En plus de tous les articles que nous avons publiés, et avant de passer correctement aux titres de printemps, profitez de cette longue compilation de commentaires et d’essais courts sur d’autres œuvres qui nous ont impressionnés au début de 2025. Il y a des notes sur les gros succès bien sûr, mais aussi un aperçu des moments spécifiques qui ont des émissions élevées, des œuvres plus petites qui méritent malgré l’attention, et un espace pour le fait de partager tout aussi bien. Quelques articles aujourd’hui. Si la raison n’était pas assez claire, c’est parce que nous avions initialement l’intention de publier un seul tour d’horizon sur des œuvres d’animation qui nous avaient impressionnés au cours des premiers mois de 2025; La plupart des personnes ont publié cette année même, mais comme vous le verrez plus tard, des plus indépendantes qui sont moins liées par la temporalité. Après avoir divisé quelques articles en messages autonomes, nous nous retrouvons avec une collection de dernières notes, mais notamment les notes. Ne vous attendez pas à ce que ces œuvres soient moindres, ni les écrits nécessairement moins approfondis. Ce sont simplement des points forts à plus petite échelle, que ce soit parce que ce sont des œuvres plus courtes ou parce que les réalisateurs d’épisode spécifiques ont augmenté la barre bien au-dessus des normes de leur émission.
Le cocoon est un étonnant
Cocon Cocon Cocare . filles qui parallèles à la situation du Himeyuri étudiants pendant la Seconde Guerre mondiale. Selon la qualité de rêve de Dream, selon la postface de l’auteur, a beaucoup à voir avec la façon dont elle l’imaginait personnellement: en tant que type de cauchemar brumeux qu’un enfant pourrait avoir lors de la lecture de livres d’histoire sur les guerres du passé. Peut-être encore plus important, il est également lié au motif central de ce travail et à la vision du monde derrière. Soumis dans les tragédies d’un calibre dont aucun enfant ne devrait être témoin, les filles-en particulier son protagoniste imaginatif nommé d’après le soleil-se sont tournées de la réalité avec leur compagnie et leurs fantasmes, qui font tourner un coco doux pour les protéger. Mais cela va-t-il suffire pour garder l’une d’entre elles en sécurité dans une situation aussi impitoyable? Ou, comme Kyou le explique succinctement: le sucre peut-il rouiller l’acier?
Pour aussi intéressant que c’est, cocoon est un manga que je recommanderais légèrement. Ses représentations graphiques de la mort, du démembrement, de la famine, de l’agression sexuelle proche et de la pourriture vivante des enfants ne sont pas gratuites dans le sens où les contraster avec les fantasmes douces est ce qu’est la série, mais c’est toujours une imagerie hantante. Étant donné que l’animation subit des normes plus strictes en ce qui concerne les représentations extrêmes, l’une des plus grandes questions que j’ai eues lorsqu’elle a été annoncée à l’origine était de savoir comment une telle histoire pouvait être transmise. Le fait que le projet serait orienté vers le mentorat de jeunes animateurs semblait être ajusté (presque trop approprié pour qu’un projet de formation d’animateur soit-il à propos des enfants déposés dans une warzone), mais sinon, comment COCONE pourrait être animateur? La réponse à laquelle son équipe est arrivée est, en quelque sorte, de le filmer à l’intérieur du cocon proverbial.
Au lieu d’essayer une adaptation simple, l’anime cocon transporte les personnages dans une histoire de croissance des personnages légèrement plus traditionnelle et plus longue pour s’adapter à sa ralentissement d’une heure. Des situations similaires sont réinventées chaque fois qu’elles sont considérées comme particulièrement importantes, comme l’introduction de l’idée du cocon au tout début. Entendre la comparaison entre l’atmosphère d’une journée enneigée et être enveloppé par un cocon, les storyboards font que les personnages chevauchent un nuage qui reflète cette idée; Le type de temps opposé à celui qu’ils décrivent, et pourtant une apparence frappante du motif central de cette histoire.
Un aspect qui se démarque tout aussi vite est la capacité étrange de canaliser l’énergie de Hayao Miyazaki . Nous vivons dans un monde obsédé par la recherche de son successeur, où les artistes avec l’expérience de Ghibli contribuent à toutes sortes de projets, y compris ceux fabriqués à des ramifications directes du studio, comme Ponoc. Cocoon peut se vanter d’un pedigree similaire; Directeur artistique Directeur (美術監督, Bijutsu Kantoku): la personne responsable de l’art de fond de la série. Ils dessinent de nombreux planches artistiques qui, autrefois approuvées par le directeur de la série, servent de référence aux arrière-plans de la série. La coordination au sein du département d’art est un incontournable-le cadre et les concepteurs de couleurs doivent travailler ensemble pour créer un monde cohérent. et Color Designercolor Designer (色彩設定/色彩設計, Shikisai Spettei/Shikisai Sekkei): la personne qui établit la palette globale de l’émission. Les épisodes ont leur propre coordinateur de couleurs (色指定 色指定 色指定 色指定 色指定 色指定 色指定 色指定 色指定 色指定 色指定 色指定 色指定 色指定 色指定 色指定 色指定 色指定, IROSHITEI) de superviser et d’approvisionner les peintres les feuilles de modèle que nécessite une sortie particulière, ce qu’ils pourraient même se faire si ce sont des tons qui n’étaient pas déjà définis par le concepteur de couleurs. ( Yoichi Watanabe et Nobuko mizuta , respectivement) avec des films de Ghibli dans leur CV, des animateurs d’as comme shinji Otsuka et akihiko yamashita qui sont insesparenables à partir de leur travail, et surt
Pour ceux qui ne le savent pas, la société a été fondée par le célèbre vétéran de Ghibli Douga Hitomi Tateno . Après un long mandat au studio, elle a laissé le stress de la production en faveur de quelque chose qu’elle aimait autant que la création d’animation: le mentorat d’autres artistes. Elle l’a d’abord fait dans l’environnement intrinsèquement décontracté d’un café, et bien que cela ait malheureusement fermé lorsque la pandémie a frappé, elle a pu le suivre avec la création d’un département de production d’animation. Avec cela, elle peut accorder une expérience du monde réel aux étudiants qui suivent le cours de formation Sasayuri, qui a gagné pas mal de notoriété en raison de ses références. Les jeunes prometteurs se sont joints à eux et se démarquer immédiatement dans des environnements exigeants, Et la portée de leurs propres projets a augmenté régulièrement. En 2019, ils ont été bien nommés pour gérer l’animation pour natsuzora -une histoire inspirée par une autre femme historiquement importante dans l’animation, Reiko Okuyama. Au cours des dernières années, ils ont pris les choses et ont décidé de produire leur premier film: Cocoon.
