Kenji Nakamura es un director de anime disruptivo, único, verdaderamente avantgarde. Un creador en constante evolución cuya mentalidad cambió hace 15 años cuando dirigió kuuchuu buranko / trapeze , a pesar de haber logrado obras sorprendentes en ese momento ya. Incluso mientras persigue nuevas formas de expresión, que todavía se pueden sentir en sus nuevas películas de Mononoke.
Llamando Kenji Nakamura Un director de anime único es un eufemismo. No es necesario llegar a su sentido de diseño visualmente radical, preocupaciones inusualmente grandes y simplemente un espíritu disruptivo para discernir eso. En verdad, su educación y relación con la animación ya son muy diferentes de su típico niño que se dibujó cuando era niño y admiraba los dibujos animados que observaba. Como admitió En la primera entrada de la columna de charlas de febrero dedicada a él , Nakamura fue un mocoso que menospreció a todos los niños y niñas su edad que disfrutó de los pastos más bajos como Anime y Tokusates. No fue hasta que Yoshiyuki Tomino s Zambot 3 abrió los ojos a la potencial complejidad moral que la animación puede contener que le dio un movimiento justo en absoluto. Después de decepcionarse de que nada lo coincidiera, fue Hayao Miyazaki la voluntad de desafiar las normas de narración de historias que finalmente lo engancharon.
Aunque esto lo obligó a admitir que de hecho tenía un punto débil para el anime, al menos para los que le hablaban, no fue suficiente para caer su carrera; Nakamura se graduó de la universidad y se convirtió en un asalariado regular en una agencia de publicidad, que puede ser lo más lejos que puede ser de actos disruptivos de creatividad. Al darse cuenta de que puede haber sido completamente la elección equivocada para él, se inscribió en Yoani Antes de llegar finalmente a la industria del anime a mediados de los 20 a través de un pequeño estudio de apoyo. Como mencionó en La próxima entrada de su cobertura de febri , esa carrera de animación fue extremadamente corta, ya que rápidamente contrajo tendinitis y, por lo tanto, tuvo que rendirse de dibujar todo tanto.
SEISAKU SHINKOU): efectivamente el rol de’productor’de menor clasificación y, sin embargo, un engranaje esencial en el sistema. Verifican y llevan los materiales, y se comunican con las docenas en docenas de artistas necesarios para terminar un episodio. Por lo general, manejando múltiples episodios de los programas con los que están involucrados. Una vez que su estudio se conectó con la animación Toei, se convirtió en un profesional independiente con vínculos cada vez más fuertes con el estudio, eventualmente siendo tratado como si fuera un empleado, en sus propias palabras. Esto le otorgó privilegios que no debería estar destinado a tener, como actuar como subdirector para el Digimon Adventure 02 de 2001: Revenge of Diaboromon ; Y tenemos suerte de que haya sucedido, porque ese fue un momento crucial para su carrera. Para empezar, ese tipo de tratamiento favorable a menudo lo ha seguido, y es importante entender por qué. Nakamura es simplemente el tipo de talento especial que hace que los compañeros y los productores con un ojo agudo le dan oportunidades que normalmente no se otorgarían. Y eso se destaca mucho en contraste con su tendencia como un creador irreverente y ruidoso en su yo para bloquear los presupuestos y planes sin remordimiento.
No tienes que buscar más allá de este proyecto Digimon para encontrar un ejemplo perfecto de esa dualidad. Se le otorgó esta oportunidad significaba, por ejemplo, que se le permitiría StoryboardstoryBoard (絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ,ro. Una serie de dibujos generalmente simples que sirven como guión visual de Anime, dibujados en hojas especiales con campos para el número de corte de animación, notas para el personal y las líneas de diálogo coincidentes. El video promocional de la película, que significaría su primer Storyboardstoryboard (絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ, Una serie de dibujos generalmente simples que sirven como guión visual de Anime, dibujados en hojas especiales con campos para el número de corte de animación, notas para el personal y las líneas de diálogo coincidentes. también. Nakamura hizo un excelente trabajo que justificaría que la confianza se puso en él… pero a medida que él mismo admitió a Febri, fue salvaje en el presupuesto en el proceso (especialmente debido a la cantidad de CGI que usó) y se quedó con un oído. Este estatus contradictorio del niño y el problema de los problemas del maestro lo ha seguido posiblemente durante toda su carrera, especialmente cuando todavía estaba descubriendo las cuerdas en esa época.
