Hace 10 años, Toei Animation lanzó Nijiiro Hotaru: Rainbow Fireflies, la impresionante culminación de un largo producción para honrar las obras icónicas de su pasado y el poder de la animación tradicional en conjunto. Una década más tarde, la pérdida de proyectos como este amenaza el futuro del estudio.
Toei es un conglomerado de entretenimiento que ningún estudio de anime puede comparar y, en algunos aspectos, ninguno de sus pares debería esperar. ser comparado con; ya que tan colosal como es su legado en el anime, esa huella masiva también arroja algunas sombras negras, tanto en el trabajo como en los frentes creativos. Durante las últimas 7 décadas, su división de animación se ha convertido en el gigante que es ahora. Uno que es capaz de producir muchos éxitos mundiales simultáneos e interminables, y como los espectadores de One Piece pueden atestiguar en este momento, también de hacer un trabajo fantástico con ellos cuando esos títulos están bien administrados. Sin embargo, como recordarán los fanáticos más veteranos de la misma serie, su modelo también puede traducirse en un trabajo estresante continuo y un resultado que se siente como si solo existiera por inercia y la necesidad de entregar un producto semanalmente.
Mientras que la industria del anime avanza deprimente hacia un futuro donde los estudios son poco más que líneas de montaje, Toei es un veterano experimentado para quien ese resultado no es nada nuevo. Han sido tratados como tales durante muchos años, pero aun así logran agrupar suficientes pepitas creativas dentro de esas obligaciones comerciales para evitar que el cinismo se haga cargo por completo. Puede ser un equilibrio precario, pero Toei ha encontrado una fórmula que les permite cumplir con esas demandas al mismo tiempo que realizan un trabajo memorable y crían algunas de las mentes jóvenes más brillantes del anime. Ciclos repetitivos con personajes como Sailor Moon, Doremi, Ashita no Nadja y en Precure, con Kunihiko Ikuhara, Mamoru Hosoda, Takuya Igarashi, Rie Matsumoto y Haruka Kamatani: estos patrones positivos no son un feliz accidente. Nunca puedes darlos por sentado en una serie específica, pero hay una cosa que ha sido una certeza durante décadas: siempre sucederá algo muy interesante dentro de los enormes salones de Toei.
El truco aquí, de Por supuesto, es que Toei tiene válvulas de escape para esa creatividad radical reprimida. Si bien es posible abordar esos títulos populares de larga duración por los que el estudio es conocido con más ambición y creatividad de lo normal, y la cultura del estudio alienta a los directores audaces a hacerlo, hay mucho que uno puede hacer para impulsar el límites estrictos de un anime de acción popular o una gran franquicia que debe seguir vendiendo plástico. A menudo, son los directores más idiosincrásicos los que manejan episodios icónicos de los títulos emblemáticos de Toei, pero si eso fuera todo en lo que pudieran trabajar, sus carreras en el estudio serían bastante cortas. Incluso si es solo de vez en cuando, los artistas salvajemente únicos necesitan ser liberados de sus grilletes, por lo que Toei pareció asegurarse de tener siempre alternativas a medida que evolucionaban hacia esta realidad de línea de fábrica. Uno de esos proyectos, lanzado hace 10 años, fue el inolvidable Nijiiro Hotaru—Rainbow Fireflies.
El nombre de Konosuke Uda ciertamente no es tan glamoroso como contemporáneos suyos como Ikuhara o su modelo a seguir Junichi Sato, quienes se ganaron su lugar en el canon de los mejores directores de todos los tiempos de Toei. Sin embargo, la falta de renombre público o crítico no hace que la carrera de nadie sea menos importante. Por un lado, nadie más puede presumir de ser el primer director de la serie de One Piece… aunque un Goro Taniguchi puede reclamar la propiedad del primer papel kantoku de la serie, ya que dirigió el piloto que décadas más tarde ha dado lugar al próximo One Piece Film Red. Los mejores trabajos de Uda en diferentes espacios de género, como Lovely Complex, Ginga e Kickoff y MAJIN BONE no son megaéxitos comerciales ni el prototipo de la querida crítica. , pero son el tipo de trabajo que la gente recuerda con cariño. Como director que se encontró perdido y sin impulso al principio de su carrera, trabajando con el ya mencionado SatoJun, y maestro de todos los tiempos en inyectar diversión en los escenarios formulados que es probable que encuentre en Toei, llenó de energía a Uda, quien desde entonces luego tuvo éxito consistentemente en transmitir ese disfrute a la audiencia.