Même avec cette relation avec Ghibli et l’accès à des talents extraordinaires, à la fois vétéran et frais, il est remarquable de voir à quel point ils ont bien capturé le langage corporel et la cadence d’un travail de Miyazaki. Aucun des héritiers susmentionnés n’a jamais (pas eu de l’obligation, bien qu’ils aient certainement essayé) géré pour imiter le jeu catégorique et les modulations de l’animation que tout le monde assocate avec Miyaz . Il y a un sentiment de pose que vous pourriez également trouver dans son travail de pré-Ghibli, avec une saveur épaisse yasuo Otsuka . Il fixe les ondulations des émotions à mesure que la caméra se rapproche des visages des gens; Avec cette entêtement contre les titres partiels, il partage avec les films qui l’ont inspiré, ce qui rend les lignes constamment vivantes. Le moment des séquences est aussi reconnaissable que l’individu se coupe, avec une tendance à vous faire haleter avant qu’il ne déchaîne les foules comme un barrage qui vient d’exploser. Des scènes comme la préparation du premier raid aérien et ce moment ultérieur de chaos incarnent parfaitement ces tendances.
Ce contraste est au cœur de sa scène la plus impressionnante, ce qui fait que la plupart des étudiants sont tués. Contrairement aux représentations sans faille des mangas de massacres, l’anime les filtre à travers les fantasmes auxquels ces enfants doivent s’accrocher quand la réalité est juste cruelle. Plutôt que des éclaboussures de sang partout, nous commençons à voir la mort comme des pétales flottants-l’idéalisation dans le cocon. Cependant, ce n’est pas aussi simple que l’anime étant une version plus étoilée de l’histoire. Son point de vue met également l’accent sur l’aspect transformateur du cocon, donnant au protagoniste un arc sur la croissance plus résolue plutôt que de survivre à une vertu non contaminée. Cet accent mis sur le changement est particulièrement intéressant en ce qui concerne son béguin; Dans les deux versions d’une histoire, née un garçon d’une famille aisée qui a essayé d’esquiver d’être rédigé en tant que soldat à travers des manigances de genre, ce qui permet de nouvelles interprétations dans une adaptation de la naissance à nouveau. Si vous croyez que vous pouvez supporter ces sujets, je vous recommande de consulter les deux versions de l’histoire pour vivre les saveurs sensiblement différentes.
Malgré les sentiments généralement positifs envers ce projet, nous ne pourrions pas terminer cette pièce sans aborder sa nature en tant que programme de formation-et malheureusement, pas sous un angle positif cette fois. J’ai besoin de préfacer cela en disant que personnellement, j’ai entendu des témoignages non seulement sur ce projet mais aussi sur d’autres efforts de Sasayuri qui ont peint une expérience positive; En particulier, à propos de Tateno elle-même étant accommodante dans les circonstances personnelles des gens. Je ne doute pas de ceux-là pendant une seconde, étant donné qu’ils provenaient d’individus dignes de confiance qui n’avaient aucune raison de déformer leur propre expérience dans cet environnement. Cependant, il est devenu de plus en plus clair que le leur n’était pas nécessairement un sentiment universel.
Il convient de noter que l’anecdote qui a déclenché tout spécifie qu’ils faisaient partie d’un studio qui a externalisé leur programme de formation Douga à Sasayuri; Un accord qu’ils ont établi avec Wit and Bones, et cela a immédiatement été boueux par l’intervention de sociétés comme Netflix qui le parrainerait mais ajoutant des clauses d’exclusivité douteuses. Il est tout à fait possible que cette lacune dans les expériences avec Sasayuri ne se rend pas seulement aux compétences techniques jugées par les mentors, mais aussi pour savoir s’il s’agit de l’un des propres projets de l’entreprise ou de ces opportunités de travail pour l’embauche.
Quoi qu’il en soit, la conclusion est la même: il ne suffit jamais d’agir souvent de la bonne manière, la plupart du temps. Même si votre objectif est noble, cela ne vaut pas la peine de traumatiser les jeunes perspectives au point où il n’a plus envie de dessiner. Ghibli eux-mêmes a toujours jeté, pour une entreprise qui se tenait la tête et les épaules au-dessus des pratiques de l’industrie dans son ensemble, une ombre sombre couvrant les artistes qui ont été écrasés par leurs normes élevées. Et s’il est déjà excessif de traiter les anciens combattants d’une certaine manière, il est encore plus inacceptable de le faire pour les étudiants fraîchement sortis de l’école. Cocoon est un film magnifique qui préserve les techniques en voie de disparition, en les utilisant pour représenter des jeunes qui doivent se cacher des réalités qui se déchaînent de l’âme pour essayer de survivre. En tant que téléspectateurs, cependant, nous devons affronter non seulement sa beauté, mais la réalité inconfortable qui l’entoure.
