Tomohiro Furukawa se basa en la filosofía y los métodos de leyendas vivas como Mamoru Oshii, Hideaki Anno y su mentor Kunihiko Ikuhara. Él reconstruye su enseñanza y sus influencias de innumerables campos en un estilo único y emocionante: eso es Revue Starlight The Movie, y lo que él llama anime centrado en la experiencia.
Una habilidad indispensable para un director es la capacidad de contarle a su madre sobre la película que vieron el otro día y hacer que suene interesante. Esas son las divertidas palabras de la leyenda viviente Mamoru Oshii, y una especie de mantra para Tomohiro Furukawa, quien comenzó a darse cuenta de cuán fuerte resonaba en él una vez que terminó su carrera como director. despegó.
Después de todo, esa frase resume todo su enfoque del proceso creativo. Para empezar, enfatiza el poder de la presentación, el aspecto que, con razón, cree que es su mayor fortaleza. Al igual que Oshii, Furukawa es un fanático del cine muy leído con el conjunto de influencias más ecléctico que puedas imaginar, todo lo cual también volverá a empaquetar con entusiasmo en sus obras. Las palabras de Oshii incluso dan en el clavo cuando se trata de la comprensión que Furukawa tuvo como director novato: no es solo la audiencia la que debe mantener comprometida, sino también el equipo que lo crea. Al final, la mamá en la analogía no es solo tu audiencia, sino también tu equipo y, hasta cierto punto, tú mismo. Y así, cuando se le planteó la idea de una continuación de Revue Starlight, rápidamente descubrió el ángulo correcto para abordar la película de resumen Rondo Rondo Rondo y su espectacular Revue Starlight the Movie. Eso se formularía en una línea pronunciada por los personajes como paso previo a esa película final, así como a lo largo de su tiempo de ejecución:”ya estamos en el escenario”, un nosotros que se extiende a todos los que están delante, dentro y detrás de la pantalla..
En este momento, Furukawa ocupa una posición curiosa. Por un lado, está siendo celebrado por íconos de la industria y los periodistas más reputados del anime como un director disruptivo, tan comprometido con su visión única que puede llevar la animación de vanguardia a una escena comercial cada vez más restrictiva. Por otro lado, todavía es desconocido para el público en general, ya que solo ha dirigido un proyecto propio, y estar vinculado a una fábrica de entretenimiento producido en masa como Bushiroad significa que no está expuesto a una audiencia de arte y ensayo con ideas afines, sino a espectadores más jóvenes. que no están acostumbrados a sus métodos no estándar. Y, sin embargo, no estoy seguro de saltar a una línea de tiempo diferente con la esperanza de que su carrera resulte diferente. Si bien no es consciente del alcance de su deliciosa rareza, como lo demuestran sus explicaciones informales de que dibujar a partir de pintores del siglo XVI y películas de nicho que nunca se estrenaron en Japón es simplemente normal, Furukawa al menos sabe que ofrece algo radicalmente diferente a lo que su público cree que quiere, y tiene la intención de explotar ese desajuste para presentarles nuevas experiencias.
Para empezar, es importante establecer de dónde obtiene sus influencias un director tan poco convencional; no solo porque es importante comprender sus habilidades estilísticas poco convencionales, sino porque es importante para él, como persona. Afortunadamente, como figura de la industria franca y bien informada, Furukawa ha tenido la oportunidad de compartir sus inspiraciones en múltiples puntos de venta. Ha tocado temas como el manga shoujo de los años 70 a principios de los 80 con elementos BL que tomó prestados de su madre, lo que sintió que debilitó su percepción del género como un factor en el romance, al mismo tiempo que le dio un gusto por la hermosa nobleza: dos aspectos que todavía se pueden sentir con fuerza en su trabajo actual. Incluso detalles como su tesis sobre la historia arquitectónica de la Catedral de Canterbury se sienten tangibles en su producción, como alguien que se ha aficionado a usar el proceso de diseño de escenarios como un dispositivo narrativo quizás más importante que la escritura abierta en sí; especialmente después de que se dio cuenta de que los directores a los que admiraba ni siquiera sentían la necesidad de dibujar un personaje para contarnos sobre ellos.
