Mamoru Hosoda y Takayuki Hirao, >Pompo the Cinéphile y One Piece Baron Omatsuri and the Secret Island: dos de los cineastas de anime más brillantes utilizaron sus desgracias personales para alimentar películas muy entretenidas, procesando sus sentimientos más oscuros a través de una animada animación.
Eiga Daisuki Pompo-san, localizado como Pompo the Cinéphile, fue una de las películas de anime más entretenidas en un 2021 repleto de anime entretenido. películas. Eso solo debería servir como recomendación, pero si está buscando un tono más concreto, Pompo se parece mucho a una película muy apreciada de uno de los directores más queridos de nuestro tiempo.
Dado que Pompo fue dirigido, escrito y completamente guionizado por Takayuki Hirao, sería sensato asumir que me refiero a los trabajos de su primer mentor en la industria: Satoshi Kon. strong>, uno de los más grandes cineastas que han bendecido el anime. Si bien la influencia de Kon en Hirao perdura hasta el día de hoy, especialmente en su comprensión del tiempo y el espacio como un tejido artificial para cortar y coser a voluntad, no son sus películas las que primero vienen a la mente mientras mira Pompo. Tampoco son los de los otros directores a los que cita abiertamente como influencias, ni los que él más tranquilamente se basa en.
Al final, la película que se siente más cercana a Pompo es One Piece: Baron Omatsuri y la Isla Secreta, y por extensión su director Mamoru Hosoda; obras sin similitudes a primera vista, esencialmente sin vínculos creativos directos entre los directores y, sin embargo, comparten algo bastante profundo.
Para entender este paralelo, tenemos que volver al comienzo de esta historia, que en este caso significa el año 2000. En ese momento, un joven Hosoda ya estaba experimentando un crecimiento propulsor como director en Toei Animation, evolucionando de un director de episodios novato a un líder de proyecto admirado en un loco lapso de solo un par de años. Eso llamó la atención de importantes productores, por lo que se encontró en posición de llevar su carrera a un nivel completamente nuevo dirigiendo Howl’s Moving Castle en el legendario estudio Ghibli; precisamente la empresa a la que no se había unido antes de trabajar con Toei, y con la que nunca tendría mejor suerte.
Desde el comienzo del proyecto, Hosoda chocó con un estudio construido fundamentalmente para apaciguar a los caprichos y necesidades de sus dos icónicos líderes. Mientras se las arreglaba para el guión gráficoStoryboard (絵コンテ, ekonte): Los planos de la animación. Una serie de dibujos generalmente simples que sirven como guión visual del anime, dibujados en hojas especiales con campos para el número de corte de animación, notas para el personal y las líneas de diálogo correspondientes. Más de tres actos completos de lo que habría sido su versión del material, luchó constantemente para construir un equipo y asegurar los activos que necesitaría para estar a la altura de su visión, lo que seguía impactando negativamente en el cronograma. Se esperaba que Hosoda fuera alguien que no era, alguien a quien nadie más puede esperar imitar para empezar, en un entorno que puede no haber sido activamente malicioso pero que, sin embargo, estaba manipulado en su contra; una batalla desigual, como él mismo ha aludido.
En la primavera de 2002, Hosoda’s Howl fue eliminado y encontró su camino de regreso a Toei gracias a amigos como el productor Hiromi Seki y el director Takuya Igarashi. En un momento en que su carrera parecía desmoronarse, donde Hosoda no estaba seguro de qué camino tomar, le ofrecieron la oportunidad de trabajar en Ojamajo Doremi Dokkan, uno que tomó, descargando esos sentimientos en uno. de los episodios más evocadores de anime televisivo jamás realizados. El episodio n.º 40, Doremi y la bruja que se dio por vencida de ser bruja, coloca al personaje titular en una situación similar: todos sus amigos han encontrado una meta que les apasiona y que pueden perseguir en el futuro, pero ella se siente sin rumbo y groseramente incompetentes a su lado, atrapados en la encrucijada de la vida. Esta metáfora simple pero brillantemente ejecutada que más tarde retomaría en La chica que saltaba a través del tiempo surgió de un lugar muy personal, en un momento en que Hosoda también estaba averiguando qué hacer con su vida.
