Il y a cinq ans, nous avons présenté une femme qui n’avait pas encore réalisé un seul épisode d’anime comme l’une des jeunes créatrices les plus prometteuses de toute l’industrie. Aujourd’hui, elle est le cerveau derrière les moments les plus célèbres de l’anime télévisé-il s’agit de Megumi Ishitani, qui pourrait vraiment être trop bonne pour son travail.
Nous avons lancé la rubrique Anime’s Future ici au SakugaSakuga (作画) : Techniquement dessiner des images mais plus spécifiquement animation. Les fans occidentaux se sont depuis longtemps approprié le mot pour désigner des exemples d’animation particulièrement bonne, de la même manière qu’un sous-ensemble de fans japonais. Assez partie intégrante de la marque de nos sites. Blog pour contrebalancer le pessimisme qui devient incontournable lorsqu’on couvre cette industrie. Fermer les yeux sur les problèmes structurels de l’anime n’aide personne, mais à une époque où plus de gens que jamais acceptaient la profondeur de ces problèmes, il était important de noter qu’il y avait toujours de nouvelles sources d’espoir. Même si les gens de l’industrie déplorent le manque alarmant de main-d’œuvre qualifiée, malgré des conditions de travail épouvantables et des limites créatives parvenant à chasser toutes sortes de gens talentueux, tant de gens tombent amoureux de l’animation que de nouvelles voix puissantes font encore irruption sur la scène avec régularité, que ce soit ils finissent par avoir une carrière fructueuse ou non.
Pour commencer cette série en beauté, nous avons choisi de mettre en avant deux artistes différents dans le premier post. Le premier était un génie précoce qui travaillait sous le nom de Chine. Ayant démoli toutes sortes de jalons de jeunesse dans l’industrie, son manque d’expérience dans les fonctions de réalisateur à l’époque ne semblait pas être un obstacle pour prédire une excellente carrière de réalisateur, surtout compte tenu de son talent pour capturer des informations sensorielles de moments très spécifiques même à travers des illustrations seules. Le temps a prouvé que ces intuitions étaient justes, car ses apparitions sont aujourd’hui synonymes de sorties de calibre épisode de l’année comme Yama no Susume S3 # 10, Heike Monogatari # 03 et le clip de Mafumafu Sore wo Ai to Yobudake.
À côté de la Chine, il y avait un nom plus modeste. Alors qu’il s’était déjà bâti une solide réputation parmi les fans d’animation dévoués et bien sûr au sein de sa génération d’animateurs indépendants très talentueux, peu de gens connaissaient Megumi Ishitani. Au moment d’écrire à son sujet, elle n’avait pas encore réalisé un seul épisode d’anime, n’ayant effectué que des travaux mineurs pour Toei Animation après avoir obtenu son diplôme universitaire. Pour ceux qui ont vraiment prêté attention, cependant, le potentiel était clair : ces petites contributions ont montré des explosions de créativité et très attrayantes sensibilités, même lorsque le sujet était un cul anthropomorphisé. Et, peut-être plus important encore, son élève travaille la distingue déjà de la norme.
Nous avons mentionné à plusieurs reprises que le programme GEIDAI ANIMATION de l’Université des Arts de Tokyo est le cours le plus prestigieux du pays. Sa réputation ne repose pas seulement sur la cachette des instructeurs et les compétences techniques qu’ils sont capables de transmettre, mais sur leur accent sur l’éducation des artistes avec une vision du monde, une voix et un message qui leur sont propres. Leurs anciens élèves deviennent le plus souvent des artistes indépendants, car cet état d’esprit s’oppose aux attitudes dominantes dans les environnements commerciaux, en particulier ceux qui sont devenus aussi asphyxiants sur le plan créatif que les dessins animés télévisés; lorsque la plupart des ressources sont canalisées vers des adaptations, et lorsque la définition de celles-ci est réduite à des recréations exactes du matériau source, l’art meurt pour les produits. À l’heure actuelle, les seuls centres quelque peu stables des gens de Geidai sont la branche Ibaraki du studio WIT, loin de la pression habituelle du studio principal, et l’équipe Pop Team Epic qui pourrait aussi bien être aussi extraterrestre que le nom de Space Neko Company le suggère.