Honey Lemon Soda et Kiyotaka Ohata Maddening Brilliance
Il est difficile de transmettre aux téléspectateurs plus jeunes, pour lesquels le personnel de JC est surtout un vibratif sans vibrologie. Et c’est encore plus compliqué de les faire comprendre que cela n’a pas impliqué de chasser le talent hors concours de cette époque; De nombreuses personnes qui ont commencé à briller aux côtés de kunihiko ikuhara restent au studio, confiés également de rôles importants. Malheureusement, le système de production a déformé toute l’entreprise et ce que ces rôles de responsabilité élevés impliquent. Shinya Hasegawa est autant une légende que jamais, mais lorsque son travail consiste principalement à s’assurer que les dessins dans des productions souvent précipités sont assez bons, des aspects comme le jeu vivant, il était connu pour devenir moins prévalant. Certains anciens combattants ne s’adaptent pas bien aux marées tournantes de l’industrie, tandis que d’autres décident simplement d’arrêter d’aller trop loin comme vous le devez si vous voulez briller en anime. Dans l’ensemble, cependant, le problème avec les anciens combattants apparemment timides du personnel de JC est clairement systémique.
L’étincelle de cette époque manque cruellement dans la production moderne de Nishikiori. Encore une fois, cela semble surtout se résumer dans l’industrie et son home studio créant un type de travail différent à un rythme différent; N’hésitez pas à remplacer cet adjectif par un autre mot plus négatif vous-même. Même dans ce scénario moins favorable, vous pouvez toujours avoir des aperçus de ce charme efficace de temps en temps. L’année dernière, il a été chargé de suivre le plus grand épisode de Dandadan, qu’il a accompli avec un storyboardboard assez drôle (絵コンテ, Ekonte): les plans d’animation. Une série de dessins généralement simples servant de script visuel de l’anime, dessinés sur des feuilles spéciales avec des champs pour le numéro de coupe d’animation, des notes pour le personnel et des lignes de dialogue assorties. Que vous ne vous arrêteriez pas pour remettre en question les valeurs de production notamment inférieures. Il convient également de souligner qu’à aucun moment, il n’est devenu un mauvais réalisateur. Le plafond des titres de Nishikiori est certainement plus bas de nos jours, mais le sol reste robuste aussi longtemps qu’il ne lui a pas dit de construire une maison au-dessus des sables mouvants. D’une certaine manière, cela résume cette détérioration systémique du personnel de JC: les anciens combattants très qualifiés doivent être déployés pour leur fiabilité plutôt que pour leur brillance.
Pourquoi en parler maintenant? Eh bien, 2025 a commencé par une adaptation de honey citron soda dirigé par Nishikiori qui est… encore une fois, exactement bien. Bien que je ne demande pas aux gens de faire tout leur possible pour regarder l’anime s’ils ne sont pas déjà intéressés, c’est une série assez mignonne sur l’amour en tant que vecteur d’auto-amélioration et de connexion. Ses propres épisodes se démarquent un peu à cause du travail spacieux de la caméra; Bien qu’il exige souvent le type de dessin délicat avec lequel une production modeste comme celle-ci lutte, il permet également à la série de dessiner un pont clair entre la distance physique et émotionnelle. Même sans le directeur des directeurs de la série: (監督, Kantoku): la personne responsable de toute la production, à la fois en tant que décideur créatif et superviseur final. Ils dépassent le reste du personnel et ont finalement le dernier mot. Les séries avec différents niveaux de réalisateurs existent cependant-directeur en chef, directeur adjoint, réalisateur d’épisode de la série, toutes sortes de rôles non standard. La hiérarchie dans ces cas est un scénario de cas par cas. Swingant pour les clôtures comme il l’a fait autrefois, ces fondamentaux peuvent maintenir le type de projet qui aurait pu se débattre dans les coutures autrement.
À la place du directeur du directeur de la série: (監督, Kantoku): la personne en charge de toute la production, à la fois en tant que décideur créatif et dernier superviseur. Ils dépassent le reste du personnel et ont finalement le dernier mot. Les séries avec différents niveaux de réalisateurs existent cependant-directeur en chef, directeur adjoint, réalisateur d’épisode de la série, toutes sortes de rôles non standard. La hiérarchie dans ces cas est un scénario de cas par cas., Les individus qui peuvent faire l’ambition à des productions comme celle-ci ont tendance à être les storyboard et les réalisateurs d’épisode. # 05 en montre autant, que mon autre vétéran du personnel de JC du même cercle dans Yoshiki Yamakawa ; Son degré d’abstraction plus élevé rend les bits de vie quotidiens plus évocateurs et conduit même à une animation plus ludique. Cependant, s’il y a quelqu’un qui amène ses épisodes à un niveau où il mérite une large recommandation (en particulier pour les personnes ayant un goût pour l’anime des années 90), c’est sans aucun doute kiyotaka ohata . À son meilleur, il avait été le plus grand allié de Nishikiori-à la fois en quantité et en qualité de leur travail ensemble. Des plus grands épisodes d’Azumanga et d’autres points forts comme son ouverture emblématique à ces projets plus idiosyncratiques et personnels comme Tenshi ni Narumon; Ohata était toujours là, et il a toujours livré.
