Kenji Nakamura est un réalisateur d’anime disruptif, unique et véritablement avant-gardiste. Un créateur en constante évolution dont l’état d’esprit a changé il y a 15 ans lorsqu’il a réalisé Kuuchuu Buranko/Trapeze, bien qu’il ait déjà réalisé des œuvres étonnantes à ce stade. Même s’il recherche de nouvelles formes d’expression, cela se ressent encore dans ses nouveaux films Mononoke.
Qualifier Kenji Nakamura de réalisateur d’anime unique est un euphémisme. Vous n’avez pas besoin d’aller aussi loin que son sens du design visuellement radical, ses préoccupations inhabituellement grandes et son esprit simplement perturbateur pour le discerner. En vérité, son éducation et sa relation avec l’animation sont déjà très différentes de celles d’un enfant typique qui dessinait quand il était enfant et admirait les dessins animés qu’il regardait. Comme il l’a admis dans la première entrée de la chronique Febri TALK qui lui est consacrée, Nakamura était un morveux qui méprisait tous les des garçons et des filles de son âge qui appréciaient des passe-temps modestes comme l’anime et le tokusatsu. Ce n’est que lorsque Zambot 3 de Yoshiyuki Tomino lui a ouvert les yeux sur la complexité morale potentielle que l’animation peut contenir qu’il l’a secoué équitablement. Après avoir été déçu que rien ne lui corresponde, c’est la volonté de Hayao Miyazaki de remettre en question les normes de narration qui l’a finalement accroché.
Bien que cela l’ait forcé à admettre qu’il avait en fait un faible pour l’anime, du moins pour ceux qui lui ont parlé, cela n’a pas suffi à influencer sa carrière ; Nakamura est diplômé de l’université et est devenu salarié régulier dans une agence de publicité, ce qui est peut-être aussi loin que possible des actes de créativité perturbateurs. Réalisant des années plus tard que ce n’était peut-être pas le bon choix pour lui, il s’est inscrit à YoAni avant de finalement se lancer dans l’industrie de l’anime au milieu de la vingtaine via un petit studio de support. Comme il l’a mentionné dans la prochaine entrée de son reportage sur Febri, cette carrière d’animateur a été extrêmement courte, car il a rapidement contracté une tendinite et j’ai donc dû renoncer à dessiner autant.
Au lieu de cela, Nakamura est passé au rôle d’assistant de productionAssistant de production (制作進行, Seisaku Shinkou): Effectivement, le rôle de « producteur » le plus bas, et pourtant un rouage essentiel du système. Ils vérifient et transportent le matériel, et contactent les dizaines et dizaines d’artistes nécessaires pour terminer un épisode. Gérant généralement plusieurs épisodes des émissions dans lesquelles ils sont impliqués. Une fois son studio connecté à Toei Animation, il est devenu un pigiste avec des liens de plus en plus forts avec le studio – étant finalement traité comme s’il était un employé, selon ses propres mots. Cela lui a accordé des privilèges qu’il ne devrait pas être censé avoir, comme celui d’assistant réalisateur pour Digimon Adventure 02 : La revanche de Diaboromon ; et nous avons de la chance que cela soit arrivé, car cela a été un moment charnière dans sa carrière. Pour commencer, ce type de traitement de faveur l’a souvent suivi, et il est important de comprendre pourquoi. Nakamura est tout simplement le type de talent spécial qui incite ses pairs et les producteurs à l’œil vif à lui offrir des opportunités qui ne lui seraient normalement pas accordées. Et cela contraste beaucoup avec sa tendance de créateur irrévérencieux et tapageur dans sa jeunesse à écraser les budgets et les projets sans remords.
Il faut regarder pas plus loin que ce projet Digimon pour trouver un exemple parfait de cette dualité. Se voir accorder cette opportunité signifiait, par exemple, qu’il serait autorisé à créer un storyboard. Storyboard (絵コンテ, ekonte): les plans de l’animation. Une série de dessins généralement simples servant de script visuel à l’anime, dessinés sur des feuilles spéciales avec des champs pour le numéro de coupe de l’animation, des notes pour la portée et les lignes de dialogue correspondantes. la vidéo promotionnelle du film, ce qui signifierait son tout premier storyboardStoryboard (絵コンテ, ekonte): Les plans de l’animation. Une série de dessins généralement simples servant de script visuel à l’anime, dessinés sur des feuilles spéciales avec des champs pour le numéro de coupe de l’animation, des notes pour la portée et les lignes de dialogue correspondantes. aussi. Nakamura a fait un excellent travail qui justifierait la confiance placée en lui… mais comme il l’a lui-même admis à Febri, il est allé Ce faisant, il a largement dépassé son budget (surtout à cause de la quantité de CGi qu’il a utilisée) et en a été attentif. Ce statut contradictoire d’enfant préféré et d’enfant à problèmes de l’enseignant l’a sans doute suivi tout au long de sa carrière, en particulier lorsqu’il était encore en train de comprendre les ficelles du métier à cette époque.
Le processus de production de ce teaser a joué un autre rôle clé : cela a exposé Nakamura au travail de Mamoru Hosoda, dont il est tombé par hasard sur les storyboards de Digimon Adventure : Our War Game au studio. Nakamura décrit cette découverte comme une exposition soudaine à une technique si raffinée qu’elle ressemblait à une percée. Il n’est donc pas surprenant qu’il ait modelé ses propres storyboards sur celles-ci. Et il a clairement fait du bon travail, car Hosoda lui-même l’a remarqué et l’invitera plus tard à son prochain projet théâtral. À ce jour, Nakamura attribue toujours à Hosoda non seulement son style, mais aussi son attitude ; l’épine dorsale logique qui permet à ses projets de prospérer dans le chaos plutôt que de s’effondrer vient de l’approche calculée de Hosoda, tout comme sa volonté de faire beaucoup de recherches même si en fin de compte tout ne se transforme pas en matériaux utilisables.