Ishitani a défié ces conventions en rejoignant précisément le plus corporatif des studios d’anime ; pas si surprenant d’un choix étant donné que l’empire Toei Animation offre le type de sécurité d’emploi que la plupart des studios d’anime ne peuvent jamais espérer, mais apparemment en contradiction avec la philosophie de l’université dont elle est partie. Et pourtant, c’est précisément la mentalité nourrie à Geidai qui a permis à Ishitani de s’adapter à un environnement comme celui-ci. L’objectif qu’elle s’était fixé était de créer une animation que tout le monde pourrait apprécier, quel que soit le contexte ou même sa capacité à l’analyser dans son intégralité. Elle l’a assimilé à l’expérience d’un enfant qui ne peut pas comprendre toutes les subtilités d’un morceau de fiction, et qui pourrait pourtant se souvenir avec émotion de l’impact que cela a eu sur eux des années plus tard. Pour une artiste aussi inventive qu’elle, avec cette intention de créer des expériences mémorables autonomes, devoir travailler sur des franchises hebdomadaires n’allait pas suffire à étouffer sa créativité.
Cette hypothèse a été rapidement mise à mal. test, dans un scénario très délicat qui plus est. La formation d’Ishitani en tant que réalisateur s’est déroulée parallèlement à la production de Dragon Ball Super, un titre que même les plus grands fans de la franchise reconnaîtront comme un parcours inégal. Après avoir agi en tant qu’assistante réalisatrice pendant quelques années, où quelques séquences de fin étaient les plus grandes responsabilités qu’elle avait, Ishitani a terminé sa phase de formation au cours du dernier arc de la série. Son rôle non crédité en tant que réalisatrice d’épisodes et co-scénariste dans l’épisode # 107 était la première fois qu’elle était quelque peu responsable, mais surtout, réalisatrice de série décideur créatif et superviseur final. Ils ont devancé le reste du personnel et ont finalement le dernier mot. Il existe cependant des séries avec différents niveaux de réalisateurs-réalisateur en chef, assistant réalisateur, réalisateur d’épisodes de série, toutes sortes de rôles non standard. La hiérarchie dans ces instances est un scénario au cas par cas. Tatsuya Nagamine et la co-directrice de la série Ryota Nakamura—la figure la plus proche d’un mentor qu’elle avait à l’époque, qui a même supervisé ses débuts non officiels—lui ont confié la réalisation et le storyboard du finale toute seule. Cela va sans dire, mais confier à un débutant le point culminant de la plus importante franchise d’anime de tous les temps est à la fois une idée ridicule et la meilleure chose qu’ils auraient pu faire. À ce moment-là, il avait déjà récupéré toutes les qualités que nous avions soulignées auparavant, et le pari de son équipe a payé.
Alors que #107 était déjà un épisode assez fort malgré l’animation limitée, #131 en particulier a élevé la barre beaucoup plus haut que Super n’avait jamais atteint auparavant. Ses storyboards étaient extrêmement évocateurs pour les normes de la série, et cette adaptabilité dont elle aurait besoin pour survivre dans un environnement étranger s’est avérée déjà là, alors qu’elle enchaînait une action plus satisfaisante que la plupart des vétérans de Dragon Ball. Les deux épisodes ont brossé un tableau clair de son style encore en développement. D’une part, sa tendance aux compositions symétriques centrées sur le sujet, en particulier encadrées de le retour ; des techniques standard sur papier, mais toujours exécutées de façon mémorable par sa main, avec l’avantage supplémentaire de faire des déviations, jetant cet équilibre à signifie la dynamique du pouvoir ou transmet l’agitation -se sent d’autant plus percutant. Alors qu’à ce stade, elle devait encore peaufiner des compétences spécifiques à l’animation commerciale, son sens inné pour la composition de plans la faisait déjà se démarquer aux yeux de beaucoup.
Après de brefs passages dans un projet sans cérémonie et faisant du travail de conception pour Precure, Ishitani est passée à son prochain grand projet : suivre Nagamine alors qu’il s’embarquait pour le Grand Ligne. Ayant récupéré Dragon Ball Super du mieux qu’il était humainement possible, puis prouvant qu’il n’avait pas perdu le contact avec le très jouissif film de Broly, Nagamine s’est vu confier la revitalisation de One Piece en prenant la relève en tant que réalisateur de sérieSeries Director: (監督, kantoku) : La personne en charge de l’ensemble de la production, à la fois en tant que décideur créatif et superviseur final. Ils ont devancé le reste du personnel et ont finalement le dernier mot. Il existe cependant des séries avec différents niveaux de réalisateurs-réalisateur en chef, assistant réalisateur, réalisateur d’épisodes de série, toutes sortes de rôles non standard. La hiérarchie dans ces instances est un scénario au cas par cas. pour l’arc de Wano. Dire qu’il a atteint l’objectif serait un euphémisme non seulement sur son leadership, mais aussi sur la façon dont toute l’équipe a décuplé la qualité de son travail, à commencer par l’amélioration de la gestion. Wano de Nagamine a été un succès dès ses débuts dans l’épisode 892, mais ils ont conservé leur arme secrète pendant plus d’un an, plus précisément jusqu’à l’épisode 957, le premier de la série réalisé et scénarisé par Ishitani.
