Nijiiro Hotaru : Rainbow Fireflies-L’incroyable hommage de Toei Animation à leur passé et les menaces qui pèsent sur leur avenir production pour honorer les œuvres emblématiques de leur passé et la puissance de l’animation traditionnelle. Une décennie plus tard, la perte de projets comme celui-ci menace l’avenir du studio. Toei est un conglomérat de divertissement auquel aucun studio d’anime ne peut espérer se comparer et, à certains égards, qu’aucun de ses pairs ne devrait espérer être assimilé à; car aussi colossal que soit leur héritage dans l’anime, cette empreinte massive projette également des ombres noires, à la fois sur les fronts du travail et de la création. Au cours des 7 dernières décennies, leur division d’animation est devenue le géant qu’elle est en ce moment. Celui qui est capable de produire de nombreux succès mondiaux simultanés et sans fin, et comme les téléspectateurs de One Piece peuvent en témoigner en ce moment, également de faire un travail fantastique avec eux lorsque ces titres sont bien gérés. Cependant, comme les fans les plus expérimentés de la même série s’en souviendront, leur modèle peut également se traduire par un travail continuellement stressant et un résultat qui donne l’impression qu’il n’existe que par inertie et par la nécessité de se faire livrer un produit chaque semaine. Alors que l’industrie de l’anime marche déprimant vers un avenir où les studios ne sont guère plus que des chaînes de montage, Toei est un vétéran chevronné pour qui ce résultat n’a rien de nouveau. Ils ont été traités comme tels pendant de nombreuses années, mais parviennent toujours à regrouper suffisamment de pépites créatives dans ces obligations commerciales pour empêcher le cynisme de prendre pleinement le dessus. C’est peut-être un équilibre précaire, mais Toei a trouvé une formule qui leur permet de se conformer à ces exigences tout en réalisant un travail mémorable et en élevant certains des jeunes esprits les plus brillants de l’anime. Répéter des cycles avec des gens comme Sailor Moon, Doremi, Ashita no Nadja, et à travers Precure, avec Kunihiko Ikuhara, Mamoru Hosoda, Takuya Igarashi, Rie Matsumoto et Haruka Kamatani—ces modèles positifs ne sont pas un heureux accident. Vous ne pouvez jamais les tenir pour acquis dans une série spécifique, mais il y a une chose qui est certaine depuis des décennies : il se passera toujours quelque chose de très intéressant dans les immenses salles de Toei. L’astuce ici, de bien sûr, c’est que Toei a des soupapes d’échappement pour cette créativité radicale refoulée. Bien qu’il soit possible d’aborder ces titres populaires de longue date pour lesquels le studio est connu avec plus d’ambition et de créativité que la norme, et que la culture du studio encourage les réalisateurs audacieux à le faire, il n’y a que peu de choses à faire pour pousser le limites strictes d’un anime d’action populaire ou d’une énorme franchise qui doit continuer à vendre du plastique. Ce sont souvent les réalisateurs les plus idiosyncrasiques qui gèrent les épisodes emblématiques des titres phares de Toei, mais si c’était tout ce sur quoi ils pourraient travailler, leur carrière au studio serait plutôt courte. Même si ce n’est que de temps en temps, des artistes extrêmement uniques doivent être libérés de leurs chaînes, c’est pourquoi Toei a semblé se faire un devoir de toujours avoir des alternatives sur le côté alors qu’ils évoluaient vers cette réalité de la ligne d’usine. L’un de ces projets, sorti il ​​y a 10 ans, était l’inoubliable Nijiiro Hotaru—Rainbow Fireflies. Konosuke Uda n’est certainement pas aussi glamour comme ses contemporains comme Ikuhara ou son modèle Junichi Sato, qui ont gagné leur place dans le canon des plus grands réalisateurs de Toei de tous les temps. Cependant, un manque de notoriété publique ou critique ne rend pas la carrière de quiconque moins importante. D’une part, personne d’autre ne peut se vanter d’être le tout premier réalisateur de la série One Piece… bien qu’un Goro Taniguchi puisse revendiquer la propriété du premier rôle de kantoku de la série, puisqu’il a dirigé le pilote qui, des décennies plus tard, a conduit au prochain One Piece Film Red. Les meilleures œuvres d’Uda dans différents genres, tels que Lovely Complex, Ginga e Kickoff et MAJIN BONE ne sont ni des méga succès commerciaux ni votre chouchou critique prototypique , mais c’est le type