Comme pour contrebalancer l’influence massive d’Hosoda sur lui, l’autre mentor clé de Nakamura est également entré en jeu à cette époque. Bien qu’il ait eu cette opportunité avec Diaboromon, la Toei n’a pas été conçue pour donner des opportunités de réalisation à des étrangers techniques, alors Nakamura a tenté sa chance ailleurs ; il a mentionné à plusieurs reprises dans des interviews qu’il s’était fixé un délai pour diriger un projet entier et que sinon il quitterait ce projet. l’industrie, démontrant qu’il a toujours eu ce désir ardent de créer ses œuvres. Cependant, gravir les échelons est un processus séquentiel, il devrait donc d’abord se faire un nom en tant que storyboarder et réalisateur d’épisodes. À son honneur, son court passage dans ce rôle a été l’un des plus impressionnants que j’ai jamais vu-et cela a beaucoup à voir avec le fait de se promener dans Tatsunoko Productions et de rencontrer Keiichi Satou.
Dans son dernier long métrage de Febri, dédié précisément à cet autre mentor, Nakamura décrit Satou comme un individu très flexible qui joue par l’oreille et a la capacité innée de s’en sortir. Si Hosoda avait été un réalisateur qui construisait logiquement un cadre et lui donnait ensuite une saveur divertissante en supprimant des éléments dont il savait qu’ils n’étaient pas nécessaires – nous connaissons tous son amusant raccourcissement du temps et de l’espace – l’approche de Satou est essentiellement à l’opposé. Dans ses œuvres les plus instinctives, il travaille par addition plutôt que par soustraction, les remplissant à ras bord des idées intéressantes qu’il pourrait avoir sur place ; Nakamura illustre cette nature en expliquant comment Sato lui a confié l’ouverture de The Soul Taker simplement parce qu’il était là et avait l’air suffisamment libre. Finalement, l’identité de Nakamura en tant que réalisateur de série. Réalisateur de la série : (監督, kantoku) : la personne en charge de l’ensemble de la production, à la fois en tant que décideur créatif et superviseur final. Ils surpassent le reste du personnel et ont finalement le dernier mot. Il existe cependant des séries avec différents niveaux de réalisateurs: réalisateur en chef, assistant réalisateur, réalisateur d’épisodes de série, toutes sortes de rôles non standards. La hiérarchie dans ces instances est un scénario au cas par cas. serait un mélange fascinant des deux. Sa prestation a pris Hosoda comme point de départ, alors qu’au niveau du design et de la conception, il envisageait des œuvres à l’échelle de Satou et optait pour son sentiment de densité.
Avant d’en arriver là, le début et le milieu des années 2000 ont été ses du temps pour travailler en tant que réalisateur dans les œuvres des autres ; il a effectivement accéléré cette phase une fois qu’on lui a commencé à se voir confier des storyboards, ce qui a aidé les autres à remarquer qu’il était une personne spéciale. Comme mentionné précédemment, Hosoda lui-même l’avait déjà compris et a donc décidé de l’inviter à son prochain film. Le regarder dessiner des storyboards était instructif… mais cela n’a pas duré longtemps, puisque ce projet se trouvait être la version de Hosoda de Le Château Ambulant qui n’a jamais vu le jour ; l’un des nombreux hauts et bas de la carrière de Nakamura, et certes, un qui n’a pas été du tout auto-infligé.
Comme indiqué dans cette dernière interview de Febri, c’est Satou qui l’a nonchalamment sauvé à l’époque. , prenant pour acquis sa présence au prochain KARAS. Il est facile de dire à quel point il faisait confiance à son élève rien qu’en considérant que le projet – titre du 40e anniversaire de Tatsunoko et donc un gros problème – était le bébé de Satou au point de planifier, rédiger, réaliser et contribuer à presque tous les storyboards. (絵コンテ, ekonte): Les plans de l’animation. Une série de dessins généralement simples servant de script visuel à l’anime, dessinés sur des feuilles spéciales avec des champs pour le numéro de montage de l’animation, des notes pour la portée et les lignes de dialogue correspondantes. Et pourtant, il était prêt à laisser Nakamura se déchaîner pour le premier épisode. puis collaborez également avec lui sur la finale. Leur synergie (qui a certes nécessité que Nakamura reçoive un cours intensif sur le tokusatsu) peut être ressentie dans sa première passionnante, qui vous attire avec son sentiment de mystique, toutes sortes d’astuces de perspective dans le storyboard de Nakamura pour accompagner les questions sur l’identité dans le texte, et une grande bataille CG pour lancer les choses.
À ce stade, vous ne devriez pas être surpris d’apprendre que l’expérience incarnait également la relation difficile de Nakamura. avec studios ; souvent disposés à lui donner une opportunité parce qu’ils sentent quelque chose de spécial, mais tout aussi susceptibles de regretter ses méthodes radicales. C’est dire que Nakamura a été pointé du doigt pour avoir dépassé le budget de sa grande intro, ce qui l’a fait quitter le studio… pour la deuxième fois, alors qu’ils avaient déjà eu des frictions lors de Soul Taker. Depuis lors, Nakamura s’est vu confier plusieurs projets à Tatsunoko (dont un autre anniversaire), et il a également rompu les liens avec eux aussi souvent. Reconnaître sa grandeur sans considérer cet aspect ne donne pas une image complète de Nakamura, et ne vous permettrait pas de comprendre pourquoi l’écart entre ses projets s’est de plus en plus creusé, ni pourquoi ses émissions de télévision ont fini par nécessiter une multitude de réalisateurs d’épisodes avant que cela ne devienne tragiquement. commun.
