Le récent film de Naoko Yamada s’inspire de sa relation avec la nature, l’art et le processus créatif, d’images spirituelles et de choix d’instruments très spécifiques pour son groupe d’adolescents, tous devenant les outils de la réalisatrice pour exprimer sa thèse.
Pièce invitée de Jade Ka. Vous pouvez la trouver en tant que bibliothécaire aventureuse quelque part en France.
TheColors Within de Naoko Yamada a été présenté en première la semaine dernière au Festival d’Annecy et a reçu un prix standing ovation et nombreux éloges du public. Ceux qui aimaient ses films précédents furent à nouveau conquis, et ceux qui ne l’appréciaient pas reconnaissaient encore sa mise en scène impeccable. Son esprit est similaire à Liz and the Blue Bird (2018), avec un ton et une esthétique beaucoup plus chaleureux, ainsi qu’une structure plus expérimentale qui pourrait en surprendre certains.
Comme les films précédents de Liz et Yamada, Colors Within se caractérise par une grande attention aux détails et un compréhension complète du mouvement humain, petit et grand: chaque personnage marche et agit d’une manière spécifique, de l’écolière qui fait un pas de côté pour entrer à l’école jusqu’à la main anxieuse d’une autre qui se tord la main. La compréhension approfondie de Yamada des gens et de la façon dont ils agissent est pleinement visible ici. Peut-être que cette maîtrise des mouvements atteint son apogée dans les scènes de ballet commençant et terminant le film, reproduisant fidèlement la difficile chorégraphie du premier acte de Giselle puis en le modifiant pour l’adapter aux compétences du protagoniste, montrant toute l’énergie et l’hésitation d’une ancienne étudiante en ballet qui ne maîtrise pas encore les mouvements les plus difficiles.
En plus de son caractère attendu, le film est également débordant de l’amour habituel de Yamada pour la flore et la faune. Dans le monde de Colors Within, les saisons et les sentiments sont indiqués par la brève apparition d’une plante spécifique (comme un osmanthus doux pour Automne) ou des oiseaux volant à l’unisson au-dessus d’une mer inexplorée: même les autocollants sur le bureau d’un personnage représentent des oiseaux dans une union amoureuse. Ces moments illustratifs et la manière dont ils sont montés sont là à la fois pour créer un espace de respiration et pour symboliser des émotions sans aucun dialogue ; un berceau de Newton qui reflète le visage douteux d’un personnage se transforme en tomates non mûres, et les flocons d’une boule à neige destinée à un être cher se transforment en morceaux imaginaires de l’arc-en-ciel, remplissant le cadre de l’idée du premier amour. Le film n’est jamais envahissant par ses symboles, berçant le spectateur par une touche de légèreté. Aucun choix, de la musique à l’animation, n’est laissé au hasard, et pourtant le résultat semble étonnamment simple.
Revoir Colors Within sans spoilers n’est pas une tâche facile, mais parler de spoilers ici semble également inexact, car le le film n’a pas de rebondissements et très peu ou pas de conflits. Non pas que les trois personnages principaux ne soient pas eux-mêmes en conflit ou ne vivent pas une histoire de découverte de soi. Ce que Yamada et Reiko Yoshida ont fait avec ce film, c’est de supprimer tous les ennemis habituels et les fils dramatiques d’une histoire de passage à l’âge adulte. Alors que la plupart des films passent du temps sur la tension et le pathétique pour se terminer par un élan de bonheur et de résolution, Colors Within fait presque le contraire, comme un baume de guérison continu.
L’histoire, qui se déroule dans un décor presque féerique, peut-être un mélange du Japon et de la ville d’Annecy elle-même, met en scène Totsuko, un synesthète toujours joyeux qui perçoit les gens comme des couleurs. Telle une planète face au soleil, elle est attirée par sa camarade de classe Kimi, une élève exemplaire qui abandonne subitement l’école. Dans sa quête pour la retrouver, elle rencontre Rui, un passionné de musique destiné à devenir le prochain et unique médecin de l’île voisine. Tous les trois décident instantanément de former un groupe et deviennent en un an de grands amis. Comme la plupart des adolescents, les trois ont du mal à comprendre comment ils sont perçus et comment ils se voient eux-mêmes. Totsuko ne peut pas expliquer aux autres sa synesthésie unique de peur d’être rejetée, Kimi ne peut pas concilier l’image parfaite que sa grand-mère se fait d’elle avec ses propres ambitions vagues, et Rui a peur de dévoiler une partie de lui-même à sa mère qui le voit comme le futur sauveur de la clinique de l’île. Le cœur du film est simple : l’acceptation et l’amour de soi.
