Director de serieDirector de serie: (監督, kantoku): Responsable de toda la producción, tanto como tomador de decisiones creativas como supervisor final. Superan en rango al resto del personal y, en última instancia, tienen la última palabra. Sin embargo, existen series con diferentes niveles de directores: director jefe, subdirector, director de episodios de la serie y todo tipo de roles no estándar. La jerarquía en esos casos depende de cada caso. Midori Yoshizawa ha marcado el comienzo de una nueva era de creatividad visual en la serie Monogatari que hace sinergia con sus temas de tiempo, identidad y creación. Y, sin embargo, por más fresca que parezca su visión de la franquicia, su equipo y la narrativa están de acuerdo: que el crecimiento necesario hacia el futuro no debería hacer la vista gorda ante su pasado.
Hace siete años, publicó un artículo sobre las distintas épocas dentro de la franquicia Monogatari, correspondiente a los directores de la serie que encabezaron el proyecto junto al líder del estudio: Akiyuki Shinbo. Por sí solo, el estudio SHAFT ya tiene un estilo reconocible, que se ha reducido un poco más para formular un enfoque visual para esta serie que no se puede confundir con ninguna otra. Incluso las personas que no ven Monogatari pueden reconocer fácilmente una captura de pantalla de la serie sin contexto, porque su mundo lleno de texto, hiperestilizado y a menudo desolado es inconfundible. Aunque esto pueda parecer algo restrictivo, las mejores obras del estudio demuestran que su identidad permite a los equipos establecer fácilmente un marco de creatividad, en lugar de actuar como reglas que dictan sin sentido sus elecciones artísticas. Las letras pueden resultar familiares en todo el catálogo, al igual que las palabras de Monogatari en un nivel más específico, pero las frases que cada director ha unido son distintas y, por lo tanto, tienen un atractivo propio.
Para expresar esas diferencias de una manera más tangible, simplemente puede comparar cada una de esas épocas de dirección desde un punto de vista audiovisual. Al comparar el trabajo de Tatsuya Oishi con el de Tomoyuki Itamura, rápidamente podrás identificar sus tendencias estilísticas, no solo como peculiaridades personales, sino como medios para adaptarse. Una serie tan problemática. Desde los diversos usos de imágenes de acción en vivo por parte de Oishi hasta las tomas de reacción de la cultura pop de Itamura, había muchas opciones que, si no completamente exclusivas de sus épocas, eran mucho más frecuentes bajo esos líderes creativos específicos. Y, sin embargo, esos períodos tampoco fueron perfectamente monolíticos. Esto fue particularmente cierto en el caso de Itamura, quien ingresó a la franquicia como un novato y luego pasó a tener el mandato más largo en la historia de Monogatari, desarrollando un léxico visual propio a lo largo del camino; Entradas tardías como Owarimonogatari demostraron que es lo mejor, a través de opciones como las texturas del papel hasta los intersticiales de texto o los marcadores de capítulo personalizados a diferencia de la tipografía consistente que los precedió.
Incluso para un veterano magistral como Oishi que no tuvo que crecer de la misma manera entre Bakemonogatari y Kizumonogatari, todavía había un claro contraste entre los uso desenfrenado del fotorrealismo entre los dos. En el primero, se manifestaba como ráfagas de imágenes de acción en vivo que daban un giro inquietante a un momento serio o te tomaban desprevenido para un chiste rápido y enfático. En el primer arco de la serie, la sensible historia de fondo de Senjougahara se basó en esas estilizaciones para hacer que temas como el abuso se sintieran más visceralmente incómodos; tal es el efecto de alteridad inherente que tiene el metraje real cuando se inserta en una animación que de otro modo sería muy estilizada. Al mismo tiempo, esas tomas sirvieron como un medio para abstraer los detalles más explícitos de su traumático pasado y preservar su intimidad. A partir de un vector completamente diferente, Kizu construyó toda su estética en torno a un entorno CG fotorrealista que contrastaba fuertemente con las celdas de animación. De esta manera, encarnaba visualmente el sentimiento de no pertenencia del protagonista, que no es sólo un adolescente, especialista en sentirse incomprendido y sin un lugar, sino que casualmente se ha convertido en vampiro, es decir, literalmente, no pertenece. bajo el sol. Aunque ambos partieron de las mismas tendencias, se manifestaron de maneras muy diferentes.