Malgré cet inconvénient, Nakamura continuerait à recevoir des propositions très attractives, et il est facile de comprendre pourquoi. Vous pouvez retrouver son travail dans des titres comme Kemonozume de Masaaki Yuasa, dont il était en charge du 10ème épisode. Même dans le cadre d’un autre auteur, il est facile de percevoir l’influence de Hosoda dans la manière dont l’épisode est structuré. La répétition est le nom du jeu, notamment grâce à l’utilisation de dou-poji – des mises en page récurrentes. Layouts (レイアウト): les dessins où l’animation naît réellement ; ils élargissent les idées visuelles généralement simples du storyboard au squelette réel de l’animation, détaillant à la fois le travail de l’animateur clé et des artistes d’arrière-plan. cadrer exactement dans la même position pour établir une routine, souvent dans le but d’augmenter l’impact de la voir se terminer. Le mécanique et l’émotionnel se mélangent à travers son rythme ; dans ce cas, il s’agissait de mettre en valeur l’avant et l’après d’une tragédie et de relier les fleurs vues pour la première fois dans un champ récurrent à un acte final accompli par amour mais menant à tout sauf au bonheur.
À À première vue, il est facile de dire qu’il est sensiblement plus sombre que le reste de la série, élevant son sentiment décalé en une ambiance d’horreur discrète et inexplicable. Ce qui est le plus évident à cet égard, c’est le changement dans la composition ; Iriya no Sora est pour l’essentiel un effort ordinaire pour l’époque, mais l’approche de Nakamura est beaucoup plus ambitieuse et impliquée, lui conférant un look flou qui correspond mieux à son humeur (même avec les aspects techniques qui n’ont pas non plus vieilli). C’est le jour et la nuit par rapport au look normal, et c’est un aspect intéressant à garder à l’esprit lorsque plusieurs œuvres de Nakamura ont ensuite abandonné les tendances modernes mettant l’accent sur le post-traitement photoréaliste au profit des looks en cellophane. Plus que d’avoir une seule préférence, il souhaite expérimenter de nouveaux outils (comme le montre également son intérêt pour les éléments 3DCG à l’époque) pour trouver des solutions situationnellement intéressantes.
Plus que ces aspects de surface, et Même au-delà du travail de mise en page extrêmement immersif, c’est l’évolution de ce rythme à la Hosoda qui fait d’Iriya #03 un épisode si fascinant. L’idée de construction par soustraction qu’il a héritée de son mentor s’exprime tout au long de l’épisode, comme dans les charmantes conversations filmées à travers la répétition des allers-retours des interactions des personnages avec le monde. Cette même idée d’établir une routine pacifique pour provoquer de manière choquante sa déstabilisation que vous pouvez trouver dans Kemonozume #10 est présente dans cet épisode, plus clairement dans un plan de casier qui se répète même en lui-même, jusqu’à ce qu’il change. Grâce à ces choix, vous commencez à voir comment Nakamura en fait son propre langage ; une concentration sur les accessoires plutôt que sur les vues aériennes que Hosoda a tendance à utiliser pour son dou-poji, abordant leurs routines matérielles sous un angle différent, tout en déployant la typographie comme autre mécanisme de rythme. Si vous aimez la réalisation intelligente, cet épisode est un incontournable.
Un certain producteur de Toei Animation serait également d’accord avec cette affirmation. Hiroaki Shibata était assistant de production. Assistant de production (制作進行, Seisaku Shinkou): effectivement le rôle de « producteur » le plus bas, et pourtant un rouage essentiel du système. Ils vérifient et transportent le matériel, et contactent les dizaines et dizaines d’artistes nécessaires pour terminer un épisode. Gérant généralement plusieurs épisodes des émissions dans lesquelles ils sont impliqués. Nakamura s’est rencontré à ses débuts autour de Toei, et devenu producteur en 2005, c’est lui qui l’a invité à Iriya. Son pari a été payant puisque comme il s’en souvient encore aujourd’hui, c’est l’excellence de l’épisode 03 qui l’a convaincu d’accorder à Nakamura la direction de la série. opportunité. Cela se manifesterait l’année suivante sous la forme d’Ayakashi, une anthologie d’horreur qui réinventait pour l’essentiel des pièces classiques mises en scène par des vétérans de divers domaines.
Vous ne le feriez pas. Attendez-vous à ce qu’un nouveau venu comme Nakamura s’inscrive dans ce moule, et encore moins qu’il soit celui qui livre le point culminant à travers une histoire originale, et il aurait pu ressentir la même chose ; comme Nakamura et la personne qui serait son bras droit l’ont expliqué dans cette interview Web Animestyle, tous deux d’entre eux ont hésité jusqu’à ce qu’ils subissent des pressions de la part de leurs pairs pour qu’ils acceptent, et n’ont finalement donné leur accord qu’à la condition de travailler ensemble puisqu’ils s’étaient assis ensemble à Tatsunoko.
Le résultat a été Le célèbre conte final d’Ayakashi : Bakeneko, s’étendant sur les épisodes 09 à 11. Bien que les histoires autonomes précédentes aient parfois fait des apparitions dans ce qui est déjà un espace inhabituel à explorer dans l’animation télévisée commerciale, l’approche radicale de Bakeneko ressemble immédiatement à un projet complètement différent. Son engagement envers les stylisations ukiyo-e est aussi approfondi qu’il est lié de manière cohérente à son Cadre de la période Edo et structure classique. Cette esthétique en particulier semblait être une révélation à l’époque: d’une modernité éblouissante pour une mini-série de 2006 construite autour d’éléments 3DCG et de textures numériques, et pourtant, utilisant ces outils pour évoquer des formes d’expression plus anciennes, à la fois en lui donnant l’impression d’être un parchemin. déployant dynamiquement et aplatissant une réalité où tout apparaît comme un élément celluloïd.
