Dans la série de sujets d’écriture d’aujourd’hui, nous abordons les changements de personnel chez Kyoto Animation pour améliorer encore les conditions de travail, la façon dont la coproduction de Spy x Family s’est adaptée (et a eu du mal) à s’adapter à une charge de travail importante, et le production de quelques jolies webséries Pokémon.
Actualités sur le personnel et les conditions de travail de Kyoto Animation
Les productions exceptionnelles de KyoAni ont tendance à nous donner de nombreuses excuses pour écrire sur leurs travaux sur ce site, donc dans Dans le grand schéma des choses, ils sont tout sauf négligés lorsqu’il s’agit du SakugaSakuga (作画) : techniquement, dessin d’images mais plus spécifiquement animation. Les fans occidentaux se sont depuis longtemps appropriés le mot pour désigner des exemples d’animation particulièrement bonne, de la même manière que le font un sous-ensemble de fans japonais. Assez intégré à la marque de nos sites. Blog. Cependant, étant donné à quel point ils ont réduit leur production, une année entière peut s’écouler avant qu’ils ne publient quelque chose de nouveau sur lequel nous pouvons creuser. Coïncidant avec la sortie du Concours d’Ensemble OVA théâtral d’Euphonium l’été dernier, j’ai déjà souligné que le studio avait déformé ses calendriers de production dans la direction opposée à celle de ses pairs. avoir tendance à; quelque chose qui s’est encore une fois arrivé, alors que les acteurs d’Eupho-comme les VA pour tous leurs titres récents-se vantaient de pouvoir exprimer sur des images magnifiquement finies, peu de temps après que le réalisateur ait tenté de convaincre les gens que la troisième saison était encore en pré-production… et près de 2 ans après que son scénariste ait annoncé qu’il la terminait. Le studio prend actuellement son temps avec chaque projet, et même lorsqu’il en a fini, il le garde longtemps sur sa poitrine car il préfère continuer à jouer en toute sécurité avec les calendriers de sortie.
C’est certainement préférable à la marche vers la mort continue de l’industrie actuelle de l’anime, mais cela signifie que beaucoup de temps s’écoule entre chaque nouvelle excuse majeure que nous devons écrire à leur sujet. Et pourtant, entre ceux-ci, il y a généralement un tas de mouvements soignés qu’ils ne semblent pas vouloir mettre en valeur auprès d’un public plus large ; encore une fois, je préférerais de loin qu’ils se concentrent sur des améliorations significatives pour les travailleurs plutôt que de publier constamment des messages au public sur la mesure dans laquelle ils amélioreront les choses tout en imposant des contraintes à tout le monde, mais cela explique pourquoi le fandom d’anime n’a pas vraiment réaliser ce qu’ils avaient jusqu’au tragique incendie criminel-et même alors, une grande partie de la nuance est manquée.
Certains des changements spécifiques récents apportés au studio suivent la tendance à élargir leurs moyens de création. Je ne peux pas dire que je vois une grande raison financière de créer un label complet pour les livres physiques mêlant illustration, écriture et musique, mais cela permet à leur personnel et à leurs associés comme Evan Call d’essayer de nouvelles formes de narration. Dans le même esprit, mais en coulisses, le studio continue d’étendre ses responsabilités au-delà de celles d’une société de production d’animation classique. Il y a quelque temps, nous avions remarqué que KyoAni avait créé sa propre salle de montage pour commencer à intégrer ce processus en interne, et qu’ils étaient désormais également en charge de la production sonore de leurs titres.
Un point amusant de La friction évoquée à l’époque était que Rakuonsha, une société souvent présente dans les comités de production de leurs titres, était responsable de ce processus pour leurs œuvres-alors quelle serait leur réaction si le studio lui-même faisait irruption sur ce territoire ? Je ne suis pas sûr d’avoir une réponse à cette question, mais ce que je sais, c’est qu’ils ont récemment embauché Tomomi Yano : le responsable du son pour beaucoup de leurs œuvres, jusqu’à présent via le Studio 2010 de Rakuonsha. , et maintenant directement en tant qu’employé de KyoAni. Bien que ce soit le signe de bonnes relations, je ne suis pas sûr de continuer à financer l’entreprise qui rend peu à peu mon rôle sans objet et débauche également mon personnel. D’un autre côté, cependant, c’est un bon moyen de sécuriser un client !