Bien que ces thèmes aient été abordés à de nombreuses reprises auparavant, l’exécution est ce qui rend Colors Within unique. Comme indiqué, le film est minutieusement détaillé, chaque image regorge d’informations sans jamais devenir écrasante. Il ne se déroule pas seulement dans une école catholique générique, avec quelques mentions bibliques en toile de fond: Hiyoko la nonne cite à la fois la prière de sérénité de Niehbur et Isaïe 43 : 4 à des moments clés du film, serre son chapelet dans un moment de doute. La chorale chante des chansons chrétiennes populaires Quel ami nous avons en Jésus et Ave Maria de Lourdes, les jeunes stagiaires du ballet s’entraînent sur Mes choses préférées de la comédie musicale La Mélodie du bonheur, l’un des films les plus populaires, sinon le plus populaire, à regarder dans les familles catholiques.
En creusant plus profondément dans le décor, vous Vous remarquerez peut-être que les élèves portent le symbole d’Ichthys, connu sous le nom de Jésus-Poisson. Totsuko elle-même trouve à plusieurs reprises de la joie à se confesser et à prier dans la chapelle. Le groupe s’entraîne dans une église abandonnée qui abrite ses instruments et son amitié, et s’exprime enfin lors du concert du Festival de la Saint-Valentin. Tous ces éléments accompagnent avec grâce une vision d’amitié, d’amour et de pardon, se terminant sur un vitrail qui porte les mots « Love Thy Neighbour ». Le film ne parle pas du catholicisme ni même de la religion: les immenses recherches qui ont permis de créer ce monde servent simplement à renforcer de la meilleure façon possible la thèse du film.
Cette thèse, ou du moins les préceptes qui l’éclairent, sont énoncés dans la prière de sérénité de Niehbur sur l’acceptation citée au tout début. Alors, comment s’accepter ? La réponse de Yamada est de le faire à travers l’art lui-même.
L’art, en rendant l’invisible visible, permet aux gens de trouver l’amour et l’amour-propre à travers le processus de création. Le don du personnage principal est directement lié à cette idée. Totsuko n’attribue pas simplement des couleurs aléatoires aux personnes qu’elle voit, mais perçoit réellement leur potentiel caché. C’est ce qui l’attire vers Kimi et Rui, incertains d’eux-mêmes et de l’endroit où ils iront. C’est ce qui l’attire vers Hiyoko la nonne, une femme sévère aux yeux gris et à l’uniforme gris qui brille dans ses yeux comme le soleil du matin. Son amour, sa joie et son honnêteté aident chacun d’eux à prendre conscience de sa valeur, et grâce à la musique et à l’art, ils sont capables de montrer leur véritable personnalité au monde.
Hiyoko, à travers une lentille catholique, souligne l’importance de créer, d’exprimer « la vérité et la bonté » avec ce qu’elle appelle des hymnes, qui comprennent non seulement des chants joyeux mais aussi la ballade triste de Kimi. Totsuko déclare qu’elle veut transposer la belle couleur bleue de Kimi en son et voit son aura lorsqu’elle entend des notes spécifiques. Les personnages se lient en écoutant la musique de chacun et sont dynamisés par la création commune : non seulement il est nécessaire de créer pour s’épanouir, mais il est également crucial de partager ce processus créatif avec les autres.
Peut-être le meilleur exemple Cette idée est l’instrument de prédilection de Rui. Il joue du thérémine, symbole direct de la visibilité de l’invisible. Instrument de musique électronique inventé dans les années 1920, le thérémine est complexe à maîtriser et produit un son presque étranger et étrange, semblable à une voix bourdonnante. Il se trouve que je suis fan d’un joueur de thérémine en particulier, musicien Grégoire Blanc, et l’a immédiatement reconnu dans les gestes de la main et les sons contrôlés de Rui.
Je dirais que Blanc est peut-être le meilleur joueur de thérémine. dans le monde d’aujourd’hui et maîtrise de nombreux autres instruments, électroniques ou autres, les arrangeant dans des vidéos magnifiquement réalisées. Yamada semblait penser la même chose lorsque je l’ai rencontrée, étant elle-même fan et me disant qu’elle n’aurait choisi personne d’autre pour le film. La taille de Rui, son amour pour les instruments et arrangements électroniques, et même le fait qu’il joue dans une église semblent avoir été inspirés par Blanc lui-même, qui a été invité au Japon pendant la production du film pour servir de référence. Au sein du film, il livre une belle version thérémine de la Giselle d’Adolphe Adam, qui permet enfin à Totsuko de danser librement et sans pudeur. Liz était déjà remarquable par son attention portée à la musique et à la manière dont les rythmes suivaient les pas des personnages, et ce film relie cela au récit lui-même de manière étonnante. Le travail de Kensuke Ushio est encore plus important ici, et il est rafraîchissant de voir l’animation et la musique travailler en tandem alors que le rôle des compositeurs a souvent été dévalorisé ces dernières années, parfois relégué à un autre thème promotionnel.