Después de dirigir ese tremendo episodio, Hosoda continuó trabajando con Toei, y en otros lugares bajo su conocido seudónimo Katsuyo Hashimoto, durante un tiempo, centrándose en proyectos de menor escala antes de que se le confiara su siguiente gran trabajo. Y mayor fue, ya que fue elegido para dirigir la sexta película de One Piece: el mencionado Barón Omatsuri y la Isla Secreta. Si bien solo lo incorporaron al proyecto una vez que ya se había establecido el escenario, Hosoda rápidamente lo hizo suyo, reformulando las ideas que ya estaban sobre la mesa en algo que pudiera usar para expresar sus sentimientos en ese momento. Si Doremi Dokkan #40 había sido una cristalización de su incertidumbre sobre el futuro, Baron Omatsuri se convirtió en su medio para descargar rencores y miedos, utilizando el enfoque de la serie en la camaradería para dar forma a sus pensamientos sobre lo que significa liderar un equipo: ser son piratas o animadores.
Dado que Hosoda ha sido muy claro al respecto, no tiene sentido andarse por las ramas. Tal y como ha admitido en entrevistas como esta para AnimeStyle que podéis leer traducida aquí, Baron Omatsuri es similar a su experiencia con Ghibli. En la película, Luffy y su equipo son engañados en una isla turística supuestamente paradisíaca donde las cosas rápidamente resultan no ser como se anuncian. Sus habitantes, liderados por el Omatsuri de pelo de palmera, los obligan a competir en minijuegos; Ahora, esa es una idea del escenario original que imaginó la película como un programa de juegos cómico, pero Hosoda la torció para que todo el concierto estuviera preparado para los lugareños desde el principio. Si eres consciente de sus antecedentes, su amargura se manifiesta con una claridad divertida.
Las cosas solo se vuelven más oscuras a partir de ese punto. Los hombres de Omatsuri, que también se revelan como una tripulación pirata, logran crear discordia entre los amigos de Luffy al usar esos minijuegos amañados como una cuña entre los compañeros de tripulación. A medida que los personajes se enteran gradualmente de la isla y del plan de Omatsuri para revivir a su tripulación fantasma, el espectador comienza a darse cuenta de lo que representan todos los capitanes piratas varados. Aunque Baron Omatsuri es una película con sentimientos amargos que deja en claro que el director pensó que Ghibli lo trató mal, de ninguna manera es una reivindicación superficial de sus acciones, y eso es lo que la hace tan interesante. Algunas lecturas superficiales interpretaron que Omatsuri también representaba a los líderes de Ghibli, pero Hosoda estuvo de acuerdo en que su papel correspondía a otra persona: el villano de la película era él mismo.
En resumen, cada capitán pirata representa una reacción diferente. a que un proyecto de equipo que dirigiste se desmoronara repentinamente. Con Omatsuri, Hosoda está canalizando los arrepentimientos que tenía por su actitud en ese momento: al igual que el capitán que vivía atrapado en el pasado de los Red Arrow Pirates, incapaz de avanzar hasta el punto de volverse amargo e hiriente, la obsesión de Hosoda por vivir hasta las promesas que le había hecho a su equipo no lo dejaban avanzar. El director condena esta actitud, al mismo tiempo que acepta que el sentido del deber no proviene inherentemente de un lugar equivocado, e incluso reconoce que este tipo de obstinación tiene un atractivo natural al casi tener a Luffy caminando por ese camino en las últimas etapas. de la película.