de travail dont les gens se souviennent avec émotion. En tant que réalisateur qui s’est retrouvé perdu et sans motivation au début de sa carrière, travaillant sous le SatoJun susmentionné-et maître de tous les temps pour injecter du plaisir dans les scénarios stéréotypés que vous êtes susceptible de rencontrer à Toei-a grandement stimulé Uda, qui a depuis puis a toujours réussi à transmettre ce plaisir au public. Dans cette carrière d’exploits tranquillement significatifs et d’œuvres agréables mais pas extraordinaires, il y a une exception majeure. Celui qui couvait depuis 2007, lorsque le producteur Atsutoshi Umezawa a approché Uda pour lui présenter un film inspiré d’un roman qu’il vient de lire. Umezawa, qui avait rejoint le studio à l’époque de Toei Doga et a continué à consacrer du temps à de petits projets étranges même après sa retraite, a réussi à monter une offre très alléchante. Et pour ce faire, il a d’abord vendu l’idée aux plus hauts gradés, les convainquant que c’était le bon moment pour rendre hommage à ces films Toei Doga historiquement significatifs de sa jeunesse avec un successeur spirituel entièrement financé par le studio. Umezawa a alors pu transmettre cette opportunité peut-être unique à un réalisateur comme Uda : la liberté de création tant qu’il réalise quelque chose digne de l’héritage du studio, avec une équipe de haut niveau et beaucoup de temps à sa disposition. Alors qu’après un long processus-2 ans pour l’animation, 3,5 pour la production dans son ensemble et près de 5 pour sa sortie-les supérieurs en ont finalement eu marre et ont exigé un produit fini, cette pression n’était pas suffisante pour compromettre un film qui va de pair avec les plus grandes réalisations de Toei en matière d’animation. En fait, très peu d’animes peuvent même se comparer à ce que cette équipe a réalisé. Comme Uda l’a expliqué dans AnimeStyle002, alors que la prémisse du projet a peut-être été enrobée de sucre, la route qu’ils ont tracée n’était pas nécessairement douce-ou même une route du tout, étant donné à quel point ils ont tourné en rond pendant le processus de pré-production, comme ils l’ont pensé l’identité de l’œuvre qu’ils créaient. Le voyage de Nijiiro Hotaru a commencé avec Uda et Takaaki Yamashita, dont la participation était une recommandation de Kenkichi Matsushita du côté de la direction. Étant donné que le seul mandat d’en haut qu’ils avaient initialement était d’honorer l’histoire de Toei Doga, la participation de Yamashita correspondait à la facture; il avait également rejoint pendant les dernières étapes de cette ère du studio, et s’est finalement retrouvé à encadrer des gens comme Hosoda et Tatsuzou Nishita, des incarnations accrocheuses des possibilités modernes du studio. S’il fallait célébrer les qualités du passé de Toei tout en exploitant les forces de leur présent, Yamashita serait leur homme. Autrement dit, dans un monde idéal où le temps n’est pas une ressource finie. À ce moment-là, Yamashita était déjà très demandé, à la fois dans les émissions de télévision et avec une carrière théâtrale-son seul objectif de nos jours-qui était décoller aussi. Nijiiro Hotaru était un engagement si long qu’il chevauchait non pas un mais deux films Hosoda, sans parler d’autres projets qui nécessitaient son aide. Comme il était clair depuis le début qu’il ne serait pas en mesure de consacrer toute son attention à Nijiiro Hotaru, Uda a demandé l’aide d’un artiste très spécial qui courait dans des cercles similaires: Hisashi Mori, un animateur d’action de style Kanada qui a fait un écart difficile pour surfer sur la vague réaliste de Mitsuo Iso mais n’a jamais perdu sa netteté et ses formes géométriques, doublant désormais le lineart audacieux. Les trois d’entre eux feraient de longs voyages de repérage, une anomalie pour le studio à l’époque, dessinant de l’art conceptuel pour s’aider à imaginer la forme idéale du film. D’une certaine manière, cela ressemblait plus à une découverte archéologique minutieuse de son résultat naturel, plutôt qu’à une équipe se précipitant avec des idées préconçues. Encore une fois, ce processus n’a pas été facile, et l’équipe s’est retrouvée à revenir en arrière sur leurs décisions le plus souvent. Le premier changement majeur de plans s’est produit au sein de ce trio: alors que Mori s’était initialement engagé pour aider Yamashita, très occupé, Uda aimait tellement ses