Hei ihmiset ja tervetuloa takaisin Wrong Every Time-ohjelmaan. Tänään minulla on ripaus ääntä ja raivoa teille kaikille, sillä viikon näytöksissä oli elokuva, jota vihasin kaikin puolin. Kyllä, katsoimme todellakin Favreaun inhottavan Leijonakuningas-remake-version, joten voitte kaikki nauttia ripaus siitä alastomasta raivosta, jonka kohdistan vain asioihin, jotka tekevät maailmasta huonomman. Onneksi tämän viikon loput näytökset olivat paljon sattumanvaraisempia, ja ne vaihtelivat animen digitaalisen siirtymisen omalaatuisesta artefaktista yksinkertaisesti erinomaiseen slasher-elokuvaan. Aloitetaan huonoista ja jatketaan sitten hyviä kohtia, kun käytämme viimeisintä Week in Review-viikkoa!
Kotitovereideni vaatimuksesta kannustimme viime viikolla The Lion-elokuvan katselua. King vuoden 2019 CG-uudistuksellaan. No,”uudelleen kuvitteleminen”on luultavasti väärä sana, koska en onnistunut jäsentämään hiukkasta mielikuvitusta tämän kirotun elokuvan missään osassa. Odotin jo, kuinka pahalta se näyttää: Jon Favreaun lihakoukkukäsissä jokainen kaunis väri, jokainen upea sävellys ja jokainen hahmonäyttelijän fragmentti on tyhjennetty alkuperäisestä. Hän pyrkii järjettömästi väitettyyn fotorealismiin ja varmistaa, että tämän elokuvan jokainen otos tuntuu keskittymättömältä ja tylsältä. Hän pyrkii vain pitämään ilmeettömät CG-eläimensä enemmän tai vähemmän keskellä kuvaa. Kun dynaamiset, värikkäät kappalesekvenssit ovat täysin tyhjentyneet vetovoimastaan; Voit tuskin edes nähdä, mitä hämärässä Be Prepared-tilassa tapahtuu, kun taas I Just Can’t Wait To Be King luopuu kaikenlaisesta visuaalisesta tarinankerronnasta kuin”tässä on joitain eläimiä näytöllä”.
Mutta Favreau on aina ollut hakkerointi, ja”harrastetaan fotorealismia taiteellisuuden sijaan”on aina ollut luonnostaan arvoton harjoitus. Se, mikä minua tässä elokuvassa yllätti, oli se, kuinka pahasti se jäi alkuperäisestä, vaikka visuaalisuutta ei otettaisi huomioon. Kirjoitus on kömpelömpää ja vähemmän keskittynyttä, ja se näyttää olevan kiinnostuneempi esittämään”hei, meillä on julkkisääninäyttelijät!”kuin todella tarinan kertominen. Ja kappaleiden miksaus on kauheaa, instrumentit ovat täysin upotettuina ja äänet liian korkealla sekoituksessa tavalla, joka korostaa entisestään, kuinka huonosti laulumelodiat ovat verrattuna alkuperäisiin kollegoihinsa. Melkein ainoa alkuperäiseen verrattuna suotuisa lauluesitys on Donald Gloverin, mutta hänkään ei voi voittaa tuotantovirheitä. Tämä Leijonakuninkaan versio on”alkuperäinen, mutta dramaattisesti huonompi”kaikin mahdollisin kuviteltavin tavoin. Se ottaa elokuvan, joka kunnioitti miljoonia, ja tekee sen kyyniseksi harjoitukseksi väärin kohdistettujen yleisöprioriteettien hyväksikäytössä. Favreau, olet tehnyt sen jälleen.