Por muy amplios que sean sus intereses, está claro que él no sería haciendo anime si no fuera por esos directores a los que admira, por eso les ha dedicado tantos elogios. Esto va desde personajes como Shigeyasu Yamauchi, el primer director que captó su atención con Saint Seiya: Legend of Crimson Youth, hasta Takuya Igarashi, cuya eficiencia y extraña habilidad para crear una imagen propia mientras se adhiere a la visión del mundo de un trabajo existente fascinaron a Furukawa; tanto es así, que trató de replicar el guión gráficoStoryboard (絵コンテ, ekonte): Los planos de la animación. Una serie de dibujos generalmente simples que sirven como guión visual del anime, dibujados en hojas especiales con campos para el número de corte de animación, notas para el personal y las líneas de diálogo correspondientes. Más para Futari wa Pretty Cure #08 obsesivamente volviendo a verlo toma por toma.
Sin embargo, si hablamos de sus mayores influencias, no hay duda de que tenemos que hablar sobre directores como Hideaki Anno, cuyo mismo ritmo Furukawa todavía siente que reverbera a lo largo de su trabajo, así como el mencionado Oshii, lo más cercano a un ícono filosófico que tiene en la animación. Fue a partir del estudio de sus obras y colaborando con directores similares que llegó a su interpretación de su mantra de control de la información: un concepto intrínsecamente ligado a la elección del material de expresión para él, hasta el punto de que se ha vuelto cauteloso con las lecturas puramente temáticas de las obras de directores tan idiosincrásicos; ¿Por qué abrazar ese ángulo después de todo, cuando los ha visto transformar sus temas para ajustarse a sus medios de expresión? Y cuando se trata de ese proceso de elegir el material perfecto para expresar lo que tienes que decir, o moldear lo que tienes que decir para que encaje con tu material preferido, no hay nadie mejor que su mentor: Kunihiko Ikuhara. Sin embargo, si hubiera presentado a Furukawa como estudiante de Ikuhara, su yo pasado podría haberse sentido incómodo. Y esa complicada relación también es palpable en su trabajo.
No se puede negar que Furukawa es el aprendiz de Ikuhara. No tiene ningún deseo de ocultarlo y llenará de elogios a su maestro en cualquier oportunidad que se le presente, incluso cuando se burla de lo lindo que puede ser su gruñón poco sincero. Está claro que tiene un profundo conocimiento de Ikuhara en la forma en que alude a cualidades curiosamente pasadas por alto de él, como su habilidades de exploración inigualables y la voluntad de rodearse de jóvenes creadores que vale la pena escuchar sin comprometer esa sensación inconfundible de Ikuhara, que siempre hemos destacado en este sitio. Furukawa a menudo se referirá a él como su mentor con sumo respeto en lugar de siquiera decir su nombre, pero si eres un fan atento, es posible que hayas notado que lo hace ahora. En su entrevista con Yuichiro Oguro para el número 16 de AnimeStyle, Furukawa habló sobre este tema más de lo habitual. Si bien siempre lo ha admirado mucho, y esencialmente modeló la forma en que crea la animación después de la gestión de recursos y personal de Ikuhara, Furukawa odiaba la idea de que la gente lo ubicara claramente como un seguidor de Ikuhara y se permitiera dejar de pensar más; cualquier matiz y cualidades personales, perdidos por la facilidad de una etiqueta.
Esto realmente lo molestó, no solo como alguien con un amplio conjunto de influencias, sino quizás también en un nivel más filosófico. Para alguien que toma elementos de innumerables obras y campos, Furukawa no tiene interés en los homenajes como recreaciones directas. En cambio, almacena todo lo que le llama la atención como paquetes de información y técnicas. El proceso creativo se trata, al menos para él, de transformar, agregar y quitar piezas preexistentes para adaptarlas a nuevos escenarios, y la condición de éxito es construir algo que se sienta completamente único a partir de esas influencias atomizadas. Etiquetarlo simplemente como el seguidor de un individuo específico, entonces, es antitético a su visión del trabajo. Y la verdad es que se nota ese roce en su obra; cuando le confiaron por primera vez un proyecto con chicas de teatro que lucharían entre sí, rápidamente pensó en darles atuendos similares a los de La rosa de Versalles… antes de abandonar rápidamente la idea, pensando que la gente formaría inmediatamente la asociación Utena. y recurrir a esos preconceptos de seguidor de Ikuhara.