Dans Bakeneko, Nakamura vous accueille comme le même réalisateur effronté que ceux cascades de storyboarder à louer. Encore une fois, le rythme s’établit par la répétition, tout comme l’humour. Un aspect pour lequel il est particulièrement doué est de lier ces moments récurrents à des effets sonores et à des textes spécifiques qui se déroulent de manière étrangement satisfaisante, ce qui transforme ces éléments mécaniques en un autre aspect agréable de la prose audiovisuelle de Nakamura.
Le même réalisateur qui était si intéressé par l’exploration des possibilités de l’animation CG-et si disposé à faire exploser le budget de manière imprudente dans le processus-est visible à travers ses séquences d’action, qui combinent un sens délibérément chaotique de l’espace 3D avec une expression traditionnellement excellente. travail. Grâce à la tapisserie fantastique et fermée qui constitue le décor, Nakamura et sa compagnie sont capables de désorienter un peu le spectateur sans briser aucune réalité ; le niveau d’abstraction par défaut est trop élevé pour s’opposer à ces sursauts chaotiques. Ces décors font un excellent usage d’une arme qu’il n’a pas toujours été capable de conserver : les formidables prouesses en matière d’animation des animateurs adjacents à la Toei et des stars associées à l’époque, avec une mention spéciale à un certain Takashi Hashimoto.
Bien que surtout connu pour son expertise en matière d’effets, Hashimoto (avec qui Nakamura avait déjà collaboré dans des projets comme KARAS) a eu l’opportunité d’agir en tant que concepteur de personnages et artiste conceptuel pour cette œuvre-un rôle qui a eu tellement de succès qu’il a également occupé un rôle similaire dans les 3 projets suivants de Nakamura. Bakeneko, et par extension l’émission télévisée fraternelle qui la suivrait, était également à bien des égards le bébé de Hashimoto ; non seulement il a défini ce look nerveux de ses personnages qui leur permet de se transformer en êtres surnaturels comme s’ils étaient 2DFX également, mais il a également eu la tâche délicate de transformer les idées abstraites de Nakamura en quelque chose de tangible qui pourrait être compris par le reste de l’équipe et le public.
Hashimoto s’en souvient il y a quelques années-malheureusement, il l’a fait au milieu d’une guerre civile au sein de l’équipe d’origine qui a précédé sa création. Projet du 15e anniversaire, qui a atteint des niveaux sans précédent de méchanceté publique. Ce qui a commencé avec des accusations de trahison planifiée pour le retirer du projet et de travail non rémunéré a pris une tournure plus sombre avec la révélation de problèmes de santé personnelle (physique et mentale) avec l’implication du producteur Koji Yamamoto ; c’est-à-dire le visage de noitaminA et l’un des plus grands alliés de Nakamura à cette époque avec Fuji TV et plus tard via Twin Engine. La situation était déprimante et rendait toutes les personnes impliquées plus mauvaises, mais en raison de la nature sensible du sujet, je préfère ne pas me concentrer sur lui au-delà d’un fait indéniable: Hashimoto faisait autrefois partie intégrante de la matérialisation du chaos de Nakamura de la manière mémorable que nous avons tous. je me souviens, mais cette relation n’a pas eu une fin nette. Si vous savez à quel point Hashimoto avait préconisé d’accorder une suite à la série, ce résultat est une énorme déception.
Ignorant ce qui allait finalement se passer, le travail de cette équipe dans l’arc final d’Ayakashi a établi une formule pour que convaincant qu’il n’est pas surprenant qu’ils aient rapidement pu réitérer cela. Le rythme caractéristique du réalisateur, utilisant des plans récurrents et des portes coulissantes pseudo-diégétiques respectivement comme virgules et points, vous guide à travers des mystères surnaturels avec une touche d’horreur. Celui qui est chargé de les démêler est un vendeur de médicaments errant, un personnage mystérieux qui formule la méthode de résolution qui devient synonyme de cette œuvre: il faut découvrir la forme, la vérité et la raison d’un incident surnaturel avant de pouvoir exorciser le l’esprit derrière tout cela.
Comme c’est souvent le cas dans les contes sur le thème des yôkai, ce sont les méfaits humains qui génèrent les sentiments sombres qui alimentent ces incidents surnaturels, le vendeur de médicaments doit donc aider à traiter ces événements légitimes. l’indignation aussi.”Ce sont les humains qui ont fait de vous ce que vous êtes”est le texte qui accompagne le meurtre du titulaire bakeneko, ce qui nécessairement implique de rendre hommage aux victimes réelles à l’origine de cette histoire.
Et donc Nakamura, qui avait déjà décroché ce poste parce qu’un producteur était amoureux de son style, a livré une première réalisation de (mini) série si élégante qu’il a rapidement décroché son successeur: Mononoke de 2007, une émission télévisée complète consacrée aux aventures du vendeur de médicaments. S’adressant à Animestyle pour le numéro 008 plusieurs années plus tard, Nakamura a fait allusion au fait qu’il ne se sentait pas comme s’il s’agissait d’une véritable suite ; la courte durée d’Ayakashi le faisait même ressembler davantage au réalisateur à un pilote, faisant de cette émission télévisée la première représentation pleinement réalisée de ce concept.