Il existe un moyen facile d’illustrer sa situation actuelle: au cours de la dernière décennie, il n’a été que dans une position de contrôle d’un épisode en tant que storyboard et réalisateur 6 fois. L’avantage de cette déclaration, cependant, est que deux d’entre eux étaient précisément dans le soda au citron miel. Sa première scène dans l’épisode # 06 est une déclaration de toutes les qualités que nous avons résumées. Il y a le storyboard évocateur, avec la transition d’une fenêtre étroite qui piège le protagoniste à un avion volant le ciel ouvert; La première, une représentation de sa vie timide jusqu’à présent, la seconde, de son désir d’atteindre de nouvelles destinations maintenant qu’elle est revigorée par son amour. Les silhouettes de couleur unie sont tout droit sorties de ses intros, et la répétition rythmique (coupes de sauts, panneaux de chevauchement constamment) est en quelque sorte encore plus représentatif du style d’Ohata.
Malgré son rameau, l’approche d’Ohata s’avère aussi plutôt atmosphérique. Ses percussions peuvent ralentir juste assez pour établir un rythme décontracté mais encore vivant, où la pose et la synchronisation de la voix et de la voix pour ajouter à la musicalité. Les motifs (comme les panneaux de circulation liés à cette croissance personnelle) et les lieux de mise en page récurrents (レイアウト): les dessins où l’animation est réellement née; Ils étendent les idées visuelles généralement simples du storyboard dans le squelette réel de l’animation, détaillant à la fois le travail de l’animateur clé et des artistes d’arrière-plan. Donnez-lui une structure de rimes similaire au niveau macro, qui souligne comment son groupe d’amis se développe naturellement. Et chaque fois qu’il peut s’en tirer, l’animation comique vous entraîne physiquement il y a quelques décennies. Multiplicité amusante, une danse entre différents niveaux d’artifice et une brillante réutilisation des motifs qu’il a présentés. Après un épisode où le protagoniste se prélasse dans la lumière pour la première fois, le moment où elle est renversée l’amène dans des endroits plus sombres que seul son intérêt amoureux peut sembler éclaircir. De toutes choses, c’est l’avion qui a représenté sa résolution qui couvre le soleil puis s’envole… avec le timing parfait pour la faire apparaître comme la prochaine apparition.
OHATA dans l’épisode n ° 11 commence par un rythme et des règles tout aussi reconnaissables de dessin de dessin; Emmêlant encore plus cette fois, car il trouve des moyens d’insérer la typographie et le VFX avec toute la gamme de diégétiques à fièrement artificiels. Quelques nouvelles rides le rendent encore plus spécial, en commençant par le fait que l’un des plus grands animateurs de tous les temps fait plusieurs apparitions invitées. Takeshi Honda avait pris le monde par surprise en montrant son visage (à peine vu dans l’anime télévisé de nos jours) dans l’ouverture, mais même alors, personne ne s’attendait à l’une des figures les plus renommées de l’animation théâtrale à descendre sur la série elle-même. Le flottement naturel du tissu seul dans de simples plans de pratique suffit à dire qu’il est une race différente.
La deuxième raison pour laquelle cet épisode atterrit avec encore plus d’impact est que c’est peut-être le développement le plus satisfaisant de la relation que vous avez vu progresser pendant presque un cours entier. Honey Lemon Soda avait fait un geste dans le sens d’un lien plus uniforme et réciproque entre ses deux pistes, mais ce n’est pas avant l’épisode n ° 11 que-à travers le sucre exaspérant d’Ohata, vous voyez cela se matérialiser de manière légèrement surréaliste, très mignonne. Cela culmine dans une autre réunion entre la forme inégalée de Honda et la direction savoureuse d’Ohata; Et aussi, une réunion entre deux lycéens qui ont démontré qu’ils pouvaient tous les deux être invoqués. Bien que le contexte ait beaucoup mieux des moments comme cela, le travail d’Ohata dans la série est assez bon pour implorer quiconque à se connecter à tout le moins ces deux épisodes. Si vous étiez dans l’une des œuvres que nous avons mentionnées plus tôt, ou des années 90 à l’anime du début des années 00, ce serait comme rencontrer un cher vieil ami.
J’avais entendu Tokio Igarashi était bon, et Zenshuu # 07 a vraiment montré qu’il était
de l’angle opposé à la recherche d’excellents vétérans, il y a le sentiment de récompense équitable, il y a le sentiment de récompense équivale avait gagné une réputation positive. Ce n’est pas comme si je n’avais jamais vu le travail de Tokio Igarashi auparavant-il y a notamment, il avait participé à la deuxième saison de Vinland Saga , que j’ai trouvé encore plus puissant que son prédécesseur. Bien qu’il ait déjà traversé les chemins, cependant, il n’avait jamais été assez significatif pour que son contribution s’inscrit dans mon esprit; Il convient de noter qu’il n’a commencé que récemment à dessiner ses propres storyboards, malgré les crédits pour nettoyer les autres depuis 2022.