Al final, lo que le hizo cambiar de mentalidad fue precisamente ese proyecto. No es como si Revue Starlight indujera una revelación, sino que el acto de dirigir un espectáculo le hizo darse cuenta de lo increíble y profundamente influyente que era realmente Ikuhara. Su mentor le había dado una oportunidad cuando no tenía ninguna experiencia en roles de dirección y le enseñó las cuerdas prácticamente, lo que le permitió ser parte del joven grupo de directores principales de Mawaru Penguindrum. Y para la época de Yurikuma Arashi, ya lo tenía a su lado como asistente de dirección de la serieDirector de la serie: (監督, kantoku): El responsable de toda la producción, tanto como decisión creativa-creador y supervisor final. Superan en rango al resto del personal y, en última instancia, tienen la última palabra. Sin embargo, existen series con diferentes niveles de directores: director jefe, director asistente, director de episodios de la serie, todo tipo de roles no estándar. La jerarquía en esos casos es un escenario caso por caso. Liderar su propio proyecto le dejó claro a Furukawa cuánto le debía a su mentor, hasta el punto de eclipsar por completo ese disgusto por las etiquetas. Sin embargo, al mismo tiempo, esa admiración parece estar cegándolo ante el hecho de que la inspiración funciona en ambos sentidos. Porque así como Ikuhara fue fundamental en el proceso de Furukawa para descubrir su estilo, este último también ha sido clave en el refinamiento y la evolución de su admirado mentor.
En uno de esos divertidos ejemplos de Furukawa hizo una broma sobre el mal humor de su mentor, mencionó que uno de los pocos aspectos por los que lo elogió abiertamente fue su oído para eufonía y su dominio de los juegos de palabras. Como de costumbre, la evaluación de Ikuhara fue acertada. Gracias a obras como Kaze Densetsu: Bukkomi no Taku, Furukawa había desarrollado un gusto por las oraciones y los motivos con una presencia tan fuerte que se siente como si existieran físicamente en la obra, incluso cuando no lo son diegéticamente. escrito en él. Para un director que descubrió que todo se trata de la elección del material, esto naturalmente se extiende a la entrega de esos motivos a través del diseño gráfico y VFX, elementos clave en el trabajo de Furukawa. Desde las líneas meméticas a las que la base de fans se aferró rápidamente: This is Tendo Maya, I am Reborn, el uso de Starlight como verbo, hasta Las imágenes inconfundibles de Yuto Hama, su estilo es pegadizo de una manera que incluso tomó por sorpresa a su mentor. Esto se extiende incluso a su próximo trabajo; aunque aún no tiene un título oficial, los sonidos estéticamente agradables de Love Cobra, los juegos de palabras tontos, y la iconografía que regresa de Hama logró pintar una imagen memorable prácticamente de la nada. Hable acerca de rezumar carisma.
Aunque la iconografía siempre ha sido un aspecto bastante importante para Ikuhara, parece que su elogio del ojo y el oído de Furukawa, ya que estos motivos provienen de un lugar muy genuino, dada la cantidad de él ha llegado a enfatizar este tipo de imágenes y fragmentos de sonido desde que comenzaron a trabajar juntos. Desde la estrategia de supervivencia de Penguindrum y el icónico diseño gráfico de Wataru Osakabe hasta los símbolos ア de Sarazanmai, esta obsesión ha perdurado incluso cuando sus respectivos horarios los han mantenido separados, tanto que que estos motivos pueden ser lo primero que te viene a la mente cuando piensas en la producción moderna de Ikuhara. Sin embargo, tal vez cegado por su admiración reforzada, Furukawa no ve nada más que la personalidad de Ikuhara en la pantalla cuando mira sus obras; y puede que tenga razón, pero creo que ya se ha convertido en una parte integral de esto.