Comme vous le verrez si vous suivez sa carrière à partir de là À partir de là, ou en consultant ses interviews dans lesquelles il n’hésite pas à aborder le sujet, il s’agit d’une distinction assez importante à son avis. Après tout, assumer le rôle de réalisateur de série. Directeur de série : (監督, kantoku) : la personne en charge de l’ensemble de la production, à la fois en tant que décideur créatif et superviseur final. Ils surpassent le reste du personnel et ont finalement le dernier mot. Il existe cependant des séries avec différents niveaux de réalisateurs: réalisateur en chef, assistant réalisateur, réalisateur d’épisodes de série, toutes sortes de rôles non standards. La hiérarchie dans ces instances est un scénario au cas par cas. a donné à Nakamura suffisamment de pouvoir pour doubler une idée qui lui est clairement naturelle: toujours créer quelque chose de vraiment nouveau. Toutes ses œuvres sont soit entièrement originales, soit une version si révolutionnaire de l’histoire de quelqu’un d’autre qu’elles pourraient tout aussi bien l’être. S’il est un jour en mesure de réaliser une suite, c’est une condition préalable non négociable qu’il ait une nouvelle idée à transmettre. Le fait que Mononoke TV soit une simple continuation stylistique et thématique d’Ayakashi est donc une preuve supplémentaire que c’était encore une affaire inachevée pour lui.
Cette idée selon laquelle les œuvres de Nakamura contiennent un message spécifique qu’il veut toujours transmettre. Se sentir frais est également essentiel pour comprendre l’évolution de sa carrière. Dans une autre interview avec Animestyle, cette fois pour le numéro 005, le réalisateur a admis se sentir conscient d’exprimer ses pensées ; car même s’ils résonnaient abstraitement dans l’ensemble de l’œuvre, épeler le message revenait à admettre sa défaite. Nakamura l’a résumé de manière amusante en disant qu’il créait des œuvres en forme de beignet ; créer un moule dans lequel vous pouvez deviner intuitivement la forme, mais sans procéder au moulage de manière explicite, car il préfère écrire autour de son message plutôt que de le transmettre de manière directe.
Cette approche a fait de Mononoke l’un des les œuvres les plus stimulantes qui soient. Le style de son prédécesseur est affiné, étendu au grand écran et testé cette fois-ci sur des paramètres plus diversifiés, bien qu’ils soient tous inévitablement abstraits sous un angle similaire, ce qui permet à leur équipe de faire preuve d’inventivité lorsqu’il s’agit de rendre de nouveaux concepts et idées. Combiné au rythme séduisant pour lequel le réalisateur était connu, cela transforme le spectacle en une succession de pauses convaincantes et d’explosions d’énergie exaltantes qui suivent la formule de Bakeneko ; d’ailleurs, cet arc est réinventé dans la vignette finale de Mononoke, ce qui donne à l’émission télévisée l’impression d’être l’expression complète de la vision du réalisateur. Pas un spectacle qui rend rétroactivement sans objet la forme originale de Bakeneko, mais un spectacle digne d’être considéré comme la version définitive de ce concept.
Sur le plan thématique, le refus du réalisateur d’énoncer la conclusion en fait également une expérience satisfaisante. ; c’est un spectacle qui exige que vous y parveniez au milieu, mais qui récompense cela. Il s’avère que beaucoup de gens ont ressenti cela: Mononoke a été, malgré ce à quoi on aurait pu s’attendre pour une œuvre aussi idiosyncratique, un grand succès. Son audience élevée et ses ventes de DVD très remarquables sont un excellent exemple d’un phénomène que nous avons exploré auparavant: noitaminA a sans doute connu son plus grand succès lorsqu’il s’est engagé à rester un débouché alternatif, à la fois pour un public rarement satisfait (comme les personnes plus âgées) femmes) et pour des créateurs d’avant-garde comme Nakamura et Yuasa. Comprendre le succès de Bakeneko et Mononoke n’est pas seulement important de comprendre pourquoi on leur a accordé une trilogie théâtrale entière pour célébrer son 15ème anniversaire (17ème au moment de la sortie du premier) mais aussi comment cela a immédiatement affecté la carrière du réalisateur..
Comme nous l’avons mentionné plus tôt, l’ambition de Nakamura lui avait valu une réputation de menace pour le budget ; et avoir été promu chef de projet n’avait fait qu’augmenter son niveau de dangerosité, d’autant plus qu’il en profitait pour s’opposer encore plus aux normes de production. Et pourtant, il venait de décrocher un succès, avec désormais plusieurs producteurs à ses côtés. Cela pourrait vous aider à comprendre comment il a fini par diriger une adaptation des œuvres de l’auteur populaire Hideo Okuda, qui, parmi de nombreux autres genres, s’est essayé à la psychologie pop pour sa série Psychiatrist Irabu. Ces livres à eux seuls ont donné naissance à un film d’action réelle (In the Pool, 2005), à deux séries télévisées (Kuuchuu Buranko en 2005 et Dr. Irabu Ichirou en 2011), à des pièces de théâtre et même à des réinterprétations à l’étranger. Sans faire sensation auprès du grand public, c’était le titre assez populaire auquel on pouvait lui confier.
À la manière de Nakamura, sa version de la série sous la forme de Kuuchuu Buranko de noitaminA/Trapeze ne ressemblait à aucun autre. Malheureusement, le pendule de la popularité est revenu en arrière et l’a frappé au moment où il était le plus confiant ; dans l’interview Animestyle 008 susmentionnée, il explique qu’il pensait avoir inventé un nouveau genre et qu’il était ravi, puis s’est rendu compte que la réaction à son innovation n’était pas géniale. Remarquez que Nakamura avait parfaitement raison de penser que Kuuchuu Buranko explorait un nouveau terrain ; le spectacle se déroule dans un monde très réel comme tordu à travers un filtre pop-art, avec des des foules découpées en papier et des designs réalistes qui à devenez un pseudo rotoscope dessiné ou des des êtres d’action en direct. C’est un rêve fébrile comme peu d’animes commerciaux ont osé l’être, même parmi le répertoire de Nakamura.