Aussi soignés que puissent être de tels changements, la mise à jour la plus significative en matière de personnel concernait un position que nous ne verrons même jamais crédité pour leurs travaux. Le studio a pris l’habitude de répertorier tous ses employés chaque fois qu’ils produisent un film ou organisent un événement, ce qui signifie que le mois dernier, nous avons reçu une mise à jour sur les changements de personnel depuis la production d’Ensemble Contest. Comme d’habitude, cela signifie un afflux de jeunes créateurs compte tenu de leur politique consistant à limiter l’embauche d’artistes à ceux qui ont encore besoin de formation, voire un ou deux départs ; J’espère que Mei Isai va bien, car le sien a été une surprise en tant que nouveau réalisateur et a été plus rapide que ce que nous avons vu auparavant. Caché entre tous ces noms d’artistes récemment embauchés, Mayuko Kiuchi était un nom qui a immédiatement attiré mon attention.
Après l’incendie criminel, le président Hatta a promis de faciliter l’assistance psychologique à tous. les travailleurs et les familles qui en avaient besoin. Et en effet, le générique du film Violet Evergarden – la première production terminée après ce terrible incident – mentionnait un certain agent de santé mentale dans la catégorie du soutien externe. Cette personne travaillait au Happiness Ai Center à Kyoto, où elle traitait également des cas de stress liés au la pandémie de Covid. Son nom était Mayuko Kiuchi, et son expérience avec le studio a dû être satisfaisante, car elle fait désormais partie du personnel interne.
Lorsque les gens proposent des moyens d’améliorer l’industrie, cela se résume toujours à une simplement « plus d’argent », et grâce aux plaintes de plus en plus nombreuses du public, peut-être aussi un peu de « meilleur calendrier ». C’est certainement vrai, et c’est sans doute le plus nécessaire. Mais il s’agit aussi d’employer réellement votre équipe ; un moyen de leur assurer la sécurité, ainsi que de réduire la dépendance à l’égard d’autres entreprises dont nous savons pertinemment qu’elles ne traiteront probablement pas leur personnel correctement. Et une fois arrivé à ce point, il s’agit de détails comme l’impression d’un magazine interne pour maintenir l’engagement des employées en congé de maternité avec l’équipe, ou l’embauche d’un agent de santé mentale à qui elles peuvent se confier. Il n’est évidemment pas nécessaire qu’il s’agisse de politiques spécifiques, mais il doit s’agir de politiques spécifiques qui en font un meilleur environnement de travail au quotidien. C’est ce dont l’anime a le plus besoin.
La coproduction de Spy x Family s’ajuste constamment et l’épuisement accumulé
En novembre, nous avons publié un long récapitulatif de l’évolution de la coproduction. dynamique de l’anime Spy x Family. Cela semblait nécessaire à l’époque car, même si les gens semblaient bien comprendre que la balance pour la deuxième saison devait pencher en faveur de CloverWorks, les détails sur la façon dont cela se manifestait étaient mal compris ; après tout, à ce moment-là, le studio WIT était encore en tête d’affiche de la rotation alternée des tâches de production, et la moitié des épisodes étaient tournés là-bas – ce n’est pas exactement l’abandon des tâches en faveur de la production du film que beaucoup de gens pensaient se produire. Cela dit, nous avons terminé ce chapitre en notant que nous devrons peut-être revenir sur ce sujet car cet équilibre entre les studios pourrait changer… puis il a radicalement changé, alors nous y sommes.
Rétrospectivement, le studio WIT n’avait pas à produire plusieurs épisodes pour la première moitié de cette saison comme d’habitude, même en menant le rythme comme ils l’ont fait lors de la précédente. Ils ont fait preuve de créativité, en s’appuyant sur cet oxymore que nous avons évoqué plus tôt: l’externalisation interne: le processus de sous-traitance d’une partie du travail à d’autres studios. L’externalisation partielle est très courante pour des tâches telles que l’animation clé, la coloration, les arrière-plans, etc., mais la plupart des anime télévisés ont également des cas d’externalisation complète (グロス) dans lesquels un épisode est entièrement géré par un autre studio. C’est-à-dire confier un épisode à une autre production. ligne d’attente dans l’entreprise, mais la charge de travail pour le film était finalement trop lourde, surtout compte tenu de son calendrier loin d’être idéal. Pour rendre les choses plus compliquées, leur forfait chevauchait le début de l’arc des navires de croisière dans la série ; celui qui n’est pas seulement apprécié et donc soumis à un examen plus minutieux de la part des fans, mais aussi plutôt lourd en action, car il suit de près Yor pour changer. C’est toute une responsabilité que CloverWorks doit soudainement assumer, en particulier pour un projet pour lequel ils n’ont jamais vraiment tout donné.