En contraste con eso, la película también le da un papel importante al padre cobarde que lidera la tripulación familiar de los Piratas del Salón del Té. Ante la trampa de Omatsuri, su decisión fue huir y proteger a toda costa a su familia; esencialmente, el equivalente a deshacerse de todas las responsabilidades para proteger a su equipo tanto como pudiera. En algún lugar entre esas reacciones extremas, puedes encontrar a Brief of the Short Moustache Pirates: alguien que una vez abandonó a su tripulación ante un desastre para salvarse a sí mismo, pero a diferencia de Omatsuri, esto llevó a un crecimiento positivo en su decisión de evitar que esto le sucediera a otros, y también para encontrar nuevos compañeros alrededor de los cuales reconstruir.
Al final, el mantra idealista de Luffy de luchar por sus camaradas no evoca una solución mágica; después de todo, no importa cuán cariñoso sea como líder de proyecto, siempre habrá innumerables factores fuera de sus manos. Sin embargo, la película se decide por lo que parece ser la forma más sana de avanzar: formar un nuevo grupo para afrontar los desafíos. Luffy finalmente derrota a Omatsuri gracias a los trucos astutos del único miembro de Bigote Corto y el más joven de los Piratas del Salón de Té, y lo más importante, gracias al otrora cobarde padre que aceptó el desafío.
Una vez que la flor que estaba manifestando que el equipo de zombis de Omatsuri fue asesinado, sus voces reales le imploran que se aleje de ellos y encuentre nuevos compañeros, señalando a Luffy, rodeado por este nuevo equipo heterogéneo, como alguien que acaba de tener éxito en eso. Hosoda llegó a sugerir que si su tripulación no hubiera sobrevivido por poco, el resultado natural habría sido que Luffy se uniera a estos nuevos compañeros. Una especie de postura radical para tomar con un personaje que normalmente nunca se daría por vencido con ninguno de sus compañeros de tripulación, pero que representa la conclusión a la que llegó Hosoda.
Dados estos dolorosos sentimientos y experiencias que se gestan debajo, y la inclusión de eventos tan oscuros como la tortura y una lucha a muerte, podrías estar pensando que Baron Omatsuri es una experiencia decepcionante. Y, por supuesto, estarías espectacularmente equivocado. Entre el ritmo emocionante, la estética colorida, la animación enérgica y la dirección con sentido del humor, incluso cuando las cosas abiertamente toman un giro oscuro, Hosoda se aseguró de que la ejecución de la película momento a momento fuera muy agradable. Para aquellos que no están familiarizados con sus circunstancias personales, incluso aquellos con poca o ninguna idea sobre el espíritu general de One Piece, Baron Omatsuri aún vale el precio de la entrada como una película de aventuras divertida e intensa. Cuanto más te familiarices con su contexto, más podrás sacar de la experiencia, pero el director habría traicionado su papel si hubiera hecho una película familiar extremadamente sensible al contexto que desanimara a su audiencia joven.
Si bien es difícil decir que sus imágenes son brillantes, especialmente cuando una paleta apagada se hace cargo de la revelación gradual de los secretos de la isla, la estética kagenashi característica de Hosoda se siente tan honesta y transparente que simplemente no puede dejarlo con sentimientos confusos. Y, incluso si los colores no siempre tienen el brillo máximo, su dirección seguramente lo es. La musicalidad de la dirección es palpable incluso en las discusiones amargas, y mucho menos en las secuencias más divertidas. Entre todos los seguidores de Kunihiko Ikuhara, Hosoda siempre se destacó por su habilidad para unir ese guión gráfico artificial con una arquitectura muy compleja, y esta película bien podría tener sus instancias más divertidas de personajes que se pierden en maravillas arquitectónicas. Todos sus trucos habituales están orientados a potenciar esa diversión inmediata; sus renombradas tomas doupoji, los diseños recurrentesLayouts (レイアウト): Los dibujos donde realmente nace la animación; expanden las ideas visuales generalmente simples del guión gráfico al esqueleto real de la animación, detallando tanto el trabajo del animador clave como el de los artistas de fondo. que usa para echar un vistazo a la vida diaria de sus personajes, se aceleran para lograr un efecto cómico a lo largo de la película, manteniendo ese ritmo muy enérgico durante todo el proceso.
