Directeur de sérieRéalisateur de série : (監督, kantoku) : personne en charge de l’ensemble de la production, à la fois en tant que décideur créatif et superviseur final. Ils surpassent le reste du personnel et ont finalement le dernier mot. Il existe cependant des séries avec différents niveaux de réalisateurs: réalisateur en chef, assistant réalisateur, réalisateur d’épisodes de série, toutes sortes de rôles non standards. La hiérarchie dans ces instances est un scénario au cas par cas. Midori Yoshizawa a inauguré une nouvelle ère de créativité visuelle dans la série Monogatari qui est en synergie avec ses thèmes du temps, de l’identité et de la création. Et pourtant, aussi fraîche que puisse paraître la franchise, son équipe et le récit sont d’accord : la croissance nécessaire vers l’avenir ne devrait pas fermer les yeux sur son passé.
Il y a sept ans, nous a publié un article sur les époques distinctes de la franchise Monogatari, correspondant aux réalisateurs de la série qui ont dirigé le projet aux côtés du leader du studio, Akiyuki Shinbo. À lui seul, le studio SHAFT arbore déjà un style reconnaissable, qui est encore affiné pour formuler une approche visuelle de cette série que vous ne pourriez confondre avec aucune autre. Même ceux qui ne regardent pas Monogatari peuvent facilement reconnaître une capture d’écran de la série dépourvue de contexte, car son monde riche en texte, hyper-stylisé et souvent désolé est indubitable. Bien que cela puisse paraître quelque peu restrictif, les plus grandes œuvres du studio démontrent que leur identité permet aux équipes d’établir facilement un cadre de créativité, plutôt que d’agir comme des règles qui dictent inconsidérément leurs choix artistiques. Les lettres peuvent être familières dans leur catalogue, tout comme les mots de Monogatari à un niveau plus spécifique, mais les phrases que chaque réalisateur a enchaînées sont distinctes et ont donc leur propre attrait.
Pour mettre ceux différences de manière plus tangible, vous pouvez simplement comparer chacune de ces époques de réalisation d’un point de vue audiovisuel. En comparant le travail de Tatsuya Oishi avec celui de Tomoyuki Itamura, vous seriez rapidement en mesure d’identifier leurs propensions stylistiques, non seulement comme des bizarreries personnelles, mais comme un moyen de s’adapter. une série si gênante. Des diverses utilisations par Oishi des séquences d’action réelle aux plans de réaction à la culture pop d’Itamura, il y avait de nombreux choix qui, s’ils n’étaient pas entièrement exclusifs à leur époque, étaient de plusieurs ordres de grandeur plus répandus sous ces dirigeants créatifs spécifiques. Et pourtant, ces périodes n’étaient pas non plus parfaitement monolithiques. Cela était particulièrement vrai pour Itamura, qui a été propulsé dans la franchise en tant que novice et a ensuite occupé le mandat le plus long de l’histoire de Monogatari, développant son propre lexique visuel en cours de route ; des entrées tardives comme Owarimonogatari ont montré ce qu’il y avait de mieux, à travers des choix tels que les textures du papier, les interstitiels du texte, ou les marqueurs de chapitre sur mesure contrairement à la typographie cohérente qui l’a précédé.
Même pour un Vétéran magistral comme Oishi qui n’a pas eu à grandir de la même manière entre Bakemonogatari et Kizumonogatari, il y avait toujours un contraste clair entre l’utilisation effrénée du photoréalisme entre les deux. Dans le premier cas, cela se manifestait par des rafales de séquences d’action en direct qui donnaient une tournure troublante à un moment sérieux ou vous prenaient au dépourvu pour un gag rapide et emphatique. Dans le tout premier arc de la série, l’histoire sensible de Senjougahara s’appuyait sur ces stylisations pour rendre des sujets tels que les abus plus viscéralement inconfortables – tel est l’effet d’altérité inhérent aux images réelles lorsqu’elles sont insérées dans une animation par ailleurs très stylisée. Dans le même temps, ces clichés servaient à faire abstraction des détails les plus explicites de son passé traumatisant et à épargner son intimité. À partir d’un vecteur complètement différent, Kizu a construit toute son esthétique autour d’un environnement CG photoréaliste qui contrastait fortement avec les cellules d’animation. De cette façon, il incarnait visuellement le sentiment de non-appartenance du protagoniste, qui n’est pas seulement un adolescent-spécialiste du sentiment d’incompris et sans place-mais qui se trouve justement être devenu un vampire, ce qui signifie qu’il n’a littéralement pas sa place. sous le soleil. Bien que toutes deux s’inspirent des mêmes tendances, elles se manifestent de manières très différentes.