L’ont-ils fait cette fois-ci, alors ? La réponse est compliquée, car la gestion et l’exécution de cette série méritent des notes totalement différentes selon le niveau à partir duquel on la juge ; macro décevante, micro notable, mais nous pourrons y revenir plus tard. Après un début d’arc modeste mais solide, notamment avec l’épisode que le toujours efficaceHaruka Tsuzuki a réalisé, scénarisé et entièrement animé aux côtés du superviseur Takuya Kawai, les choses pimentez autour de l’épisode #07/#32. Trahissant l’approche économique de l’animation qui est la norme dans la série, cet épisode fait ressortir quelques noms notables comme ceux de Satoshi Sakai, Kou Horio, Yuki Suzuki. , et un Hironori Tanaka infiltré pour s’attaquer à l’un des derniers boss de l’animation: l’action avec des chaînes 2D. Bien que la cohérence ne soit pas toujours au rendez-vous en ce qui concerne le polissage, cela est en partie dû au fait que les sommets de la séquence sont bien au-dessus des standards de la série. Et plus important encore, on a l’impression que toute l’équipe a compris le but de la mission, car la direction sonore et le tempo de l’animation jouent vraiment sur le (faire semblant) d’aspect performance de cirque.
Après ce goût de grandeur, la série passe au niveau supérieur pour le point culminant de l’action de l’arc au cours des deux prochains épisodes. #08/#33 en particulier se démarque, avec des storyboards et une mise en scène par l’animateur vedette de l’équipe Imas, Isao Hayashi, accompagné d’une liste d’animateurs d’un tout autre niveau de renommée que celui que nous avons vu dans cette émission. avant; pas seulement pour l’action, mais aussi avec Shouko Nakamura animant un joli flashback. C’est le type de personnel de haut niveau auquel on peut s’attendre dans les œuvres produites par Yuichi Fukushima, et pour ces épisodes phares, ils livrent ce qu’on attend d’eux.
Bien que Spy x La famille devient plus fidèle (et moins aventureuse) à mesure qu’elle s’éloigne du réalisateur de la série. Réalisateur de la série : (監督, kantoku) : la personne en charge de toute la production, à la fois en tant que décideur créatif et superviseur final. Ils surpassent le reste du personnel et ont finalement le dernier mot. Il existe cependant des séries avec différents niveaux de réalisateurs: réalisateur en chef, assistant réalisateur, réalisateur d’épisodes de série, toutes sortes de rôles non standards. La hiérarchie dans ces instances est un scénario au cas par cas. Kazuhiro Furuhashi, Le goût de Hayashi est immédiatement mis en valeur avec toutes les traversées de caméras 3D à travers le champ de bataille – similaires à ceux qu’il a animés sur les scènes d’une certaine franchise d’idoles. Il a fourni des directives 3D pour ceux-ci, et les animateurs impliqués ont noté qu’il avait également laissé de la place à l’improvisation personnelle dans l’action, d’où la raison pour laquelle Yor botte le cul plus fort que jamais. Ses prouesses en matière de storyboard sont mises en valeur dans la façon dont il utilise des coupes en correspondance pour traduire la simultanéité qui crée les gags dans le manga, et c’est finalement suivi du retour de Miyuki Kuroki à bord d’une belle clôture qui n’a besoin de aucun mot pour relier les deux côtés de la famille . Ces épisodes sont plutôt bons et pleins de talent, mais en même temps, quelque chose ne va pas. Il y a un décalage entre la renommée de l’équipe et les conditions auxquelles elle a été soumise, entre ses capacités et l’énergie déployée. Spy x Family ne s’effondre jamais pendant cet arc-loin de là !-ni dans les épisodes plus détendus de la fin, mais on a constamment l’impression de cacher à quel point il est essoufflé.
La façon de le faire Parvenir à une production stable, capable d’atteindre ses objectifs dans les limites de son champ d’application et de rester immersive pour le spectateur sans tuer personne dans le processus, n’est pas d’accumuler des noms populaires – malgré ce que pensent certains fans et studios. Au contraire, les mouvements les plus intelligents de cette saison de Spy x Family sont exactement ceux qui n’attirent pas l’attention car ils ne sont pas liés à ces grands noms. Changer les épisodes en interne comme l’a fait WIT, ou confier un épisode quasi-solo à quelqu’un avec des fondamentaux solides comme l’a fait CLW. Et quand les choses échappent aux deux mains, avoir quelqu’un comme le studio Snowdrop, qui a produit les deux épisodes externalisés de cette saison. À une époque où les épisodes sous-traités sont impitoyablement divisés et précipités, le personnel de Snowdrop peut diriger, superviser, animer entièrement, entre les deux et peindre les épisodes lui-même. Et ils le font avec fondamentalement exactement la même équipe dans les deux cas de cette série, permettant à l’équipe de se familiariser davantage avec les personnages et le monde. Ils ne réalisent peut-être pas les épisodes les plus impressionnants, mais ils fournissent une base de référence très solide et se permettent même d’avoir des idées ambitieuses par endroits.