La animación de la película opera a un nivel de energía similarmente alto, comenzando con los diseños de personajes del principal director de animación Sushio. Si bien fue elegido como un ajuste intrínsecamente bueno para el estilo de One Piece y la soltura que exige, hay una nitidez distinta en su versión de la serie en movimiento, que ayudó a difundir por toda la película. El equipo que comandaba contaba con todo tipo de nombres ahora ilustres, uno de los más grandes para abordar la serie hasta el día de hoy; y, de una manera temáticamente apropiada, era un equipo que presentaba viejos aliados con los que Hosoda tenía la intención de formar equipo para Howl, así como caras nuevas, extrañando a algunos de sus socios habituales pero compensándolo con toneladas de talento. Incluso los aspectos más toscos como el uso excesivamente ambicioso de 3DCG: el contraste entre la estética limpia y esas monstruosidades puede ser un verdadero doozy: a veces permitía secuencias dinámicas y muy ingeniosas. Todos sus aspectos formales están tan dedicados a ser visceralmente satisfactorios que una película a menudo oscura alimentada por desgracias personales nunca llega a sentirse sombría. Si eso no es un logro cinematográfico, no sé qué lo es.
Habiendo leído hasta aquí, es probable que puedas adivinar cuál es el trato con Pompo; de hecho, otro viaje tremendamente entretenido, más brillante y más abiertamente alegre que Baron Omatsuri, pero también alimentado por las desgracias que cambiaron la carrera del director que informan la tesis de la película… o la falta de ella. Entonces, en lugar de preguntar qué pasa con Pompo, tal vez sea mejor preguntar qué pasa con su director.
Si has estado siguiendo este sitio, la figura de Takayuki Hirao no necesita mucho de una introducción. Aunque es mejor conocido por temas como Kara no Kyoukai/The Garden of Sinners: Paradox Spiral, Hirao ya era la voz principal durante la era anterior y mucho más experimental de ufotable. Su capacidad para pensar fuera de la caja, tanto como director en las trincheras como líder de proyecto, lo convirtió en el creador perfecto para tener al frente de un estudio joven que intenta encontrar su personalidad. Como guionista, tenía un deslumbrante sentido de la fluidez y el control del tempo, así como la mente ingeniosa para idear nuevos trucos que nadie había considerado antes, algo que se aplicó a su liderazgo como director de la serieDirector de la serie: (監督, kantoku): La persona a cargo de toda la producción, tanto como responsable de la toma de decisiones creativas como supervisor final. Superan en rango al resto del personal y, en última instancia, tienen la última palabra. Sin embargo, existen series con diferentes niveles de directores: director jefe, director asistente, director de episodios de la serie, todo tipo de roles no estándar. La jerarquía en esos casos es un escenario caso por caso. también. Si bien era lo más parecido a un director tradicional en títulos como Manabi Straight, el proyecto llevó al extremo la idea del estudio de un entorno familiar sin una jerarquía estricta y contó con 4 líderes diferentes para los principales aspectos de el espectáculo; escritura, estética, diseñosLayouts (レイアウト): Los dibujos donde realmente nace la animación; expanden las ideas visuales generalmente simples del guión gráfico al esqueleto real de la animación, detallando tanto el trabajo del animador clave y los artistas de fondo como la ejecución. Incluso en proyectos con un equipo ensamblado de manera más tradicional, tener a Hirao en una posición de poder significaba que algo único estaba destinado a suceder.