Plutôt que d’évaluer ces époques strictement selon les techniques dominantes, nous ferions peut-être mieux de prendre du recul et de considérer les philosophies d’adaptation dont elles dérivent. Sur ce plan conceptuel, les deux premiers réalisateurs de la série ont maintenu des perspectives cohérentes qui expliquent comment ils ont abordé ce travail. Lors de la première adaptation de la série, Oishi a vu une montée difficile et a décidé de la rendre plus raide ; c’est-à-dire que son approche de l’écriture verbeuse caractéristique de NisioisiN consistait à tenter d’en distiller l’effet à travers les intangibles de sa mise en scène. Attention, cela ne signifie pas qu’il faut éviter l’écriture de l’auteur original : les véritables mots de l’auteur étaient partout, comme Le grand patron de SHAFT, Shinbo, était d’accord pour faire de la typographie un élément central comme elle l’avait souvent été dans les séquences d’Oishi.
Plutôt que d’utiliser ce texte comme un simple véhicule d’information, le Bakemonogatari d’Oishi a transformé son utilisation en arme pour moduler le rythme et capturer des états d’esprit spécifiques d’une manière plus concise que la prose originale de NisiosiN, tout en obtenant finalement les mêmes effets. Bien sûr, on pouvait constamment mettre un épisode en pause pour lire chaque diapositive dense de texte, car les informations restaient là après tout. Le véritable génie de son approche, bien que cette approche ait été de préserver cela tout en faisant ressentir au spectateur un sursaut d’anxiété à travers des écrans clignotant rapidement ; un sentiment similaire que le texte original voulait faire ressentir au lecteur, quoique de manière plus détournée.
Sous un angle différent, Kizumonogatari incarnait l’attrait d’Oishi pour l’expérience viscérale à ses extrêmes les plus impressionnants. Le roman original est indissociable du point de vue d’un adolescent profondément confus, qui n’en avait pas assez des malheurs classiques de son âge, alors il a trébuché avec une beauté mourante et est devenu vampirique en cours de route. C’est aussi verbeux que NisioisiN, et dans sa forme la plus chaotique, il descend à plusieurs reprises dans le flux de conscience d’Araragi-et pourtant, l’adaptation d’Oishi a jugé bon de supprimer tout semblant de monologues et d’expositions intérieures, projetant plutôt ces informations sur son monde dans son ensemble.. Comme pour faire une déclaration, ces films commençaient par une introduction frappante qui n’enchaînait pas de phrase pendant près de 10 minutes. Et franchement, il n’y avait aucune raison de le faire, car la prestation d’Oishi capturait déjà l’esprit du matériel source de manière très élégante. Chaque pupille changeante, chaque corbeau croassant, chaque couleur délibérément terne qui laisse place à des flammes vives, chaque choix de cadrage isolant: ce sont ceux-là qui incarnent l’anxiété et le sentiment d’inadéquation du protagoniste, alors pourquoi Araragi devrait-il ouvrir la bouche prématurément ? p>
Et le Monogatari d’Itamura, alors ? Bien qu’il existe un écart indéniable entre ce que les deux réalisateurs sont capables d’accomplir, ce n’est pas la compétence technique seule qui a différencié ces époques ; plus que n’importe quel brillant choix de réalisateur, c’est la mentalité derrière l’adaptation-et la capacité surnaturelle à réussir un tel défi, oui-qui distingue Oishi d’Itamura. Sous le régime de ce dernier, l’adaptation aspirait plutôt à préserver l’écriture réelle de NisioisiN sous une forme beaucoup plus explicite, concevant les visuels comme un moyen d’accompagner le texte plutôt que comme une incarnation de celui-ci. Il s’agissait d’un changement de paradigme pour Monogatari en tant qu’anime : une transition du métaphorique Oishi au réactif Itamura, qui a désormais informé toute la direction d’instant en instant.
Si nous revenons sur certains des précédents Lorsque nous avons mentionné les bizarreries visuelles de la série, comprendre les spécificités de ce changement et la relation avec la philosophie des réalisateurs devient beaucoup plus facile. En examinant la typographie, par exemple, vous remarquerez que le texte en Monogatari est devenu plus clairement lisible au fil du temps. La série a conservé des astuces mécaniques pour abréger les scènes, comme les conjonctions écrites pour gagner gracieusement des secondes dans de longues conversations, mais s’est progressivement éloignée de la perception d’Oishi du texte comme un outil abstrait pour définir l’ambiance ; un passage de quelque chose que vous ressentez à un élément que vous analysez d’une manière plus traditionnelle, qui incarne l’évolution de l’adaptation dans son ensemble.