El proceso de producción para ese teaser desempeñó otro rol clave: expuso a Nakamura a la obra de mamoru Hosoda , cuyos borgados de los cuentos para Digimon: Our War Game mencionado en las entrevistas que había establecido una fecha límite para liderar un proyecto completo y de lo contrario renunciaría a esta industria, demostrando que siempre ha tenido ese ardent deseo de crear sus obras. Sin embargo, subir a la escalera es un proceso secuencial, por lo que primero tendría que hacerse un nombre como guardatorio y director de episodios. Para su crédito, su breve carrera en ese papel fue uno de los más impresionantes que he visto, y tuvo mucho que ver con pasear hacia Tatsunoko Productions y conocer Keiichi Satou .
en su función final de FeBri, precisamente a este otro mentor, Nakamura describe Satou como un individuo muy flexible que juega a la habilidad innata a la habilidad innata a la habilidad innata a la habilidad de innate a él. Si Hosoda hubiera sido un director que lógicamente construyó un marco y luego le dio un sabor entretenido al eliminar las piezas que sabía que no eran necesarias, todos sabemos de su divertido resumen de tiempo y espacio, el enfoque de Satou es esencialmente lo contrario. Dentro de sus obras más instintivas, trabaja por suma en lugar de resta, empaquézlas hasta el borde con las ideas interesantes que podría tener en el acto; Nakamura ejemplifica esa naturaleza al explicar cómo Sato le confió la apertura de The Soul Taker simplemente porque estaba cerca y se veía lo suficientemente libre. Finalmente, la identidad de Nakamura como directora de directores de serie: (監督 監督, Kantoku): la persona a cargo de toda la producción, tanto como creador de decisiones creativas como supervisor final. Outlige al resto del personal y, en última instancia, tienen la última palabra. Sin embargo, existen series con diferentes niveles de directores: director principal, director asistente, director de episodios de la serie, todo tipo de roles no estándar. La jerarquía en esos casos es un escenario de caso por caso. Sería una mezcla fascinante de ambos. Su entrega tomó a Hosoda como punto de partida, mientras que en un diseño y nivel conceptual, imaginó trabajos a escala de Satou y optó por su sentimiento de densidad.
Antes de llegar a ese punto, a principios de 00 00 fue su tiempo para moler como director dentro de las obras de otras personas; Efectivamente, la fase rápida una vez que comenzó a ser confiado con los guiones gráficos, lo que ayudó a otros a notar que era un individuo especial. Como se mencionó anteriormente, el propio Hosoda ya había recogido eso, por lo que decidió invitarlo a su próxima película. Verlo dibujar guiones gráficos era esclarecedor… pero eso no duró mucho, ya que ese proyecto era la versión de Hosoda del castillo en movimiento de Howl que nunca vio la luz; Uno de los muchos aumento de la carrera de Nakamura, y es cierto que no se infligió en lo más mínimo.
Como se señaló en la última entrevista de febri, fue Satou quien lo salvó con indiferencia en ese momento, tomando su presencia en el próximo karas por sentado. Es fácil saber cuánto confió en su alumno con solo considerar que el proyecto del 40 aniversario para Tatsunoko y, por lo tanto, era un gran problema, era el bebé de Satou hasta el punto de planificación, redacción, dirección y contribuyendo a casi todas Una serie de dibujos generalmente simples que sirven como guión visual de Anime, dibujados en hojas especiales con campos para el número de corte de animación, notas para el personal y las líneas de diálogo correspondientes… y, sin embargo, estaba dispuesto a dejar soltar a Nakamura para el primer episodio y luego colaborar con él también en el final. Su sinergia (que ciertamente requirió que Nakamura reciba un curso de choque sobre Tokusatsu) se puede sentir en su emocionante estreno, lo que lo atrae con su sentido de mística, todo tipo de trucos de perspectiva en el guión gráfico de Nakamura para ir junto con las preguntas sobre la identidad en el texto, y una gran batalla de CG para iniciar cosas. La relación rocosa de Nakamura con los estudios; A menudo dispuestos a darle una oportunidad porque sienten algo especial, pero es tan probable que se arrepienta de sus métodos radicales. Esto quiere decir que los dedos apuntaban a Nakamura por pasar por el presupuesto con su gran introducción, lo que lo hizo abandonar el estudio… por segunda vez, ya que ya habían tenido fricción durante Soul Taker. Desde entonces, a Nakamura se le ha confiado múltiples proyectos en Tatsunoko (incluido otro aniversario), y también ha roto los lazos con ellos con tanta frecuencia. Reconocer su grandeza sin considerar este aspecto no pinta la imagen completa de Nakamura, y no le permitiría comprender por qué la brecha entre sus proyectos se ha vuelto cada vez más grande, o por qué sus programas de televisión terminaron requiriendo multitudes de directores de episodios antes de que eso se haya vuelto trágicamente común.