Incluso cuando el éxito de la relación de ufotable con compañías como Aniplex y Type-Moon hizo que el Si bien el estudio se estableció en una rutina mucho más ordenada, la relación de Hirao con ellos continuó a través de obras maravillosas como Majocco Shimai no Yoyo to Nene, una desviación radical del intenso procesamiento posterior que ya se había convertido en sinónimo de ufotable. Incluso en los casos en los que fallaba, una falla de Hirao tendía a ser un intento bastante interesante de hacer algo nuevo. Desafortunadamente para él, todo se vino abajo durante la producción del programa de televisión GOD EATER. Hirao había trabajado repetidamente en la franquicia, construyendo una fuerte relación con los productores de Bandai en el proceso, lo que convirtió un proyecto que podrías asumir que era solo una tarea para un director tan idiosincrásico en un trato muy personal. Procedió al guión gráficoStoryboard (絵コンテ, ekonte): Los planos de la animación. Una serie de dibujos generalmente simples que sirven como guión visual del anime, dibujados en hojas especiales con campos para el número de corte de animación, notas para el personal y las líneas de diálogo correspondientes. Más la totalidad del programa, participando esencialmente en todos los guiones, al mismo tiempo que es muy específico sobre su visión como director de la serie. Director de la serie: (監督, kantoku): la persona a cargo de toda la producción, tanto como responsable de la toma de decisiones creativa y supervisor final. Superan en rango al resto del personal y, en última instancia, tienen la última palabra. Sin embargo, existen series con diferentes niveles de directores: director jefe, director asistente, director de episodios de la serie, todo tipo de roles no estándar. La jerarquía en esos casos es un escenario caso por caso… Y cuando la fuerza imparable de un horario colapsado se encuentra con un objeto inamovible como un director obstinado, las cosas se ponen feas.
No se puede negar que Hirao estaba preguntando mucho de su equipo. Diseños detallados con sombras de varios tonos que exigieron un trato especial por parte del personal de pintura, así como una acción intensa con su trabajo de cámara siempre involucrado, se suman a un cóctel que no deberías desear a ningún equipo de animación. Además de eso, su insistencia en manejar todo él mismo asestó un golpe crítico preventivo al cronograma; al no haber podido escribir todos los guiones antes de un plazo razonable, todo se retrasó desde el principio. Sin embargo, si ufotable hubiera estado en su mejor momento, lo más probable es que el estudio hubiera capeado la tormenta. Si no hubieran terminado el segundo curso de Fate/Stay Night: Unlimited Blade Works, un título con una prioridad comprensiblemente más alta que ya los llevó al límite, las cosas podrían haber funcionado para Hirao. Lo más probable es que todavía esté trabajando con ellos, junto con su esposa y su frecuente colaboradora de diseño de color Emi Chiba. Es fácil ver cómo podría funcionar una línea de tiempo como esa, pero no es en la que vivimos.
Hirao se tomó la caída de manera muy personal. En otra entrevista en la última edición de AnimeStyle, admitió lo malo que es el El ambiente en el equipo se había vuelto, con sus compañeros cuestionando su humanidad y cordura cuando GOD EATER se vino abajo. A decir verdad, Hirao siempre había tenido la reputación de no considerar la viabilidad de sus ideas descabelladas, pero al estar en un estudio extraordinariamente sólido, se había salido con la suya mayormente con suspiros divertidos. Una vez que las cosas se pusieron realmente feas, eso se convirtió en animosidad abierta, lo que, combinado con el hecho de que el programa no recibió elogios comerciales ni de la crítica, dejó a Hirao en una posición en la que sintió que tenía que dejar su lugar de trabajo.
No estarás me sorprendió escuchar que esto dejó a Hirao completamente devastado, aunque afortunadamente para él, aquí es donde las cosas comienzan a mejorar. Sin apenas tiempo para reflexionar sobre lo que había sucedido, recibió una llamada de uno de sus amigos más antiguos en la industria: Tetsuro Araki, famoso por Death Note y Attack on Titan. Los dos habían coincidido en las primeras etapas de su carrera en Madhouse, convirtiéndose rápidamente en buenos amigos y en un colaborador tan cercano como podían ser mientras se convertían en figuras ocupadas en diferentes estudios. Araki, quien según su amigo también se vio en la posición de reconsiderar sus responsabilidades como líder de proyecto y el efecto que su exigente visión puede tener en el personal, permitió a Hirao recuperar su confianza al hacer guiones gráficos de episodios culminantes en la segunda y tercera temporada. de Attack on Titan.
