Tomohiro Furukawa s’inspire de la philosophie et des méthodes de légendes vivantes telles que Mamoru Oshii, Hideaki Anno et son mentor Kunihiko Ikuhara. Il reconstruit leur enseignement et ses influences dans d’innombrables domaines dans un style passionnant unique-c’est Revue Starlight The Movie, et ce qu’il appelle l’anime centré sur l’expérience.
Une compétence indispensable pour un réalisateur est la capacité de parler à leur mère du film qu’ils ont vu l’autre jour et de le rendre intéressant. Ce sont les mots amusants de la légende vivante Mamoru Oshii, et une sorte de mantra pour Tomohiro Furukawa, qui a commencé à réaliser à quel point ils résonnaient avec lui une fois sa carrière de réalisateur a décollé.
Après tout, cette phrase résume toute son approche du processus créatif. Pour commencer, il met l’accent sur le pouvoir de la présentation, l’aspect qu’il considère à juste titre comme sa plus grande force. Tout comme Oshii, Furukawa est un connaisseur de cinéma bien lu avec l’ensemble d’influences le plus éclectique que vous puissiez imaginer, qu’il reconditionnera également avec enthousiasme dans ses œuvres. Les mots d’Oshii sont même proches de la maison en ce qui concerne la réalisation que Furukawa avait en tant que réalisateur débutant: ce n’est pas seulement le public que vous devez garder engagé, mais aussi l’équipe qui le réalise. En fin de compte, la mère dans l’analogie n’est pas seulement votre public, mais aussi votre équipe et, dans une certaine mesure, vous-même. Et ainsi, lorsque l’idée d’une suite à Revue Starlight lui est proposée, il trouve rapidement le bon angle pour aborder le film récapitulatif Rondo Rondo Rondo et son spectaculaire Revue Starlight le film. Cela serait formulé dans une ligne prononcée par les personnages en guise de préparation à ce film final, ainsi que tout au long de son exécution:”nous sommes déjà sur scène”-un nous qui s’étend à tout le monde devant, à l’intérieur et derrière l’écran.
En ce moment, Furukawa occupe une position curieuse. D’une part, il est célébré par icônes de l’industrie et les journalistes les plus réputés de l’anime en tant que réalisateur perturbateur, tellement attaché à sa vision unique qu’il peut apporter une animation d’avant-garde à une scène commerciale de plus en plus restrictive. D’un autre côté, il est encore inconnu du grand public car il n’a dirigé qu’un seul projet, et être attaché à une usine de divertissement produite en série comme Bushiroad signifie qu’il n’est pas exposé à un public d’art et d’essai aux vues similaires, mais plutôt à des téléspectateurs plus jeunes. qui ne sont pas habitués à ses méthodes non standard. Et pourtant, je ne suis pas sûr que je sauterais sur une chronologie différente dans l’espoir que sa carrière se déroulerait différemment. Bien qu’il ne soit pas conscient de l’étendue de sa délicieuse étrangeté, comme le démontrent ses explications désinvoltes selon lesquelles il est tout à fait normal de s’inspirer de peintres du XVIe siècle et de films de niche qui ne sont jamais sortis au Japon, Furukawa sait au moins qu’il propose quelque chose de radicalement différent de ce que son public pense qu’il veut, et il a l’intention d’exploiter ce décalage pour leur présenter de nouvelles expériences.
Pour commencer, il est important d’établir d’où un réalisateur aussi peu conventionnel tire ses influences ; non seulement parce qu’il est important de comprendre ses côtelettes stylistiques non conventionnelles, mais parce que c’est important pour lui, en tant que personne. Heureusement, en tant que figure franche et bien informée de l’industrie, Furukawa a eu l’occasion de partager ses inspirations dans multiple points de vente. Il a abordé des sujets comme les mangas shoujo des années 70 au début des années 80 avec des éléments BL qu’il avait empruntés à sa mère, ce qui, selon lui, affaiblissait sa perception du genre en tant que facteur de romance, tout en lui donnant le goût de la belle noblesse-deux aspects que vous pouvez encore ressentir fortement dans son travail actuel. Même des détails comme sa thèse sur l’histoire architecturale de la cathédrale de Canterbury se sentent tangibles dans sa production, en tant que quelqu’un qui aime utiliser le processus de conception de décors comme un dispositif de narration peut-être plus important que l’écriture manifeste elle-même ; surtout après avoir remarqué que les réalisateurs qu’il admirait ne ressentaient même pas le besoin de dessiner un personnage pour nous en parler.