brouillons audacieux qu’il a rapidement été décidé qu’il devrait être le concepteur du personnage à la place. Cela les a également aidés à répondre à certaines inquiétudes initiales qu’ils avaient concernant l’identité du projet ; étant donné la demande de suivre la tradition Toei Doga, sauf dans un contexte plus moderne, Uda et son équipe ont estimé qu’ils se chevaucheraient trop avec d’autres héritiers lointains de ce style, tels que les œuvres de Ghibli ou la production alors simultanée de Mai Mai Miracle. En s’appuyant à la place sur le dessin au trait épais de Mori, Nijiiro Hotaru s’est immédiatement senti comme une œuvre à part entière. Le pipeline d’animation qu’ils ont finalement construit reflétait également ces nouvelles dynamiques. Yamashita a toujours prêté son expertise en composition d’images en dessinant d’innombrables mises en page approximatives. ils étendent les idées visuelles généralement simples du storyboard au squelette réel de l’animation, détaillant à la fois le travail de l’animateur clé et des artistes de fond. qui a élargi le storyboardStoryboard (絵 コ ン テ, ekonte): Les plans de l’animation. Une série de dessins généralement simples servant de script visuel à l’anime, dessinés sur des feuilles spéciales avec des champs pour le numéro de coupe de l’animation, des notes pour le personnel et les lignes de dialogue correspondantes. Plus, qui serait ensuite transmis à Mori pour ajuster les spécificités d’acteur, et enfin à des animateurs clés spécifiques pour suivre le flux de travail d’animation standard. Comme un personnage majeur du matériel source avait Okuyama comme nom de famille, un peu comme la légende Toei Doga Reiko Okuyama, l’équipe a eu l’idée effrontée de nommer le protagoniste qui n’avait pas de nom de famille dans le livre après Yoichi Kotabe, une figure tout aussi importante pour le studio. Pour éviter d’en faire trop, ils sont allés avec Otabe à la place, ce qui sonnait très proche compte tenu de la prononciation de son VA. En fin de compte, Kotabe a regardé le film aux côtés d’autres légendes de Toei Doga et était très reconnaissant pour leur geste. Ce changement n’était que le premier d’une longue série à venir, dont beaucoup étaient motivés par la décision précédente qu’ils avaient prise. D’une part, choisir d’embrasser les lignes audacieuses de Mori s’était avéré créer une atmosphère trop oppressante, comme ils l’ont amèrement réalisé lorsqu’on leur a demandé d’animer un film pilote. Essayer de réduire cet impact visuel en imitant l’effet de papier carbone brun vu dans des œuvres comme Mon voisin Totoro n’a pas fonctionné non plus , car cela donnait une sensation d’automne élégante à un film censé incarner l’été de haut en bas. La solution qu’ils ont choisie a été d’interrompre le dessin au trait noir de Mori avec des segments tracés en couleur délibérément placés qui permettent aux images de respirer. Cela s’est également accompagné d’un changement dans la direction artistique, renforçant encore cette sensation de fraîcheur. Seiki Tamura de l’Anime Kobo Basara, qui avait remplacé la première supervision de Kentaro Akiyama de Studio Pablo en raison de conflits d’horaire (parler d’avoir deux des plus grands spécialistes de leur époque) a été encouragé pour supprimer sélectivement les détails, reflétant la polarisation consciente des maîtres précédents adjacents à Toei comme Takamura Mukuo. Uda avait rencontré le travail de Mukuo avant son décès tragique pendant Sailor Moon et avait été fasciné par son style; si clairsemés par endroits qu’il se demandait si ces peintures étaient même terminées, et pourtant si saisissantes lorsque toutes les pièces étaient finalement superposées. Cette économie délibérée est devenue un autre pilier majeur pour équilibrer les visuels, en maintenant une impression forte mais pas au point de surcharger l’atmosphère venteuse de la ville qu’ils étaient censés représenter. Lourd et léger, moderne et ancien, animation et action réelle, fantaisie et banalité, vie et mort, les contrastes fondamentaux au cœur de l’œuvre ont lentement commencé à se dévoiler. À la base, Nijiiro Hotaru parle de la beauté de l’éphémère, thématisée autour de créatures comme les lucioles qui ne peuvent briller si fort que parce qu’elles le font pendant une courte période de temps. C’est l’histoire d’un enfant qui glisse dans le passé, et plutôt que d’être obsédé par la mécanique