En medio de esto, 2017 para ser precisos, un revigorizado Hirao recibió una propuesta interesante. Por mucho daño que la producción de GOD EATER le había hecho a su carrera, su loca dedicación también le otorgó algo de buena voluntad. Yusuke Tomizawa, el productor de los juegos de Bandai, se acercó a Hirao para recomendarle una serie de manga de Pixiv que sintió que sería de su agrado; claro, ese no era otro que Pompo. Una vez que decidió abordar el proyecto de verdad, todas las demás piezas encajaron como si el proyecto estuviera destinado a ser. Hirao estaba trabajando en ese momento en una novela con ilustraciones de Shingo Adachi y publicada por Kadokawa, quien se convirtió en el diseñador y principal financiador de Pompo, respectivamente. Otro viejo amigo suyo de su tiempo en Madhouse y más tarde en proyectos ufotables como Majocco, Ryoichiro Matsuo, acaba de encontrar el estudio CLAP en el momento perfecto para manejar este proyecto. Una hermosa serie de coincidencias con un remate muy divertido: Bandai terminó por no tener nada que ver con la película, pero Tomizawa todavía se sienta encima de los créditos especiales de agradecimiento de la película, y se enorgullece de incluir su curiosa asistencia en su perfil de Twitter también.
Al igual que el trabajo de Hosoda después de su desastrosa experiencia en Ghibli, la interpretación de Hirao de Pompo es en gran medida producto de las circunstancias del director. A pesar de ser una adaptación, rápidamente se dio cuenta de que el cómic simplemente no tenía suficiente material para un largometraje, lo que le dio la oportunidad perfecta para dar rienda suelta a sus sentimientos reprimidos. Como resultado, Pompo es un desastre delicioso; es optimista y empoderador tan a menudo como ciegamente sombrío y autodestructivo, lo que resume la actitud de Hirao hacia el proceso creativo en este momento. La narrativa de la película, que sigue al asistente de producción Gene y su carismático productor Pompo cuando el primero se topa con la oportunidad de dirigir su propio trabajo, deja mucho espacio para esos sentimientos contradictorios.
El mantra que Hirao se ha decidido, una que dice que solo dejando ufotable le permitió formular adecuadamente, es que quiere crear obras donde la minoría venga a la mayoría. O, para decirlo con mayor precisión, obras que celebran el éxito de los marginados y los inadaptados sociales sin erosionar sus identidades únicas. Esto se repite maravillosamente en una de las escenas culminantes, donde Gene afirma que las películas lo salvaron, tal como Hirao dijo que le sucedió en su juventud, y para que esto les suceda a otros, hará películas que aquellos que han caído. en los costados del camino también pueden verse a sí mismos, ya que las imágenes atraviesan todo tipo de comunidades crónicamente privadas de derechos. Los actos finales de la película desdibujan las líneas entre Gene y la película que está haciendo y, al hacerlo, también canalizan directamente los sueños bien intencionados de Hirao.
De manera similar, sin embargo, el enfoque poco saludable de Hirao para el proceso creativo se convierte en una presencia ineludible en la película. Si bien el trabajo original es algo irónico sobre su hastío, Hirao lo aborda con total seriedad, reflexionando sobre si el proceso creativo realmente es sinónimo de sacrificar partes de tu vida (relaciones, tiempo, incluso salud) y un proceso inherentemente solitario. Y para él, realmente parece serlo. El viaje de Gene y el de sus personajes es autodestructivo; el director lo sabe, la película también es perfectamente consciente de ello y, sin embargo, tampoco tienen por sí mismos la capacidad de condenarlo por completo. Su visión del mundo es cuestionada, pero a diferencia del Barón Omatsuri de Hosoda, que tuvo suficiente tiempo para llegar a una respuesta definitiva, todo lo que Hirao puede ofrecer es un buen choque de ideas.