Dentro de esa carrera de hazañas silenciosamente significativas y obras agradables pero no extraordinarias, hay una gran excepción. Uno que se estaba gestando desde 2007, cuando el productor Atsutoshi Umezawa se acercó a Uda para presentarle una película inspirada en una novela que había leído recientemente. Umezawa, que se unió al estudio en la era Toei Doga y ha seguido haciendo tiempo para pequeños proyectos extraños incluso después su retiro, logró armar una oferta muy tentadora. Y para hacerlo, primero vendió la idea a los de arriba, convenciéndolos de que era el momento adecuado para rendir homenaje a esas películas históricamente significativas de Toei Doga de su juventud con un sucesor espiritual totalmente financiado por el estudio.
Umezawa fue entonces capaz de transmitir esta oportunidad quizás única en la vida a un director como Uda: libertad creativa siempre y cuando hiciera algo digno del legado del estudio, con un equipo de alto perfil y mucho tiempo a su disposición. Si bien después de un largo proceso (2 años para la animación, 3,5 para la producción en su conjunto y casi 5 para lanzarla), los altos mandos finalmente se hartaron y exigieron un producto terminado, esa presión no fue suficiente para comprometerse. una película que se enfrenta cara a cara con los mayores logros de Toei en animación. De hecho, muy pocos animes pueden siquiera compararse con lo que logró este equipo.
Como explicó Uda en AnimeStyle002, si bien la premisa del proyecto puede haber sido endulzada, el camino que emprendieron no fue necesariamente bueno, o incluso un camino en absoluto, dado lo mucho que corrieron en círculos durante el proceso de preproducción, como pensaron la identidad de la obra que estaban creando. El viaje de Nijiiro Hotaru comenzó con Uda y Takaaki Yamashita, cuya participación fue una recomendación de Kenkichi Matsushita desde el lado gerencial. Dado que el único mandato desde arriba que tenían inicialmente era honrar la historia de Toei Doga, la participación de Yamashita cumplió con los requisitos; también se unió durante las últimas etapas de esa era del estudio, y eventualmente se encontró asesorando a personas como Hosoda y Tatsuzou Nishita, encarnaciones llamativas de las posibilidades modernas del estudio. Si uno tuviera que celebrar las cualidades del pasado de Toei mientras explota las fortalezas de su presente, Yamashita sería su hombre. Es decir, en un mundo ideal donde el tiempo no es un recurso finito.
En ese momento, Yamashita ya tenía una gran demanda, tanto en programas de televisión como con una carrera teatral, su único enfoque en la actualidad, que era despegando también. Nijiiro Hotaru fue un compromiso tan largo que se superpuso no con una sino con dos películas de Hosoda, y mucho menos con otros proyectos que requerían su ayuda. Como estaba claro desde el principio que no podría dedicar toda su atención a Nijiiro Hotaru, Uda solicitó la ayuda de un artista muy especial que se movía en círculos similares: Hisashi Mori, un animador de acción al estilo de Canadá que se desvió con fuerza para montar la ola realista de Mitsuo Iso, pero nunca perdió su nitidez y sus formas geométricas, redoblándose en el lineart audaz de ahora en adelante. Los tres realizaban extensos viajes de exploración de locaciones, una anomalía para el estudio en ese momento, dibujando arte conceptual para ayudarse a imaginar la forma ideal de la película. En cierto modo, se sintió más como un descubrimiento arqueológico cuidadoso de su resultado natural, en lugar de un equipo que avanza con ideas preconcebidas.