Tout au long du mandat d’Itamura, l’anime Monogatari a invité le public à s’asseoir aux côtés des personnages, réagir au récit à leurs côtés ; une manière de parler, même si à certains moments, il a littéralement passé des épisodes entiers à lire des histoires de son propre monde aux acteurs. Les tendances que nous avons mentionnées précédemment, comme l’augmentation des références à la culture pop comme plans de réaction, n’étaient donc qu’une conséquence naturelle de ce nouvel état d’esprit. Bien que vous puissiez trouver des exemples dans Bakemonogatari lui-même – comme Araragi et Kanbaru s’amusant pour calmer Nadeko lorsqu’elle tentait d’expliquer ses malheurs surnaturels – c’est à partir de Nisemonogatari qu’ils sont devenus un trait déterminant de la série.. De même, les personnages prenant des poses inhabituelles sont passés d’un gag visuel occasionnel à l’une des astuces les plus courantes dans ses storyboards. Placer le texte en premier, puis faire réagir les personnages (et le monde) de manière amusante est devenu la nouvelle norme.
Une des principales raisons pour lesquelles cette approche qui s’appuie davantage sur l’écriture originale a si bien fonctionné est simplement que la nature itérative de la narration de Monogatari rendait chaque nouvelle entrée plus intéressante. Attention, cela n’est pas dû à une planification géniale de l’auteur original – une telle chose n’a jamais existé. Monogatari est, et je le dis affectueusement, une aberration d’écriture qui ne fonctionnerait jamais si elle n’était pas écrite par un fou brillant ; ce que démontrent les nombreux auteurs inspirés par NisioisiN, aussi divertissants que soient parfois leurs œuvres. Sans réelle prévoyance, il a avancé avec confiance, ajoutant constamment des pièces à un plateau qui avait finalement l’impression de bouger tout seul, guidé par des idées intéressantes qui ne pouvaient naître que des interactions entre ses acteurs excentriques.
Itamura est arrivé avec les fondations les plus luxueuses déjà posées pour lui, tant par l’écrivain que par le réalisateur précédent. Attention, cela ne veut pas dire que son travail était facile – succéder à un brillant réalisateur de génie sur un mégahit otaku est une perspective effrayante – mais que son timing était parfait pour commencer à construire quelque chose qui, pour beaucoup, serait à juste titre les parties les plus mémorables du série. Et pour ce faire, il n’aurait pas besoin de réinventer la roue, mais plutôt simplement de réduire la production à quelque chose qu’il pourrait gérer, et, espérons-le, d’en avoir une meilleure compréhension au fil du temps ; quelque chose que, rétrospectivement, nous pouvons considérer comme un succès retentissant. Bien sûr, une comparaison directe entre Bake et Nise ressemble à une dégradation considérable du punch du réalisateur, mais il a résisté à la tempête assez longtemps pour permettre à l’œuvre originale de devenir quelque chose de magnifique et pour que son propre style mûrisse de manière intéressante. La théâtralité d’Itamura pour accompagner le texte a fonctionné, car le texte était excellent et la performance plus que suffisamment amusante.
En 2017, la deuxième saison d’Owarimonogatari a finalement été à la hauteur de son nom et a marqué la fin de l’ère d’Itamura. dans la série. Ce projet est devenu son dernier effort majeur au studio SHAFT, car il était l’un des nombreux vétérans clés qui ont quitté le studio à l’époque ; de manière indépendante et dans des directions différentes, avec des degrés divers de mésentente selon leur implication dans les querelles internes qui avaient conduit à un environnement toxique au sein de l’entreprise. Même si le renouvellement du studio était certainement la voie la plus saine, cela a eu des conséquences sur certaines de leurs propriétés les plus anciennes, Monogatari étant l’exemple le plus évident. En 2019, Zoku Owarimonogatari a été autorisé à conserver son inertie et à terminer ses six épisodes sans personnage central de réalisateur aux côtés de Shinbo, mais pour un effort plus important comme Off & Monster Season, un nouveau co-leader serait requis. Entrez Midori Yoshizawa, avec peu ou pas d’expérience à ce niveau de responsabilité, mais une source d’espoir reconnue pour le studio.