Esto se ilustra mejor a través de Alan, un autor completamente original. personaje apartado del mundo del cine que se le ocurrió a Hirao para llegar a más espectadores. Al principio de la película, Pompo afirma que reclutó a Gene porque no tenía vida en los ojos, ya que solo las personas que no han llevado una vida plena pueden canalizar sus necesidades escapistas para crear fascinantes mundos de ficción. Alan contrasta con eso, siendo un niño popular que creció para conseguir rápidamente un puesto importante en un banco y, sin embargo, a su vida le falta algo. En una de sus escenas más silenciosamente significativas, le dice a Gene que sus ojos, fijos en el proceso creativo tal como están, brillan con vida. En una discusión reciente con Yuichiro Oguro, Hirao admitió que no puede decidirse a apoyar completamente ninguna de las posiciones, y que incluso si esa visión solitaria del proceso creativo es lo que ve por sí mismo, cree que el exceso de trabajo y autolesión de Pompo. Las actitudes son lo último que lidera la industria del anime en este momento. Bromeando, acordaron que si hubiera hecho esta película más adelante en su vida, definitivamente tendría un tono más cálido en ese sentido.
Ahora, por muy oscuras que puedan ser las implicaciones temáticas de la película, Pompo es una película casi matemáticamente refrescante para ver. La verdad es que, a pesar de ser muy apreciado por su elegante edición, Hirao había perdido la confianza en ella y se preguntaba si se estaba convirtiendo en un director superficial y efectista. Habiendo notado todos los elogios que recibió su dirección en trabajos como Paradox Spiral después de convertirse en freelance, y al encargarle una película como Pompo que celebra el artificio del cine y el poder de la edición, desató todos sus trucos de una manera más puntiaguda que nunca..
Incluso antes de esta película, Hirao había sido un firme defensor de la edición como una etapa transformadora en la animación que rara vez recibe atención, no de sus compañeros, y mucho menos del público. Lo valora lo suficiente como para tener un editor dedicado en todos sus trabajos: Tsuyoshi Imai, con quien trabajó desde la etapa de guión gráfico. En cierto modo, Pompo se convirtió en una película que requería menos de su etapa de edición nominal porque ya se visualizó con una edición precisa en mente.
El flujo continuo y el corte inteligente son agradables en sí mismos, pero la edición en un nivel macro es igual de deliberado. El personaje de Pompo cree firmemente en las películas que duran alrededor de 90 minutos, ya que era difícil para su yo infantil quedarse más tiempo cuando su abuelo la obligaba a ver una película. Y entonces, Hirao tomó eso en cuenta; a pesar de haber exagerado con su material original hasta el punto de tener casi 2 horas de guión, lo recortó para que transcurrieran 90 minutos hasta el segundo entre la primera aparición de Gene y el último plano de la película, donde proclama su mayor triunfo. estaba haciendo una película de la longitud deseada por Pompo. Esa rigurosidad y ese control del tempo hacen de Pompo una de las películas con menos fricciones que he visto, lo cual no es tarea fácil considerando que trata algunos temas pesados.
Al final, Baron Omatsuri y Pompo son dos películas muy entretenidas que no requieren nada de este contexto. Ambos son el producto de directores que entienden lo que hace que una película sea una experiencia visceralmente satisfactoria, posiblemente entre sus mejores trabajos cuando se trata de ese factor de entretenimiento puro. Y, sin embargo, ambos también están inherentemente ligados a esas experiencias dolorosas que tuvieron, lo que crea una dualidad fascinante. A pesar de lo similares que son sus situaciones, claramente se encuentran en diferentes etapas del procesamiento de esos sentimientos oscuros: a pesar de los recuerdos amargos sobre los que se basa, Baron Omatsuri se trata de seguir adelante de una manera saludable, mientras que Pompo es una película sin respuesta y donde uno mismo-Las tendencias destructivas no se refutan por completo. Al momento de escribir esto, Hirao está trabajando actualmente en un anime original con el mismo tema de los marginados edificantes, por lo que es muy posible que lo veamos seguir un arco similar, ¡después de todo, eso es lo que el propio director ha profetizado!
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