Venu 2025, j’ai finalement eu la chance de vivre quelque chose qui a l’impression que c’est vraiment un épisode d’Igarashi. Ses contributions à zenshuu sont arrivées à l’arrière de l’émission, mais plus tard, cela ne signifie certainement pas moins dans ce cas. L’épisode n ° 07, qu’il a réalisé et conçu, aborde les domaines clés où la série manquait auparavant. Plus important encore, il le fait d’une manière suffisamment convaincante pour que vous ne vous sentiez pas comme s’ils mettaient une bande de pointe sur une plaie ouverte. Pour le dire en termes plus spécifiques: la livraison d’Igarashi parvient à humaniser le protagoniste de Zenshuu, Natsuko Hirose, représentant une série de vignettes des intersections entre sa vie et celles qui ont été touchées par la dernière décennie de Zenshuu. Il existe des directeurs de la série Directeur: (監督, Kantoku): La personne responsable de toute la production, à la fois en tant que décideur créatif et superviseur final. Ils dépassent le reste du personnel et ont finalement le dernier mot. Les séries avec différents niveaux de réalisateurs existent cependant-directeur en chef, directeur adjoint, réalisateur d’épisode de la série, toutes sortes de rôles non standard. La hiérarchie dans ces cas est un scénario de cas par cas. Mitsue Yamazaki et son assistante récurrente Sumie Noro , écrivain kimiko ueno , et bien sûr le créateur préféré de tout le monde Kayoko Ishikawa . Si vous pensiez que nous ne prenions pas cette chance pour partager ses fins emblématiques Aikatsu à nouveau, vous avez tellement tort. L’alternative aurait été de pleurer l’un de ses projets enterrés avec son amie Sayo Yamamoto à la place.
Bien sûr, ce n’est pas comme si les histoires avaient le devoir de présenter des pistes universellement sympathiques. Nous ne traitons pas non plus avec un cas de protagoniste sans conflit fondamentalement convaincant; Le bloc créatif et les attentes qu’elle laisse dans le premier épisode est un point de départ solide… Cependant, elle les laisse en effet derrière, le spectacle n’augmente que de temps en temps à souligner comment sa vie Isekai actuelle énonce une réponse. Sans beaucoup de chimie entre elle et le nouveau casting non plus, vous êtes coincé avec un protagoniste qui est présenté comme tout ce qui est très agréable de passer du temps ni pointé dans sa distanciation des autres. C’est-à-dire jusqu’à l’arrivée de l’épisode n ° 07, montrant qu’elle avait une personnalité de créateur charismatique dans son cœur-celle qui explique pourquoi les gens se sont rassemblés autour d’elle pour créer l’animation (et maintenant, pour sauver le monde) mieux que ses compétences techniques et sa renommée.
Chaque scénario présente un côté légèrement différent de sa personnalité. Bien sûr, elle reste auto-absorbée d’une manière qui rend son auto actuel de manière encore reconnaissante, mais nous voyons pourquoi Natsuko était également un individu magnétique. Encore une fois, ce n’est pas parce qu’elle est bonne à dessiner-le spectacle a déjà tenté de transmettre cela auparavant-mais plutôt à travers sa passion authentique et concentrée qui touche les autres. Le premier cadrage d’amour de ses nouvelles ajoute à la comédie inhérente de la plupart d’entre eux, mais ne vous confondez pas avec un excès d’ironie; Si quoi que ce soit, l’épisode brille dans la façon dont la direction d’Igarashi embrasse sans vergogne le point de vue romantique qu’elle partage avec ceux qui sont attirés dans sa vie. Le second en particulier se démarque, opérant efficacement comme le type de court métrage romantique honnête et simple qui résonne tout de même. Il y a quelque chose à dire sur le storyboard qui se révèle imaginatif et son cadrage et ambitieux dans la technique qu’il exige, mais si franc dans son attrait émotionnel.
Un autre aspect qui vous démarque est le degré de raffinement plus élevé de l’animation, qui n’est pas une qualité que vous sortez naturellement d’un système de production comme Mappa. Ils ont une capacité extraordinaire à attirer des talents capables de produire des travaux flashy et ont atteint une taille qui les rend capables de terminer le travail en toutes circonstances (pas que Zenshuu lui-même était sous une telle contrainte), mais le vernis ne peut pas être pris pour acquis lorsque toute la direction de l’animation régulière (作画監督 作画監督, Sakuga Kantoku): les artistes supervisant la qualité et la cohérence de l’animation elle-même. Ils pourraient corriger les coupes qui s’écartent trop des conceptions s’ils le jugent apte, mais leur travail consiste principalement à s’assurer que le mouvement est à la hauteur tout en ne semblant pas trop rugueux. Il existe de nombreux rôles de direction d’animation spécialisés-mecha, effets, créatures, tous axés dans un élément récurrent particulier. est saupoudré dans les sociétés de soutien maritime douloureuses. Il ne fait aucun doute qu’une grande partie de cela revient aux principaux superviseurs et à leurs assistants- Masahiko Komino et Shuji Takahara en plus de la Kazuko Hayakawa et d’Ishikawa, qui se sentait certainement à l’abri d’un épisode, il est important d’être important. De plus, cette qualité plus subtile ruisse parfois à la même intermédiaire; supervisé par l’une des personnes les plus fiables de l’équipe et avec des crédits structurés d’une manière qui me fait me demander s’ils ont opté pour du papier plus fiable Douga dans des endroits délicats.
igarashi reviendrait plus tard avec un storyboardstory (絵コンテ, ekonte): les coups d’animation. Une série de dessins généralement simples servant de script visuel de l’anime, dessinés sur des feuilles spéciales avec des champs pour le numéro de coupe d’animation, des notes pour le personnel et des lignes de dialogue assorties. Pour l’épisode # 09, cette fois sous la direction de Sumie Noro. Sa première moitié ressemble à l’épilogue à # 07; Encore une autre vignette de quelqu’un qui traverse Natsuko et témoin de l’humanité cachée derrière beaucoup de cheveux et de grognements, ce qui suffit pour laisser une marque en forme de cœur dans sa vie. En fin de compte, cependant, cela ne ressemble pas à une occasion spéciale comme l’offre précédente d’Igarashi-elle n’est pas conçue pour être en premier lieu, comme un travail uniquement pour lui et un battement d’histoire plus rudimentaire. Il était audacieux pour la série de placer un épisode aussi portant plus tard que tard, et je ne suis pas entièrement sûr que c’était la meilleure décision. Ce que je sais, cependant, c’est qu’en soi, c’était une façon adorable d’exprimer le message que l’amour est obligatoire pour le processus créatif. Je suis heureux de pouvoir regarder un épisode si doux par un réalisateur que je connais maintenant pour garder les yeux.