Saimme sitten läpi sen, mitä kotikaverini luokitteli”olennaisiksi Rockysiksi”(Rocky 1-4) katselemalla Rocky III:sta, jossa Stallone kohtaa hurmaavasti nimetyn Clubber Langin (Mr. T). Kirjoittaessani Rocky II:sta pohdin sitä, kuinka Stallonen elokuvilla on taipumus sijoittua joko hahmotutkimukseen tai hoo-rah machismo-malleihin; Rocky III merkitsee siirtymäkohtaa näiden mallien välillä, kun päähenkilömme muuttuu demoniensa kummittelemasta miehestä supersankariksi, joka taistelee superroistoa vastaan.
Rockyn ensimmäinen epäonnistunut ottelu Langia vastaan tuntuu Rockyn alkuperäisen tarinan päätökseltä.: hän kulkee etäisyyden mestarin kanssa, voittaa lopulta mestaruuden, menettää uskonsa saavutustensa pätevyyteen ja häntä kurittaa traaginen muistutus siitä, mikä elämässä on todella arvokasta. Kohtaus, jossa Stallone huutaa kuolevansa valmentajansa vieressä, on yksi hänen uransa parhaista; sillä hetkellä kaikki hänen huolensa”oikeista voitoista”ovat osoittautuneet merkityksettömiksi, sillä hän valehtelee innokkaasti suorituksestaan rauhoittaakseen valmentajansa huolenaiheita. Parhaimmillaan Stallone voi tuoda esiin tragedian, aivan kuten De Niro Scorcesen käsissä, maskuliinisen voiman leimattu tunnus maailmassa, jossa tällainen voima voi aiheuttaa vain turmiota.
Sitten Carl Weathers ilmestyy, meillä on pirteä harjoitusmontaasi, ja Stallone voittaa herra T:n heidän uusintaottelussaan. Joten kyllä, lopulta hieman hajanainen elokuva, mutta rehellisesti sanottuna nautin sen molemmista puolista. Sekä Stallone macho-miehessä että Stallone maskuliinisessa kritiikissä on rakastamisen arvoisia asioita, ja Rocky III tarjoaa molemmista voittavan osan.
Seuraavaksi vuorossa oli Housebound, uusiseelantilainen kauhukomedia nuoresta naisesta nimeltä Kylie (Morgana O’Reilly), joka tuomitaan kahdeksaksi kuukaudeksi kotiarestiin vanhan perheensä kotona viimeisimmän pienten rikosten jälkeen. Siellä hän tapaa jälleen chatter-äitinsä, joka näyttää uskovan, että heidän taloaan kummittelee jonkinlainen läsnäolo. Ajan myötä Kylie alkaa todistaa omia selittämättömiä tapahtumia, jotka johtavat paranormaaliin tutkimukseen talon synkimmistä salaisuuksista.
Housebound on ehdottomasti enemmän komediaa kuin kauhua, mutta se onnistuu taitavasti molemmilla aloilla tarjoten runsaasti dementoituneesta sarjakuvasta ja äärettömän miellyttävistä hahmoista. Se ei aloita sillä tavalla; Kylien hahmo on niin intensiivisesti itseensä imeytynyt, että kestää jonkin aikaa panostaa hänen tarinaansa, ja hänen äitinsä suorittaa taitavasti jonkun roolin, jonka kanssa on samanaikaisesti”mukava”mutta mahdoton elää. Mutta kun kotiaresti-upseeri-slash-paranormaalien tutkija Amos tulee mukaan, elokuva kiertyy mukaansatempaavaksi ja jatkuvasti hauskaksi kummitusmetsästykseen, jossa on paljon tyydyttäviä käänteitä ja joitain ihastuttavan tahmeita käytännön tehosteita. Houseboundin viimeinen esitys tarjoaa täydellisen yhdistelmän kissa-hiiri-jännitystä ja sarjakuvan vapauttamista, ja siinä on yksi niin hyvä suuttumus, että minun täytyy puristaa hampaat, jotta se ei pilaa sitä. Kevyt, viehättävä ja älykkäästi rakennettu Housebound on palkitseva kello komedian tai kauhun ystäville, ja todennäköisesti hieno”porttikauhu”-elokuva niille, jotka keräävät rohkeutta lähestyä genreä.