Son approche transformatrice s’étend également à la structure de la série. Le ciment qui unit le travail d’Okuda a toujours été le docteur Irabu: un psychiatre sordide que différents patients fréquentent à travers ses anthologies, qui renverse l’idée de s’aider soi-même via son attitude méchante et son refus total d’agir selon le protocole et les normes sociales. Bien que Nakamura adoucisse un peu son personnage par rapport aux romans, il déforme l’idée du médecin de manière intéressante en lui donnant trois formes qui correspondent au Ça, au Moi et au Surmoi de Freud ; l’un est l’ours coloré qui a tendance à être enfermé dans sa clinique au sous-sol de l’hôpital, l’autre est un jeune enfant avec une peluche familière et un un jeune adulte avec ces mêmes oreilles.
Irabu apparaît sous différentes formes et situations, suivant les patients d’une manière qui vous vous demandez s’il existe même-et cela vous amène également à vous demander qui souffre de psychose la plus inquiétante, puisque son perversion mène à un stock absurde séquence où tous les patients reçoivent des injections de vitamines juste pour justifier leurs pulsions. Bien qu’il soit enfantin, arrogant, égoïste et dangereusement impulsif, Irabu remarque également très vite à quel point les pressions sociétales sont la cause (ou du moins l’amplificateur) de nombreuses maladies mentales. Sa méthodologie radicale tend donc à s’orienter vers la résolution des points de friction, qu’ils soient internes ou avec leur environnement ; quelque chose qui, à son avis, implique parfois un peu de terrorisme intérieur.
Exprimer le psychisme de ces patients commence par un autre choix judicieux au niveau du design : leur donner une tête d’animal colorée qui correspond à leurs problèmes spécifiques. , qui sert d’avertissement visuel (sans jeu de mots) lorsque leurs problèmes éclatent. L’épisode n°05, brillamment scénarisé par l’ami de Nakamura, Kiyotaka Suzuki, tourne autour d’un collègue psychiatre qui souffre du succès. Il est marié à la fille du directeur d’un hôpital et vit actuellement dans leur manoir, se sentant ainsi obligé de s’adapter à la grande vie de quelqu’un d’autre. Ses envies de se déchaîner et le mécanisme d’autodéfense qui s’adapte avec force à l’environnement s’expriment alors par se transformant occasionnellement en caméléon. —jusqu’à ce que l’influence d’Irabu lui permette enfin d’être lui-même à la maison, ce qui améliore la vie de famille de chacun. D’un autre côté, l’épisode 02 se concentre sur un homme dont les sentiments non résolus pour son ex-femme ont conduit à un problème physiologique très différent. Pas besoin d’expliquer pourquoi il devient un rhinocéros avec une magnifique corne, je crois.
Comme vous Je peux le dire maintenant, Kuuchuu Buranko est une série très comique. Cependant, entre le sujet et la renommée du titre, Nakamura a ressenti une pression qu’il n’avait jamais ressentie auparavant. Dans cette interview avec IT Media, le réalisateur explique pourquoi il a décidé d’être particulièrement prudent sur ce thème: un de ses proches était déjà décédé à cause de problèmes de santé mentale. Nakamura considérait les émissions de télévision comme quelque chose que n’importe qui pouvait regarder avec désinvolture à tout moment, ce qui était particulièrement vrai d’une machine à sous comme noitaminA qui visait à attirer les téléspectateurs non principaux d’anime. Et si quelqu’un peut entrer nonchalamment dans votre monde, ne devriez-vous pas faire preuve de tact face à un problème qui peut avoir des conséquences aussi sombres ? Concilier qu’avec son désir de faire quelque chose de brillant et d’élever a été l’un de ses plus grands défis.
L’une des stratégies pour concilier la comédie avec la gravité de ces thèmes, en plus de se concentrer sur des conditions moins lourdes, était l’inclusion de Fukuicchi. Ce drôle de dessin animé qui intervient toujours pour donner des conseils, complimente Irabu à parler de la psychologie, ou le contredit carrément quand il dit que quelque chose de trop scandaleux est l’avatar d’un véritable annonceur plutôt populaire chez Fuji TV. Nakamura l’a déployé de son sens des responsabilités, mais aussi comme une autre façon de moduler le rythme de manière amusante-vous ne savez jamais quand il peut se remettre.
Pour y parvenir, Nakamura s’est appuyé sur des recherches approfondies. Il avait précédemment vu le dévouement de Hosoda pendant la pré-production, et il a donc appliqué la même ferveur à interviewer des psychologues, des patients et des recherches suffisamment pour réaliser que la plupart des informations sur la santé mentale qu’il verraient à la télévision ou circulant en ligne étaient obsolètes. Il a dit autant à Noitamina eux-mêmes , dans une interview où il établit Kuuchuu Buranko comme un tournant pour toute sa carrière en toute sa carrière. Il déclare que les personnes atteintes de maladies mentales ne sont pas faibles ni désespérées, et que si quoi que ce soit, ce sont des canaris dans la mine de charbon de la société. Et c’est le motif qu’il a brillamment construit toute l’adaptation.
L’une des plus grandes astuces exécutées par Nakamura and Sies Composer Manabu Ishikawa -une autre connexion Tatsunoko qui a malheureusement réussi l’année dernière l’année dernière-devait trouver des points de connexion entre tous les patients. À l’origine, toutes les histoires étaient autonomes, mais l’anime place constamment les protagonistes excentriques d’autres épisodes de l’aventure que vous suivez actuellement. Pour commencer et malgré le partage du titre avec un livre spécifique d’Okuda, l’équipe a retiré les histoires de toutes les aventures publiées d’Irabu à l’époque. Bien que le résultat ne soit pas le type d’histoire sappy où absolument tout le monde se rassemble à la fin, de nouvelles amitiés se développent à travers la série, et vous voyez les effets positifs que les environnements peuvent avoir sur votre psyché si nous sommes tout simplement plus respectueux et conscients de autres. Ceci est exprimé à travers la langue audiovisuelle sauvage de l’émission, avec toutes les astuces que nous mettons en évidence depuis ses travaux précédents. Et pour une raison quelconque, un certain oiseau continue de voler depuis la première fois que nous sommes entrés dans le bureau d’Irabu.