Les fans de One Piece ont rencontré un Ishitani nettement plus raffiné que celui dont les téléspectateurs de Dragon Ball s’étaient séparés. Ses tendances naturelles > dans le storyboard n’avait pas—et n’a pas-a changé un peu, mais sa réflexion était déjà à un niveau différent, tout comme sa capacité technique à le mettre en termes plus concrets. L’épisode a fait un excellent usage des ombres pour sa part, améliorant ses compositions déjà accrocheuses mais régulant également la transmission d’informations au public. spectateur, lui donnant un excellent contrôle du tempo. Travailler aux côtés des les meilleurs animateurs auxquels le studio a accès dans un environnement beaucoup plus sain que celui de Super a maximisé ses intangibles, et elle a même a trouvé un moyen de mettre en synergie le contenu de l’épisode avec sa propre philosophie d’animation. Chargé d’une révélation véritablement révolutionnaire, Ishitani a mis l’accent sur les enfants au fur et à mesure que la nouvelle tombait ; ils sont déconcertés par les réactions extrêmes de chacun face à une décision politique qu’ils ne sont pas équipés pour comprendre, certains absolument ignorants de tout ce qui est passe, et pourtant l’importance de la direction donne l’impression d’un jour dont ils se souviendront quand ils seront grands. C’est-à-dire une analogie directe avec les objectifs d’animation d’Ishitani.
En livrant un épisode aussi mémorable, Ishitani est devenu du jour au lendemain un héros pour toute une base de fans. Une base de fans qui a ensuite dû attendre 6 mois entiers, c’est-à-dire plusieurs cycles de rotation du personnel, pour qu’elle se présente à nouveau. Et quand elle l’a fait, elle est réapparue avec encore plus d’astuces dans son sac, comme ses tentatives de marier les transitions élégantes qu’elle utilisait auparavant avec des compositions multiplanaires similaires à celle de la précédente superstar Toei Rie Matsumoto, qui donnent une profondeur supplémentaire aux prises de vue dans un très manière divertissante. La créativité d’Ishitani n’avait pas besoin d’être améliorée, mais en accumulant de l’expérience, elle devient progressivement capable de réaliser des concepts ridicules comme des néons diégétiques et tonalement appropriés qui transforment une boisson renversée en intention sanglante.
Le spectaculaire scène précédente, essentiellement un clip vidéo de haute qualité inséré dans l’épisode, résumait à la fois la grandeur autonome d’Ishitani et l’incompatibilité entre l’ambition au niveau théâtral et l’anime télévisé, sans parler d’un titre de longue date. One Piece est une émission télévisée plus stable que jamais, et Ishitani a également obtenu plus de temps que quiconque, mais la friction entre l’ambition et la faisabilité l’a toujours amenée à lutter avec la production de cet épisode. Il n’est pas exagéré de dire qu’à ce stade, elle était devenue trop bonne pour son travail.
Après une attente encore plus longue, le dernier travail d’Ishitani sur l’épisode 1015 ne montre aucun signe de ralentissement de l’ambition. L’épisode représente peut-être le plus grand saut technique entre ses œuvres, la composition en particulier étant beaucoup plus raffinée. Pour aussi ambitieux que l’éclairage de ses précédents épisodes One Piece, des détails comme la profondeur de champ excessive associée à chromatique l’aberration a fait plus de dégâts aux tirs qu’elle n’en a aidé. Avance rapide vers son dernier épisode, cependant, et l’éclairage accrocheur est beaucoup plus harmonieux, clouant des effets très compliqués comme la translucidité. Associée à un meilleur guidage de l’œil grâce à des techniques telles que la mise au point, des transitions plus fluides et une capacité étonnante à gagner du temps avec art, ses compétences techniques sont maintenant au niveau où elles peuvent être à la hauteur de son inventivité.
Bien sûr, c’est cette créativité qui a attiré les autres vers son travail en premier lieu. Alors que son désir de faire de l’animation dont vous pouvez profiter indépendamment de votre compréhension du contexte et du contenu peut être mal interprété car elle ne se soucie pas d’un travail spécifique comme One Piece, rien ne pourrait être plus éloigné de la vérité. L’épisode # 1015 regorge de séquences qui cristallisent l’esprit du manga aussi bien sinon mieux que tout autre réalisateur; encore une fois, son exécution est si mémorable qu’elle est parfaitement agréable avec un contexte minimal, mais ne prenez rien de tout cela pour dire qu’elle ne s’engage pas dans chaque travail spécifique. Ishitani insiste constamment sur le fait que l’animation est quelque chose qui ne peut pas réussir sans une équipe sur la même page, et lorsque vous travaillez sur une adaptation, cet état d’esprit semble également inclure l’auteur et son travail original.
