Il y a 10 ans, un projet commençait à avancer. Aujourd’hui, le résultat est que l’un des plus grands réalisateurs du cinéma japonais sec s’associe à une étoile montante de l’animation pour un film rotoscopie sur la famille retrouvée, le rôle des parents et le chat orange irrévérencieux le plus drôle.
Nobuhiro Yamashita est un nom qui devrait être familier aux fans de cinéma japonais. Bien que mieux connu pour le film discret mais extrêmement édifiant Linda Linda Linda, la plupart de son travail est constitué d’une présentation plus sèche et factuelle de la vie quotidienne qui embrasse les moments de maladresse qui la composent..
Yamashita s’est forgé la réputation de réaliser des films paresseux, et ce pour de bonnes raisons : à commencer par son premier film Hazy Life, une description d’une amitié improbable entre des bons pour-des riens qui décident pourtant de continuer à vivre. Des modèles similaires apparaissent dans sa filmographie : l’histoire autodestructrice de The Drugery Train sur le fils d’un prédateur sexuel, qui se boycotte à chaque instant et ne règle rien dans sa vie, mais qui s’est acquis un petit passe-temps. à la fin du film ; les deux marginaux inutiles de L’Arche de Personne, dont les projets de devenir riche font rire à la fois dans la ville et dans la campagne où ils s’enfuient ; même le personnage principal de Tamako in Moratorium, sans emploi après avoir obtenu son diplôme et plongée dans un mal-être qui ne lui permettra pas de trouver une voie à suivre.
Malgré cette propension envers des personnages qui seraient considérés comme des perdants par la société, Yamashita ni ne fait un point grandiloquent sur leur situation, ni ne se limite aux personnages traditionnellement méchants et paresseux. Un exemple évident est son adaptation de Cream Lemon, qui met en scène un couple de frères et sœurs bien adaptés qui gâchent tout à cause de leur amour passionné et tabou-et qui, au final, n’y parviennent pas vraiment. être sur la même longueur d’onde. Qu’il s’agisse de dégénérescence, de traits de caractère indésirables ou simplement de ne pas correspondre aux normes sociétales, Yamashita s’intéresse aux personnages qui ont dévié du chemin attendu à différents degrés. Jamais totalement irrécupérables même lorsqu’ils se rapprochent de cet extrême, et toujours imparfaits lorsqu’ils sont plus proches l’un de l’autre. Même dans l’œuvre qui allait devenir son premier grand film d’animation, ce goût pour les bizarreries a fondamentalement changé l’histoire qu’ils voulaient raconter.
Un autre aspect auquel on passera immédiatement le spectateur a raison à propos de n’importe quel film de Yamashita, ce sont les pauses. Bien qu’il ne soit pas le seul réalisateur à adopter un rythme plus lent, son penchant à tenir un plan si longtemps que même les acteurs deviennent visiblement maladroits donne un goût très particulier à son travail.
Comme pour faire valoir un point. sur le nombre de conversations qui ne se déroulent pas correctement dans la vie réelle, ses personnages sont constamment placés dans des plans inconfortables et trop longs – joués par moments pour un humour étrange, mais également utilisés comme élément de base dans ses récits. Dans Tamako susmentionnée, le rythme de sa vie qui s’arrête souvent vous plonge dans son état d’esprit: celui d’une jeune adulte léthargique ayant besoin de reconstruire une routine par le mimétisme, qui lui permet finalement peut-être d’avancer. Dans The Drudgery Train, la stase du protagoniste est dramatique et douloureuse ; ceux qui l’entourent parviennent à progresser, alors qu’il reste coincé dans ses vieilles habitudes autodestructrices, dans ces plans sans fin. Plus qu’un trait purement stylistique, ce qui l’est aussi, ce rythme fait partie intégrante du récit de Yamashita.
Si l’on prend « la progression lente et instable » et « le goût des marginaux », nous sommes parfaitement prêt à commencer à parler de Bakeneko Anzu-chan, localisé sous le nom de Ghost Cat Anzu. Même au niveau de la production, mais pas si intentionnellement ici, ce film a pris son temps pour atteindre son objectif ; ne bougeant pas toujours au même rythme, ou ne bougeant pas du tout d’ailleurs. Dans Dans une interview informative pour Animation Magazine, les réalisateurs ont indiqué qu’ils avaient été approchés il y a environ 8 ans avec un pitch pour ce film. Lors de la présentation du film par l’équipe au Festival international du film d’animation d’Annecy 2024, le producteur principal Keiichi Kondo a souligné que cela faisait une décennie complète qu’il avait commencé à formuler un projet d’adaptation de Takashi Imashiro
Étant donné que Kondo est spécifiquement producteur d’animation au studio Shin-Ei, cependant, le pitch ne s’adressait pas uniquement à Yamashita. Dans l’interview d’Animation Magazine, le co-réalisateur note que même à l’époque, l’idée était pour lui de collaborer pour un effort de rotoscopie en direct avec quelqu’un que les lecteurs de ce site connaissent peut-être très bien : Yoko Kuno.