La carrière de Yoshizawa a commencé de façon ordinaire : elle s’est formée chez Toei Animation en tant qu’assistant réalisateur, a assuré l’animation de leurs spectacles pendant une brève période, puis a travaillé au Studio Luna ; c’est-à-dire un studio d’assistance banal qui se spécialise également dans les spectacles pour enfants. En tant que pigiste, cependant, elle n’a pas pris le temps de dire clairement où se situe son cœur. Et cet endroit est le studio SHAFT, où elle a rapidement progressé au milieu de leur chaos habituel. Du nettoyage à l’assistance à la réalisation en 2014, précisément à Tsukimonogatari. Direction d’épisode à part entièreDirection d’épisode (演出, enshutsu) : une tâche créative mais aussi de coordination, car elle implique la supervision des nombreux départements et artistes impliqués dans la production d’un épisode – approuver les mises en page de l’animation aux côtés du directeur de l’animation, superviser le travail de l’équipe de photographie. , le département artistique, l’équipe CG… Le rôle existe également dans les films, faisant référence aux personnes également en charge de segments du film. dans toutes les œuvres du studio à l’époque d’ici l’année suivante, et des tâches de storyboard commençant par Sangatsu no Lion en 2016. Quelqu’un qui était un étranger complet quelques années auparavant, dans un système où cela est souvent un gros problème, a commencé à se voir confier des moments de plus en plus importants.
Au moment de Magia Record, et grâce à la large répartition des tâches pour son processus de production intéressant mais aussi chaotique , elle s’est vu confier des responsabilités proches de la direction de séries pour des épisodes spécifiques. Elle est restée fidèle au studio pendant des moments très difficiles, prouvant qu’elle n’est pas seulement une grande fan de leurs œuvres, mais aussi quelqu’un qui comprend profondément les subtilités de leur style ; quelque chose qu’ils ne peuvent tenir pour acquis de la part d’aucun réalisateur, comme nous en discuterons plus tard. Elle a gagné la confiance de ses pairs et l’admiration de tous les fans inconditionnels de SHAFT, ce qui fait que cette opportunité de diriger l’une de leurs plus grandes œuvres semble tout à fait méritée.
Mais qu’est-ce qui lui a valu cette réputation positive ? En interne, il y a le fait que travailler avec elle est plus facile que leur norme chaotique, car elle nécessite peu de surveillance pour mettre en place un package convaincant qui conservera cette vague identité SHAFT. La décrire comme quelqu’un avec qui il est tout simplement facile de travailler serait cependant une énorme erreur de caractérisation. Pour commencer, Yoshizawa est une réalisatrice ambitieuse dont les racines dans l’animation lui font imaginer des mises en page gênantes. ils élargissent les idées visuelles généralement simples du storyboard au squelette réel de l’animation, détaillant à la fois le travail de l’animateur principal et des artistes d’arrière-plan. Les œuvres de SHAFT penchent vers un cadrage très symbolique, avec des coupes transversales impossibles de bâtiments et des plans plats mais mémorables. mise en scène. En tant que storyboarder, elle donne du sens à son cadrage de la même manière, mais souvent avec une approche plus spacieuse qui rend le travail intrinsèquement plus compliqué pour les animateurs. Les fondamentaux les plus réalistes (qu’elle aime ensuite exagérer à travers des distorsions de lentilles de poisson) ont une grande synergie avec la capacité de Yoshizawa à composer des plans attrayants où non seulement l’animation est présentée avec profondeur et intention, mais où les arrière-plans, les images de synthèse et même les éléments d’action en direct fonctionnent. en conjonction pour guider l’œil ensemble. Une compétence assez importante dans le système idiosyncrasique de SHAFT !
Cela nous amène à un autre trait caractéristique de Yoshizawa : la pure créativité représentée non seulement dans la forme, mais aussi dans le matériau. Les jours les plus visuellement radicaux de SHAFT, représentés par Oishi lui-même, sont derrière eux… mais Yoshizawa n’a jamais reçu ce mémo, car plus on lui accordait de latitude, plus elle mettait l’accent sur les séquences d’action réelle et les matériaux analogiques non conventionnels. D’une part, Yoshizawa s’appuie souvent sur le lien inhérent entre le temps et les éléments tangibles. En tant que quelque chose qui existe physiquement, ces matériaux réels évoquent le passage du temps d’une manière plus directe que ne le pourrait une animation intangible-d’où son utilisation de time-lapses et de bobines d’action réelles codées selon les saisons, de dessins analogiques, de papiers découpés, etc.
Un exemple remarquable de cela peut être trouvé dans l’un des épisodes de Magia Record de Yoshizawa, où elle a sorti un véritable sablier pour les coupures indiquant le passage du temps. En arrivant au présent, elle a préparé une toile de sable similaire sur laquelle elle a elle-même peint un tableau enfantin convaincant pour représenter une relation qui s’était épanouie au cours de cette période. Avec ce mouvement, une forme d’expression qui évoque le temps devient le temps passé ensemble, un élément diégétique qui représente aussi le lien entre deux individus. D’une certaine manière, cela résume l’aspect qui la distingue le plus de ses pairs du studio. Aussi fascinante que soit sa technique, c’est l’accent mis sur la narration personnelle et émotionnelle qui la différencie des vétérans plus orientés vers la logique comme Yukihiro Miyamoto (ou son prédécesseur Monogatari Itamura) ainsi que des génies fous comme Oishi, qui ont toujours l’impression qu’ils opèrent à des niveaux d’abstraction plus élevés. Les visuels extravagants des œuvres de Yoshizawa pourraient vous laisser penser à une narration détachée, mais sa tendance naturelle est d’utiliser ces outils peu orthodoxes pour humaniser les personnages de manière modeste et très personnelle.