Les chansons qu’ils jouent conviennent également parfaitement à chaque personnage. La joie et l’amour de Totsuko pour tout ce qui tourne sont transformés en un ver d’oreille parfait sur les planètes, ce qui la fait tourner avec la nonne Hiyoko dans une autre référence à Maria dans The Son de la musique. Kimi souhaite « s’épanouir comme une fleur », et affirme que « demain viendra toujours » dans une ballade et une chanson de rock électronique, tandis que Rui éblouit avec son thérémine sensible.
Une fois de plus, le diable est dans le giron. détails, de la guitare Rickenbacker de Kimi au Casio SA-46 de Totsuko et au thérémine Moog de Rui. Le film ne s’embarrasse pas trop du jeu réaliste des instruments en dehors du thérémine, mais ces détails sur ce que représente chaque instrument montrent que rien n’a été laissé au hasard. À l’instar du décor catholique et du lieu de conte de fées dans lequel se déroule le film, il existe un mélange de réalisme et d’idéalisme qui rend l’esprit du film si contagieux. C’est exactement le genre de film qui donne envie de sortir de chez soi et de monter immédiatement un groupe.
Au final, quelles sont les couleurs de ce film très encourageant ?
Le trois personnages du film sont représentés par les couleurs additives du rouge, du bleu et du vert. Grâce à divers accessoires et vêtements, leurs figures parentales sont elles-mêmes représentées sous forme de couleurs soustractives: magenta, cyan et jaune.
Ces couleurs sont affichées partout dans le film, même dans les fondations de la chapelle que l’on voit dans l’intro, avant même de rencontrer les personnages: Bleu (Kimi) et Rose (Totsuko) sont des cadres de verre dans les fenêtres de la chapelle, tandis que ses piliers sont peints d’un doux vert sauge (Rui). Le bleu, d’abord représenté comme un poisson nageant librement, est bien sûr la couleur de la Vierge Marie et d’un ciel d’été, mais aussi de la tristesse et de la mer changeante. Cela correspond parfaitement à Kimi, en tant qu’icône autrefois populaire qui a décidé de trouver sa propre voie et a lutté tout au long du chemin.
Le vert a de nombreuses significations, mais dans ce film, il symbolise principalement l’éducation, la protection et la guérison : même Lorsque Rui est absent, sa couleur est partout dans l’école, dans ses murs, ses uniformes et bien sûr les arbres et les plantes. Lorsque Totsuko le rencontre, il y baigne et il est presque toujours cadré avec cette couleur en tête. Le rose et le rouge représentent l’amour, symbolisé par une pomme que Totsuko mange tous les jours. Elle-même ne connaît pas sa propre couleur, même si elle affirme ouvertement vouloir être rose lorsqu’elle était enfant, ignorant son potentiel. Le fait que ce soit sa couleur n’est pas un mystère, de ses yeux roses à sa garde-robe. Totsuko, en tant qu’incarnation de l’amour, n’est pas censée être subtile, mais le film évite le cliché de l’éternelle tête angélique: elle est incroyablement drôle et idiote mais a des rêves et des doutes communs. Elle ressent la joie aussi intensément que la tristesse : lorsque Kimi s’en va brusquement, son monde s’arrête littéralement de tourner et perd toutes ses couleurs.
Bien que les choix de palette soient évidents, Yamada refuse le choix ennuyeux du simple 1 : 1 théorie des couleurs du film. Le trio n’est pas les Powerpuff Girls: de nombreux accessoires ne correspondent explicitement pas au thème et les personnages changent facilement de couleur. Rui ne porte pas de vert flamboyant à la fin du concert, mais un costume lavande Oscar Wilde avec une chemise à froufrous et des bottes blanches à talons hauts. Kimi abandonne son uniforme bleu pour porter principalement du noir, du blanc et du rouge à la garçonne tout au long du film, et revendique à nouveau la couleur pour le concert final avec un gilet en jean. Cela évite au film d’être trop caricatural et simple: la maîtrise de Colors Within réside dans le mélange de toutes ces recherches approfondies et d’une myriade de détails dans une expérience cohérente et fluide. Je suis certain que le film sera analysé et théorisé dans sa totalité une fois sorti, mais c’est d’abord un spectacle pour les sens, qui s’améliore à chaque revision.
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