du voyage dans le temps, son objectif est d’apprécier le moment en sachant qu’il finira par nous échapper. Le protagoniste Yuuta est encouragé à profiter de cette expérience estivale unique dans sa vie, et il apprend à le faire, malgré le spectre de la séparation de ses nouveaux amis qui se rapproche de jour en jour. Leurs aventures se déroulent dans un village qui doit être abandonné et inondé pour construire un barrage-un résultat que Yuuta sait inévitable car c’était son destin dans sa chronologie d’origine. Au fur et à mesure qu’il s’en rend compte, bon nombre de ses nouvelles connaissances avec lesquelles il passe le meilleur moment de sa vie ont des circonstances personnelles qui entraîneront des retombées tout aussi inévitables. Et c’est ce que le style visuel sur lequel cette équipe a choisi est finalement censé incarner: très percutant à certains égards comme le lineart de Mori, car ce sont des événements mémorables pour toutes les personnes impliquées après tout, mais aussi avec une teinte de fragilité. Rien n’est éternel. Les premiers concepts artistiques publiés dans AnimeStyle002. Ce qui complète le film sur le plan thématique, c’est sa confiance dans les nouvelles générations, qui transforme ce qui aurait pu être un peu déprimant en un récit très édifiant. Ayant pris connaissance d’événements similaires dans la vie réelle et connaissant leur complexité, Uda a évité de prendre parti dans l’affaire du barrage par une voix d’auteur définitive ; il est clair que les adultes vivant dans le village ressentent une certaine manière, mais ils sont présentés comme plus passifs et acceptant l’inévitable. Ce n’est pas le cas pour les enfants, qui expriment ouvertement leur désaccord dans un film qui s’engage à les laisser parler pour eux-mêmes, même s’il n’est finalement pas en leur pouvoir de revenir sur ces circonstances. C’est à eux qu’appartient l’avenir, et leur critique des décisions que prennent les adultes qui menacent leur monde est tenue avec autant de respect que leur capacité à rebondir. Après avoir utilisé l’expression”même ainsi, les enfants vivent toujours dans le présent”comme slogan pour promouvoir le film, la scène finale ajoute”et se dirige vers l’avenir”après avoir montré qu’ils se sont tous levés et ont trouvé de nouvelles façons d’avancer. Nijiiro Hotaru a vieilli comme du bon vin, et l’aspect est maintenant plus encourageant que jamais. Avec ces thèmes finalisés, quelque chose qui a pris son temps, étant donné qu’ils ont continué à ajuster le script alors que le processus d’animation était déjà en cours – il ne restait plus qu’à prendre les dernières décisions stylistiques et enfin à mettre toutes ces idées sur papier. Bien qu’ils aient encore dû modifier quelque peu leurs plans au cours de cette phase, le processus était plus simple à ce stade. Uda avait clairement compris depuis le début que s’il devait rendre hommage aux titres classiques de Toei Doga et immerger vraisemblablement Yuuta et le spectateur dans une ville rurale des années 70, les techniques qu’ils utilisaient devraient également refléter cela. Il a dû abandonner l’idée d’utiliser l’animation cel car cela n’était plus faisable pour des raisons mécaniques, mais s’est retrouvé à tracer une ligne dure en ce qui concerne les techniques numériques modernes. En conséquence, Nijiiro Hotaru n’utilise aucune CGi que ce soit, malgré des éléments bien en évidence comme les lucioles elles-mêmes qui sont plus facilement représentées avec ces outils. L’animation du film étant entièrement dessinée sur papier et supervisée par leur propre personnel spécialisé était également un point de discorde, une anomalie pour l’industrie et Toei en particulier; alors que les rapports de leurs investisseurs sont fiers depuis des années de la quantité de cette charge de travail qui est rapidement gérée à l’étranger par leur filiale Toei Phils, Uda savait que bon nombre de ces séquences étaient dessinées sur des tablettes, il a donc limité le processus intermédiaire aux entreprises nationales qui il savait travailler exclusivement sur papier. Chaque élément du film était censé respecter au maximum la tradition de l’animation analogique, même si cela impliquait de limiter le travail de caméra ou de se mettre en quatre avec une sous-traitance plus coûteuse. L’aspect le plus intéressant à cet égard était le processus de composition, qu’il a délibérément confié