Une autre technique que Yoshizawa associe souvent au concept de temps est le cadrage 4:3. , qui représente le passé dans son travail, qu’il s’agisse d’un moment nostalgique lointain ou d’un événement récent. Elle construit ces plans avec de véritables barres noires, un un rétrécissement quelque peu diégétique, ou tout le reste. Bien que vous l’ayez probablement remarqué dans la saison en cours de Monogatari, c’est quelque chose qu’elle fait depuis des années.
Comme mentionné dans les discussions du personnel présentées dans les fanbooks de MagiReco, Yoshizawa a en effet la réputation d’exceller dans l’art de capturer le cœur intérieur des personnages, en particulier des femmes, à travers sa banalité excentrique. Cela remonte sans doute à son travail dans Sangatsu, avec un épisode particulièrement mémorable centré sur un incident d’intimidation. Cette explosion de sentiments négatifs mais légitimes refoulés a montré l’impact de ses émotions très réelles, tournant les yeux dans sa direction à l’intérieur et à l’extérieur du studio.
Même au-delà de ce point culminant, la sensibilité attrayante de la jeune Yoshizawa » ont commencé à relever la tête à travers le spectacle. Il y a une économie de couleurs intéressante dans ses épisodes qui pourrait rappeler le penchant d’Oishi pour les paysages monochromes avec des accents, mais qui dans son cas est plus directement utilisée pour mettre en valeur l’écart d’intensité émotionnelle entre les personnages, ou exactement ce qui est vraiment significatif à ce moment-là. pour eux; encore une fois, un angle plus personnel de sa part. Sans surprise, écouter ses pairs parler de ce qu’ils admirent dans son travail met en lumière ses véritables forces.
Maintenant que nous avons une solide compréhension de l’évolution stylistique de Monogatari en tant que série animée, ainsi qu’une compréhension de son nouvelle réalisatrice et les priorités qu’elle apporte sur la table, nous pouvons enfin jeter un regard éclairé sur les premiers arcs de Off & Monster Season. L’arrivée de Yoshizawa a-t-elle changé la série de manière significative ?
La confiance était l’adjectif que nous avions attribué plus tôt à l’écriture de NisioisiN, et c’est aussi le sentiment qui transparaît dans l’introduction d’OMS #01, scénarisée par Yoshizawa elle-même, comme ça devrait l’être. Tsukihi Undo est un petit arc amusant dans lequel l’oiseau immortel titulaire, toujours aussi impulsif et dangereux, découvre la vérité sur sa poupée grandeur nature. Ou plutôt, elle a nourri les mensonges sur la situation de la part de ladite poupée Yotsugi, un être avec une relation tout aussi douteuse avec la mortalité et des compétences catastrophiquement mauvaises en matière de contrôle des dégâts. Bien que leurs interactions soient très divertissantes en elles-mêmes, c’est la prestation de Yoshizawa qui rend immédiatement cette histoire spéciale. La vérité à l’intérieur de cet oiseau effronté est révélée en cassant un véritable œuf, puis en le faisant suivre d’un barrage de messages inspirés et pertinents. imagerie; des oiseaux et des cages, car elle est techniquement sous surveillance, ainsi que des marionnettes d’ombres à main qui soulignent qu’une créature comme Tsukihi n’est pas ce qu’elle semble être.
Même au-delà de cette brillante intro, le premier épisode d’OMS semble avoir tous les avantages que les croyants de Yoshizawa espéraient. Cette capacité à faire correspondre la composition symbolique des plans caractéristique de l’anime SHAFT avec ses dispositions plus spacieuses. ils élargissent les idées visuelles généralement simples du storyboard au squelette réel de l’animation, détaillant à la fois le travail de l’animateur clé et des artistes d’arrière-plan. est en plein écran dès le départ ; il est utilisé, par exemple, pour mettre en valeur le décalage entre Tsukihi et Yotsugi qui rend cet arc si amusant, ainsi que les angoisses d’un personnage que la série revisitera bientôt. La fière récupération par Monogatari de son large éventail d’expression a fait penser à Oishi à de nombreux téléspectateurs, et je ne peux pas leur en vouloir ; surtout pas quand il y a des séquences avec des idées si similaires à celles qui étaient autrefois si courantes dans son émission. Cela dit, je crois que considérer son travail comme la seconde venue d’Oishimonogatari ne rend pas service à tout le monde: à la réalisatrice, avec son propre style, et à la série, qui a subi quelque chose de plus nuancé qu’un redémarrage complet.