Nuevamente, ese proceso no fue fácil, y el equipo se encontró retrocediendo en sus decisiones la mayoría de las veces. El primer gran cambio de planes fue dentro de ese trío: mientras que Mori originalmente se unió para ayudar al ocupado Yamashita, a Uda le encantaron tanto sus audaces borradores que rápidamente se decidió que él debería ser el diseñador de personajes. Eso también les ayudó a abordar algunas dudas iniciales que tenían con la identidad del proyecto; dada la solicitud de seguir la tradición de Toei Doga excepto en un contexto más moderno, Uda y su equipo sintieron que se superpondrían demasiado con otros herederos lejanos de ese estilo, como las obras de Ghibli o la producción simultánea de Mai Mai Miracle. Sin embargo, al construir sobre la línea gruesa única de Mori, Nijiiro Hotaru inmediatamente se sintió como una obra propia. La tubería de animación que eventualmente construyeron también reflejó esas nuevas dinámicas. Yamashita aún prestó su experiencia en composición de imágenes dibujando innumerables diseños preliminares. Diseños (レ イ ア ウ ト): los dibujos donde realmente nace la animación; expanden las ideas visuales generalmente simples del guión gráfico al esqueleto real de la animación, detallando tanto el trabajo del animador clave como el de los artistas de fondo. que amplió el guión gráficoStoryboard (絵コンテ, ekonte): Los planos de la animación. Una serie de dibujos generalmente simples que sirven como guión visual del anime, dibujados en hojas especiales con campos para el número de corte de animación, notas para el personal y las líneas de diálogo correspondientes. Más, que luego se pasaría a Mori para ajustar las especificidades de actuación y, finalmente, a animadores clave específicos para seguir el flujo de trabajo de animación estándar.
Como un personaje principal en el material de origen tenía el apellido Okuyama, al igual que la leyenda de Toei Doga, Reiko Okuyama, el equipo tuvo la descarada idea de nombrar al protagonista que no tenía apellido en el libro después de Yoichi Kotabe, una figura igualmente significativa para el estudio. Para evitar exagerar, optaron por Otabe, que sonaba muy parecido dada la pronunciación de su VA. Al final, Kotabe vio la película junto con otras leyendas de Toei Doga y estaba muy agradecido por su gesto.
Ese cambio fue solo el primero de muchos por venir, muchos de ellos motivados por la decisión anterior que habían tomado. Por un lado, optar por adoptar las líneas audaces de Mori resultó crear una atmósfera demasiado opresiva, como se dieron cuenta con amargura cuando se les pidió que animaran una película piloto. Intentar disminuir ese impacto visual imitando el efecto de papel carbón marrón que se ve en obras como Mi vecino Totoro tampoco funcionó. , ya que eso le dio una elegante sensación otoñal a una película que estaba destinada a encarnar el verano de arriba a abajo. La solución que encontraron fue interrumpir el trabajo de líneas negras de Mori con segmentos trazados en color colocados deliberadamente que permiten que las imágenes respiren.
Esto también estuvo acompañado de un cambio en la dirección artística, lo que mejoró aún más esa sensación de frescura. Se animó a Seiki Tamura del anime Kobo Basara, que había reemplazado la supervisión inicial de Kentaro Akiyama de Studio Pablo debido a conflictos de programación (hablando de conseguir dos de los mejores especialistas de su era) se animó para descartar selectivamente el detalle, reflejando la polarización consciente de maestros anteriores adyacentes a Toei como Takamura Mukuo. Uda se había encontrado con el trabajo de Mukuo antes de su trágico fallecimiento durante Sailor Moon y había quedado fascinado por su estilo; tan escaso en algunas partes que le hizo preguntarse si esas pinturas estaban terminadas y, sin embargo, tan llamativas cuando todas las piezas finalmente se superpusieron. Esta economía deliberada se convirtió en otro pilar importante en el equilibrio de las imágenes, manteniendo una fuerte impresión pero no hasta el punto de sobrecargar la atmósfera alegre de la ciudad que debían representar. Pesado y ligero, moderno y antiguo, animación y acción en vivo, fantasía y mundanidad, vida y muerte, los contrastes fundamentales en el núcleo del trabajo comenzaron a desarrollarse lentamente.