à une photographiePhotographie (撮影, Satsuei): Le mariage d’éléments produits par différents départements dans une image finie, impliquant un filtrage pour la rendre plus harmonieuse. Un nom hérité du passé, lorsque des caméras étaient effectivement utilisées lors de ce processus. réalisateur comme Masao Oonuki qui travaillait dans ce rôle depuis l’époque des matériaux physiques. On a demandé à Oonuki de se limiter à des effets pratiques, et même d’accentuer une distance physique entre les couches de personnages et les arrière-plans, similaire à celle que vous auriez lorsque vous superposez des celluloïds. Renonçant à l’effet immersif immédiat d’une image filtrée avec des effets d’éclairage impliqués, Uda a renforcé l’immersion qui lui tenait vraiment à cœur: plonger le spectateur dans ce monde nostalgique de l’animation traditionnelle, qui n’a peut-être pas la cohésion calculée des meilleures œuvres numériques, mais vous permet pour ressentir plus fortement l’artisanat. Ces idées traditionnelles ont imprégné la philosophie de l’animation elle-même. L’équipe s’est mise en quatre pour enregistrer les enfants qu’ils avaient choisis pour exprimer les personnages faisant toutes sortes d’actions qu’ils feraient dans le film, citant les méthodes de certaines œuvres de Toei Doga. Et une fois qu’ils avaient cette séquence de référence pour améliorer l’authenticité, tous les individus étaient encouragés à dessiner à leur guise; encore une fois, en essayant de ramener ce sentiment nostalgique d’une époque où la cohérence des feuilles de personnage n’était pas valorisée comme elle l’est maintenant. Direction de l’animation de MoriDirection de l’animation (作画監督, sakuga kantoku) : les artistes supervisant la qualité et la cohérence de l’animation elle-même. Ils peuvent corriger les coupes qui s’écartent trop des conceptions s’ils le jugent approprié, mais leur travail consiste principalement à s’assurer que le mouvement est à la hauteur sans avoir l’air trop grossier. Il existe de nombreux rôles spécialisés dans la direction de l’animation : mecha, effets, créatures, tous concentrés sur un élément récurrent particulier. visait à protéger l’identité des personnages à travers leurs gestes plus que n’importe quel style visuel spécifique, et ainsi le film est devenu un spectacle sans fin d’animation de personnages avec beaucoup de place pour des interprétations personnelles. Be it Les yeux perçants expressifs et les lignes fluides de Shinji Hashimoto ou le toucher plus doux d’Hiromi Ishigami, le film n’avait pas peur des changements de styles constants, mais il n’a jamais eu l’impression de nuire à la personnalité de qui que ce soit.. Personne n’a mieux incarné cette approche que Shinya Ohira, dont le travail époustouflant a été déployé lorsqu’il était le plus efficace ; son animation vit à la frontière entre le photoréalisme et l’expressionnisme surréaliste, dont Uda savait qu’il serait le plus efficace dans les moments où les personnages parcourent littéralement le chemin entre la vie et la mort. Alors que le film aurait parfaitement justifié de renforcer l’idiosyncrasie de l’animateur pour le plaisir, en particulier dans le contexte de rendre hommage aux méthodes d’animation traditionnelles, il convient de noter qu’il était également conscient des styles uniques à déployer où. Son équipe comprenait les animateurs les plus qualifiés que le studio avait à leur disposition ainsi que des connaissances personnelles réunies par Mori lui-même, formant une équipe soudée où ils étaient tous conscients des meilleures qualités de chacun. Le point culminant du film a fini par être pure animation Ohira : tous les dessins ici sont des clés dessinées par lui, et cela n’a finalement subi aucune sorte de corrections car cela aurait pris trop de temps et n’aurait guère ressemblé à une séquence où l’idée de corrections s’applique même. Les mises en page pour les coupes simples à l’intérieur s’étendent sur environ 6 mètres de long, et même le processus de numérisation a été réglé pour capter autant de nuances que possible de ses dessins. Le résultat du travail de chacun à travers un processus de production long et très attentif est un film qui n’est rien de moins qu’extraordinaire. Il ne serait pas réaliste de s’attendre à ce que la production de Toei soit remplie d’œuvres comme Nijiiro Hotaru, et comme Uda l’a avoué, c’est précisément ce sentiment