Une raison importante pour laquelle il a semblé nécessaire de discuter du style et des préférences de Yoshizawa avant de se lancer dans OMS n’était pas seulement pour pouvoir identifier les nombreuses façons dont il a influencé cette saison de Monogatari, mais aussi pour apprécier quand ce n’est pas le cas, s’en remettre plutôt à l’histoire de la série. La diversité des idées visuelles peut ressembler dans une certaine mesure au début de cette franchise, mais la manière réactive avec laquelle elles sont déployées apporte il se rapproche de la philosophie du Monogatari d’Itamura-une philosophie qui, par sa masse et sa proximité plus étroite, en est venue à représenter la série plus que l’allégorique Oishi. Yoshizawa réitère également directement les ajouts d’Itamura, faisant évoluer ses écrans de chapitre sur mesure pour les transformer en instantanés de narration parallèle ; et aussi, pour livrer la punchline finale de cet épisode, indiquant que Yotsugi est éternellement coincé dans une boucle de glace et pauvre choix. Avec une inventivité plus proche d’un réalisateur, une philosophie d’adaptation plus proche de celle d’un autre et des bizarreries d’un tiers, nous avançons vers Nademonogatari.
Les éclats d’animation de Monogatari, qui appartenaient autrefois à des as comme Ryo Imamura, et plus tard des personnes comme Hironori Tanaka, ont désormais également été transmis à leurs stars actuelles comme Hiroto Nagata. À cet égard également, les changements générationnels se font sentir au sein de l’OMS.
En raison de la structure de la série et de sa nature imprévue, les arcs des personnages de Monogatari sont durement fragmentés. Au fil des années, nous avons vu Araragi et sa bande grandir en tant que personnes (et en tant qu’êtres mythologiques), mais pas de manière particulièrement linéaire pour la plupart d’entre eux. Compte tenu de l’ampleur de la distribution et de la façon dont les arcs ont tendance à se concentrer sur un ou deux individus – au sein d’une série qui autrement ferait abstraction de l’ensemble de la population de la Terre – nous manquons une grande partie du tissu conjonctif entre leurs moments cruciaux de croissance. Revenir à un personnage que la série a déjà exploré revient à retrouver un ami que vous n’avez pas vu depuis un moment, avec en plus la connaissance qu’il est sur le point de vivre une nouvelle forme de catharsis qui, espérons-le, l’améliorera en tant que personne..
Considérant que des arcs comme Nadeko Draw sont construits sur l’évolution de ces personnages, vous pourriez penser qu’ils élimineraient cette nature fragmentée. Un écrivain plus conventionnel, peut-être plus sensé, ferait effectivement cela – mais c’est de NisioisiN et Monogatari dont nous parlons. Plutôt que de combler les lacunes, la série met l’accent sur la personnalité distincte de Nadeko chaque fois qu’elle a été un point central de l’histoire. Ils sont séparés en personnages indépendants, recevant des noms humoristiques, et sont codés avec des stylisations distinctes par Yoshizawa et sa compagnie ; plus notoirement, ils ont des palettes de leur propres qui sont reconnaissables au premier coup d’œil. Le message ultime d’acceptation de soi est le point final attendu d’un arc comme celui-ci, mais son parcours est formellement fascinant et reflète parfaitement l’état de la série dans son ensemble à ce stade.
La synergie entre la production et l’histoire commence par les thèmes. Nadeko travaille actuellement à la réalisation de son rêve de travailler comme mangaka, ce qui est une bonne excuse pour Yoshizawa pour se pencher sur toutes sortes de stylisations autour des arts. ; une autre superbe introduction trouve une multitude de façons d’incorporer des bandes dessinées sous différents angles, liant déjà le concept clé de l’identité de Nadeko aux panneaux. dans ceux-là. D’autres épisodes s’appuient sur des astuces de superposition pour visualiser ces idées, et sur papier à la fois simulé et matériel réel. C’est surtout en ce qui concerne son moi actuel que Nademonogatari devient une exposition d’art et d’artisanat amusante pour accompagner son rêve.