Aussi larges que soient ses intérêts, il est clair qu’il ne le serait pas faire de l’anime s’il n’y avait pas ces réalisateurs qu’il admire, c’est pourquoi il leur a dédié tant d’éloges. Cela va de Shigeyasu Yamauchi, le premier réalisateur à attirer son attention avec Saint Seiya : Légende de la jeunesse cramoisie, à Takuya Igarashi, dont l’efficacité et la capacité étonnante à créer sa propre image tout en adhérant à la vision du monde d’une œuvre existante ont fasciné Furukawa ; à tel point qu’il a essayé de reproduire le storyboardStoryboard (絵コンテ, ekonte): Les plans de l’animation. Une série de dessins généralement simples servant de script visuel à l’anime, dessinés sur des feuilles spéciales avec des champs pour le numéro de coupe de l’animation, des notes pour le personnel et les lignes de dialogue correspondantes. Plus pour Futari wa Pretty Cure #08 en le revoyant obsessionnellement plan par plan.
Si nous parlons de ses plus grandes influences, il ne fait aucun doute que nous devons parler à propos de réalisateurs comme Hideaki Anno, dont le rythme même que Furukawa ressent encore résonne tout au long de son travail, ainsi que le susmentionné Oshii, aussi proche d’une icône philosophique qu’il l’a été dans l’animation. C’est en étudiant ses œuvres et en collaborant avec des réalisateurs similaires qu’il en est venu à son interprétation de leur mantra de contrôle de l’information : un concept intrinsèquement lié au choix du matériau d’expression pour lui, au point qu’il s’est méfié des lectures purement thématiques des œuvres de réalisateurs aussi idiosyncratiques ; pourquoi adopter cet angle après tout, quand il les a vus transformer leurs thèmes pour se conformer à leurs moyens d’expression ? Et lorsqu’il s’agit de choisir le matériau parfait pour exprimer ce que vous avez à dire, ou de modeler ce que vous avez à dire pour l’adapter à votre matériau préféré, il n’y a personne de mieux que son mentor : Kunihiko Ikuhara. Si je venais de présenter Furukawa comme un étudiant d’Ikuhara, son moi passé aurait pu se sentir mal à l’aise. Et cette relation compliquée est également palpable dans son travail.
Il est indéniable que Furukawa est l’apprenti d’Ikuhara. Il n’a aucune envie de le cacher et fera l’éloge de son professeur à chaque occasion, même s’il se moque de la gentillesse de sa mauvaise humeur. Il est clair qu’il a une compréhension profonde d’Ikuhara dans la façon dont il fait allusion à des qualités curieusement négligées de lui, comme son des capacités de repérage inégalées et une volonté de s’entourer de jeunes créateurs dignes d’être écoutés sans compromettre cette sensation Ikuhara indubitable, que nous avons toujours mise en avant dans ce site. Furukawa fera souvent allusion à lui comme son mentor avec le plus grand respect plutôt que même de dire son nom, mais si vous êtes un fan attentif, vous avez peut-être remarqué qu’il le fait maintenant. Dans son interview avec Yuichiro Oguro pour le 16ème numéro d’AnimeStyle, Furukawa s’est ouvert sur ce sujet plus que d’habitude. Bien qu’il l’ait toujours beaucoup admiré et qu’il ait essentiellement modelé la façon dont il met en place l’animation après la gestion des ressources et du personnel d’Ikuhara, Furukawa détestait l’idée que les gens le placeraient parfaitement en tant qu’adepte d’Ikuhara et se permettraient d’arrêter de penser plus loin; toute nuance et qualités personnelles, perdues au profit d’un label.