en el despido de ese inconveniente, Nakamura continuaría recibiendo propuestas muy atractivas, y es fácil de ver. Puedes encontrar su trabajo en títulos como masaaki yuasa s kemonozume , donde estaba a cargo del décimo episodio. Incluso en el marco de otro autor, es fácil captar la influencia de Hosoda en la forma en que el episodio está estructurado. La repetición es el nombre del juego, a saber, a través del uso de DouPoji, recurrente de diseño de diseño (レイアウト): los dibujos donde la animación realmente nace; Expanden las ideas visuales generalmente simples del guión gráfico al esqueleto real de la animación, detallando tanto el trabajo del animador clave como los artistas de fondo. Enmarcando exactamente la misma posición para establecer una rutina, a menudo con el propósito de aumentar el impacto de verlo terminar. La mezcla mecánica y emocional a través de su ritmo; En este caso, sirvió para exhibir el antes y después de una tragedia, y para conectar las flores que se ve por primera vez en un campo recurrente con un acto final hecho por amor, pero lo que lleva a cualquier cosa menos felicidad.
Si hay un episodio que puede ayudarlo a comprender el fenómeno de Nakamura, sin embargo, que tendría que ser iriya no Sora #03 . A pesar de que sucede extremadamente temprano en su carrera de guión gráfica, es una obra maestra genuina que eleva enormemente el listón para la entrega del programa. Si bien esta serie de OVA es bastante simple cuando se trata de su ejecución visual, la llegada de Nakamura como guión guaror y director de episodios cambia por completo.
A primera vista, es fácil decir que es notablemente más oscuro que el resto del programa, elevando su sensación de Kilter en una vibra de terror de baja tasa inexplicable. Lo más obvio en ese sentido es el cambio en la composición; Iriya No Sora es en su mayor parte un esfuerzo ordinario para su tiempo, pero el enfoque de Nakamura es mucho más ambicioso e involucrado, otorgándole un aspecto brumoso que se ajuste mejor a su estado de ánimo (incluso con los aspectos técnicos que también no han envejecido). Es de noche y día en comparación con el aspecto regular, y un aspecto interesante a tener en cuenta cuando múltiples trabajos de Nakamura más tarde han abandonado las tendencias modernas de énfasis en el posprocesamiento fotorrealista a favor del aspecto de CEL. Más que tener una sola preferencia, se trata de experimentar con nuevas herramientas, como también se ve a través de su interés en los elementos 3DCG en ese momento, para encontrar soluciones situacionalmente interesantes.
más que estos aspectos de nivel superficial, e incluso el trabajo de diseño extremadamente inmersivo, es la evolución de ese rytm de Hosoda que hace que el episodio fascinante tan fascinante de Iriya #03. La idea de construir por sustracción que heredó de su mentor se expresa en todo el episodio, como en las encantadoras conversaciones filmadas a través de repeticiones de ida y vuelta de las interacciones de los personajes con el mundo. Esa misma idea de establecer una rutina pacífica para ofrecer sorprendentemente su desestabilización que puede encontrar en Kemonozume #10 está presente en este episodio, más claramente en una toma de casillero que se repite incluso dentro de sí, hasta que cambia. A través de estas elecciones, comienzas a ver cómo Nakamura lo convierte en un idioma propio; Un enfoque en los accesorios en lugar de las vistas aéreas que Hosoda tiende a emplear para su DouPoji, acercándose a sus rutinas materiales desde un ángulo diferente, así como a la despliegue de tipografía como otro mecanismo de estimulación. Si disfrutas de una dirección inteligente, este episodio es una observación obligada.
Un cierto productor en Toei Animation también estaría de acuerdo con esa afirmación. Hiroaki shibata fue un asistente de producción de asistente de producción (制作進行 制作進行 制作進行 制作進行 制作進行 制作進行 制作進行 制作進行 制作進行 制作進行 制作進行 制作進行 制作進行 制作進行 制作進行 制作進行 制作進行 制作進行 制作進行 制作進行 制作進行 制作進行 制作進行 制作進行 制作進行 制作進行 制作進行 制作進行 制作進行 制作進行 制作進行 制作進行 制作進行 制作進行 制作進行 制作進行 制作進行 制作進行 制作進行 制作進行 制作進行 制作進行 制作進行 制作進行 制作進行 制作進行 制作進行 制作進行 制作進行 制作進行 制作進行 制作進行 制作進行 制作進行 制作進行 制作進行 制作進行 制作進行Verifican y llevan los materiales, y se comunican con las docenas en docenas de artistas necesarios para terminar un episodio. Por lo general, manejando múltiples episodios de los programas con los que están involucrados. Nakamura se encontró en sus primeros días alrededor de Toei, y habiéndose convertido en productor para 2005, fue quien lo invitó a Iriya. Su apuesta valió la pena, ya que como todavía recuerda hoy en día , la excelencia del episodio #03 fue lo que lo convenció para otorgar a Nakamura una oportunidad de dirección de la serie. Eso manifestaría el próximo año en forma de ayakashi , una antología de terror que en su mayor parte se reproduce clásico reinventado como dirigido por los veteranos de varios campos.