Además de desencadenar ese cambio de actitud hacia su propio linaje creativo, ¿cómo resultó Revue Starlight? Si has estado siguiendo este sitio, sabrás que nos pareció una serie tremendamente entretenida que no podía estar a la altura de su potencial. Entre las severas luchas de producción que solo soportaron gracias a las contribuciones clave de jóvenes animadores individuales en el extranjero, una forma preocupante de adelantarse a su tiempo, y los arcos de personajes desiguales, parecía no ser la obra maestra que podría haber sido. Revue Starlight es una serie sobre chicas del escenario que compiten por la gloria del primer puesto en un escenario a partes iguales Takarazuka y fantasía surrealista. Su elenco está cuidadosamente organizado en parejas y tríos con un tema compartido, pero no fueron creados iguales, y el par central con zapatos más grandes para llenar resultó ser un fracaso a los ojos de muchos; para una serie que esencialmente equivale a una batalla de carisma, no logró vender adecuadamente a los personajes que finalmente llegaron a la cima, lo que deja un regusto amargo incluso con su emocionante final.
Dado El personaje de Furukawa, uno pensaría que rápidamente pasaría a proyectos completamente nuevos, pero el argumento de seguir a Revue Starlight con un par de películas, un resumen mejorado y una secuela adecuada, se convirtió en una idea tentadora para él. Bushiroad diseñó la franquicia para que fuera una propiedad multimedia amplia con actrices que interpretan a los personajes en musicales y les dan voz en el anime, y fue al hablar con ellas que Furukawa se volvió cada vez más consciente sobre el tema recurrente de la actuación. Estaban interpretando a un personaje ficticio, esos estaban interpretando a un personaje en su obra, ¿y no estaban todos interpretando un personaje de sí mismos también?
Hablando con Momoyo Koyama, la actriz detrás de la protagonista Karen Aijo, fue una experiencia particularmente esclarecedora para él. Koyama se había sincerado sobre sus dificultades para ponerse en el lugar de Karen; cómo, siendo una persona un tanto pesimista, luchó por convertirse en una protagonista brillante e impecable. Karen es la encarnación misma de un protagonista, pero esa fricción entre la naturaleza humana defectuosa del actor y un papel que se siente tan artificialmente perfecto lo hizo preguntarse: ¿y si Karen también actuara? Ese impulso lo llevó a profundizar en el personaje, desenterrando sus preocupaciones e incluso las hipocresías con las que concluyó la serie original. Y así tenemos Revue Starlight The Movie, la historia sobre la muerte y el renacimiento de Karen: se fue la chica que simplemente quería protagonizar una obra específica junto a su amiga, renace en una verdadera actriz que anhela el escenario.
Como hemos estado estableciendo, sin embargo, lo que dice Furukawa es casi secundario a cómo lo dice, por lo que también tuvo que descubrir la forma correcta de abordar la producción. El director ha aludido a la sobreproducción de anime como uno de los factores importantes aquí, argumentando que si los directores veteranos y los grandes estudios ya sienten el dolor de armar un equipo de alto perfil que pueda armar una animación tradicional consistentemente pulida, alguien como él no tiene ninguna posibilidad. Con eso fuera de escena, decidió aprovechar sus puntos fuertes con lo que llamó una película centrada en la experiencia. Furukawa admira con cariño a sus ídolos antes mencionados, a sus trabajos de los años 90 que te dejaron impresiones muy fuertes, incluso si no podías seguir todos los ritmos narrativos. Tomó una decisión totalmente consciente de ir en contra de la tendencia de enfatizar la tradición y las tramas prolijas con una película más visceralmente gratificante. Uno que le habla a tus sentidos más que a la base de datos en tu cerebro, una catarsis que se siente mejor cuando estás físicamente en un teatro: después de todo, es un espectáculo sobre estar en el escenario.
Esto se puede sentir desde el principio.. La primera secuencia de la película no estaba realmente en el guión, pero Furukawa sintió la necesidad de captar inmediatamente la atención del espectador con el tomate reventado más satisfactorio jamás sentido en la animación. Por aleatorio que parezca, los tomates son posiblemente el motivo más importante de toda la película, y por razones muy Furukawa. Notoriamente, Revue Starlight siempre había presentado una jirafa parlanchina como avatar para la audiencia, y al profundizar en la dinámica del escenario, Furukawa concluyó que no son solo los artistas sino también los espectadores quienes voluntariamente se dejan quemar y ser consumidos. Para representar esa idea de una manera bastante sencilla, el guión incluía una escena en la que las niñas comían la carne de la jirafa. Al encontrar ese escenario demasiado grotesco, Furukawa extrajo de su interminable lista de influencias y recordó al pintor Giuseppe Arcimboldo, que a menudo construía retratos humanos a partir de vegetales. Por lo tanto, los tomates se convirtieron en el corazón de la audiencia y de la película misma, y una escena que pudo haber sido algo inquietante se convirtió en una pesadilla mucho más memorable. Oh Furukawa, nunca cambies.