Les talents de Kuno sont nombreux et se remarquent immédiatement. En tant qu’animatrice et réalisatrice d’anime 2D et 3D, illustratrice, mangaka, designer et quel que soit le rôle qu’elle décide d’assumer, son style reste somptueux et dégage un émerveillement enfantin. Son animation en constante évolution est du genre à couper le souffle, et a déjà été souvent déployée pour donner une qualité particulièrement magique à des moments distincts ; un rêve, un monde extraterrestre, une distillation onirique d’une relation ou l’imagination illimitée d’un enfant. C’est le genre d’artiste qui peut immédiatement vous donner l’impression que quelque chose de spécial se passe lorsqu’elle monte sur scène.
En plus de cela, Kuno maîtrise également très bien la rotoscopie ; une technique qu’elle a souvent utilisée dans ses œuvres personnelles, ainsi que sa première renommée dans l’industrie de l’anime dans Le cas Hana et Alice de Shunji Iwai. Bien que son travail dans l’animation commerciale ait été pour l’essentiel subordonné aux autres, il serait faux de laisser entendre qu’elle n’a pas eu l’occasion d’exposer sa propre vision-ou plutôt, il est impossible pour sa sensibilité et son exécution enchanteresse de ne pas voler la vedette. met en lumière et vous transporte dans son monde. C’est le type d’artiste qui attire naturellement les producteurs dédiés à ce métier, et cela inclut tout particulièrement Kondo. Compte tenu de la chronologie, il est clair qu’il l’a approchée très tôt dans sa carrière professionnelle. Le commentaire de Kuno lors du lancement du projet, qui est toujours disponible sur le site officiel, laisse également entendre qu’elle a dû accepter tout aussi rapidement puisqu’elle était également fan du matériel source.
Aussi vite que tout le monde ait pu être d’accord du côté de la réalisation, ce n’est un secret pour personne que l’obtention d’un financement et la possibilité de former une équipe complète pour les projets qui s’écartent des normes commerciales de l’industrie sont un cauchemar. Il convient de noter que les relations entre ces principaux créateurs se sont déroulées sans heurts ; Kuno est devenu un contributeur régulier avec des rôles de plus en plus importants au sein des franchises Shin-Ei comme Shin-chan, en particulier pour les films produits par Kondo. Tous deux ont accompagné Yamashita pour une autre œuvre : une vidéo promotionnelle pour la ville culturelle de l’Asie de l’Est à Toshima, qui encore une fois montre l’attrait d’un lieu à travers l’imagination d’un enfant. Cependant, en ce qui concerne leur projet principal, ils n’ont pas pu avancer après un processus de pré-production qui a débuté en 2017.
Il n’est pas exagéré de dire qu’avec leur arrivée sur le projet en 2021, Le studio français Miyu Productions a sauvé Anzu-chan. Ce n’est qu’à ce moment-là que la production se solidifie, et ce d’une manière assez unique: Shin-Ei s’occupera des cell-assets, c’est-à-dire de l’animation ainsi que de sa coloration, tandis que Miyu se chargera de la direction artistique. , arrière-plans et conception des couleurs. En plus de cet arrangement compliqué, nous parlons également d’un film qui serait d’abord tourné en live-action par un vénérable réalisateur dans le domaine, puis rotoscopé avec un autre réalisateur audacieux à la tête de l’animation. Cela représentait une première fois pour pratiquement toutes les personnes impliquées ; un premier grand projet en animation, un premier film, la première coproduction de ce genre. Il est difficile d’imaginer un projet avec plus de sources potentielles de frictions, alors quel est le résultat ? En bref : étonnamment bon.
Pour être plus précis, Anzu-chan ressemble à un film où tout le monde a dû concéder quelque chose, mais d’une manière qui a conduit à un résultat charmant auquel aucun contributeur individuel n’aurait pu arriver. par eux-même. Le rythme caractéristique de Yamashita est très présent dans le film, même s’il n’est pas aussi extrême que dans ses œuvres individuelles ; quelque chose qui pourrait choquer les téléspectateurs qui ne connaissent pas vraiment son style, car vous allez toujours regarder des personnages qui vous regardent maladroitement pendant des secondes à la fois. Sa sécheresse générale a également été quelque peu atténuée, simplement au contact de l’approche de mise en scène beaucoup plus somptueuse de Kuno. Même elle a vu ses tendances naturelles quelque peu modifiées, car son penchant pour les couleurs froides a dû céder la place à la direction artistique beaucoup plus chaleureuse de Miyu, quelque chose qui rend le récit plus facile à avaler, donnant l’impression que vous vivez vraiment une histoire parfois sombre à travers le yeux d’un enfant.