Entonces, en lugar de evaluar esas épocas estrictamente de acuerdo con las técnicas predominantes, sería mejor dar un paso atrás y considerar las filosofías de adaptación de las que se derivan. En ese nivel conceptual, los dos primeros directores que se encargaron de la serie mantuvieron perspectivas consistentes que explican cómo abordaron este trabajo. Al adaptar la serie por primera vez, Oishi vio una subida cuesta arriba y decidió hacerla más empinada; es decir, que su aproximación a la escritura prolija característica de NisioisiN fue intentar destilar su efecto a través de los intangibles de su dirección. Eso sí, eso no significa evitar los escritos del autor original; en todo caso, las palabras reales del autor estaban en todas partes, como El jefe de SHAFT, Shinbo, estuvo de acuerdo en hacer de la tipografía un elemento central como lo había sido a menudo en las secuencias de Oishi.
En lugar de utilizar este texto como un simple vehículo de información, Bakemonogatari de Oishi utilizó su uso como arma para modular el ritmo y capturar mentalidades específicas de una manera más concisa que la prosa original de NisiosiN, logrando en última instancia los mismos efectos. Claro, uno podría pausar constantemente un episodio para leer cada diapositiva densa de texto, ya que, después de todo, la información permaneció allí. La verdadera genialidad de su enfoque, aunque fue preservarlo mientras hacía que el espectador sintiera un estallido de ansiedad a través de pantallas que parpadeaban rápidamente; un sentimiento similar que el texto original quería que el lector experimentara, aunque de una manera más indirecta.
Desde un ángulo diferente, Kizumonogatari encarnaba el atractivo de Oishi hacia la experiencia visceral en sus extremos más impresionantes. La novela original está inseparablemente ligada al punto de vista de un adolescente profundamente confundido, que no tenía suficiente con los problemas clásicos de su época, por lo que tropezó con una belleza moribunda y se volvió vampírico en el camino. Es tan prolijo como siempre lo es NisioisiN, y en su forma más caótica, desciende repetidamente al flujo de conciencia de Araragi y, sin embargo, la adaptación de Oishi consideró apropiado eliminar cualquier apariencia de monólogos y exposiciones internos, en lugar de proyectar esa información en su mundo como un todo.. Como para hacer una declaración, estas películas comenzaron con una introducción sorprendente que no formó una oración durante casi 10 minutos. Y, francamente, no había razón para hacerlo, ya que la entrega de Oishi ya capturó el espíritu del material original de maneras muy elegantes. Cada pupila cambiante, cada graznido de cuervo, cada color deliberadamente apagado que da paso a llamas vívidas, cada elección de encuadre aislante: eran aquellos que encarnaban la ansiedad y el sentimiento de insuficiencia del protagonista, entonces, ¿por qué Araragi debería abrir la boca prematuramente? p>
¿Qué pasa entonces con el Monogatari de Itamura? Si bien existe una brecha innegable entre lo que ambos directores son capaces de lograr, no es solo la habilidad técnica lo que diferencia esas épocas; Más que cualquier brillante elección de director, fue la mentalidad detrás de la adaptación (y la capacidad sobrenatural de tener éxito en semejante desafío, sí) lo que distinguió a Oishi de Itamura. Bajo el régimen de este último, la adaptación aspiraba a preservar la escritura real de NisioisiN en una forma mucho más explícita, concibiendo las imágenes como una forma de acompañar el texto en lugar de una encarnación del mismo. Este fue un cambio de paradigma para Monogatari como anime: una transición del metafórico Oishi al reactivo Itamura, que informó toda la dirección de momento a momento de ahora en adelante.
Si miramos hacia atrás a algunos de los anteriores Mencionamos las peculiaridades visuales de la serie, comprender los detalles de ese cambio y la relación con las filosofías de los directores se vuelve mucho más fácil. Al examinar la tipografía, por ejemplo, notarás que el texto en Monogatari se volvió más legible con el paso del tiempo. La serie conservó trucos mecánicos para abreviar escenas como las conjunciones escritas para reducir elegantemente los segundos en largas conversaciones, pero gradualmente se alejó de la percepción de Oishi del texto como una herramienta abstracta para definir el estado de ánimo; un cambio de algo que sientes a un elemento que analizas en su forma más tradicional, que encarna la evolución de la adaptación por completo.