No esperas que un recién llegado como Nakamura se ajuste dentro de ese molde, y mucho menos para que entregue el clim Como Nakamura y la persona que serían su hombre a la derecha explicaron En esta entrevista de animestyle Web , ambos dudaron hasta que fueron presionados por sus compañeros, y solo los que están de acuerdo con la condición de la condición de la condición de la condición de los dos. Se sentaron juntos en Tatsunoko.
El resultado de eso fue el famoso cuento final de Ayakashi: Bakeneko , que abarca los episodios #09 a #11. Aunque las historias independientes anteriores tienen florituras ocasionales para lo que ya es un espacio inusual para explorar en la animación de televisión comercial, el enfoque radical de Bakeneko se siente inmediatamente como un proyecto completamente diferente. Su compromiso con ukiyo-e Las estilizaciones son tan minuciosas como están vinculadas de manera coherente a su entorno Edo y estructura clásica. Esa estética en particular se sintió como una revelación en ese momento: deslumbrantemente moderna para una miniserie de 2006 para construir alrededor de los elementos 3DCG y las texturas digitales, y sin embargo, empleando esas herramientas para evocar formas de expresión más antiguas, tanto en hacer que se sienta como un pergamino que se desarrolla dinámicamente y se convierte en una realidad en la que todo parece un elemento Cel. Director descarado de esas acrobacias de guiones gráficos por alquiler. Una vez más, el ritmo se establece a través de la repetición, al igual que el humor. Un aspecto en el que es particularmente bueno es vincular esos momentos recurrentes a efectos de sonido y texto específicos que se desarrollan de manera extrañamente satisfactoria, lo que convierte estos elementos mecánicos en otro aspecto agradable de la prosa audiovisual de Nakamura. Sentido caótico del espacio 3D con un trabajo de expresión tradicionalmente excelente. Debido al tapiz fantástico y encerrado que es el escenario, Nakamura y Company pueden desorientar un poco al espectador sin destrozar ninguna realidad; El nivel predeterminado de abstracción es demasiado alto para objetar estas ráfagas caóticas. Esas piezas de compensación hacen un excelente uso de un arma que no siempre ha podido mantener: la tremenda destreza de animación de los animadores y estrellas relacionadas con Toei-Adjacent en ese entonces, con una mención especial a una Takashi Hashimoto .
Aunque más conocida por su experiencia de efectos, Hashimoto (con quien Nakamura había sido acogado a los gustos de los gustos. Como diseñador de personajes y artista conceptual para este trabajo, un papel que fue tan exitoso que ocupó un papel similar en los próximos 3 proyectos de Nakamura también. Bakeneko, y por extensión, el programa de televisión hermano que seguiría, también fue en muchos aspectos al bebé de Hashimoto; No solo definió ese aspecto nervioso de sus personajes que les permite transformarse en seres sobrenaturales como si también fueran 2DFX, sino que también tenía el trabajo difícil de convertir las ideas abstractas de Nakamura en ideas abstractas en algo tangible que podría ser comprendido por el resto del equipo y la audiencia. Llegó a su proyecto de 15 aniversario, que alcanzó niveles sin precedentes de maldad pública. Lo que comenzó con las acusaciones de una traición planificada para eliminarlo del proyecto y el trabajo no remunerado dio un giro más oscuro con la emisión de problemas de salud personal (físico y mental) con la participación del productor koji yamamoto ; Es decir, la cara de noitamina y uno de los mejores aliados de Nakamura tanto durante ese tiempo con Fuji TV como luego a través de Twin Engine . La situación era deprimente e hizo que todos los involucrados salieran peor, pero debido a la naturaleza sensible del tema, prefiero no concentrarme en él más allá de un hecho innegable: Hashimoto fue una vez esencial para materializar el caos de Nakamura de las formas memorables que todos recordamos, pero esa relación no tuvo un final limpio. Si eres consciente de cuánto hashimoto había abogado por otorgar a la secuela de la Serie A, este resultado es un gran fastidio.