Alors, c’est quoi cette histoire ? Ce n’est, pour commencer, pas celui du matériel source. En tant qu’adaptation – surtout si elle est dirigée par deux réalisateurs qui en étaient déjà amoureux auparavant – c’est une recontextualisation fascinante pour raconter le type de récit vers lequel ils gravitent. Anzu-chan suit le chat titulaire, même si ceux qui ont vu du matériel promotionnel savent déjà qu’il n’est pas un félin ordinaire ; après avoir été récupéré dans un monastère, Anzu a nonchalamment continué à vivre au-delà de son espérance de vie… et apparemment en un clin d’œil, il était devenu un chat fantôme.
Au cours de ses 37 ans, Anzu est devenu exactement ce que l’on attend d’une créature naturellement égoïste comme un chat à qui l’on accorde aussi longtemps. d’une durée de vie, d’une condition semblable à celle d’un humain et d’un statut mythique pendant que nous y sommes. C’est-à-dire qu’il est égocentrique, irascible, mal élevé et aussi mauvais avec l’argent que vous vous y attendez en lisant cette description. Surtout dans l’adaptation, il se sent comme un homme d’âge moyen, fidèle à la réalité et profondément imparfait, comme ceux que Yamashita adore suivre avec son appareil photo.
De la même manière, cependant, ses qualités brillent tout autant. brillamment. Ce désastre de chat pourrait faire perdre l’argent d’un enfant dans un salon de pachinko, même après une longue pause où il réfléchit qu’il ne devrait pas faire cela, mais il arnaquera également une divinité pour assurer la sécurité de ses amis ou même se mettra en danger. danger physique à cette fin ;”Je suis un chat fantôme donc je ne mourrai pas”est une bonne réplique dans une situation comme celle-là, mais aussi lorsqu’il a à juste titre énervé un enfant grossier au point de lui dire de périr.
C’est quand il s’agit de cet enfant grossier spécifique, cependant, qu’Anzu-chan s’écarte vraiment du matériel source. Bien qu’elle doive encore de nombreuses situations et une vision générale du monde à Imashiro, l’équipe derrière l’anime a encore joué dans le goût des deux réalisateurs en ajoutant un enfant comme nouveau co-protagoniste. Contrairement à un manga qui suit les aventures du chat avec les habitants de la ville, le film nous met dans la peau de Karin, 11 ans, qui vient tout juste d’arriver en ville.
À la manière purement Yamashita, elle elle-même est une enfant remarquable, même si elle a de bonnes raisons pour cela ; son seul parent vivant est un homme en désordre fuyant les usuriers, bien intentionné à sa manière mais avec aussi un historique de négligence. Cet aspect refait surface lorsque son plan absurde échoue et il jette rapidement Karin au monastère de son grand-père, alors qu’il s’enfuit pour trouver de l’argent. Heureusement (peut-être) pour Karin, c’est ici le lieu de résidence d’Anzu, et un certain chat est sur le point de la prendre sous son bras. Un poilu, probablement puant.
Les pauses de Yamashita sont déployées de manière hilarante aux côtés des aspects intrinsèquement drôles d’Anzu en tant que personnage. Lorsqu’il est surpris en train de faire pipi là où il ne devrait pas, le félin massif se tait, rit maladroitement à sa manière caractéristique et continue l’acte pendant plusieurs secondes.
Un thème majeur du film est donc la parentalité et l’effet de ces personnages sur les enfants. Le caractère acerbe de Karin est quelque chose qu’elle cache aux étrangers jusqu’à ce qu’elle évalue leur utilité, même s’il ne faut pas beaucoup d’attention pour remarquer qu’elle détient le record Guinness du plus grand nombre de clics de langue par minute. Elle est manipulatrice à un niveau qui peut facilement lui valoir la compassion d’un groupe d’êtres mythiques, mais malheureusement pour elle, obtenir leur argent n’est pas aussi simple que cela. Bien qu’elle soit une personne à part entière, il est clair que bon nombre de ces traits indésirables spécifiques sont quelque chose qu’elle a hérité de son père mauvais payeur et endetté.
L’écriture du film montre un niveau surprenant de profondeur discrète dans à cet égard, avec certains détails qui soulignent cette influence. Dès le début du film, le père de Karin débarque de manière totalement inopinée au monastère de son grand-père. Son salut direct et sans cérémonie ressemble à celui de quelqu’un qui se croit le protagoniste de la réalité-et le fait qu’il demande une somme d’argent déraisonnable dans la maison où il a laissé sa mère mourir seule ne dresse pas vraiment un tableau positif. de son caractère. Karin déteste le comportement de son père, et pourtant, elle essaie à plusieurs reprises d’extorquer de l’argent aux gens. Beaucoup plus tard dans le film, lorsqu’elle se dirige vers l’appartement de son père en ville, son salut bref est similaire à celui du début. Qu’ils en soient conscients ou non, même s’ils ne l’aiment pas, les enfants absorberont inévitablement les comportements des adultes qui les entourent.