Durante el mandato de Itamura, el anime Monogatari invitó a la audiencia a sentarse junto a los personajes, reaccionar a la narrativa junto a ellos; una forma de hablar, aunque en algunos momentos literalmente pasó episodios enteros leyéndole historias de su propio mundo al elenco. Tendencias que hemos mencionado anteriormente, como el aumento de referencias a la cultura pop como tomas de reacción, fueron entonces simplemente una consecuencia natural de esta nueva mentalidad. Si bien se podían encontrar ejemplos en el propio Bakemonogatari, como Araragi y Kanbaru jugando para calmar a Nadeko cuando intentaba explicar sus problemas sobrenaturales, fue a partir de Nisemonogatari que se convirtieron en un rasgo definitorio de la serie.. De manera similar, los personajes que adoptaban poses inusuales pasaron de ser un chiste visual ocasional a uno de los trucos más comunes en sus guiones gráficos. Colocar el texto primero y luego hacer que los personajes (y el mundo) reaccionen ante él de maneras divertidas se convirtió en el nuevo estándar.
Una razón importante por la que este enfoque que se basa más en la escritura original funcionó tan bien es que simplemente que la naturaleza iterativa de la narración de Monogatari hacía que cada nueva entrada fuera más interesante. Eso sí, esto no se debe a una genial planificación del autor original; nunca existió tal cosa. Monogatari es, y lo digo con cariño, una aberración literaria que nunca funcionaría si no estuviera escrita por un loco brillante; algo que lo demuestran los numerosos autores inspirados en NisioisiN, por muy entretenidas que sean a veces sus obras. Sin ninguna previsión real, avanzó con confianza, agregando constantemente piezas a un tablero que eventualmente parecía que se movía por sí solo, guiado por ideas interesantes que solo podían nacer de las interacciones entre su excéntrico elenco.
Itamura llegó con las bases más lujosas ya preparadas para él, tanto por el escritor como por el director anterior. Eso sí, esto no quiere decir que su trabajo fuera fácil (suceder a un director genio y brillante en un megaéxito otaku es una perspectiva aterradora) pero que su momento era perfecto para comenzar a construir algo que para muchos sería, con razón, la parte más memorable de la historia. serie. Y para hacerlo, no tendría que reinventar la rueda, sino simplemente reducir la producción a algo que pudiera manejar y, con suerte, comprenderlo cada vez mejor a medida que pasara el tiempo; algo que en retrospectiva podemos considerar un éxito rotundo. Claro, una comparación directa entre Bake y Nise parece una degradación considerable en el impacto del director, pero capeó la tormenta durante el tiempo suficiente para permitir que el trabajo original se convirtiera en algo magnífico y que su propio estilo madurara de maneras interesantes. La teatralidad de Itamura para acompañar el texto funcionó, porque el texto era excelente y la actuación más que divertida.
En 2017, la segunda temporada de Owarimonogatari finalmente hizo honor a su nombre y marcó el final de la era de Itamura. en la serie. Ese proyecto se convirtió en su último gran esfuerzo en el estudio SHAFT, ya que fue uno de los muchos veteranos clave que abandonaron el estudio en ese momento; de forma independiente y en diferentes direcciones, con distintos grados de rencor dependiendo de su participación en las disputas internas que habían llevado a un ambiente tóxico en la empresa. Aunque una renovación en el estudio era, por supuesto, la ruta más saludable, eso tuvo consecuencias en algunas de sus propiedades de mayor duración, siendo Monogatari el ejemplo más obvio. En 2019, a Zoku Owarimonogatari se le permitió mantener la inercia y terminar sus seis episodios sin una figura central de dirección junto a Shinbo, pero para un esfuerzo mayor como Off & Monster Season, se necesitaría un nuevo colíder. requerido. Entra Midori Yoshizawa, con poca o ninguna experiencia en ese nivel de responsabilidad, pero una fuente acordada de esperanza para el estudio.
