly accomplishes. That character tightness is matched on a thematic level, once again with fun surprises. Arawi opens the series with silly mythology that, somehow, captures the vibe of the setting. And in another original sequence, this special episode’s ending also imagines how such amazing towers could have manifested in the region, ultimately making it about the collective joy that CITY represents.
And, at the end of the day, that’s what it’s all about: imagination and surprise. It’s what it took to come up with such an outrageous idea, and what it sought by including such a discordant element like the diorama in what had otherwise been a homogenous visual style. One of Ishidate’s most recurring thoughts across all interviews is that Arawi’s humor has a specific brand of intelligence to it. He doesn’t mean it in the often-mocked sense that it is simply too intellectual to be understood by the masses, nor as an allusion to the construction of the jokes being intricately planned. What the director perceived is Arawi’s ability to stimulate your curiosity—to make you imagine through the many surreal details in his world. The reason why the team didn’t want to nudge the viewer more aggressively toward punchlines is that, in talking with Arawi and experiencing his work, Ishidate felt like it’s something you should chuckle through, ponder about its ridiculous implications, rather than bursting into laughter that may make you miss more details. Incidentally, that’s a reason why Amazon’s subtitles missing an endless amount of signs is kind of a crime. There’s so much surreal charm in those!
Much of this philosophy carries over to episode #06, directed and storyboarded by Taichi Ogawa. The first aspect that stands out is the animation, which ambushes anyone who expected a quiet time after the preceding madness with the exuberant, adorable, cartoony introduction to an entire family. The individual key animator in charge of it was likely also in charge of not just much of the following gag as well, but also a heap of delightful Wako animation for this group’s reappearance in episode #11. Chances are that they were handled by the reliable Yurika Ono, new animation superstar Tomomi Sato, or the very promising Uno Nakata—three women, one answer that we hope to get out of production materials soon. Regardless of its authorship, moments like that and later showcases of the family are a great example of that emphasis on imagination.
Ishidate conceived CITY as a broadening of horizons for animators, especially those maturing in an era where supposed technological convenience risks atrophying specific muscles of expression. In a way, that’s a way to foster imagination as well, and it has a broader reach than just those young members of the studio (and of course, the audience). The person he entrusted the making of the diorama to was Joji Unoguchi, who has been at the studio since the 80s. He began in the in-betweening department, transitioned to background art when they created that department a few years later, and has handled everything from art direction to his now common role of 3D art designer/director/artist. But do you know what he had never done? Crafting a diorama for work, even though that’s related to a personal hobby that Ishidate knew of. In a way, getting such veterans to try new things is even more impressive than doing so with young staff members.
Speaking to Mantan, Ishidate compared Arawi’s appeal to that of Chaplin’s silent films. He didn’t mean that Arawi’s works evoke the mannerisms of the legendary director in a direct way; at least, that wasn’t all he meant. Ishidate could have made the association to Buster Keaton, for example, and his point would be exactly as sound. Certainly, setpieces like this have a physicality to the humor that is shared with such directors, but the more fundamental quality is that they aim to tickle your curiosity and make you wonder how such ridiculous events could come together. While reading Arawi’s work, you continue with a smile while somewhere in your head, you wonder what the incomprehensible store you only saw the sign of could entail. And in the original author’s own words for the latest issue of Newtype, his hope for the anime was that people would watch it while chuckling, wondering (and growing curious about) what the hell its creators were even doing.
Given that Ogawa directed it, episode #06 is also quite good at… well, many things. Brilliant storyboarding that somehow uses text in a more involved, original way than a source medium where words actually belong? We’ve got that. A beautiful, cel-forward experience? Sans aucun doute à ce sujet. The original author making an appearance as a music composer, within a short skit that also shifts to a style even more reminiscent of his personal animation? Somehow, we have that covered as well. But let’s be real: people associate Ogawa so much with character drama that he gets teased about it among his coworkers. There was no doubt that his first episode would be a turning point in the most emotive relationship within the show, the type of content suited to his direction and the ability to twist the knife.
And yet, even such moments don’t escape the anime’s focus on fostering the viewers’ imagination. The choice to use a hollow pumpkin to hide your feelings while bidding goodbye to your partner comes straight from Arawi’s manga, but a subtle change in the delivery represents their intent in a brilliant way. In the manga, the idea of using a pumpkin for a breakup had been pitched by another citizen beforehand, making this an amusing delayed punchline amidst that painful moment. CITY: The Animation, instead, shows you this emotive yet slightly nonsensical scene first. A new viewer is emotionally affected all the same, but somewhere in their mind, they may be left wondering about that detail; was it for no reason? It certainly feels like the hijinks that those two constantly come up in the spot. In a later episode, the skit that motivated the pumpkin plan is brought to life, also serving as a delayed punchline—one that sparked your imagination in between those two points, reinforcing what the series really wants to do. And that is to think about silly stuff, hopefully without getting hit in the face by a football.