Cela l’a vraiment frotté dans le mauvais sens, pas seulement en tant que personne avec un vaste ensemble d’influences, mais peut-être aussi à un niveau plus philosophique. Pour quelqu’un qui puise des éléments dans d’innombrables œuvres et domaines, Furukawa n’a aucun intérêt à ce que les hommages soient des recréations directes. Au lieu de cela, il stocke tout ce qui attire son attention sous forme de paquets d’informations et de techniques. Le processus créatif consiste, du moins pour lui, à transformer, ajouter et soustraire de ces pièces préexistantes pour s’adapter à de nouveaux scénarios-et la condition de réussite, construire quelque chose qui semble tout à fait unique à partir de ces influences atomisées. Le qualifier simplement de suiveur d’un individu spécifique est donc contraire à sa vision du travail. Et la vérité est que vous pouvez sentir cette friction dans son travail ; lorsqu’on lui confie pour la première fois un projet mettant en scène des filles de théâtre qui s’affronteraient, il pense très vite à leur donner des tenues similaires à celles de La Rose de Versailles… avant d’abandonner rapidement l’idée, pensant que les gens feraient immédiatement l’association Utena et se rabattre sur ces idées préconçues des suiveurs d’Ikuhara.
En fin de compte, ce qui l’a fait changer d’état d’esprit, c’est précisément ce projet. Ce n’est pas comme si Revue Starlight avait provoqué une révélation, mais plutôt que le fait de diriger une émission lui avait fait réaliser à quel point Ikuhara était incroyable et profondément influent. Son mentor lui avait donné une chance alors qu’il n’avait aucune expérience dans les rôles de réalisateur et lui avait pratiquement appris les ficelles du métier, lui permettant de faire partie du jeune noyau de réalisateurs de Mawaru Penguindrum. Et à l’époque de Yurikuma Arashi, il l’avait déjà à ses côtés en tant que directeur adjoint de la sérieDirecteur de la série : (監督, kantoku) : la personne en charge de l’ensemble de la production, à la fois en tant que décision créative-fabricant et superviseur final. Ils ont devancé le reste du personnel et ont finalement le dernier mot. Il existe cependant des séries avec différents niveaux de réalisateurs-réalisateur en chef, assistant réalisateur, réalisateur d’épisodes de série, toutes sortes de rôles non standard. La hiérarchie dans ces cas est un scénario au cas par cas. Diriger son propre projet a clairement montré à Furukawa combien il devait à son mentor, au point d’éclipser complètement ce dégoût pour les étiquettes. En même temps, cependant, cette admiration semble l’aveugler sur le fait que l’inspiration fonctionne dans les deux sens. Car aussi fondamental qu’Ikuhara ait été dans le processus de Furukawa pour comprendre son style, ce dernier a également joué un rôle clé dans le raffinement et l’évolution de son mentor admiré.
Dans l’un de ces cas amusants de Furukawa faisant une blague sur la mauvaise humeur de son mentor, il a mentionné que l’un des rares aspects pour lesquels il l’a ouvertement félicité était son oreille pour euphonie et sa maîtrise du calembour. Comme d’habitude, l’évaluation d’Ikuhara était juste pour l’argent. Grâce à des œuvres comme Kaze Densetsu : Bukkomi no Taku, Furukawa avait développé un goût pour les phrases et les motifs d’une telle présence qu’ils ont l’impression d’exister physiquement dans l’œuvre, même lorsqu’ils ne le sont pas diégétiquement. composé dedans. Pour un réalisateur qui a compris que tout dépend du choix du matériau, cela s’étend naturellement à la livraison de ces motifs à travers la conception graphique et les effets visuels, éléments clés du travail de Furukawa. Des lignes mémétiques auxquelles la base de fans s’est rapidement accrochée-C’est Tendou Maya, je suis Reborn, l’utilisation de Starlight comme verbe-à L’imagerie incomparable de Yuto Hama, son style est accrocheur d’une manière qui a même surpris son mentor. Cela s’étend même à son travail à venir; alors qu’il n’a même pas encore de titre officiel, les sons esthétiquement agréables de Love Cobra, les jeux de mots loufoques, et l’iconographie de retour de Hama a réussi à peindre une image mémorable à partir d’essentiellement rien. Parlez de charisme suintant.