Le plaidoyer obligatoire pour que les gens regardent une animation plus indépendante et alternative
Je ne surprendrai personne en notant que la plupart des gens limitent leur vision de l’anime et de l’animation. Bien que la facilité de partager des vidéos en ligne ait rendu beaucoup plus probable pour les autres de trébucher sur des clips, des projets de diplôme d’étudiants et toutes sortes de courts métrages, ce ne sont qu’une fraction du riche spectre d’animation non commerciale et indépendante. De nombreuses œuvres époustouflantes et profondément résonantes sont projetées dans les festivals de films internationaux mais n’ont jamais partagé sur les plateformes auxquelles tout le monde a accès. On ne comprend pas pourquoi les téléspectateurs gravitent si fortement vers des œuvres commerciales sans accepter ce fait.
pour aussi inconfortable que pour certaines personnes de considérer l’idée, il y a un avantage à cette barrière d’entrée. Pour le dire simplement, nous avons tendance à nous engager avec l’art que nous recherchons de manière proactive d’une manière plus impliquée que ces œuvres qui sont si fortement promues et enracinées dans la culture que nous les consommons presque passivement; C’est le moment où les créations deviennent le mot redouté, le contenu. Bien que je puisse comprendre ce point de vue d’un point de vue philosophique, cependant, je ne peux pas m’abonner en tant que personne qui aime partager des œuvres intéressantes-et en tant que personne qui aime pouvoir les regarder, d’ailleurs.
, mettons quelques noms à cela. Koji Yamamura est l’une des figures les plus importantes de l’histoire de l’animation indépendante, et pourtant je n’ai pas trouvé la chance de regarder son mélange de prose et d’animation par le nom de extrêmement court pour le moment. En raison des conflits d’horaire, dans les récents festivals de films, j’ai réussi à le manquer aux côtés de première ligne ; Techniquement, faisant partie d’une initiative Toho, mais suivant le circuit d’animation alternatif, ce court métrage de Friend of the Site China examine l’acte de créer une animation elle-même. La même chose s’est produite avec la vie ordinaire de Yoriko Mizushiri , lauréate d’un prix Silver Bear au Berlinale 2025. Même si vous faites attention à l’animation sous sa surface commerciale, il n’est pas toujours facile d’attraper même les offres alternatives les plus renommées. src=”https://www.youtube.com/embed/vohpczh-qcw?version=3&rel=1&showsearch=0&showinfo=1&iv_load_policy=1&fs=1&hl=en-us&autohide=2&wmode=tansparent”> [embedded contenu]
Attention, ce n’est pas censé être une histoire décourageante sur l’effort incroyable requis pour regarder l’animation indépendante-c’est le contraire plutôt. Il est indéniable que la distribution inégale peut rendre ces titres plus gênants à accéder. En raison de leurs modèles de libération irréguliers, ils sont également retirés de la fenêtre de pertinence publique attribuée à l’anime commercial. Et pourtant, leur nature les rend également plus sujets aux découvertes qui se sentent personnelles. For all we’ve highlighted their limited availability, they will often get shared in quieter corners that are often just one search away.
This can be illustrated by returning to the previous anecdote: another short film I thought I had missed at a local festival was Nana Kawabata’s The Point of Permanence. Its trailer had caught my attention, and a bit of research indicated that I wasn’t alone; she’s been able to share morphing landscapes that feel like a deity peeking into humanity not just through plain animation, but in exhibits, installations, and books as well. While lamenting that I’d missed a chance to watch her work, I looked it up one more time and noticed two things: one, that she’d been nominated for the Asia Digital Award FUKUOKA, and two, that the site to showcase the winners features the actual works. Stumbling upon a channel that gets just about a dozen views while sharing gems that have limited availability is the type of rewarding experience you can get out of alternative animation, if you put just a bit of interest into it. Don’t be scared to give it a try!
Was Kawabata’s work worth the excitement, though? The answer is clear. The Point of Permanence challenges itself to simultaneously tell the story of the cells that compose a living being, of one individual, and of humanity as a whole. The lines between them are blurred; or rather, weren’t they hazy in the first place? At all levels, we organize ourselves in a similarly orderly fashion, requiring coordinated repetitive action for our collective growth. It’s no surprise, then, that the smallest units inside our bodies seem to have human silhouettes of their own—stylized into universally recognizable stickman figures. They pulsate endlessly, as they navigate systems that are reminiscent of both tiny snapshots of biology and history at large. The awe of life is delivered by instinctively satisfying visuals as clearly as its preoccupations about it become sound, growing more uncomfortable as everything expands and overlaps.
This short film’s triumphs are many and not particularly subtle. Above all else, Kawabata’s work impresses in the way it can stretch the exact same concept for slightly over 10 minutes. The enchanting morphing animation that had already caught my eye in trailers is what kept me glued to the screen for its entire runtime, constantly finding ways to iterate on that seemingly endless cycle. In that progression, you notice its ability to evoke scale and expansion; despite having no objective point of reference, and with drawings that already begin with a high degree of density, it still feels like it takes us from the microscopic to the infinite.