La carrera de Yoshizawa comenzó de manera normal: después de encontrar Después de ingresar a la industria del anime a través de Studio Luna, un estudio de asistencia común que se especializa en programas para niños, se unió a Toei Animation, donde actuó como asistente de dirección durante un tiempo. Sin embargo, como profesional independiente, no se tomó el tiempo para dejar claro dónde está su corazón. Y ese lugar es el estudio SHAFT, donde progresó rápidamente en medio del caos habitual. De la limpieza a la asistencia de dirección en 2014, precisamente en Tsukimonogatari. Dirección de episodio completa Dirección de episodio (演出, enshutsu): una tarea creativa pero también de coordinación, ya que implica supervisar los numerosos departamentos y artistas involucrados en la producción de un episodio: aprobar los diseños de animación junto con el director de animación y supervisar el trabajo del equipo de fotografía. , el departamento de arte, el personal de CG… El papel también existe en las películas, refiriéndose a las personas igualmente encargadas de los segmentos de la película. en todos los trabajos del estudio en ese momento para el próximo año, y tareas de guión gráfico que comenzaron con Sangatsu no Lion en 2016. Alguien que era un completo extraño apenas unos años antes, en un sistema donde eso es a menudo un gran tema, empezó a encargarle momentos cada vez más importantes.
En la época de Magia Record, y gracias a la amplia distribución de funciones por su interesante pero también caótico proceso de producción , se le otorgaron responsabilidades similares a la dirección de series para episodios específicos. Ha permanecido en el estudio durante tiempos muy difíciles, demostrando que no sólo es una gran admiradora de sus trabajos, sino también alguien que comprende profundamente las complejidades de su estilo; algo que no pueden dar por sentado de ningún director, como veremos más adelante. Se ha ganado la confianza de sus compañeros y la admiración de todos los fans incondicionales de SHAFT, lo que hace que esta oportunidad de liderar uno de sus trabajos más importantes se sienta totalmente merecida.
Pero, ¿qué fue lo que le valió esa reputación positiva? Internamente, está el hecho de que trabajar con ella es más relajado que su caótica norma, ya que requiere poca supervisión para armar un paquete convincente que conserve esa vaga identidad de SHAFT. Sin embargo, pintarla como alguien con quien es fácil trabajar sería una caracterización errónea enorme. Para empezar, Yoshizawa es una directora ambiciosa cuyas raíces en la animación la hacen imaginar diseños problemáticos. Diseños (レイアウト): Los dibujos donde realmente nace la animación; amplían las ideas visuales generalmente simples del guión gráfico al esqueleto real de la animación, detallando tanto el trabajo del animador clave como de los artistas de fondo. Las obras de SHAFT se inclinan hacia encuadres muy simbólicos, con secciones transversales imposibles de edificios y planos pero memorables. puesta en escena. Como guionista, llena sus encuadres de significado de manera similar, pero a menudo con un enfoque más espacioso que hace que el trabajo sea inherentemente más complicado para los animadores. Los fundamentos más realistas (que luego le encanta exagerar a través de distorsiones de lentes de pez) tienen una gran sinergia con la capacidad de Yoshizawa para componer tomas atractivas donde no solo la animación se presenta con profundidad e intención, sino que también funcionan los fondos, CG e incluso elementos de acción en vivo. en conjunto para guiar el ojo juntos. ¡Es una habilidad bastante importante dentro del sistema idiosincrásico de SHAFT!
Esto nos lleva a otro rasgo característico de Yoshizawa: la pura creatividad representada no solo en la forma, sino también en el material. Los días más radicales visualmente de SHAFT, representados por personas como el propio Oishi, quedaron atrás… pero Yoshizawa nunca recibió esa nota, porque cuanto más margen de maniobra se le concedía, más enfatizaba las imágenes de acción en vivo y los materiales analógicos no convencionales. Por un lado, Yoshizawa a menudo se apoya en el vínculo inherente entre el tiempo y los elementos tangibles. Como algo que existe físicamente, esos materiales reales evocan el paso del tiempo de una manera más directa que la animación intangible; de ahí su uso de lapsos de tiempo y carretes de acción en vivo codificados estacionalmente, dibujos analógicos, recortes de papel, etc./p>
Un ejemplo notable de esto se puede encontrar en uno de los episodios de Magia Record de Yoshizawa, donde sacó un reloj de arena real para los cortes que indican el paso del tiempo. Al llegar al presente, preparó un lienzo de arena similar donde ella misma pintó un cuadro convincentemente infantil para representar una relación que había florecido durante ese período. Con este movimiento, una forma de expresión que evoca el tiempo pasa a convertirse en tiempo compartido, un elemento diegético que también representa el vínculo entre dos individuos. En cierto modo, esto resume el aspecto que más la diferencia de sus compañeros del estudio. Por fascinante que sea su técnica, es ese énfasis en la narración personal y emocional lo que la diferencia de los veteranos más orientados a la lógica como Yukihiro Miyamoto (o su predecesor Monogatari, Itamura), así como de genios locos como Oishi, que Siempre siento que operan en niveles más altos de abstracción. Las imágenes extravagantes de las obras de Yoshizawa pueden hacerte esperar una narración objetiva, pero su tendencia natural es utilizar esas herramientas poco ortodoxas para humanizar a los personajes de maneras pequeñas y muy personales.