Kitanohara’s second episode, CITY: The Animation #07, feels like a good time to bring up another unique point of appeal in the series. The episode has the director’s fingerprints all over it, sometimes literally so; despite not being credited on it, and even having alluded to “checking” the cut, there’s no way he didn’t personally key animate moments like the background animation as Niikura succumbs to late-night hunger. It’s no secret that, like multiple directors at the studio, Kitanohara sets aside certain sequences for himself and draws them uncredited. This is so casually known that, in a recent stage event for the Maidragon film featuring Ishihara and him, they casually mentioned that Kitanohara was a key animator for a movie in which he only appeared in the credits as unit director (even the studio’s official report of the event mentions it!). Amusing, though ultimately, not all that important a detail. For creators who only ever work for one highly reputable studio, and who’ve already reached the status of director, there’s no need to stuff their resume—they’re already renowned figures.
Witnessing him animate sequences like that brings to mind Nichijou, where he already penned some truly memorable chases. For someone with a blunt, animation-focused appeal, some of his traits are also distinctly more detail-oriented and modern in their execution. Kitanohara pays a great deal of attention to the physical properties of objects, often trying to use them to express psychological aspects of the characters. Since modern anime will rely overwhelmingly on the compositing team to handle concepts like reflections, that much ends up being true of Kitanohara’s work as well; not to the degree that the traditional 2D drawings don’t play a role, since that’s the core of his vision, but deeply intertwined with digital tools. And that’s where we turn to CITY’s one-of-a-kind commitment to a level of technology.
We’ve talked about Ishidate’s desire to make CITY into a perfectly unified, comic-like screen that emphasizes the cel feeling—as both an attempt to capture Arawi’s magic and a training, horizon-broadening exercise for the studio’s members. Because of that, every effect on screen must be drawn by an animator… or, on rare occasion, accomplished by other departments in a way that looks like the former did it. To say that it brings back anime to its analog era wouldn’t be accurate. The fact that it’s all drawn on paper isn’t even relevant, as that’s true of every work at the studio. Instead, it’s about that idea of cel as an absolute, inescapable truth of CITY. The show showcases all sorts of effects that, even during the actual celluloid era of animation, would never be drawn; instead, they’d be accomplished through photographyPhotography (撮影, Satsuei): The marriage of elements produced by different departments into a finished picture, involving filtering to make it more harmonious. A name inherited from the past, when cameras were actually used during this process. and lighting tricks.
It’s precisely those tricks that every episode director in the series has emulated and expanded on in their own ways. Ishidate’s first episode proposes the idea of replacing linework with short diagonal lines to convey that something is out of focus, showing that they could also adopt modern photographyPhotography (撮影, Satsuei): The marriage of elements produced by different departments into a finished picture, involving filtering to make it more harmonious. A name inherited from the past, when cameras were actually used during this process. ideas as long as they embraced CITY’s toolset. Every director we’ve seen has stuck to that rule, finding their own tricks in the process. One aspect that is very eye-catching in that regard is the distortions, often used to transition between scenes, which the show entrusts to animators rather than achieving them through filters; Yamamura’s episodes stand out when it comes to that, doing so in multiple ways that reach their peak with the abstract transitions during Riko’s skits. Given Kitanohara’s interests in various phenomena, he’s of course among the most active in this process of reimagination. Watching how his usual ideas become CITY-fied is frankly fascinating.
The eighth episode, marking Yamamura’s second appearance as director, is charming in ways that are all too familiar at this point. Even without his craziest usages of the camera, the flow is remarkably good. Be it using silhouettes and cute abstraction to stylishly transition in and out of flashbacks, flipping the orientation of the drawings to relive the experience of nearly falling into a whole, or subtler touches like connecting cuts in a way that informs us about the direction of a character’s gaze, it’s the type of episode that progresses so naturally that it feels like it naturally spawned in this form.
Its highlight is an excuse to talk about another brilliant side of CITY: the voice acting. The performance of the Tekaridake troupe that the show had been building up to on the side—starting with Yamamura’s previous episode, which gives it a sense of continuity—arrives in a form that is as delightful to watch as it is to listen to. The show’s voice acting is, on the whole, simply excellent. From the interviews preceding the broadcast to the weekly VA watchalong videos on the studio’s Youtube channel, it’s easy to appreciate that the cast was more motivated than ever by a series sporting visuals like they’d never seen before, which they got to act over in already polished, finished form.