In the end, Kawabata doesn’t seem to interpret this eternal growth that we’ve historically sought (a biological tendency, given the parallels she draws?) as liberating, however. After so much advancement, development, and increases in complexity, the cell of humanity that felt so massive slowly fades into the distance. From this still point of view, it’s actually becoming smaller, trapped into an increasingly tiny dot that it can’t escape from—the point of permanence.
Just by checking out a few more offerings from those recent awards, one can find a few more interesting works; amusingly, that includes one with very similar traits to The Point of Permanence. HuaXu Yang’s Skinny World too draws parallels between the human body and society, specifically to cities, as two meticulously arranged systems of functions. Despite the complex imagery that gives form to those ideas, he’s able to evoke by subtraction and implication as well. This process results in a surprisingly aKarenble, surreal landscape that might leave you wondering if our society is merely replicating animalistic, fleshy behaviors. And if you’re not into this type of arthouse efforts that speak to the senses above all else, you can swing the other way around to Li Shuqin’s To the Moon and Back: an uncomplicated, honest story about processing grief at a point where you don’t quite know that feeling; only its pain, fresh and new.
It’s no surprise that many stories about loss are framed from the eyes of a child. It’s not simply due to those experiences being the ones that stick with us in the long run, but also because the lack of preconceptions about death allow us to explore it without the baggage that we inevitably accumulate later in life. It’s a vision of loss that doesn’t get diluted in thoughts about repercussions that we may not understand. And yet, it’s also materially tied to elements of that small world that surrounds us when we’re young, like a tadpole that we may have raised. What stood out the most about this short film was the creative choice to retain visible remnants of the previous frame when moving to the next one—an attempt to capture a feeling akin to paint-on-glass animation, which is also reminiscent of the marks left by the lives that have left us. Although not strictly autobiographical, it’s a very personal short film in a way that gets across clearly to the viewer.
If we started this corner by acknowledging the barriers of entry to independent animation on a material level, I want to let To the Moon and Back serve as an example that the idea that they’re inaccessible as art is silly. Inscrutable arthouse pieces do exist, and they can be an excellent way to free yourself from dogmatic beliefs about what storytelling should be like; and whether it’s even necessary to tell a story for art to be poignant, for that matter. But at the same time, many of these independent short films are simple, personal tales that resonate through honesty, that become memorable by choosing uniquely fitting styles and techniques that commercial animation would be afraid of. So leave those fears behind yourself and follow artists, keep an eye on festivals and specialized sites, or I don’t know, follow vtubers with a good eye for indie folks. That helps too.
Did you think those were all the animated works that stood out to us? Of course not
Kusuriya no Hitorigoto/The Apothecary Diaries is fundamentally great in ways that should surprise no one now that we’re halfway through its second season. The source material lures you in with a charming cast, whose antics and episodic mysteries are later used to assemble overarching puzzles. Although the scriptwriting ought to be a bit more confident in spots—the dialogue sometimes goes out of its way to reiterate clues—the actual plotting is bold and always very satisfying in retrospect. Our coverage of the first season highlighted those qualities, as well as the understated system of success they built for all directors to shine. Although that remains true, reckless scheduling has caught up to it; a less extreme case than the issues My Happy Marriage has gone through, though similar in nature. Their attempts to smooth over the troublesome schedule by dragging in a capable studio like C-Station to produce one in three episodes past a certain point led to notable results at first, yet gradually less consistent as they too got stuck in a cycle of crunch. Please give them props though, they’ve done more for the series than the credits convey! Great show, solid team, somewhat held back by inexcusable planning. As many other people, Hunter x Hunter 2011 was the TV series that helped me discover Yoshihiro Kanno’s animation. Ever since then, I’ve been following his career on and off, even in the types of shows that you wouldn’t expect from his reputation. For as much as I encourage everyone to broaden their understanding of artists, though, there’s no denying that Kanno shines best in action anime. His timing is forceful, but especially when he’s storyboarding as well, his setpieces have palpable flow. He has a tendency to overwhelm the screen through 2DFX and debris overload akin to the work Nozomu Abe, despite their stylizations being nothing alike. For starters, rather than aiming for Abe’s more picturesque sense of awe, Kanno uses those effects to indicate aspects like directionality; both in an objective way (where do the blows come from?) and subjective ones (how can we use elements like the direction of the rain to indicate a power imbalance?). This is all to say that I’m glad Solo Leveling fans seem to have realized how lucky they are to have him as an action director, because he deserves all the flowers. Although I was reluctant to get around to the third season of Re:Zero when it originally began its broadcast for reasons that now go without saying, I finally binged it in time to watch the final episodes as they aired. The series is in no position to compete with the seamless, immersive quality of the first season’s production, and having replaced series directorSeries Director: (監督, kantoku): The person in charge of the entire production, both as a creative decision-maker and final supervisor. They outrank the rest of the staff and ultimately have the last word. Series with different levels of directors do exist however – Chief Director, Assistant Director, Series Episode Director, all sorts of non-standard roles. The hierarchy in those instances is a case by case scenario. Masaharu Watanabe also makes it struggle to reach the same heights of catharsis for its character beats—he operated on a different level of ambition. Although this results in a bit of a lesser season, I wouldn’t point at the new team (especially not with Haruka Sagawa as the new designer) so much as the arc itself being inherently less resonating; rather obviously so when its grand speech echoes one that carried more weight. It is, however, consistently entertaining to see every volcanic character in its world locked inside the same city after an exposition-heavy season. While Vincent Chansard’s transcendental draftsmanship