En esencia, Nijiiro Hotaru se trata de la belleza de lo efímero, con el tema de criaturas como las luciérnagas que solo pueden brillar tan intensamente porque lo hacen durante un corto período de tiempo. Es la historia de un niño que viaja al pasado y, en lugar de obsesionarse con la mecánica del viaje en el tiempo, se enfoca en apreciar el momento con el pleno conocimiento de que eventualmente pasará de largo. Se alienta al protagonista Yuuta a disfrutar de esta experiencia de verano única en la vida, y aprende a hacerlo, a pesar de que el espectro de la separación de sus nuevos amigos se acerca cada día más. Sus aventuras se desarrollan en una aldea que está destinada a ser abandonada e inundada para construir una presa, un resultado que Yuuta sabe que es inevitable, ya que ese fue su destino en su línea de tiempo original. Como se da cuenta, muchos de sus nuevos conocidos con los que está pasando el mejor momento de su vida tienen circunstancias personales que lo llevarán a consecuencias igualmente inevitables. Y eso es lo que el estilo visual que eligió este equipo debe encarnar en última instancia: muy impactante en algunos aspectos, como el dibujo lineal de Mori, porque estos son eventos memorables para todos los involucrados después de todo, pero también con un tinte de fragilidad para ellos. Nada es eterno.
Arte conceptual inicial publicado en AnimeStyle002.
Lo que completa la película temáticamente es su confianza en las nuevas generaciones, lo que convierte lo que podría haber sido un poco deprimente en una historia muy edificante. Habiendo tomado nota de eventos similares en la vida real y sabiendo de su complejidad, Uda evitó tomar partido en el asunto de la represa. a través de una voz autoral definitiva; está claro que los adultos que viven en el pueblo se sienten de cierta manera, pero se los presenta como más pasivos y aceptan lo inevitable. No es el caso de los niños, que expresan abiertamente su disconformidad en una película que apuesta por dejarlos hablar por sí mismos, aunque finalmente no esté en sus manos revertir esas circunstancias. Son a ellos a quienes pertenece el futuro, y sus críticas a las decisiones que toman los adultos que amenazan su mundo se respetan tanto como su capacidad para recuperarse. Después de usar la frase”aún así, los niños aún viven en el presente”como lema para promocionar la película, la escena final agrega”y dirígete hacia el futuro”después de mostrar que todos se han puesto de pie y han encontrado nuevas formas de avanzar. Nijiiro Hotaru ha envejecido como el buen vino, y el aspecto ahora es más alentador que nunca.
Con esos temas finalizados, algo que tomó su tiempo, dado que siguieron ajustando el guión mientras el proceso de animación ya estaba en curso. —lo que quedaba era tomar las decisiones estilísticas finales y finalmente poner todas esas ideas en papel. Aunque todavía tenían que cambiar un poco sus planes en esta fase, el proceso fue más sencillo en este punto. Uda tuvo claro desde el principio que si iba a rendir homenaje a los títulos clásicos de Toei Doga y sumergir de manera creíble a Yuuta y al espectador en un pueblo rural de los años 70, las técnicas que usaron también deberían reflejar eso. Tuvo que abandonar la idea de usar animación cel porque ya no era factible por razones mecánicas, pero se encontró trazando una línea dura cuando se trataba de técnicas digitales modernas.
Como consecuencia, Nijiiro Hotaru no usa CGi en absoluto, a pesar de presentar elementos prominentes como las propias luciérnagas que se representan más fácilmente con esas herramientas. La animación de la película, dibujada completamente en papel y supervisada por su propio personal especializado, también fue un punto de discusión, una anomalía para la industria y específicamente para Toei; Si bien los informes de sus inversores se han enorgullecido durante años sobre la cantidad de esa carga de trabajo que su subsidiaria Toei Phils maneja rápidamente en el extranjero, Uda sabía que muchas de esas secuencias se dibujaron en tabletas, por lo que limitó el proceso intermedio a empresas nacionales que sabía que trabajaba exclusivamente en papel. Cada elemento de la película estaba destinado a respetar la tradición de la animación analógica tanto como fuera posible, incluso si eso significaba limitar el trabajo de cámara o salirse de su camino con subcontrataciones más costosas.