Sitten näytin animeelokuvan, joka on ollut listallani jonkin aikaa, Hiroyuki Kitakubon veri: Viimeinen vampyyri. Elokuva on vain 45 minuuttia pitkä, ja se on pohjimmiltaan vain sarja toimintakohtauksia, jotka seuraavat vampyyrintappaja Sayaa metrolla tapahtuneesta yhteenotosta Yokotan lentotukikohtaan, kun hän jahtaa useita verenhimoisia petoja.
elokuvan juoni ei ole erityisen kiinnostava, mutta periaatteessa kaikki muu tähän tuotantoon liittyy. Asetus yhdelle;”Amerikkalainen lentotukikohta Japanissa 1960-luvulla”on erityinen ja uusi ympäristö, ja se helpottaa elokuvan varmaa englannin ja japanin puheen sekoittumista. Veri tuntuu myös heijastavan useita käännekohtia animetuotannon historiassa. Lyhyenä teatteriesitteenä, joka on suunniteltu franchising-perustaksi, se ulottuu Production I.G:n varhaiseen arvostuksen, luojalähtöisten elokuvien ja OVA-elokuvien varhaiseen historiaan, kun taas elokuvana, joka on suunniteltu suurelta osin demonstroimaan digitaalisen animaation potentiaalia, se ennakoi selvästikin alan yleistä käyttöönottoa. digitaalisista menetelmistä. Ja mikä tärkeintä, se todella toimii: Katsuya Teradan persoonalliset hahmomallit sulautuvat hyvin digitaalisiin komponentteihin, ja elokuvan yleisesti ottaen tumma estetiikka peittää erinomaisia osien saumat. Mielenkiintoinen tilannekuva hyvin erilaisesta ajasta animetuotannon historiassa.
Viikon viimeinen esitys oli slasher-puoliklassikko, The House on Sorority Row. Inspiroimattomasta nimestään huolimatta Sorority Row osoittautui erottuvaksi ja kaiken kaikkiaan ylivoimaiseksi slasheriksi, jota korosti ainutlaatuisen mukaansatempaava kerrontarakenne, harvinaisen nokkela käsikirjoitus ja vahvat esitykset päänäyttelijöissä. Elokuva seuraa ryhmää sisaruksia, jotka yrittävät pilata asuntolan äidilleen, mutta tappaakseen tämän vahingossa. Kun yhdyskunta isännöi juhlia tunneissa, ryhmä päättää piilottaa ruumiin käytöstä poistettuun uima-altaaseen, mikä saa aikaan ahdistuneen tunnin yrittäessään piilottaa rikoksensa, samalla kun salaperäinen tappaja joutuu hitaasti poimimaan heidät.
Ei. Tavanomainen anonyymien uhrien jengi, jonka löydät usein näistä piirteistä, Sorority Row’n näyttelijät ovat erottuvia ja dynaamisia, ja niissä on selkeät alajaot koko sosiaalisen ryhmän välillä ja paljon suuria persoonallisuuksia niiden välillä. Näiden hahmojen suhteellinen syyllisyys työntää heidät oudoihin, paniikkiin jo ennen murhien alkamista, kun taas väkivallan ja ilon vastakkainasettelu antaa elokuvan keskinäytökselle kiihkeän, melkein hullunkurisen energian. Elokuva jopa koskettaa tehokkaasti tämän asuntolan äidin perinnön tragediaa hyödyntäen sitä aina hedelmällistä nuoruutta himoitsevaa kokemussuonia. Hassua kyllä, tämän slasher-elokuvan heikoin elementti on itse asiassa leikkaus – tapet eivät ole erityisen erottuvia tai pelottavia, mutta kun niitä ympäröivä rakennusteline on näin vaikuttava, se on helposti anteeksi annettava epäonnistuminen.