Although right about everyone’s performances have been great, there are two individuals who even their peers pointed out as extraordinary beings: Niikura’s Aki Toyosaki, and Tekaridake’s Jun Fukuyama. They were so impressive in their recordings that, even when they had already finished their parts, other actors would stick around the studio to watch them voice their wacky characters as if they were possessed. Toyosaki wowed everyone in moments like the epilogue for the second episode, as Niikura faces her many inner demons; all of them voiced by her in a single take, which also happened to be the very first one. Meanwhile, FukuJun’s crowning achievement is his enthralling delivery of a classical play in the form of a breathless rap. It’s worth noting that this twist in the delivery was actually pitched by sound director Yota Tsuruoka, and that it was planned at such an early stage that Yamamura assembled a video storyboardStoryboard (絵コンテ, ekonte): The blueprints of animation. A series of usually simple drawings serving as anime’s visual script, drawn on special sheets with fields for the animation cut number, notes for the staff and the matching lines of dialogue. incorporating the beat he’d come up with, ensuring that the animation was in rhythm as well. Once again, these achievements are collective victories.
Speaking of collectives, the return of Miyagi for episode #09 is another special occasion that gathers essentially every citizen. The race was one of the events that everyone who’d read CITY was looking forward to, and the execution certainly lives up to that. While its storytelling is more streamlined, it’s rather reminiscent of the already iconic fifth episode. Much like that one, it’s complemented by details that weren’t even in the original work, yet feel organically Arawi-ish. Miyagi brings back his usage of the eyecatches in a purposeful way, but by turning the positions in the podium into vignettes, it channels the usage of paneling to enrich the flavor that #05 relied on so heavily. And just like that episode, KyoAni’s ace animators went absolutely ham on it. The work of Kunihiro Hane is all over CITY #09, most noticeably when he strays a bit away from his Ishidate influences and employs looser, more liquified smears.
Once again, its structure builds up to the eventual meeting of every character into a chaotic showcase of masterful animation and storyboarding. If episode #04’s climax was impressive in how a rookie storyboarder threaded together so many concurrent adventures, the way that the now only slightly more experienced Miyagi translated Arawi’s fun spread illustrations into one nearly uninterrupted cut is astonishing. He manages to capture every incidental detail in Arawi’s surreal world and somehow adds more visual gags to it, like Niikura’s realization that she’d been chasing the wrong pendant, without interrupting the flow of the scene. And it goes without saying, but the animation itself is incredible too; I would assume that, just like the climax of #05, it’s a single key animator’s work. Perhaps the veteran Hiroshi Karata, already responsible for iconic KyoAni running.
Following Miyagi, we have an even more curious newbie director. The regular trajectory of staff members at the studio, if they choose to take the test for upper positions and manage to pass it, is to do so at relatively young ages and then commit to that path; which is to say, separating between the director and the animation supervisor ladders. Okamura is hardly old, but he has been an animation director for 10 years, having reached the stage where he’s trusted as chief animation directorChief Animation Director (総作画監督, Sou Sakuga Kantoku): Often an overall credit that tends to be in the hands of the character designer, though as of late messy projects with multiple Chief ADs have increased in number; moreso than the regular animation directors, their job is to ensure the characters look like they’re supposed to. Consistency is their goal, which they will enforce as much as they want (and can). and character designer on occasion. Most notably, with Free!, where he has replaced Nishiya in recent entries. And yet, seemingly out of nowhere, he has decided to give direction a spin. It was the final episodes of Euphonium’s first season that saw his promotion in one field, and the finale of its third, final season where he finished his training in another. It’s worth noting that, as early as Eupho S3’s bluray specials, we’ve already seen him pivot between episode and animation directionAnimation Direction (作画監督, sakuga kantoku): The artists supervising the quality and consistency of the animation itself. They might correct cuts that deviate from the designs too much if they see it fit, but their job is mostly to ensure the motion is up to par while not looking too rough. Plenty of specialized Animation Direction roles exist – mecha, effects, creatures, all focused in one particular recurring element. at will. It’s possible that, with time, he’ll take up the challenge of handling it all at the same time, as the studio hasn’t seen since the earlier days of the late legend Yoshiji Kigami. Or perhaps, one day he’ll get to direct the original dancing battle animation he internally pitched. Who knows!
Although it’s not confirmed like it was for episode #05, the climax for #09 was likely key animated by a single person again. In a way, it’s inevitable: if a handful of artists split episodes that are noticeably longer than the norm, everyone is going to be entrusted with several minutes of footage. Regardless, Miyagi’s ability to synthesize these events through the storyboardStoryboard (絵コンテ, ekonte): The blueprints of animation. A series of usually simple drawings serving as anime’s visual script, drawn on special sheets with fields for the animation cut number, notes for the staff and the matching lines of dialogue. blows the mind for someone with barely any experience with that task.