El aspecto más interesante en este sentido fue el proceso de composición, que confió deliberadamente a una fotografíaFotografía (撮影, Satsuei): La combinación de elementos producidos por diferentes departamentos en una imagen terminada, que implica el filtrado para hacerla más armoniosa. Un nombre heredado del pasado, cuando realmente se usaban cámaras durante este proceso. director como Masao Oonuki que había estado trabajando en ese papel desde los días de los materiales físicos. Se le pidió a Oonuki que se limitara a efectos de apariencia práctica, e incluso que acentuara una distancia física entre las capas de los personajes y los fondos, similar a la que tendrías cuando colocas capas de celuloide. Renunciando al efecto inmersivo inmediato de una imagen filtrada con efectos de iluminación involucrados, Uda reforzó la inmersión que realmente le importaba: sumergir al espectador en ese mundo nostálgico de la animación tradicional, que puede no tener la cohesión calculada de las mejores obras digitales, pero le permite sentir la artesanía con más fuerza.
Esas ideas tradicionales impregnaron la filosofía de la propia animación. El equipo se desvivió por grabar a los niños que habían elegido para dar voz a los personajes haciendo todo tipo de acciones que harían en la película, citando los métodos de ciertas obras de Toei Doga. Y una vez que tuvieron ese metraje de referencia para mejorar la autenticidad, se animó a todas las personas a dibujar como quisieran; nuevamente, tratando de traer de vuelta ese sentimiento nostálgico de una era donde la consistencia de las hojas de los personajes no se valoraba como ahora. Dirección de animación de MoriDirección de animación (作画監督, sakuga kantoku): los artistas supervisan la calidad y la consistencia de la animación en sí. Es posible que corrijan los cortes que se desvían demasiado de los diseños si lo consideran adecuado, pero su trabajo es principalmente garantizar que el movimiento esté a la par sin que se vea demasiado tosco. Existen muchos roles especializados de dirección de animación: mechas, efectos, criaturas, todos enfocados en un elemento recurrente en particular. estaba orientado a proteger la identidad de los personajes a través de sus gestos más que cualquier estilo visual específico, y así la película se convirtió en un espectáculo interminable de animación de personajes con mucho espacio para interpretaciones personales.
Sea Los ojos expresivos y brillantes de Shinji Hashimoto y las líneas que fluyen constantemente o el toque más suave de Hiromi Ishigami, la película no tuvo miedo de cambiar constantemente de estilo, pero nunca se sintió como si dañara la caracterización de nadie.. Nadie encarnó mejor ese enfoque que Shinya Ohira, cuyo impresionante trabajo se desplegó cuando era más efectivo; su animación vive en la frontera entre el fotorrealismo y el expresionismo surrealista, que Uda sabía que sería más eficaz en los momentos en que los personajes transitan literalmente por el camino entre la vida y la muerte. Si bien la película habría justificado perfectamente reforzar la idiosincrasia del animador por el simple hecho de hacerlo, especialmente en el contexto de rendir homenaje a los métodos de animación tradicionales, vale la pena señalar que también tuvo en cuenta qué estilos únicos implementar y dónde. Su equipo incluía a los animadores más hábiles que el estudio tenía a su disposición, así como a conocidos personales reunidos por el propio Mori, lo que formaba un equipo compacto en el que todos conocían las mejores cualidades de todos.
El clímax de la película terminó siendo Animación pura de Ohira: todos los dibujos aquí son claves dibujadas por él, y finalmente no pasó por ningún tipo de corrección porque habría consumido demasiado tiempo y apenas se sintió como una secuencia en la que la idea de las correcciones se aplica. Los diseños para cortes individuales dentro de él abarcan alrededor de 6 metros de largo, e incluso el proceso de escaneo se ajustó para captar la mayor cantidad posible de matices de sus dibujos.