Mais même avec ces solutions intelligentes et efficaces proposées par les gens dans les tranchées avec, et malgré la possibilité d’appeler ce talent haut de gamme si besoin est, la planification de cette franchise la fait reposer sur des bases fondamentalement fragiles. Spy x Family n’est finalement devenu une coproduction que parce qu’elle a d’abord été confiée à une équipe trop occupée, ils ont donc dû aller demander de l’aide à des amis tout aussi occupés de l’autre côté de la rue. Depuis lors, son succès leur a permis de pomper les matériaux exactement à la bonne vitesse pour éviter un effondrement, mais aussi pour empêcher le repos nécessaire à la solidification des sols. Le film original qui a amené WIT à s’éloigner de cette saison est déjà un énorme succès, et à première vue, c’est un moment familial vraiment amusant avec des sommets au-delà de ce dont cette production télévisée est capable… mais il a également été terminé juste avant la première.. Même si ce n’est pas un gâchis complet comme la production d’anime peut souvent l’être, et que la charge de travail n’est pas exorbitante en soi, l’équipe se sent prise dans un cycle où elle ne peut tout simplement jamais se reposer. Allez, laissez Anya faire une bonne sieste.
Des retombées récentes et charmantes de Pokémon
Il y a pas mal d’œuvres pour lesquelles j’ai promis d’écrire des commentaires plus courts, mais dans entre quelques articles massifs que nous avons publiés ce mois-ci et un certain événement annuel, je n’y suis tout simplement pas parvenu ; désolé Doremi Naisho, je jure que ton tour viendra. S’il y en avait un que je ferais négligent de sauter maintenant, ce serait Pokemon : Paldean Winds/Houkago no Breath. Au cours des dernières années et malgré les problèmes rencontrés avec la série principale, la décision de la société Pokemon de s’associer à divers studios d’animation pour créer du contenu court a porté ses fruits. Il n’y a tout simplement pas mieux que Shingo Yamashita et Twilight Wings du studio Colorido.
WIT est l’un de ces studios partenaires, qui n’en a pas seulement produit un. série Web dirigée par Ken Yamamoto, mais a même collaboré avec eux sur quelques films. Plutôt que d’avoir un seul interlocuteur au studio, ces tâches ont été gérées par plusieurs équipes. Et pour Paldean Winds, les élus étaient… la chaîne de production qui a réalisé Spy x Family, partageant AniP avec le film récemment sorti. Vous voyez pourquoi le studio pourrait être un peu essoufflé, comme le demande le titre japonais de cette série ?
Malgré ce calendrier chargé et une sortie peu conviviale, Paldean Winds est une série très agréable avec une équipe curieuse. derrière. Directeur de sérieRéalisateur de série : (監督, kantoku) : la personne en charge de l’ensemble de la production, à la fois en tant que décideur créatif et superviseur final. Ils surpassent le reste du personnel et ont finalement le dernier mot. Il existe cependant des séries avec différents niveaux de réalisateurs: réalisateur en chef, assistant réalisateur, réalisateur d’épisodes de série, toutes sortes de rôles non standards. La hiérarchie dans ces instances est un scénario au cas par cas. Ryouhei Takeshita a acquis la réputation d’être peut-être le meilleur émulateur de caméras physiques dans les anime. D’une part, c’est une vision un peu réductrice d’un réalisateur aux talents plus larges, même si il fait de son mieux pour le rappeler aux gens. j’adore les caméras. D’un autre côté, c’est cette expérience du mouvement à la main et du cadrage POV qui aide à des choix artistiques ciblés, comme commencer cette série avec une séquence qui abaisse le niveau des yeux à celui d’un petit Pokémon. La relation entre ces créatures, les humains et l’espace qu’ils habitent continue d’être un point central de la série. Il est exploré à travers l’action du deuxième épisode, qui étend son message de sentiments personnels au-delà du froid, soi-disant bon sens par un cadrage très subjectif en général. Pendant ce temps, le troisième est plus ludique avec l’espace, en grande partie grâce aux mises en page 3DLayouts (レイアウト) : Les dessins où l’animation est réellement née ; ils élargissent les idées visuelles généralement simples du storyboard au squelette réel de l’animation, détaillant à la fois le travail de l’animateur clé et des artistes d’arrière-plan. que Takashi Katagiri se prépare toujours lorsqu’il réalise quelque chose ; une autre belle réussite à son actif avant de diriger ce film Spy x Family sur lequel nous revenons sans cesse.