Todos los motivos de la película siguen un patrón similar. Después de todo, este enfoque centrado en la experiencia no es más que una aplicación práctica de la filosofía de animación que derivó de sus ídolos, explotando su amalgama de influencias para alimentar el espectáculo constante. Revue Starlight The Movie es un viaje emocionante que reutiliza elementos de todo entre Lawrence of Arabia y Mad Max Fury Road, siempre siguiendo su fórmula de suma y resta para estas piezas. La confrontación entre Junna y Nana, por ejemplo, utiliza un escenario de la película de 1985 Mishima – A Life in our Chapters donde una representación del Kinkakuji se abre por la mitad y ciega a un personaje. Resultó que las luces cegadoras siempre habían sido un motivo para Nana, que representaban la brillantez de la primera etapa en la que estuvo con sus amigas, una de la que luchó por salir adelante y que nunca pudo volver a agarrar. Esto le dio la excusa para usar una técnica de puesta en escena intrínsecamente genial de una manera nueva que se ajustaba a su propio escenario; y si no lo hubiera hecho, podría haberlo alterado para tener una buena excusa para hacerlo de todos modos. Después de todo, la experiencia memorable es lo primero.
Ver Revue Starlight The Movie es un asalto a los sentidos de la mejor manera posible, ya que la pantalla se inunda con las ideas de Furukawa y el grandilocuente audio las acompaña. Si bien la escritura se siente más conmovedora gracias a la mayor consideración que el equipo le dio a la dinámica del escenario, no son más las palabras en el papel lo que hizo que tanta gente se enamorara de la película, sino el compromiso descarado de Furukawa con sus mayores fortalezas. La dinámica de los personajes que la gente ya amaba en la serie nunca se basó en una escritura particularmente compleja, sino que se basó en el carisma visual, la presencia en el escenario y la dirección llamativa que les otorgó Furukawa. Esta película es una escalada audaz de eso por parte de un director que admite que no puede contar una historia de una manera directa, pero cuya imaginación y munición creativa podrían llevarlo a un viaje interminable y asombroso; y no es una exageración, dado que incluso después de dejar muchas ideas en su plato, Furukawa tenía casi tres horas de conceptos planeados para las dos horas de duración de esta película.
Es reconfortante ver que este equipo logró hacer algo que, a pesar de ser en parte una consecuencia del estado de la industria, es tan bellamente anacrónico como lo imaginó Furukawa. Sin embargo, no todos comparten al final esa sensación de éxito, y eso vuelve a relacionarse con la filosofía del director. Por mucho que los camaradas de armas, los espectadores y los periodistas elogiaron a Revue Starlight the Movie como un éxito rotundo, Furukawa ha dicho repetidamente en sus ojos que es una especie de fracaso lamentable; tal vez uno que sea orgullosamente disruptivo en sus objetivos, ruidoso y pegadizo en la ejecución, pero finalmente arrastrado por su supuesta incapacidad para estar a la altura de su visión y el potencial de su equipo. La inmaculada aclamación de la crítica solo lo ha confundido, hasta el punto de que está tratando de aplicar ingeniería inversa a las cualidades que la gente ve en su trabajo a partir de esa evaluación crítica, porque él mismo no puede verlas.
Por mucho que Deseo que Furukawa alguna vez sea capaz de hacer algo que considere un éxito, me temo que incluso si es capaz de lograr incluso más de lo que ya ha hecho, sus impresiones siempre estarán teñidas de arrepentimiento. Si estuviera en este negocio para centrarse en la narración de historias completas o la animación pulida, podría lograr algo más tangible y convencerse a sí mismo de que tuvo éxito. Sin embargo, lo que persigue como cineasta centrado en la experiencia es una idea. Como individuo, su objetivo es igualar las reverberaciones de sus ídolos, aquellos que lo llevaron a dedicarse a la animación en primer lugar. Y esos, nunca se puede comprender. ¡Supongo que aquí hay supuestos fracasos más fascinantes!
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