El resultado del trabajo de todos a través de un proceso de producción largo y muy consciente es una película que es nada menos que extraordinaria. No sería realista esperar que la producción de Toei estuviera llena de obras como Nijiiro Hotaru, y como confesó Uda, fue precisamente esa sensación de que era un proyecto especial lo que llevó a todos a dar lo mejor de sí. Lo comparó directamente con su trabajo de franquicia, diciendo que todos atesoraban la oportunidad de trabajar en una película que se destacaba por sí misma, con una tremenda libertad artística. Sus reacciones entusiastas dejaron en claro que, si bien no puedes esperar que Toei produzca películas como esta, algo que, en primer lugar, sería antitético a su espíritu, tus creadores más brillantes necesitan estas válvulas de escape.
Durante mucho tiempo, Toei los ha tenido, ya sea una idea vaga para vender merchandising convertida en el fascinante proyecto de pasión que fue Kyousougiga o la visión del mundo de Kenji Nakamura enyesada de colores. a través de los diferentes títulos que dirigió en el estudio. Ahora, en 2022, ya no puedo decir que Toei tenga proyectos como este. Y eso ya es un problema.
Durante los últimos años, los proyectos alternativos de Toei se han visto gravemente comprometidos o cancelados por completo. Popin Q era una pequeña película peculiar que tenía la responsabilidad de actuar como un proyecto de aniversario para el estudio cuando nunca se planeó que lo fuera, y después de que tuvo un rendimiento inferior, su secuela prometida fue recortada y finalmente desapareció. en un libro. La iniciativa más interesante desde entonces fue un proyecto para brindar una plataforma a su personal joven a través de cortometrajes, que después de múltiples comunicados de prensa que prometían que sería un elemento habitual, desapareció por completo después de la primera entrada en forma de Jurassic de Megumi Ishitani. Desde entonces, el estudio se ha centrado en nada más que el trabajo de franquicia, mientras que los proyectos únicos carecen de apoyo interno, se desconectan ceremoniosamente o son estafas que es mejor ignorar.
Los peligros de esto para el estudio no son solo teóricos. Algunas de las figuras más populares de Toei se han ido en los últimos años citando precisamente el deseo de trabajar en proyectos que no pertenecen a franquicias más grandes y eternas; algunos han dejado más o menos la animación comercial como consecuencia, mientras que otros simplemente se han quedado atrapados en diferentes franquicias mientras sus proyectos personales están estancados en el limbo, porque este es el tipo de industria del que estamos hablando. Uda, quien hasta el día de hoy está feliz de trabajar con Toei a veces a pesar de haberse distanciado de ellos, lo dijo muy claramente: simplemente tienes que dejar que tu personal flexione sus músculos creativos a veces, de una manera que el trabajo de franquicia nunca les permitirá. Nijiiro Hotaru nunca iba a iniciar una nueva ola de animación analógica, pero al menos debería ser un recordatorio impresionante de que los artistas necesitan libertad, incluso si su trabajo no les permite ser la norma.
Apóyanos en Patreon para ayudarnos a alcanzar nuestro nuevo objetivo de mantener el archivo de animación en Sakugabooru, SakugaSakuga (作画): Técnicamente dibujos, pero más específicamente animación. Hace tiempo que los fanáticos occidentales se han apropiado de la palabra para referirse a casos de animación particularmente buena, de la misma manera que lo hace un subconjunto de fanáticos japoneses. Bastante integral a la marca de nuestros sitios. Video en Youtube, así como este SakugaSakuga (作画): técnicamente dibujos, pero más específicamente animación. Hace tiempo que los fanáticos occidentales se han apropiado de la palabra para referirse a casos de animación particularmente buena, de la misma manera que lo hace un subconjunto de fanáticos japoneses. Bastante integral a la marca de nuestros sitios. Blog. ¡Gracias a todos los que han ayudado hasta ahora!