Bien que l’iconographie ait toujours été un aspect assez important pour Ikuhara, cela ressemble à son éloge de l’œil et de l’oreille de Furukawa, car ces motifs provenaient d’un endroit très authentique, étant donné à quel point il en est venu à mettre l’accent sur ce type d’images et d’extraits sonores depuis qu’ils ont commencé à travailler ensemble. De la stratégie de survie de Penguindrum et de la conception graphique emblématique de Wataru Osakabe aux symboles ア de Sarazanmai, cette obsession a perduré même lorsque leurs horaires respectifs les ont séparés, à tel point que ces motifs pourraient être la première chose qui vous vient à l’esprit lorsque vous pensez à la production moderne d’Ikuhara. Peut-être aveuglé par son admiration renforcée, cependant, Furukawa ne voit rien d’autre que la personnalité d’Ikuhara à l’écran lorsqu’il regarde ses œuvres ; et il a peut-être raison, mais je crois qu’il en fait désormais partie intégrante.
En dehors du déclenchement de ce changement d’attitude envers sa propre lignée créative, comment Revue Starlight s’est-elle déroulée ? Si vous avez suivi ce site, vous saurez que nous avons trouvé qu’il s’agissait d’une série extrêmement divertissante qui ne pouvait pas être à la hauteur de son potentiel. Entre les luttes de production sévères qu’ils n’ont endurées que grâce aux contributions clés de jeunes animateurs individuels à l’étranger-une façon inquiétante d’être en avance sur son temps-et les arcs de personnages inégaux, il semblait être en deçà du chef-d’œuvre qu’il aurait pu être. Revue Starlight est une série sur les filles de scène en compétition pour la gloire de la première place dans un cadre à parts égales Takarazuka et fantaisie surréaliste. Sa distribution est soigneusement organisée en couples et trios avec un thème commun, mais ceux-ci n’ont pas été créés égaux, et la paire centrale avec de plus grandes chaussures à remplir est tombée à plat aux yeux de beaucoup; pour une série qui équivaut essentiellement à une bataille de charisme, elle n’a pas réussi à vendre correctement les personnages qui se sont finalement tenus au sommet, ce qui laisse un arrière-goût un peu amer même avec sa finale passionnante.
Étant donné Le personnage de Furukawa, on pourrait penser qu’il passerait rapidement à des projets entièrement nouveaux, mais l’idée de suivre Revue Starlight avec quelques films – un récapitulatif amélioré et une suite appropriée – est devenue une idée tentante pour lui. Bushiroad a conçu la franchise pour qu’elle soit une large propriété multimédia avec des actrices qui jouent les personnages dans les comédies musicales et les expriment dans l’anime, et c’est en parlant avec elles que Furukawa est devenu de plus en plus conscient du thème récurrent du jeu d’acteur. Ils jouaient un personnage fictif, ceux-là jouaient un personnage dans leur pièce, et ne jouaient-ils pas tous un personnage d’eux-mêmes également ?