Il est probable que vous ne fassiez pas vraiment attention aux Canaries de Kuuchuu Buranko. Ils apparaissent de manière cohérente mais brièvement, dans un spectacle qui regorge de visuels uniques qu’un oiseau ne se démarquera pas. Lorsque la direction troublante de Nakamura ouvre la finale avec un canari mort, les choses commencent à tourner. Un cas précédent est revisité du point de vue du père, qui éclaire la façon dont c’était sa négligence envers les problèmes de sa famille et leurs appels à l’aide qui ont fait le plus de dégâts.
Sa position éloignée et insouciante est brillamment représenté comme enfantine et finalement auto-damageant aussi à travers la répétition que Nakamura était devenue si bonne à utiliser. Alors que l’animation 2D de l’émission est rarement une merveille technique, les goûts de Yuki Hayashi, Masashi Kudo , et même le maître Takeshi Honda lui-même semblent souligner la nouvelle thèse de Nakamura pour cette œuvre: La voix de sa famille qu’il a négligé d’écouter tout le spectacle était les Canaries de la mine de charbon dont il a essayé de fuir. En tant que société, nous devons les écouter, non pas comme des faibles qui tombent en premier, mais comme des héros par rapport à ceux qui ferment les yeux sur les problèmes et les minimisent. La déclaration finale de l’émission revient à tous ceux qui ont eu une sorte de problème de santé mentale, leur disant qu’ils sont aimés et que Nous avons tous été là à un moment donné .
Maintenant, cet angle n’était pas nouveau pour Nakamura; Ce n’est pas une coïncidence que les victimes de Mononoke avaient tendance à être des individus privilégiés, car le réalisateur a utilisé le cadre fantastique pour tirer des systèmes de pouvoir déloyaux. Par rapport à l’attitude cryptique, il a retenu à l’époque, cependant, le sens des responsabilités qu’il ressentait à partir de Kuuchuu Buranko a rendu son message beaucoup plus direct et explicite. Ses préoccupations à l’égard des problèmes sociétales sont également devenues plus centrales, étant souvent au cœur même de ces œuvres.
Encore une fois dans Noitamina à l’époque toujours libre, ses inquiétudes concernant l’économie-alimentés par le Financière mondial crise-amené à [c] l’argent de l’âme et du contrôle des possibilités . Bien que beaucoup plus désagréable que son prédécesseur, les recherches de Nakamura non seulement avec les experts en finance, mais avec des organisations à but non lucratif qui s’opposent au système actuel, ont montré un intérêt à déterminer comment l’économie (encore abstraite en batailles ridicules) affecte les personnes réelles.
Pour ses prochains spectacles, c’était l’idée de la communauté qu’il a le plus exploré. Tsuritama est né grâce à un producteur Aniplex lui demandant de faire un spectacle sur l’adolescence avec un casting masculin, mais ce n’est que lorsqu’il a trouvé cet angle qu’il a cliqué pour le réalisateur. Comme certains personnages sont excentriques, la diversité est censée incarner de vrais groupes d’amis, tandis que des aspects comme l’enracinement physique dans le cadre d’Enoshima lui donnent une saveur authentique. En termes de livraison de ces idées, il convient de souligner que sa direction plus discrète a été une expérience réussie de Nakamura. Ce rythme unique de ses travaux précédents est quelque chose qu’il appelle la direction rythmique, avec des motifs et des changements calculés mais frappants, tandis que Tsuritama serait une direction mélodique; Un flux naturel, qu’il ressent un anime moderne ne tient pas compte et donc il se sent plus enclin à utiliser maintenant. Si nous regardons son évolution, c’est un autre changement à garder à l’esprit.
Lorsque vous réinventez une autre icône de Tatsunoko pour foule gatchaman , Nakamura a fourni un autre exemple de son intérêt pour les communautés-Et aussi à quelle vitesse sa posture peut changer. Au cours du tremblement de terre et du tsunami de Touhoku 2011, Nakamura a observé comment Internet a permis aux individus de construire le type de systèmes transversaux d’aide que le gouvernement ne fournit pas nécessairement. En conséquence, les aventures de son groupe de héros animées ont une vision optimiste des communautés en ligne… qui s’écroule au moment de sa suite Gatchaman Crowds Insight . Plutôt que de réfuter son prédécesseur, Nakamura a marqué la prolifération des fausses nouvelles et la culture de réactions immédiates et bruyantes à la nouvelle lui faisaient éclairer l’autre côté de la médaille. La perspicacité est un avertissement contre le pouvoir des médias de masse et de suivre le flux, repoussant la croyance de l’unité comme un bien absolu; Après tout, il est souvent alimenté par des pressions intangibles par les pairs et peut faire des dégâts en étouffant des pensées individuelles.
que la réflexion a accompagné Nakamura à ce jour, tout comme les difficultés de travailler avec lui-l’écart de 2015 et 2024 entre les écarts entre les écarts entre les écarts entre 2015 et 2024 entre les écarts entre les écarts entre les 2015 et 2024 entre les écarts entre les écarts entre 2015 et 2024 entre les écarts entre les écarts entre 2015 et 2024 entre les écarts entre les écarts entre 2015 et 2024 entre le fossé entre les écarts entre 2015 et 2024 entre le fossé entre les écarts entre 2015 et 2024 entre les écarts entre 2015 et 2024 entre les écarts entre 2024 Entre Ses projets sont assez révélateurs à cet égard. Le réalisateur a dû quitter infini-t Force en 2017, qu’il était initialement censé diriger plutôt que son élève Suzuki. Un projet original qui est dans les travaux depuis 2018 , finalement Adopter le nom de code yotogi , n’a jamais réussi à se matérialiser. Même parmi ces titres qui sont sortis, les choses n’étaient pas nécessairement faciles; Crowds était un cauchemar de production notoire rivalisé par C, et la stabilité plus élevée de Tsuritama (qui ne pouvait pas l’empêcher de frapper un mur de planification à la fin) n’a été obtenue que parce que les images A-1 ont établi un «système de Nakamura» pour se protéger de ceux Problèmes récurrents.