sin darse cuenta de lo que eventualmente sucedería, el trabajo de este equipo en el arco final de Ayakashi estableció una fórmula tan convincente que no es sorprendente que rápidamente llegaran a él. El ritmo inconfundible del director, que usa tiros recurrentes y puertas correderas pseudogéticas pseudogéticas como comas y períodos, respectivamente, lo guía a través de misterios sobrenaturales con un toque de horror. El que está a cargo de desentrañarlos es un vendedor de medicina errante, una persona misteriosa que formula el método de resolución que se convierte en sinónimo de este trabajo: uno debe descubrir la forma, la verdad y la razón detrás de un incidente sobrenatural antes de poder exorcizar el espíritu detrás de él. Por lo tanto, el vendedor de medicina debe ayudar a procesar esa indignación legítima también.”Fueron los humanos los que te hicieron lo que eres”es el texto real que acompaña a su asesinato de titular Bakeneko , que necesariamente consigue respetar a las víctimas reales de la raíz de esa historia. Enamorado con su estilo, entregó un debut de dirección de la serie (mini) que rápidamente consiguió su sucesor: 2007 Mononoke , un programa de televisión completo dedicado a las aventuras del vendedor de medicamentos. En declaraciones a Animestyle para el número 008 muchos años después, Nakamura aludió a no sentir que esa era una secuela real; La corta duración de Ayakashi lo hizo sentir incluso al director más parecido a un piloto, haciendo de este programa de televisión la primera representación totalmente realizada de ese concepto.
Como verá si sigue su carrera desde ese punto en adelante, o revisando sus entrevistas donde no es tímido sobre el tema, esta es una distinción bastante importante en su opinión. Después de todo, asumir el papel del director de directores de la serie: (監督 監督 監督 監督 監督, Kantoku): la persona a cargo de toda la producción, tanto como un creador de decisiones creativo como el supervisor final. Outlige al resto del personal y, en última instancia, tienen la última palabra. Sin embargo, existen series con diferentes niveles de directores: director principal, director asistente, director de episodios de la serie, todo tipo de roles no estándar. La jerarquía en esos casos es un escenario de caso por caso. Le dio a Nakamura suficiente poder para duplicar una idea que es claramente natural para él: siempre hacer algo realmente nuevo. Todas sus obras son completamente originales o una versión tan revolucionaria de la historia de otra persona que bien podrían ser. Si alguna vez está en condiciones de dirigir una secuela, es un requisito previo no negociable que tiene una nueva idea para transmitir. El hecho de que Mononoke TV fuera una continuación estilística y temática de Ayakashi, entonces, es una prueba más de que todavía era un asunto inacabado para él.
. Esa idea de los trabajos de Nakamura con un mensaje específico de que siempre quiere sentirse fresco también es clave para comprender la evolución de su carrera. En otra entrevista con Animestyle, esta vez para el número 005, el director admitió sentirse consciente de explicar sus pensamientos; Por mucho que resonaron abstractamente en todo el trabajo, deletrear el mensaje se sintió como admitir la derrota. Nakamura lo resumió de manera divertida diciendo que solía crear obras en forma de rosquilla; Hacer un molde donde pueda intuir la forma pero no proceder con el lanzamiento de una manera explícita, porque prefiere escribir en torno a su mensaje que transmitirlo de manera remotamente directa.
Este enfoque hizo de Mononoke uno de los trabajos más estimulantes. El estilo de su predecesor se refina, se expande en pantalla panorámica y se prueba en entornos más diversos esta vez, aunque todos están inevitablemente abstraídos de un ángulo similar, lo que permite a su equipo flexionar su inventiva cuando se trata de hacer nuevos conceptos e ideas. Combinado con el ritmo atractivo por el que el director era conocido, convierte el espectáculo en una sucesión de pausas convincentes y estimulantes explosiones de energía que siguen la fórmula de Bakeneko; Por cierto, ese arco se reinventa en la viñeta final dentro de Mononoke, lo que hace que el programa de televisión se sienta como la expresión completa de la visión del director. No es uno que haga retroactivamente la forma original de Bakeneko, sino un programa digno de ser considerado la versión definitiva de este concepto.