En parlant avec Momoyo Koyama, l’actrice derrière la protagoniste Karen Aijo, a été une expérience particulièrement éclairante pour lui. Koyama avait parlé de ses difficultés à se mettre à la place de Karen; comment, en tant que personne quelque peu pessimiste, elle a lutté pour devenir un protagoniste brillant et impeccable. Karen est l’incarnation même d’un protagoniste, mais cette friction entre la nature humaine imparfaite de l’acteur et un rôle qui semble si artificiellement parfait l’a amené à se demander: et si Karen jouait aussi ? Cette impulsion l’a amené à approfondir le personnage, à déterrer ses inquiétudes et même les hypocrisies avec lesquelles il a conclu la série originale. Et nous avons donc Revue Starlight The Movie, l’histoire de la mort et de la renaissance de Karen : la fille qui voulait simplement jouer dans une pièce spécifique aux côtés de son amie est révolue, renaît en une véritable actrice qui aspire à la scène.
Comme nous l’avons établi, cependant, ce que dit Furukawa est presque secondaire par rapport à la façon dont il le dit, il a donc dû trouver la bonne façon d’aborder la production également. Le réalisateur a fait allusion à la surproduction d’anime comme l’un des facteurs importants ici, arguant que si les réalisateurs vétérans et les grands studios ressentent déjà la douleur de constituer une équipe de haut niveau capable de mettre en place une animation traditionnelle toujours soignée, quelqu’un comme lui n’a aucune chance. Avec cela hors de l’image, il a décidé de jouer sur ses points forts avec ce qu’il a appelé un film centré sur l’expérience. Furukawa admire avec tendresse ses idoles susmentionnées, leurs œuvres des années 90 qui vous ont laissé de très fortes impressions même si vous ne pouviez pas suivre tous les rythmes narratifs. Il a pris la décision pleinement consciente d’aller à contre-courant de la tendance consistant à mettre l’accent sur les traditions et les intrigues verbales avec un film plus viscéralement gratifiant. Celui qui parle à vos sens plus qu’à la base de données de votre cerveau, une catharsis que l’on ressent mieux physiquement dans un théâtre-c’est un spectacle sur la scène après tout.
Cela peut être ressenti dès le départ. La toute première séquence du film n’était pas réellement dans le scénario, mais Furukawa a ressenti le besoin d’attirer immédiatement l’attention du spectateur avec la tomate éclatante la plus satisfaisante jamais ressentie dans l’animation. Aussi aléatoire que cela puisse paraître, les tomates sont sans doute le motif le plus important de tout le film, et pour des raisons très furukawa. Revue Starlight avait notoirement toujours présenté une girafe bavarde comme avatar pour le public, et en approfondissant la dynamique de la scène, Furukawa a conclu que ce ne sont pas seulement les interprètes mais aussi les spectateurs qui se laissent volontiers brûler et consommer. Pour représenter cette idée de manière assez simple, le scénario comprenait une scène où les filles mangeaient de la viande de girafe. Trouvant ce scénario un peu trop grotesque, Furukawa puisa dans sa liste interminable d’influences et se souvint du peintre Giuseppe Arcimboldo, qui construisait souvent des portraits humains à partir de légumes. Ainsi, les tomates sont devenues le cœur du public et du film lui-même, et une scène qui aurait pu être quelque peu étrange est devenue un cauchemar beaucoup plus mémorable. Oh Furukawa, ne change jamais.
Tous les motifs du film suivent un schéma similaire. Après tout, cette approche centrée sur l’expérience n’est rien d’autre qu’une application pratique de la philosophie d’animation qu’il avait tirée de ses idoles, exploitant son amalgame d’influences pour alimenter le spectacle constant. Revue Starlight The Movie est une balade passionnante qui réutilise des éléments de tout entre Lawrence d’Arabie et Mad Max Fury Road, en suivant toujours sa formule d’addition et de soustraction à ces pièces. La confrontation entre Junna et Nana, pour sa part, utilise un décor du film de 1985 Mishima-Une vie dans nos chapitres où une représentation du Kinkakuji s’ouvre en deux et aveugle un personnage. Il s’avère que les lumières aveuglantes ont toujours été un motif pour Nana, représentant l’éclat de la première scène qu’elle a tenue avec ses amis-une scène qu’elle a eu du mal à passer et qu’elle ne pourrait plus jamais saisir. Cela lui a donné l’excuse d’utiliser une technique de mise en scène intrinsèquement cool d’une nouvelle manière qui correspond à son propre scénario; et si ce n’était pas le cas, il l’aurait peut-être simplement modifié pour se donner une bonne excuse pour le faire de toute façon. Après tout, l’expérience mémorable vient en premier.