Et c’est aussi proche d’une thèse qu’Anzu-chan. veut formuler. La simple présence d’une figure parentale – quelle qu’elle soit – est essentielle pour qu’un enfant puisse former sa propre personnalité. C’est ainsi que, sans être lui-même un saint, le choix d’Anzu de rester avec Karin finit par faire d’un méchant chat anthropomorphe la meilleure figure parentale de sa vie depuis qu’elle a perdu sa mère.
Malgré tous ses sentiments. défauts et sa personnalité épineuse, cette dynamique conduit naturellement le film à une conclusion qui renforce ce point. Aucun des deux réalisateurs ne veut offrir une solution parfaite à la situation et n’a pas non plus l’intention de faire grandir le casting de ses nombreux défauts, mais le duo principal gagne incontestablement quelque chose en cours de route. À un moment donné du film, un membre excentrique du gang est harcelé par un dieu de la pauvreté d’une manière qui menace de rendre sa vie misérable encore pire. Anzu parvient à faire fuir la divinité, promettant de ramener la chance de son ami à un niveau simplement moyen plutôt que de lui accorder la bonne fortune. C’est le type de film auquel nous avons affaire, et c’est une grande partie de son charme.
Si nous parlons du charme du film, cependant, nous ne pouvons pas terminer cette pièce sans un autre clin d’œil à les visuels. Comme indiqué précédemment, le style né de cet accord de coproduction inhabituel à travers les continents est charmant ; vous remarquerez peut-être une légère discordance dans les couleurs des cellulos et celles reflétées dans les magnifiques arrière-plans, mais cela représente une infime quantité de friction pour un film par ailleurs très harmonieux-encore une fois, surtout si l’on considère que c’était la première fois que l’équipe faisait quelque chose comme ce. L’animation suit un schéma similaire, jusqu’aux moindres frottements. Depuis le matériel promotionnel, il était quelque peu perceptible que le volume émotionnel de l’animation et le doublage ne correspondaient pas toujours parfaitement ; cela est particulièrement vrai dans les scènes dramatiques comme Karin s’en prenant à Anzu, ce qui la fait réagir bruyamment tandis que les dessins restent retenus par les expressions sous-jacentes de l’action en direct. En fin de compte, cependant, ce moment déjà présent dans les bandes-annonces est le pire délinquant (et à peine un gros problème en soi) dans un film joyeusement animé.
Dans l’ensemble, le l’abstraction du processus de rotoscopie est excellente, restant ancrée quand elle le devrait, mais se relâchant également chaque fois que le film veut s’amuser. C’est plus d’une fois que l’équipe d’animation montre ses origines avec des expressions purement Shin-chan sur les enfants de la ville, et cela reste toujours en second lieu après le spectacle hilarant qui voit Anzu bouger. Le naturalisme issu de la rotoscopie est intrinsèquement plus drôle lorsqu’il est appliqué à un chat anthropomorphe dont aucun des habitants ne remet en question la nature, et il passe au niveau supérieur lorsqu’il est combiné avec ses soudaines poussées de comportement félin et sa personnalité simplement dérangée. Difficile de ne pas rire du spectacle quand, se croyant volé, il alterne entre poignarder avec un couteau une porte tatami tout à fait innocente et courir à quatre pattes en se hérissant. Il est peut-être possible de ne pas ricaner lorsqu’il lèche négligemment sa région inférieure, mais surtout parce que cela vous fait vous demander si celle-ci a également été rotoscopée.
Et c’est la dernière surprise concernant son artisanat qui mérite d’être soulignée. Bien qu’ils aient utilisé une base d’action réelle pour la majeure partie du film, certaines scènes qui bénéficieraient d’une approche totalement originale ont été animées de manière traditionnelle. Cela inclut des moments comme un montage mignon et délibérément vague sur des photos pour expliquer comment un chat errant est devenu un cinglé mythique, mais le plus notoirement, les scènes les plus riches en action vers la fin. Bien que cela soit évident rétrospectivement puisque son travail a déjà été montré dans des bandes-annonces, le travail de Kai Ikarashi constitue une course-poursuite en voiture exaltante, tandis que des vétérans réputés comme Hisashi Mori fabriquent également des véhicules. apparitions liées. Cette largeur de livraison incarne un projet avec deux dirigeants distincts, coproduits dans des environnements différents, et avec un mélange de personnages tout à fait éclectique. Tout comme ce casting, il n’est peut-être pas complètement parfait, mais comme eux aussi, il est néanmoins extrêmement charmant.
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