understandably got the most applause, I’d point to Hamil’s constant appearances and the Archbishop of Lust’s morphing animation as the MVPs. The sequences where she unnaturally regenerates her body are not only technically impressive, but as unpleasant as she ought to be. While I didn’t get around to finishing the show, shout out to Shin Itagaki for his work on Okitsura. I’m not exactly surprised that his reputation among people who aren’t really in the know (or at least aware of his full resume) doesn’t match his ability, and a strangely crafted piece of Okinawa propaganda certainly won’t change that. All that said, I’m always happy to appreciate his work; the circumstances that surround him, though, not so much. His Teekyuu tenure proved that he could take the snappy timing that characterized his animation to the extreme, using posing alone to create an economical masterpiece. However, his eccentric artist blood has constantly pushed him in other directions. Even without citing the most controversial project he was tied to, shows like Kumo desu ga, Nani ka? showcased the type of volumetric ambition that a team like theirs simply couldn’t aspire to without crumbling… which is exactly what happened. Okitsura feels almost like an answer to that: occasionally built upon intricate character arc and bold framing, but willing to abbreviate the movement in classically Itagaki ways. In multiple ways, a romcom not quite like anything else. SK8 Extra Part was finally released a while back, living up to the promise of fun vignettes for the cast. Separated from the first season’s overarching narrative (though hinting at the direction that the sequel’s plot will likely take), those daily life moments range from worthy of a chuckle to very cute. While the ridiculous energy of the original show was its greatest asset, this OVA proves that some relationships have charming enough chemistry to still work in a more low-key situation. Here’s hoping that season 2 lives up to its predecessors, and that Hiroko Utsumi’s friends can show up like they did here. If you’ve been enjoying the combination of Gosho Aoyama‘s work with irreverent, Kanada-leaning animation in YAIBA, I’d strongly recommend watching episode #1155 of Detective Conan. Don’t let that large number scare you: it’s an original, ridiculous gag episode built entirely around the style of Hiroaki Takagi. Neither he nor the ex-Wanpack artists he surrounds himself with are newcomers to the series, but they rarely can go on a rampage with all limiters off in the way they did. The likes of Toshiyuki Sato appeared in the same way they’re doing for YAIBA; unsurprisingly, given that they both offer the possibility to have fun with pose-centric, loose animation. Convergent evolution within Aoyama series, I suppose. A good kind! Otona Precure—a series of spinoffs for the franchise both aimed and featuring adults—has been a mixed experiment. For its undeniable issues, ranging from certain Precure tropes feeling extraneous in this context to a subpar production, the 2023 series Kibou no Chikara was ambitious as well as angry in amusing ways. While I can’t say the same thing about Mirai Days, as it was a more straightforward sequel to Mahoutsukai Precure without much to state, it allowed Yuu Yoshiyama to go more ballistic than ever in the franchise. As the lead animator with a hand in every single highlight, be it from intervening in every step of the process to becoming a link with very interesting guest animators, Yoshiyama elevated Mirai Days’ experience way above what you’d expect from it on paper. What would happen if the Precure grew older? Kibou no Chikara’s answer was about time, the changes in our planet, and adult preoccupations. Yoshiyama delivers a more straightforward answer: they would punch damn hard, because magical girls are cool as hell sometimes. Since we published a lengthy piece about Kenji Nakamura’s entire career not long ago, I didn’t feel the need to talk about the Mononoke movies again; especially not given that they’re meant to be a trilogy which is yet to be completed. That said, the second film led by Nakamura and his right-hand man Kiyotaka Suzuki was recently released in theaters, so I simply want to issue the periodic reminder that you should check out the series. As unique as commercial anime gets, and by comparing each instance of it, a fascinating illustration of Nakamura’s constant evolution.
This has been quite the multi-part marathon about animation we published today, so we’ll be wrapping up here. And remember, if a work that resonated with you strongly wasn’t mentioned here, that must be considered a personal attack that invalidates you and the personality you wrote around a piece of fiction. Or perhaps that’s not how it works and fandom spaces are poisonous, who can tell! For as many things we try to keep track of with a rather omnivorous diet, it’s impossible to watch everything—and it would simply be disingenuous to fake interest in works that haven’t piqued our curiosity.
As always though, feel free to ask about anything else… unless it’s about a certain famous fighter who recently became a kid (again) or a group of dramatic girls who confused bands for therapists, since there are already drafts written for those. I didn’t go insane watching Ave Mujica just to bottle up those feelings, even if that would be very in-character for the series.
I know I said I would leave the raving about Ave Mujica for another day, but can you believe that one of the outstanding music videos they released during its broadcast was produced by Saho Nanjo’s usual team? Featuring the likes of Setsuka Kawahara in charge of the watercolor and sand animation, Haruka Teramoto in charge of the CG and photogrammetry, Kana Shmizu for its photomontages of nightmarish longing hands. Just a few months ago, I pointed at them as one of my coolest creator discoveries in recent times, and here they are in the (so far) series I’ve enjoyed the most in 2025. Nanjo & co have the radical edge (and unconventional choices of technique) you’d associate with avant-garde animation, but also the ability to adapt and capture specific moots that makes them a viable option for commercial, narrative works. They sublimated the band’s gothic aesthetic and the fact that these girls are often more emotion than person into an incredible expressionistic work of animation.
Support us on Patreon to help us reach our new goal to sustain the animation archive at Sakugabooru, SakugaSakuga (作画): Technically drawing pictures but more specifically animation. Western fans have long since appropriated the word to refer to instances of particularly good animation, in the same way that a subset of Japanese fans do. Pretty integral to our sites’brand. Video on Youtube, as well as this SakugaSakuga (作画): Technically drawing pictures but more specifically animation. Western fans have long since appropriated the word to refer to instances of particularly good animation, in the same way that a subset of Japanese fans do. Pretty integral to our sites’brand. Blog. Thanks to everyone who’s helped out so far!