Otra técnica que Yoshizawa suele vincular con el concepto de tiempo es el encuadre 4:3, que representa el pasado en su trabajo, ya sea un momento nostálgico lejano o un evento reciente. Ella construye esas tomas con barras negras reales, un estrechamiento algo diegético, o todo lo demás. Aunque probablemente hayas notado que en la temporada actual of Monogatari, es algo que ha estado haciendo durante años.
Como se menciona en las discusiones del personal que aparecen en los fanbooks de MagiReco, Yoshizawa tiene ciertamente una reputación de sobresalir en capturar los corazones internos de los personajes, particularmente de las mujeres, a través de su mundanidad excéntricamente representada. Podría decirse que esto se remonta a su trabajo en Sangatsu, con un episodio particularmente memorable centrado en un incidente de intimidación. Este estallido de sentimientos negativos pero legítimos reprimidos mostró el impacto de su entrega de emociones muy reales, volviendo las miradas en su dirección dentro y fuera del estudio.
Incluso más allá de este momento destacado, la atractiva sensibilidad del joven Yoshizawa comenzaron a levantar la cabeza a través del espectáculo. Hay una interesante economía de colores en sus episodios que podría recordar la inclinación de Oishi por los paisajes monocromáticos con acentos, pero que en su caso se usa más directamente para mostrar la brecha en la intensidad emocional entre los personajes, o exactamente lo que en el momento es verdaderamente significativo. a ellos; De nuevo, un ángulo más personal desde su dirección. Quizás no sea sorprendente que escuchar a sus compañeros hablar sobre lo que admiran en su trabajo ilumine sus verdaderas fortalezas.
Ahora que tenemos una comprensión sólida de la evolución estilística de Monogatari como serie de anime, además de una comprensión de su nueva directora y las prioridades que pone sobre la mesa, finalmente podemos echar un vistazo informado a los primeros arcos de Off & Monster Season. ¿La llegada de Yoshizawa cambió la serie de alguna manera significativa?
Confianza fue el adjetivo que asignamos anteriormente a los escritos de NisioisiN, y ese es también el sentimiento que rezuma de la introducción a OMS #01, cuyo guión gráfico fue escrito por la propia Yoshizawa, como debería serlo. Tsukihi Undo es un pequeño y divertido arco en el que el pájaro inmortal titular, tan impulsivo y peligroso como siempre, descubre la verdad sobre su muñeca de tamaño natural. O más bien, dicho muñeco Yotsugi, un ser con una relación igualmente dudosa con la mortalidad y habilidades de control de daños catastróficamente malas, la alimenta con mentiras sobre la situación. Si bien sus interacciones son muy entretenidas por sí mismas, es la entrega de Yoshizawa lo que inmediatamente hace que esta historia se sienta especial. La verdad dentro de este pájaro descarado se revela al romper un huevo real, y luego seguirlo con un aluvión de ideas inspiradoras y relevantes. imágenes; pájaros y jaulas, ya que técnicamente está bajo vigilancia, además de títeres de sombras que enfatizan que una criatura como Tsukihi no es lo que parece ser.