L’un des aspects les plus intéressants de cette courte série concerne les scripts, et pas seulement à cause de le mélange éclectique d’écrivains. Outre les propres contributions de Takeshita, la série comportait des scénarios du talentueux Teruko Utsumi du studio Lapintrack. C’est une figure intéressante que nous avons déjà suivie, en tant qu’ancienne assistante de production de Brains Base. Assistante de production (制作進行, Seisaku Shinkou) : effectivement le rôle de «producteur» le plus bas, et pourtant un rouage essentiel du système. Ils vérifient et transportent le matériel, et contactent les dizaines et dizaines d’artistes nécessaires pour terminer un épisode. Gérant généralement plusieurs épisodes des émissions dans lesquelles ils sont impliqués. et du personnel littéraire autour de Penguindrum qui a conservé sa relation avec Kunihiko Ikuhara en devenant représentant du studio dans lequel il est actuellement en poste. En dehors de son rôle présidentiel, Utsumi est prête à s’attaquer à pratiquement n’importe quel travail qu’elle rencontre : paroles, gestion, construction de dioramas et, dans des cas comme Sarazanmai ou cette série, écriture régulière également.
À ses côtés, elle Il y avait également Keisuke Sato de WIT, qui n’a peut-être pas encore un répertoire aussi large, mais qui est également en train de passer de la gestion à des fonctions créatives. Et c’était lui qui constituait le scénario de la finale de cette série, qui faisait le choix intéressant de montrer indirectement le résultat des arcs personnels de chaque personnage, à travers une série de vidéoclips réalisés par le seigneur du contraste orange/bleu Yuki Kamiya. J’ai l’impression que ce choix judicieux que Sato a personnellement poussé pourrait être perdu dans une mer d’éloges pour toute la délicieuse animation de Nanjamo, ce qui est… un très bon résultat, vraiment. L’animateur Kaito Tomioka a dessiné un nombre de feuilles tout simplement obscène parce qu’il aime tellement le personnage, et les détails ludiques comme l’inertie de ses petits pains électromagnétiques le montrent.
Avant de conclure, j’aimerais crier une autre série Pokémon qui a récemment été abandonnée. Je suppose qu’avoir un seul bel anime nommé d’après un poste de gardien dans un établissement commercial n’était pas suffisant, ils ont donc dû intégrer Pokemon Concierge jusqu’en 2023 également. Cette série de 4 épisodes montre un monde familier sous un angle différent, visant à offrir du répit à ses habitants et à son public. Les experts en animation stop-motion des studios nains sont derrière tout cela, avec Iku Ogawa assis dans le siège du réalisateur. La clé de son aura apaisante réside également dans le travail de Tadahiro Uesugi, qui est présenté comme le concepteur du personnage, mais qui a joué un rôle tout aussi important en tant que concept artiste et l’un des cerveaux derrière la vision du monde.
L’un des aspects les plus intéressants de Pokémon dans l’animation est la façon dont chaque équipe décide de représenter les créatures elles-mêmes, à la fois par écrit et au niveau visuel ; idéalement, avec ces deux-là en conversation. Certaines équipes ont accentué leurs traits animaliers en repensant et en mettant l’accent sur leur comportement, tandis que d’autres les ont davantage intégrés dans la société humaine grâce à leur maîtrise unificatrice de l’éclairage. Dans le cas de Concierge, le choix judicieux qui est constamment fait concerne la texture: quel matériau transmet la sensation tactile que j’imagine que ce Pokémon ait ? Il peut être ressenti pour la fourrure, quelque chose de solide mais robuste pour un rocher, et un plastique plus anormalement lisse pour la peau d’un amphibien. Au contraire, j’aurais aimé qu’ils aillent plus loin avec des matériaux plus radicalement fabriqués à la main, comme le studio s’est avéré capable de le faire. Cependant, pour une série aussi décontractée et confortable, je comprends le choix d’opter pour un look plus doux. Et vraiment, comment pourrions-nous avoir besoin de plus d’avantage, alors que la série confirme déjà que le stéréotype du fan de base de Pikachu existe également dans l’univers ? Parlez d’épicé.
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