En un nivel temático, la negativa del director a explicar la conclusión también es una experiencia satisfactoria; Es un programa que exige que lo conozca en el medio, pero que las recompensas lo hacen. Resulta que muchas personas se sintieron así: Mononoke fue, a pesar de lo que podría haber esperado por un trabajo tan idiosincrásico, muy exitoso. Su alta audiencia y sus ventas de DVD muy notables son un gran ejemplo de un fenómeno que hemos explorado antes: NNOITAMINA podría decirse que fue más exitoso cuando se comprometió con su esencia de una salida alternativa, tanto para el público que rara vez se atendieron (como mujeres mayores) como para los creadores de Avantgarde como Nakamura y Yuasa. Aprender el éxito de Bakeneko y Mononoke no es importante simplemente entender por qué se les ha otorgado una trilogía teatral completa para celebrar su 15 aniversario (17 para cuando el primero ha salido el primero), pero también cómo eso afectó la carrera del director. Y ser ascendido a líder del proyecto solo había aumentado su nivel de peligro, especialmente porque aprovechó eso como una oportunidad para volverse aún más opuesto a las normas de producción. Y, sin embargo, acababa de obtener un éxito, con múltiples productores que ahora están parados junto a él. Eso podría ayudarlo a comprender cómo terminó liderando una adaptación de las obras del autor popular Hideo Okuda , quien entre muchos otros géneros incursionó en la psicología pop para su serie psiquiatra Irabu . Esos libros solo han generado una película de acción en vivo (en The Pool, 2005), dos dramas de televisión (Kuuchuu Buranko en 2005 y el Dr. Irabu Ichirou en 2011), obras de teatro e incluso reinterpretaciones en el extranjero. Sin ser una sensación convencional masiva, ese era un título bastante popular con el que se le confiaron.
en la moda de Grand Nakamura, su versión de la serie en forma de la kuuchuu bananko / trapeze de Noitamina era completamente diferente. Desafortunadamente, el péndulo de popularidad se recuperó y lo golpeó cuando estaba más seguro; En la mencionada entrevista Animestyle 008, explica que pensó que había inventado un nuevo género y estaba extasiado, luego se dio cuenta de que la reacción a su innovación no fue excelente. Eso sí, Nakamura estaba perfectamente justificado al pensar que Kuuchuu Buranko estaba pisando un nuevo terreno; El programa se establece en un mundo muy real Twisted a través de un filtro pop-art , con mobs de papel de papel y diseños realistas que se apresuran a dibujar pseudo rotoscope o Ofertas de acción en vivo . Es un sueño febril como pocos animes comerciales se han atrevido a estar, incluso entre el repertorio de Nakamura.
Su enfoque transformador también se extiende a la estructura de la serie. El pegamento que mantiene unido el trabajo de Okuda siempre fue el médico Irabu: un psiquiatra sórdido al que los diferentes pacientes asisten a través de sus antologías, lo que cambia la idea de ayudarse a uno mismo a través de su actitud desagradable y su negativa a actuar de acuerdo con el protocolo y las normas sociales. Aunque Nakamura suaviza un poco a su personaje en comparación con las novelas, tuerce la idea del médico de una manera interesante al darle tres formas que corresponden a la identificación, ego y superego de Freud; Uno es El oso colorido que tiende a estar cerrado dentro de su clínica en el sótano del hospital, uno es un hijo pequeño con una plancha familiar , y Única, y de la misma , y de la misma , y de la misma <. href="https://i.imgur.com/7x9senc.jpeg"> Un adulto joven con esos mismos oídos .
Irabu aparece en diferentes formas y situaciones, siguiendo a los pacientes de manera que lo hace preguntar si él también existe, y eso también le hace preguntarle quién tiene más inquietud la psicosis, ya que su kink lidera a Una secuencia de stock absurda Donde todos los pacientes reciben tiros de vitaminas solo para justificar sus impulsos. Si bien es infantil, arrogante, egoísta y peligrosamente impulsivo, Irabu también es muy rápido para notar cómo las presiones sociales son la causa (o al menos el amplificador) de muchas enfermedades mentales. Su metodología radical, entonces, tiende a estar orientada a abordar los puntos de fricción, ya sea interno o con su entorno; Algo que, en su opinión, a veces implica un poco de terrorismo doméstico.
Expresar la psique de esos pacientes comienza con otra opción ordenada en un nivel de diseño: darles una cabeza animal colorida que corresponde a sus problemas específicos, que sirve como un cabezal visual (sin juego de palabras) cuando sus problemas se destacan. Episodio #05, brillantemente guionista por el amigo de Nakamura Kiyotaka Suzuki , gira en torno a un compañero psiquiatra que sufre de éxito. Está casado con la hija del director de un hospital y actualmente vive en su mansión, sintiéndose obligado a adaptarse a la alta vida de otra persona. Sus impulsos de arremeter y el mecanismo de defensa personal que se está adaptando con fuerza al medio ambiente, entonces, se expresa con ocasionalmente convertirse en un chameleon —Entil Irabu Influence finalmente le permite ser él mismo en casa, lo que mejora la vida familiar de todos. Por otro lado, el episodio #02 se centra en un hombre cuyos sentimientos no resueltos por su ex esposa han llevado a un problema fisiológico muy diferente . No es necesario explicar por qué se convierte en Un rinoceronte con una bocina magnífica , creo.
