Bonjour les amis et bienvenue dans Wrong Every Time. Aujourd’hui, j’ai une touche de son et de fureur pour vous tous, car les projections de la semaine comprenaient un film que je détestais de toutes les fibres de mon être. Oui, nous avons en effet regardé le remake détestable du Roi Lion de Favreau, vous pouvez donc tous profiter d’un soupçon de cette fureur nue que je ne dirige que contre des choses qui aggravent le monde. Heureusement, le reste des projections de cette semaine ont été beaucoup plus fortuits, allant d’un artefact distinctif de la transition numérique de l’anime à un excellent film slasher tout simplement. Commençons par le mauvais et passons ensuite au bon, alors que nous parcourons la dernière semaine en revue !
Soutenus par l’insistance de mes colocataires, nous avons suivi le visionnage de la semaine dernière de Le Lion King avec sa réinvention CG 2019. Eh bien,”réimaginer”est probablement le mauvais mot, car je n’ai pas réussi à analyser une once d’imagination dans aucun aspect de ce film maudit. Je m’attendais déjà à quel point cela aurait l’air mauvais: dans les mains du crochet à viande de Jon Favreau, chaque belle couleur, chaque composition étonnante et chaque fragment de jeu de personnage est vidé de l’original. Dans sa poursuite insensée du prétendu photoréalisme, il s’assure que chaque plan de ce film semble flou et ennuyeux, aspirant à ne rien faire de plus que de garder ses animaux CG inexpressifs plus ou moins au milieu du cadre. Une fois dynamiques, les séquences de chansons riches en couleurs sont entièrement vidées de leur attrait ; vous pouvez à peine voir ce qui se passe tout au long du trouble Be Prepared, tandis que I Just Can’t Wait To Be King abandonne toute sorte de narration visuelle au-delà de”voici des animaux à l’écran”.
Mais Favreau a toujours été un hack, et”poursuivons le photoréalisme au lieu de l’art”a toujours été un exercice intrinsèquement sans valeur. Ce qui m’a surpris à propos de ce film, c’est à quel point il était en deçà de l’original, même lorsque vous ne tenez pas compte des visuels. L’écriture est plus maladroite et moins ciblée, apparemment plus intéressée à démontrer”hé, nous avons des doubleurs célèbres!”que de raconter réellement une histoire. Et le mixage des chansons est atroce, avec des instruments entièrement submergés et des voix bien trop hautes dans le mixage, d’une manière qui met davantage en évidence à quel point les mélodies vocales se comparent mal à leurs homologues d’origine. À peu près la seule performance vocale qui se compare favorablement à l’original est celle de Donald Glover, mais même lui ne peut pas surmonter les défauts de production. Cette version de Le roi Lion est”l’original mais dramatiquement pire”de toutes les manières que vous pouvez imaginer, prenant un film qui a impressionné des millions de personnes et le régurgitant comme un exercice cynique pour exploiter les priorités mal placées du public. Favreau, vous l’avez encore fait.
Nous avons ensuite terminé notre examen de ce que mon colocataire a classé comme”les Rocky essentiels”(Rocky 1 à 4) avec un visionnement de Rocky III, dans lequel Stallone affronte le charmant nommé Clubber Lang (M. T). En écrivant sur Rocky II, j’ai réfléchi à la façon dont les films de Stallone ont tendance à s’insérer dans l’étude des personnages ou les modèles de machisme hoo-rah; Rocky III marque le point de transition entre ces modèles, alors que notre protagoniste passe d’un homme hanté par ses démons à un super-héros combattant un super-vilain.
Le premier match raté de Rocky contre Lang ressemble à la conclusion de l’histoire initiale de Rocky: il parcourt la distance avec le champion, remporte finalement le championnat, perd confiance dans la validité de ses réalisations et est châtié par un rappel tragique de ce qui est vraiment précieux dans la vie. La scène de Stallone braillant à côté de son entraîneur mourant est l’une des meilleures de sa carrière. à ce moment-là, toutes ses angoisses concernant les «vraies victoires» se sont révélées insignifiantes, car il ment avec empressement sur sa performance pour apaiser les inquiétudes de son entraîneur. À son meilleur, Stallone peut évoquer une tragédie un peu comme De Niro entre les mains de Scorcese, un emblème grêlé du pouvoir masculin dans un monde où une telle force ne peut qu’apporter la ruine.
Puis Carl Weathers apparaît, nous avons un montage d’entraînement guilleret, et Stallone bat la merde de M. T dans leur match revanche. Alors oui, finalement un film un peu décousu, mais honnêtement j’ai bien apprécié ses deux moitiés. Il y a des choses à aimer à la fois à propos de Stallone l’homme macho et de Stallone le critique masculin, et Rocky III offre une portion gagnante de chacun.