With such a versatile director still figuring things out, CITY #10 is a bit too early to figure definitive aspects of Okamura’s style. I can say for a fact that the episode is playful in its usage of color even by the standards of such a lively show, that he nails the idealization of nostalgic memories as wacky old men reminisce about their past, but I believe we’ve yet to see what he’s truly capable of. For now, all we have is one amusing episode that just so happens to end with maybe the most contentious trick the adaptation has pulled off—the abbreviation of an entire volume into an endless series of fake previews to a somehow real adventure.
The residual discourse about CITY’s faithfulness to the source material feels like a depressing product of our times, where reactionary, thoughtless complaints on social media are greatly overblown. It spawns from the lie that it’s at all changing the story (something that Nichijou actually did without facing such criticism!), gleefully ignoring Arawi’s role in every creative choice to instead champion the sacred status of the source material as it was originally published. Does it ever consider neat details, like how key dialogue was changed between its magazine and compiled volume versions? Of course not, because it’s not motivated by a deep, thoughtful engagement with the work. In a trend that greatly transcends this one show (and that is way more toxic surrounding other projects), cynical, vapid appeals to the honor of “original authors” is directed to the idea of them rather than the actual individuals, the ones who speak out publicly about their stances. In this pointless argument, the concept of source material merely means the way that individuals who only want something familiar first experienced it.
Mind you, I’ve been sad that some skits I love have been cut. To some degree, this includes Riko’s sleepwalk as well. But at the same time, there is both intent and authorial approval to all these choices, which feel very easy to justify in this instance. Although that’s a fun volume, it’s a fundamental departure from CITY’s ensemble cast focus and the links to its physical setting. Sending two characters to a wacky island is plenty amusing in the moment, and can be accepted by the reader as a change of pace, but it’s easy to see why it might’ve been on the chopping block—especially since it has little to no reaction to the overarching theme of dreams.
What it does accomplish is widening the world of CITY, showing the even weirder creatures and situations out there. And that much is also achieved in the form that the anime presented it, which also doubles down as a gag that only becomes funnier the more they double down on it. If all you want is the exact same events as the manga, it remains right there on your shelf, or in a wiki’s list of chapters if the presence of content is what truly matters to you. But that’s not what mattered to Arawi, who repeatedly (as he does with everyone who approaches his work) told the team that they should be trying to surpass him instead; to do more with what they include, not to include more. And c’mon, we haven’t had fake previews this good since Katanagatari pranked the entire world. It was sorely missed.
Apart from every chapter determined to have narrative or thematic importance, the initial writing camps attended by all sorts of staff (including Arawi) also turned into a way for them to vote for skits they wanted to include no matter what. Ishidate doesn’t hide that at one point he threw a tantrum to include the three old men’s adventures like Oyaji Summer, even knowing that this type of thing isn’t broadly popular. He only feels slightly remorseful about it.
To wrap up on a more positive note, before we eventually return to the series for a final write-up, we have yet another joyful episode led by Ogawa. In fact, it might be the most joyful episode by him, as if he was happy to fight that reputation as a very effective but depression-inducing director. Even by CITY’s standards, the way it presents its visual (with a plethora of background animation) feels exciting and original, in a way that you’ll never be able to guess what will be on screen next even if you’ve grasped the flow of the gag.
Although Ogawa is particularly good at his job, it’s fair to look at this episode as a microcosm of all the qualities we’ve been highlighting. Some gags have small additions that feel like they were poked straight out of Arawi’s brain; and given his continued presence, that could be the truth in certain cases. The excellent animation is matched by equally inspired voice acting, and that celification of effects that are now overwhelmingly digital continues. Even trends within the studio itself, like the attention to capture the amateur quality of non-professional art, rear their head in this episode.
But above all else, the highlight is a skit that sums up so much of the show’s appeal that you should be able to tell you whether you’re compatible with CITY or not from it. And that is the story of how, after greedily becoming youtubers, Niikura showcases her incomprehensible faith in Mambo Number 5 as the panacea that makes any crappy video funny. Or maybe she doesn’t believe it anymore, sorry Nagumo. Regardless, if you laughed like a madman or merely pondered what the hell is wrong with her with a smile, then congratulations—you’re as compatible with one of the most impressive TV anime ever made as I am. If you didn’t, my condolences, you won’t even get to enjoy the ending they edited in-universe to the song.
Support us on Patreon to help us reach our new goal to sustain the animation archive at Sakugabooru, SakugaSakuga (作画): Technically drawing pictures but more specifically animation. Western fans have long since appropriated the word to refer to instances of particularly good animation, in the same way that a subset of Japanese fans do. Pretty integral to our sites’brand. Video on Youtube, as well as this SakugaSakuga (作画): Technically drawing pictures but more specifically animation. Western fans have long since appropriated the word to refer to instances of particularly good animation, in the same way that a subset of Japanese fans do. Pretty integral to our sites’brand. Blog. Thanks to everyone who’s helped out so far!