Regarder Revue Starlight The Movie est un assaut sur les sens de la meilleure façon possible, car l’écran est inondé d’idées de Furukawa et le son grandiose les accompagne. Bien que l’écriture soit plus poignante grâce à la considération supplémentaire que l’équipe a accordée à la dynamique de la scène, ce ne sont pas plus de mots sur papier qui ont fait tomber tant de gens amoureux du film, mais plutôt l’engagement sans faille de Furukawa envers ses plus grandes forces. La dynamique des personnages que les gens adoraient déjà dans la série n’a jamais été construite sur une écriture particulièrement complexe, s’appuyant plutôt sur le charisme visuel, la présence sur scène et la direction accrocheuse que Furukawa leur a accordée. Ce film est une escalade audacieuse de celle d’un réalisateur qui admet qu’il ne peut pas raconter une histoire de manière simple, mais dont l’imagination et les munitions créatives pourraient vous emmener dans une balade sans fin à couper le souffle; et ce n’est pas exagéré, étant donné que même après avoir laissé beaucoup d’idées dans son assiette, Furukawa avait prévu près de trois heures de concepts pour les deux heures d’exécution de ce film.
C’est réconfortant de voir cette équipe réussir à faire quelque chose qui, bien qu’étant en partie une conséquence de l’état de l’industrie, est aussi magnifiquement anachronique que Furukawa l’imaginait. Cependant, tout le monde ne partage pas ce sentiment de réussite au final, et cela renvoie encore une fois à la philosophie du réalisateur. Pour autant que les compagnons d’armes, les téléspectateurs et les journalistes ont loué Revue Starlight le film comme un succès retentissant, Furukawa a répété à plusieurs reprises à ses yeux que c’était une sorte d’échec regrettable; peut-être un qui est fièrement perturbateur dans ses objectifs, bruyant et accrocheur dans son exécution, mais finalement entraîné par sa prétendue incapacité à être à la hauteur de sa vision et du potentiel de son équipe. L’acclamation immaculée de la critique n’a fait que le confondre, au point qu’il essaie de désosser les qualités que les gens voient dans son travail à partir de cette évaluation critique, car il ne peut pas les voir lui-même.
Pour autant que Je souhaite que Furukawa soit un jour capable de faire quelque chose qu’il considère comme un succès, j’ai bien peur que même s’il est capable d’accomplir encore plus que ce qu’il a déjà, ses impressions seront toujours teintées de regret. S’il était dans ce métier pour se concentrer sur une narration complète ou une animation raffinée, il pourrait réaliser quelque chose de plus tangible et se convaincre qu’il a réussi. Ce qu’il poursuit en tant que cinéaste centré sur l’expérience, cependant, est une idée. En tant qu’individu, son objectif est de faire correspondre les réverbérations de ses idoles, celles qui l’ont poussé à poursuivre l’animation en premier lieu. Et ceux-là, vous ne pouvez jamais les saisir. Voici donc des échecs allégués plus fascinants, je suppose !
Revue Starlight Le slogan du film est Wi(l)d Screen Baroque. C’est un jeu de mots entre le sous-genre baroque grand écran de la science-fiction qu’il aimait en tant que lecteur avide, ainsi que le concept d’une fille de scène sauvage-l’un des premiers thèmes du film, qui dépeint les acteurs et leur faim dans un carrément manière animale. C’est aussi une référence au large format cinémascope que le réalisateur a choisi, en grand fan du format et pour sa compatibilité avec l’imagerie du train et du désert. C’est le type de réalisateur qu’est Furukawa et le type de réalisateur qu’il continuera d’être.
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