qu’il s’agissait d’un projet spécial qui a conduit tout le monde à donner le meilleur d’eux-mêmes. Il l’a directement opposé à leur travail de franchise, affirmant que tout le monde chérissait l’opportunité de travailler sur un film qui se tenait tout seul, avec une énorme liberté artistique. Leurs réactions enthousiastes ont clairement montré que, même si vous ne pouvez pas vous attendre à ce que Toei produise des films comme celui-ci-quelque chose qui serait contraire à leur esprit en premier lieu-vos créateurs les plus brillants ont besoin de ces soupapes d’échappement. Depuis très longtemps, Toei les a eus, que ce soit une vague idée de vendre des marchandises transformée en projet de passion fascinant qu’était Kyousougiga ou la vision du monde de Kenji Nakamura plâtrée de manière colorée à travers les différents titres qu’il a réalisés au studio. Maintenant, en 2022, je ne peux plus dire que Toei a des projets comme celui-ci. Et c’est déjà un problème. Au cours des dernières années, les projets alternatifs de la Toei ont été soit fortement compromis, soit carrément annulés. Popin Q était un petit film excentrique qui avait la responsabilité d’agir comme un projet d’anniversaire pour le studio alors qu’il n’avait jamais été prévu, et après avoir sous-performé, sa suite promise a été réduite et finalement disparue dans un livre. L’initiative la plus intéressante depuis lors était un projet de donner une plate-forme à leur jeune personnel via des courts métrages, qui après plusieurs communiqués de presse promettant d’être un rendez-vous régulier, a complètement disparu après la première entrée sous la forme de <a href="https://www.youtube.com/watch?v=COZ5fwIavo0"Megumi Ishitani‘s Jurassic. Depuis lors, le studio ne s’est concentré que sur le travail de franchise, tandis que les projets uniques manquent de soutien interne, sont cérémonieusement débranchés ou sont des arnaques qu’il vaut mieux ignorer. Les dangers de cela pour le studio ne sont pas seulement théoriques. Certaines des personnalités les plus populaires de la Toei sont parties ces dernières années, invoquant précisément le désir de travailler sur des projets qui n’appartiennent pas à des franchises plus grandes et éternelles ; certains ont plus ou moins quitté l’animation commerciale en conséquence, tandis que d’autres se sont simplement retrouvés coincés dans différentes franchises alors que leurs projets personnels sont bloqués dans les limbes, car c’est de ce type d’industrie dont nous parlons. Uda, qui à ce jour est heureuse de travailler avec la Toei parfois même s’il s’est éloigné d’eux, l’a dit très clairement : vous devez simplement laisser votre personnel déployer ses muscles créatifs parfois, d’une manière que le travail en franchise ne le laissera jamais. Nijiiro Hotaru n’allait jamais lancer une nouvelle vague d’animation analogique, mais à tout le moins, cela devrait être un rappel étonnant que les artistes ont besoin de liberté, même si leur travail ne permet pas que cela soit la norme. Soutenez-nous sur Patreon pour nous aider à atteindre notre nouvel objectif de pérenniser les archives d’animation à Sakugabooru, SakugaSakuga (作画) : Techniquement dessiner des images, mais plus spécifiquement animation. Les fans occidentaux se sont depuis longtemps approprié le mot pour désigner des exemples d’animation particulièrement bonne, de la même manière qu’un sous-ensemble de fans japonais. Assez partie intégrante de la marque de nos sites. Vidéo sur Youtube, ainsi que ce SakugaSakuga (作画): Techniquement dessiner des images mais plus spécifiquement animation. Les fans occidentaux se sont depuis longtemps approprié le mot pour désigner des exemples d’animation particulièrement bonne, de la même manière qu’un sous-ensemble de fans japonais. 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Il y a 10 ans, Toei Animation a sorti Nijiiro Hotaru: Rainbow Fireflies, l’aboutissement étonnant d’une longue production pour honorer les œuvres emblématiques de leur passé et la puissance de l’animation traditionnelle. Une décennie plus tard, la perte de projets comme celui-ci menace l’avenir du studio. Toei est un conglomérat de divertissement auquel aucun studio d’anime ne peut espérer se comparer et, à certains égards, auquel aucun de ses pairs ne devrait espérer être comparé; pour aussi colossal que leur…

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