De la même manière que cette équipe a décidé de conserver une part non négligeable de l’identité de Monogatari malgré le vent de fraîcheur de Yoshizawa. , Nadeko elle-même construit sa croissance sur l’acceptation et l’intégration des bons et des mauvais aspects de son passé. Nademonogatari ne consiste pas à supplanter le passé par un personnage présent plus raffiné, mais à se tourner vers l’avenir en comprenant que votre moi actuel n’existerait jamais sans ses prédécesseurs, ses erreurs et tout le reste. Monogatari a fait appel à la nostalgie des fans à travers plusieurs entrées, mais ses rappels n’ont jamais été aussi poignants que dans cette itération qui présente un présent et un futur stylistiquement distincts, tout en prenant un angle narratif intéressant comme ce récit rétrospectif sur à quel point une enfant tranquille a grandi.
Si Yoshizawa a un jour l’opportunité de diriger une série à partir de zéro, je serais ravi de la voir formuler un langage visuel qui lui est entièrement propre. Même avant de se voir attribuer un poste pour codiriger une série entière, il était clair qu’elle avait ce qu’il fallait pour y parvenir, uniquement sur la base de la densité de concepts intéressants avec lesquels elle pouvait insuffler les œuvres d’autres personnes. C’est pour dire que je peux comprendre quiconque aurait souhaité un rafraîchissement encore plus radical pour cette série, mais aussi que je suis très heureux de l’équilibre qu’elle a réussi à trouver et à quel point cela correspond au message de la série elle-même.. Arrivé dans cette époque tardive très particulière de Monogatari, je ne peux m’empêcher de penser qu’il est approprié d’évoluer de manière plus itérative, d’avancer tout en incorporant les éléments de son passé. C’était la leçon pour des personnages comme Nadeko, cristallisée dans une belle fin où elle confronte sa douceur originelle.
Hors du d’innombrables références aux itérations précédentes de Monogatari, aucune n’a frappé aussi fort que de revenir au début de tout, l’endroit où elle s’attendait autrefois à apercevoir son béguin. Son désir ardent pour ce premier amour imite les manières de sa première séquence d’ouverture, même si ces jolis mouvements semblent tragiques maintenant que nous savons que c’est un rêve impossible et non partagé. L’actuelle Nadeko la presse d’avancer, mais de ne pas abandonner qui elle est. Au lieu de cela, elle lui promet que leur avenir sera aussi fort et épanouissant que celui qu’elle a ressenti dans le passé. Une scène touchante qui bénéficie de l’irruption du récit émotionnel de Yoshizawa, animé par l’un des futurs espoirs du studio, mais acceptant tout ce qui a conduit à cela. En bref, je crois que les gens appellent cela cinéma maintenant.
Bien que cet article soit très positif sur la série, il serait négligent de ne pas mentionner à quel point l’instabilité de SHAFT est également un facteur en jeu ; Si nous parlons de la nouveauté apportée par un nouveau réalisateur, nous devons également mentionner les problèmes qui restent malheureusement inchangés. Leurs échecs de gestion ont été un problème massif depuis plus longtemps que la plupart des téléspectateurs d’anime se sont consacrés à ce passe-temps, devenant le type de blague qui menace de diluer la gravité de la situation. Comme d’habitude, seule une fraction des cris pour l’aide et les expressions d’insatisfaction sur la façon dont leur travail s’est avéré bulle jusqu’au-bien qu’il soit toujours révélateur quand vos animateurs Ace sont obligés de le faire.
Alors que nous dirigeons Dans wazamonogatari , vous avez peut-être remarqué qu’un 東冨 東冨 東冨 東冨 東冨 東冨 東冨 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 東冨 耶子 東冨 耶子 東冨 耶子 東冨 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 東冨 耶子 東冨 耶子 耶子 東冨 東冨 耶子 東冨 耶子 耶子 耶子 東冨 東冨 東冨 東冨 東冨 耶子 東冨 東冨 東冨 東冨 東冨 東冨 東冨 東冨 東冨 東冨 東冨 東冨 東冨 東冨 東冨 東冨 東冨 東冨 東冨 東冨 東冨 東冨 東冨 東冨 東冨 東冨 東冨 東冨. Prenez un Onyomi spécifique pour chaque Kanji, inversez leur commande, et vous obtenez du shiyafuto-ce qui est de dire, car c’est leur chef Shinbo lui-même. Je vais être honnête et dire que je suis content qu’il soit explicitement (quoique en plaisantant) crédité pour cela de manière publique, car cela signifie que nous pouvons y remédier plus directement. Shinbo n’était pas prévu à StoryboardStoryboard (絵 コンテ コンテ コンテ, Ekonte): les plans d’animation. Une série de dessins généralement simples servant de script visuel de l’anime, dessinés sur des feuilles spéciales avec des champs pour le numéro de coupe d’animation, des notes pour le personnel et des lignes de dialogue assorties. Cet épisode, mais a fini par le redessiner presque entièrement. En disant cela, vous pourriez imaginer qu’il a corrigé de nombreux panneaux existants d’une manière ou d’une autre, mais cela revient à se débarrasser des sections entières à travers l’épisode et à dessiner des entièrement nouveaux qui ne correspondent pas directement à quoi que ce soit qui était repêché à l’origine. Il est crédité en tête pour une bonne raison.