La prochaine étape était Housebound, une comédie d’horreur néo-zélandaise sur une jeune femme nommée Kylie (Morgana O’Reilly), qui est condamnée à huit mois d’assignation à résidence au domicile de son ancienne famille après le dernier d’une série de délits mineurs. Une fois là-bas, elle retrouve sa mère bavarde, qui semble croire qu’il y a une sorte de présence qui hante leur maison. Au fil du temps, Kylie commence à être elle-même témoin d’événements inexplicables, menant à une enquête paranormale sur les secrets les plus sombres de la maison.
Housebound est définitivement plus de la comédie que de l’horreur, mais il réussit habilement dans les deux sphères, offrant beaucoup de récompenses comiques démentes et un casting de personnages immensément sympathiques. Cela ne commence pas de cette façon; Le personnage de Kylie est si intensément égocentrique qu’il faut un certain temps pour s’investir dans son histoire, et sa mère joue habilement le rôle de quelqu’un qui est à la fois”gentil”mais avec qui il est impossible de vivre. Mais une fois qu’Amos, agent d’arrestation à domicile, enquêteur paranormal, s’implique, le film se transforme en une chasse aux fantômes captivante et toujours amusante, avec de nombreux rebondissements satisfaisants et des effets pratiques délicieusement gluants. L’acte final de Housebound offre une fusion parfaite de la tension du chat et de la souris et de la libération de la bande dessinée, avec un bâillon si bon que je dois serrer les dents pour éviter de le gâcher. Légère, charmante et intelligemment construite, Housebound est une montre gratifiante pour les fans de comédie ou d’horreur, et probablement un bon film”d’horreur de passerelle”pour ceux qui ont le courage d’aborder le genre.
J’ai ensuite projeté un film d’animation qui était sur ma liste depuis un moment, Hiroyuki Kitakubo’s Blood: The Last Vampire. Le film ne dure que quarante-cinq minutes et n’est essentiellement qu’une série de scènes d’action, suivant la tueuse de vampires Saya d’une confrontation dans le métro à la base aérienne de Yokota, alors qu’elle traque une série de bestioles assoiffées de sang.
Le l’intrigue du film n’est pas particulièrement intéressante, mais fondamentalement tout le reste de cette production l’est. Le cadre, pour un;”Une base aérienne américaine au Japon dans les années 1960″est un environnement spécifique et nouveau, et facilite le mélange confiant du film en anglais et en japonais. Le sang reflète également de multiples points d’inflexion dans l’histoire de la production d’anime. En tant que court métrage théâtral conçu comme une fondation de franchise, il remonte aux débuts de Production I.G. en matière de prestige, de films dirigés par des créateurs et d’OVA, tandis qu’en tant que film conçu en grande partie pour démontrer le potentiel de l’animation numérique, il présage évidemment l’adoption à grande échelle de l’industrie. des méthodes numériques. Et surtout, cela fonctionne réellement: les conceptions de personnages distinctives de Katsuya Terada se fondent bien avec les composants numériques, et l’esthétique généralement sombre du film fait un excellent travail pour masquer les coutures de ses différentes parties. Un aperçu intéressant d’une époque très différente de l’histoire de la production d’anime.
Le dernier de la semaine était un slasher semi-classique, The House on Sorority Row. Malgré son titre sans inspiration, Sorority Row s’est avéré être un slasher distinctif et tout à fait supérieur, rehaussé par sa structure narrative unique, son scénario inhabituellement plein d’esprit et ses performances solides à travers la distribution principale. Le film suit un groupe de sœurs de la sororité qui tentent de faire une farce à leur mère de dortoir, pour la tuer accidentellement à la place. La sororité organisant une fête en quelques heures, le groupe choisit de cacher le corps dans leur piscine désaffectée, précipitant une heure anxieuse à tenter de cacher leur crime tout en se faisant lentement attraper par un tueur mystérieux.
Plutôt que le gang habituel de victimes anonymes que vous trouvez souvent dans ces longs métrages, le casting de Sorority Row est distinctif et dynamique, avec des subdivisions claires de cliques entre le groupe social global et de nombreuses grandes personnalités entre elles. La culpabilité relative de ces personnages les pousse dans des directions étranges et paniquées avant même que les tueries ne commencent, tandis que le contraste de la violence et des réjouissances donne à l’acte central du film une énergie frénétique, presque délirante. Le film aborde même efficacement la tragédie de l’héritage de cette mère de dortoir, puisant dans cette veine toujours fertile d’expérience qui convoite la jeunesse. Curieusement, l’élément le plus faible de ce film slasher est en fait le slashing-les meurtres ne sont pas particulièrement distinctifs ou effrayants, mais lorsque l’échafaudage qui les entoure est aussi impressionnant, c’est un échec facilement pardonnable.