Lorsque les étoiles s’alignent, cependant, Nakamura prouve qu’il a toujours cette touche spéciale. Et il le fait d’une manière qui maintient cette position générale envers son rôle de directeur qu’il a adopté avec Kuuchuu Buranko. Si vous lisez l’un des le Dozens de Interviews que le Directeur a donné Pour mononoke le film -une trilogie, il a commencé à publier cette année pour aboutir à ses célébrations du 15e anniversaire— Ensuite, vous avez certainement été informé des préoccupations sociétales le motivant cette fois. Bien qu’il ait initialement envisagé d’explorer à nouveau le thème de la pression des pairs, la façon dont cette idée a été utilisée au sommet de la pandémie lui a donné envie de trouver un autre thème sur lequel se concentrer. En fin de compte, il s’est installé sur l’erreur de la composition .
En termes socio-économiques, Nakamura voit que ce concept à son plus clair dans l’application de politiques comme l’austérité. Ils sont censés être bons pour l’économie et donc tout le monde, et pourtant, un impact clairement sur les gens au niveau individuel, ce qui crée un décalage dangereux. À l’époque où il a dirigé Mononoke TV pour la première fois, il s’est limité à la recherche de ces voix individuelles et à les faire se sentir entendus. Maintenant qu’il est plus facile d’être entendu à cause d’Internet, cependant, il prétend vouloir les apaiser et peut-être suggérer des solutions aussi.
si cet objectif ambitieux réussira ou non est quelque chose que nous aurons attendre la fin de la trilogie pour le découvrir, mais pour l’instant, nous pouvons déjà dire que la livraison de Nakamura est toujours aussi envoûtante; Et pourtant, ce n’est jamais exactement comme c’était auparavant. Comme pour faire un point sur son évolution constante, le réalisateur revient à un titre précédent et retourne suffisamment d’éléments pour lui donner une saveur complètement différente. Il révèle que le vendeur de médicaments cette fois-ci est un individu différent-et qu’il y en a d’innombrables-n’est que la pointe de l’iceberg. Tout en visant ce look ukiyo-e, il est clair dès le départ que nous sommes look at parchemin avec way Brighter pigment . Les lignes elles-mêmes sont devenues Hokusai Blue, insufflant à l’Irotore le thème de la série.
Le changement le plus radical, cependant, est à nouveau lié au rythme. Plus que jamais auparavant, l’équipe de Nakamura vise un surmenage sensoriel avec une première entrée dans la trilogie qui contient 2600 coupes dans environ 90 minutes”de runtime ; Ce qui se traduit par environ deux fois plus que beaucoup d’entre eux qu’un film régulier aurait, avec la plupart des coupures qui durent quelques secondes et n’allant que jusqu’à 10. Bien que Mononoke ait toujours été une expérience intense, elle s’est permis d’être méthodique à des points-son style unique Le gardé visuellement engageant malgré tout-avant ses moments d’accélération, mais cette nouvelle prise augmente sa base et accélère encore plus dans les moments culminants. Pour s’adapter au mieux au format théâtral, ceux-ci ont tendance à être définis dans des endroits plus larges que le spectacle original, ce qui fait des décors passionnants (si chaotiques). Même maintenant, Nakamura prouve qu’il peut changer la saveur de tout ce qu’il touche.
Si vous vous inscrivez pour regarder quelque chose dirigé par Kenji Nakamura, il y a de fortes chances que cela ne se sente que différent de tout ce que vous avez vécu auparavant. Le réalisateur lui-même poussera instinctivement dans cette direction, même en rares occasions où il reviendra à un titre précédent-comme nous l’avons vu avec le changement fondamental de rythme pour Mononoke. Tout comme les manifestations audiovisuelles en constante évolution des idées du réalisateur, son propre état d’esprit peut changer si rapidement qu’il atteindra une vision assez différente de l’humanité entre un projet et le prochain. En ce sens, un titre comme Trapeze se distingue comme particulièrement spécial même parmi ses œuvres uniques. Alors que les gens comme le vendeur de médecine ont eu un héritage plus fort parmi ses téléspectateurs, c’est le docteur fou Irabu qui a changé la façon dont Nakamura perçoit son rôle et ses responsabilités en tant que directeur de l’animation. Et vous savez quoi, laisser une telle empreinte sur l’une des figures les plus notables de l’animation japonaise est tout à fait l’exploit”> Soutenez-nous sur Patreon pour nous aider à atteindre notre nouvel objectif pour maintenir les archives d’animation à Sakugabooru, Sakugasakuga (作画): dessinant techniquement des images mais plus spécifiquement d’animation. Les fans occidentaux ont depuis longtemps approprié le mot pour se référer à des cas d’une animation particulièrement bonne, de la même manière qu’un sous-ensemble de fans japonais. Assez intégré à la marque de nos sites. Vidéo sur YouTube, ainsi que ce Sakugasakuga (作画): dessinant techniquement des images mais plus spécifiquement d’animation. Les fans occidentaux ont depuis longtemps approprié le mot pour se référer à des cas d’une animation particulièrement bonne, de la même manière qu’un sous-ensemble de fans japonais. Assez intégré à la marque de nos sites. Blogue. Merci à tous ceux qui ont aidé jusqu’à présent!