Como puede ver ahora, Kuuchuu Buranko es una serie muy cómica. Sin embargo, entre el tema y el renombre del título, Nakamura sintió una presión que no había sentido antes. In this interview with IT Media, the director opens up about a reason why he decided to be particularly careful with this theme: someone close to him had already passed away because of mental health problems. Nakamura saw TV shows as something that anyone could casually tune into at any point, which was particularly true of a slot like noitaminA that aimed to appeal to non-core anime viewers. And if anyone can nonchalantly step into your world, wouldn’t you have to be tactful with an issue that can have such dark consequences? Conciliating that with his desire to make something bright and uplifting was one of his greatest challenges.
One of the strategies to conciliate the comedy with the gravity of those themes, besides focusing on less heavy conditions, was the inclusion of Fukuicchi. This funny cartoon man who always interjects to give advice, compliments Irabu’s talk about psychology, or outright contradicts him when he says something too outrageous is the avatar of a real, rather popular announcer at Fuji TV. Nakamura deployed him out of his sense of responsibility, but also as yet another way to modulate the rhythm in amusing ways—you never know when he may pop up again.
To achieve that, Nakamura relied on extensive research. He’d previously seen Hosoda’s dedication during pre-production, and so he applied the same fervor to interviewing psychologists, patients, and researching enough to realize that most information about mental health he’d see on television or circulating online was outdated. He told as much to noitaminA themselves, in an interview where he establishes Kuuchuu Buranko as a turning point for his whole career. He states that people with mental illnesses aren’t weak nor hopeless, and that if anything, they’re canaries in the coal mine of society. And that is the motif that he brilliantly built the entire adaptation around.
One of the greatest tricks executed by Nakamura and series composer Manabu Ishikawa—another Tatsunoko connection who sadly passed last year—was to come up with points of connection between all patients. Originally, all the stories were self-contained, but the anime constantly places the eccentric protagonists of other episodes within the adventure you’re currently following. To begin with and despite sharing the title with a specific Okuda book, the team pulled stories out of all of Irabu’s published adventures at the time. Although the result is not the type of sappy story where absolutely everyone comes together in the end, new friendships do develop across the series, and you see the positive effect environments can have on your psyche if we’re all simply more respectful and conscious of others. This is expressed through the show’s wild audiovisual language, with all the tricks we’ve been highlighting since his previous works. And for some reason, a certain bird keeps flying around ever since the first time we stepped into Irabu’s office.
Chances are that you won’t really pay attention to the canaries in Kuuchuu Buranko. They appear consistently yet briefly, in a show that is so bursting with unique visuals that one bird won’t stand out. When Nakamura’s unsettling direction opens up the finale with a dead canary, though, things begin to turn. A previous case is revisited from the point of view of the father, which illuminates how it was his neglect of his family’s issues and their pleas for help that did the most damage.
His distant, uncaring stance is brilliantly depicted as childish and ultimately self-damaging too through the repetition Nakamura had become so good at using. While the show’s 2D animation is rarely a technical marvel, the likes of Yuki Hayashi, Masashi Kudo, and even the master Takeshi Honda himself appear to underline Nakamura’s new thesis for this work: the voices of his family he neglected to listen for the entire show were the canaries in the coal mine he tried to run away from. As a society, we ought to listen to them, not as weaklings who fall first but as heroes when compared to those who turn a blind eye to problems and minimize them. The show’s final statement goes to everyone who’s had any sort of mental health issue, telling them that they’re loved and that we’ve all been there at some point.
Now, this angle wasn’t a new one for Nakamura; it’s not a coincidence that Mononoke’s victims tended to be disenfranchised individuals, as the director used the fantastical setting to fire at unfair systems of power. Compared to the cryptic attitude he held back then, though, the sense of responsibility that he felt from Kuuchuu Buranko onwards made his message much more direct and explicit. His preoccupations with societal issues became more central as well, often being at the very core of those works.
Once again within noitaminA’s at the time still free environment, his worries about the economy—fueled by the global financial crisis—led to [C] The Money of Soul and Possibility Control. While much messier than its predecessor, Nakamura’s research not just with finance experts but with non-profit organizations that oppose the current system showed an interest in figuring out how the economy (further abstracted into ridiculous battles) affects actual people.
For his next shows, it was the idea of community that he explored the most. Tsuritama was born thanks to an Aniplex producer requesting him to make a show about adolescence with a male cast, but it wasn’t until he found this angle that it clicked for the director. Eccentric as some characters are, the diversity is meant to embody real groups of friends, while aspects like the physical rooting in the setting of Enoshima give it an authentic flavor. In terms of the delivery of these ideas, it’s worth highlighting that its more low-key direction was a successful experiment by Nakamura. That unique pacing from his previous works is something he calls rhythmic direction, with patterns and calculated yet stark shifts, while Tsuritama would be melodic direction; a natural flow, which he feels modern anime is disregarding and thus he feels more inclined to use now. If we’re looking at his evolution, this is another shift to keep in mind.