Il est important de noter que les réalisateurs de série vérifiant les storyboards font régulièrement partie du processus de production, et que pour l’arbre en particulier, Shinbo qui les traverse est une tâche ordinaire est une tâche ordinaire. Donc, plutôt que le fait qu’il ait fait cela, c’est la mesure dans laquelle il a nécessité une action (et la raison derrière) qui devient un obstacle à la production. L’une des qualités de Yoshizawa que nous avons soulignées plus tôt était qu’elle a besoin de peu de surveillance, car elle a intériorisé les préceptes de l’anime de tige comme sa cadence unique d’une manière que beaucoup de réalisateurs autrement talentueux n’ont pas. Le jeune personnel et les étrangers ont tendance à avoir du mal à livrer ce qui est attendu d’un réalisateur à Shaft, bien que le studio fournisse des directives réelles pour les aider.
En parlant d’étrangers au studio, la séquence d’ouverture de Shunsuko Okubo est un autre excellent exemple d’itération sur le surf L’imagerie préexistante de la franchise tout en assemblant quelque chose qui se sent frais.
C’est un problème particulièrement inquiétant maintenant, car le départ de nombreux anciens combattants au cours des années précédentes a forcé le studio à travailler davantage aux côtés des personnes qui n’ont pas cette expérience au studio. J’ai entendu parler de la production d’OMS pour la première fois à l’été de l’année dernière, alors qu’il était déjà coincé dans ce long processus de fixation de storyboards. En bloquant pendant la pré-production, même un projet qui s’étend sur un temps considérable comme celui-ci finit par s’étrangler par ses délais à l’approche de la diffusion. Et bien sûr, cela a des conséquences non seulement pour un projet individuel mais aussi pour d’autres titres en préparation. Si votre système nécessite des membres internes vétérans et que vous vous en amènez relativement à court, les personnes restantes devront aider plus que prévu à l’origine, ce qui signifie négliger les autres emplois qu’ils peuvent avoir. Bien que la situation ne soit pas aussi simple que de tirer une corrélation simple, le fait que Monogatari demande une aide supplémentaire devrait vous aider à comprendre pourquoi un certain film de fille magique a été bordé toute une année.
pour As As Aussi essentiel que je sois de leur gestion, je pense qu’il est important de comprendre les problèmes qui échappent à leurs capacités-ils ne peuvent pas simplement cloner les anciens combattants restants-et non plus d’être mélodramatiques quant à leur effet sur la qualité du spectacle. En soi, le fait de prendre le contrôle des épisodes avec des tendances d’horreur gothique vampire est aussi bonne que les nouvelles peuvent provenir du studio. C’est précisément l’espace de genre où il a fait tomber d’innombrables personnes amoureux de son style après tout, donc bien sûr, il serait particulièrement intéressé par ce prochain arc. Yoshizawa elle-même a également clairement fourni des contributions approfondies dans Nademonogatari; Ses bizarreries stylistiques apparaissent même dans les rares cas où elle n’est pas répertoriée comme storyboard, et les crédits d’épisode ne correspondent pas aux informations sur la paternité sur le site officiel des débutants. Personne ne devrait déplorer que les réalisateurs talentueux soient très activement impliqués.
Ce n’est que lorsque vous considérez que ces tâches supplémentaires créent des goulots d’étranglement que cela devient alarmant, en particulier dans un studio où le processus de production n’est jamais fluide. Et en effet, il a eu des ravages sur l’animation, à la fois dans l’ambition et le niveau de polonais, bien que je dirais que dans une certaine mesure qui obscurcit à quel point elle est brillante. Un certain degré de frustration concernant le spectacle n’atteignant pas les hauteurs qu’il pourrait est justifié, tout comme la colère qu’une série très réussie qui devrait être sans pointe peut faire du travail si écrasant pour le personnel. L’étape la plus délicate pourrait être de se réconcilier avec l’OMS étant un excellent spectacle néanmoins… bien que compte tenu de l’histoire de la production de la série, les fans de longue date pourraient déjà y être habitués. Je sais que j’ai joyeusement embrassé Monogatari en conservant les anciens traits même si Yoshizawa l’intègre dans une nouvelle ère, mais franchement, ces problèmes de production sont un aspect que j’aimerais laisser derrière lui.
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