Parmi les nombreux faits saillants, la représentation par Soty du flashback de Yamato avec Ace pourrait être le résumé le plus élégant de la compréhension d’Ishitani sur le matériau. En plus d’être une belle interprétation de l’une de ses compositions préférées, Yamato tenant le Vivre Paper alors qu’Ace navigue dans un ravin très étroit est un rappel poignant de la liberté de l’un et de l’absence de liberté de l’autre, encore accentuée en déplaçant l’œil vers les chaînes.. Les mots d’adieu d’Ace déclenchent un changement dans la mentalité de Yamato, qui se précipite pour lui dire un adieu plus approprié; répétant la même composition avec la main tenant le Vivre Paper, sauf que cette fois Yamato regarde une mer ouverte, maintenant réellement capable de voir la liberté dans le futur. Et puis, une allumette coupée sur le papier brûlant, signifiant la mort du seul ami de Yamato. Une montagne russe d’émotions en environ une minute de séquence, résumant magnifiquement la vision du monde des personnages avec une scène que quelqu’un qui n’a traité cela que comme un devoir ne pourrait jamais créer.
Quand il s’agit d’incarner One Piece comme dans son ensemble, et la propre créativité d’Ishitani également, la scène la plus mémorable est à nouveau dans les mémoires de Yamato et Ace; et encore une fois dans l’animation de Soty, car il ne se reposera que s’il est principalement responsable des plus grands épisodes de Toei chaque année. Nous sommes transportés dans un monde de couleurs pastel et de formes plus lâches, convenant aux souvenirs d’enfance d’Ace des trois frères exposant leurs rêves. Soudain, les souvenirs de Yamato passent à un autre extrait du passé, avec une palette plus chaude mais un style tout aussi enfantin, mettant en vedette la proclamation de Gol D. Roger de son propre rêve. Les deux couleurs fusionnent avant d’exploser en oiseaux: l’incarnation ultime de la liberté, qui pour Roger et Luffy est la véritable signification d’être le roi des pirates. Pour un personnage qui n’aspire qu’à ça comme Yamato, c’est un événement qui change la vie, et en tant que spectateur qui souhaite plus d’éclats de créativité comme celui-ci, Ishitani change également la donne.
Aussi positif comme cette pièce l’a été, je ne pouvais pas me résoudre à la terminer sans dire aux fans de One Piece de profiter d’Ishitani aussi longtemps qu’ils le pouvaient, car chaque épisode a montré plus clairement que le précédent qu’elle n’appartenait tout simplement pas ici. Il ne s’agit en aucun cas de critiquer la série, pas même les franchises commerciales sans fin du studio. Au contraire, le rôle qu’ils ont joué dans la carrière des réalisateurs les plus brillants que le studio a soulevés est quelque chose que je trouve étrangement négligé.
Sauf pour des exceptions comme le travail de Kunihiko Ikuhara sur Sailor Moon et son disciple Takuya Igarashi avec Doremi, il semble y avoir une tendance à minimiser le passé de leurs réalisateurs les plus acclamés par la critique, ce qui remonte inévitablement à des titres comme ceux-ci. Le style atmosphérique impersonnel de Shigeyasu Yamauchi a été perfectionné dans des œuvres comme Casshern Sins, mais il est difficile de saisir pleinement si vous n’êtes pas au courant de ses contributions à Dragon Ball et Saint Seiya. Rie Matsumoto est souvent traitée comme si elle s’était matérialisée de nulle part avec Kyousougiga, mais formellement et thématiquement, sa croissance est partout dans Precure. Même Mamoru Hosoda, dont le travail dans Digimon est toujours reconnu, a la plupart de son travail à Toei balayé sous le tapis, y compris ses œuvres les plus significatives personnellement. Même si vous ne tenez pas compte de leur importance historique, ce sont toutes d’excellentes œuvres en elles-mêmes, méritant le respect quel que soit leur contexte.
Quand il s’agit d’Ishitani, le problème n’est pas qu’elle puisse’ne pas faire de grands anime dans la franchise sur laquelle elle est déployée, mais plutôt qu’elle est trop ambitieuse pour des épisodes individuels d’anime télévisé. Bien que je souhaite qu’elle obtienne finalement sa propre œuvre originale majeure – y compris sans aucun doute des dinosaures – j’ai l’impression que le changement le plus important dans sa carrière serait de passer à la direction de projets entiers, de préférence théâtraux. Au cours de la dernière décennie, Toei a laissé tomber la balle lorsqu’il s’agit de garantir des débouchés alternatifs pour des créateurs uniques comme elle, ce qui a contribué à ce que plusieurs artistes du calibre d’Ishitani démissionnent de leur couronne plus rapidement que prévu. La balle est maintenant sur le terrain de Toei, car Ishitani a déjà prouvé qu’elle est la vraie affaire.
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