When reimagining another Tatsunoko icon for Gatchaman Crowds, Nakamura provided another example of his interest in communities—and also how fast his posture can change. During the 2011 Touhoku earthquake and tsunami, Nakamura observed how the internet allowed individuals to build the type of transversal systems of help that the government doesn’t necessarily provide. As a consequence, the adventures of its lively group of heroes have an optimistic outlook on online communities… which comes crashing down by the time of its sequel Gatchaman Crowds Insight. Rather than refuting its predecessor, Nakamura growing fed up with the proliferation of fake news and the culture of immediate, loud reactions to the news made him shed light on the other side of the coin. Insight is a warning against the power of mass media and of going with the flow, pushing back against the belief of unity as an absolute good; after all, it’s often fueled by intangible peer pressures and can do damage by stifling individual thoughts.
That thoughtfulness has accompanied Nakamura to this day, as have the difficulties of working with him—the 2015 to 2024 gap between his projects is quite telling in that regard. The director had to step down from Infini-T Force in 2017, which he was initially meant to direct rather than his pupil Suzuki. An original project that has been in the works since 2018, eventually adopting the codename Yotogi, never managed to materialize. Even among these titles that did come out, things weren’t necessarily easy; Crowds was a notorious production nightmare only rivaled by C, and Tsuritama’s higher stability (which couldn’t stop it from hitting a scheduling wall by the end) was only achieved because A-1 Pictures established a “Nakamura System” to shield themselves from those recurring issues.
When the stars align, however, Nakamura proves that he’s still got that special touch. And he does it in a way that maintains that general stance towards his role as director that he adopted with Kuuchuu Buranko. If you read any of the dozens of interviews that the director has given for Mononoke the Movie—a trilogy he has started releasing this year to culminate its 15th anniversary celebrations—then you most definitely have been told about the societal preoccupations motivating him this time. While he initially considered exploring the theme of peer pressure again, the way that idea was used during the heights of the pandemic made him want to find another theme to focus on. In the end, he settled on the fallacy of composition.
In socioeconomic terms, Nakamura sees that concept at its clearest in the application of policies like austerity. They are supposed to be good for the economy and thus everyone, and yet clearly impact people negatively on an individual level, which creates a dangerous mismatch. Back when he first led Mononoke TV, he limited himself to finding those individual voices and making them feel heard. Now that it’s easier to be heard because of the internet, though, he claims to want to soothe them and perhaps suggest solutions too.
Whether that ambitious goal will be successful or not is something that we’ll have to wait until the end of the trilogy to find out, but for now, we can already tell that Nakamura’s delivery is as bewitching as ever; and yet, it’s never exactly the way it was before. As if to make a point about his constant evolution, the director returns to a previous title and flips enough elements to give it a completely different flavor. His reveal that the medicine seller this time around is a different individual—and that there are countless of them—is only the tip of the iceberg. While still aiming for that ukiyo-e look, it’s clear right off the bat that we’re looking at parchment with way brighter pigment. The lines themselves have become Hokusai Blue, infusing the irotore with the theme of the series.
The most radical change, however, is once again related to the rhythm. More than ever before, Nakamura’s team is aiming for a sensorial overwork with a first entry in the trilogy that packs 2600 cuts in around 90 minutes of runtime; which translates to about twice as many of them as a regular movie would have, with most cuts lasting a couple seconds and only going up to 10. While Mononoke was always an intense experience, it allowed itself to be methodical at points—its unique style kept it visually engaging regardless—before its moments of acceleration, but this new take raises its baseline and accelerates even further in climactic moments. To best fit the theatrical format, those tend to be set in broader locations than the original show, which makes for some thrilling (if chaotic) setpieces. Even now, Nakamura proves he can change the flavor of anything he touches.
If you sign up to watch something led by Kenji Nakamura, chances are that it’ll feel unlike anything you’ve experienced before. The director himself will instinctively push in that direction, even on the rare occasion where he returns to a previous title—as we’ve seen with the fundamental change of pace for Mononoke. Just like the ever-changing audiovisual manifestations of the director’s ideas, his own mindset may change so fast that he’ll reach a rather different outlook on humanity altogether in-between one project and the next. In this sense, a title like Trapeze stands out as particularly special even among his unique works. While the likes of the medicine seller have had a stronger legacy among his viewers, it was the mad doctor Irabu who changed the way Nakamura perceives his role and responsibilities as a director of animation. And you know what, leaving such an imprint on one of the most notable figures in Japanese animation is quite the feat.
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