Incluso más allá de esta brillante introducción, el primer episodio de OMS parece tendrá todas las ventajas que los creyentes de Yoshizawa esperaban. Esa capacidad de combinar la composición de tomas simbólica característica del anime SHAFT con sus diseños más espaciosos. Diseños (レイアウト): Los dibujos donde realmente nace la animación; amplían las ideas visuales generalmente simples del guión gráfico al esqueleto real de la animación, detallando tanto el trabajo del animador clave como de los artistas de fondo. está en plena exhibición desde el principio; se utiliza, por ejemplo, para mostrar la falta de coincidencia entre Tsukihi y Yotsugi que hace que este arco sea tan divertido, así como las ansiedades de un personaje que la serie pronto volverá a visitar. La orgullosa recuperación de Monogatari de su amplia gama de expresión hizo que muchos espectadores pensaran en Oishi, y no puedo culparlos por eso; especialmente cuando hay secuencias con ideas tan similares a las que alguna vez fueron tan comunes en su programa. Dicho esto, creo que ver su trabajo como la segunda venida de Oishimonogatari no les hace ningún favor a nadie: a la directora, con un estilo propio, y al programa, que pasó por algo más matizado que un reinicio completo.
Una razón importante por la que se consideró necesario discutir el estilo y las preferencias de Yoshizawa antes de dirigirse a OMS no fue solo para poder identificar las muchas formas en que ha influido en esta temporada de Monogatari, sino también para apreciar cuándo no lo hace, sino que remite a la historia de la serie. La diversidad de ideas visuales puede parecerse al comienzo de esta franquicia hasta cierto punto, pero la forma reactiva en la que se implementan trae Se acerca más a la filosofía del Monogatari de Itamura, una que a través de su gran masa y proximidad ha llegado a representar la serie más que el alegórico Oishi. Yoshizawa también repite directamente las adiciones de Itamura, evolucionando sus pantallas de capítulos personalizadas para convertirlas en instantáneas de narraciones paralelas; y también, para dar el remate final de este episodio, indicando que Yotsugi está eternamente atrapado en un bucle de helado y pobre. opciones. Con una inventiva más cercana a un director, una filosofía de adaptación más cercana a la de otro y peculiaridades de un tercero, avanzamos hacia Nademonogatari.
Los estallidos de animación de Monogatari, que alguna vez pertenecieron a ases como Ryo Imamura, y personas posteriores como Hironori Tanaka, ahora también han pasado a sus estrellas actuales como Hiroto Nagata. También en este sentido se pueden sentir los cambios generacionales en la OMS.
Debido a la estructura de la serie y su naturaleza no planificada, los arcos de los personajes de Monogatari están muy fragmentados. A lo largo de los años, hemos sido testigos del crecimiento de Araragi y su pandilla como personas (y como seres mitológicos), aunque no de una manera particularmente lineal para la mayoría de ellos. Dado el gran reparto y cómo los arcos tienden a centrarse en uno o dos individuos (dentro de una serie que, de lo contrario, abstrae a toda la población de la Tierra), perdemos gran parte del tejido conectivo entre sus momentos cruciales de crecimiento. Regresar a un personaje que la serie ha explorado antes es como ponerse al día con un amigo que no has visto desde hace tiempo, con el conocimiento adicional de que está a punto de experimentar una nueva forma de catarsis que, con suerte, lo mejorará como persona..
Teniendo en cuenta que arcos como Nadeko Draw se basan en la evolución de esos personajes, se podría pensar que ignorarían esa naturaleza fragmentada. Un escritor más convencional, quizás uno más cuerdo, ciertamente haría eso, pero estamos hablando de NisioisiN y Monogatari. En lugar de llenar los vacíos, la serie enfatiza las personalidades distintas de Nadeko cada vez que ella ha sido un punto importante de enfoque en la historia. Están separados como personajes independientes, reciben nombres humorísticos y son codificados con distintas estilizaciones por Yoshizawa y compañía; lo más notorio es que tienen paletas de sus propios que son reconocible a primera vista. El mensaje final de autoaceptación es el punto final esperado para un arco como este, pero su camino es formalmente fascinante y refleja perfectamente el estado de la serie en su conjunto en este momento.
La sinergia entre la producción y la historia comienza con los temas. La actual Nadeko está trabajando para lograr su sueño de trabajar como mangaka, lo cual es una buena excusa para que Yoshizawa se incline por todo tipo de estilizaciones en torno a las artes. ; otra introducción impresionante encuentra una multitud de formas de incorporar cómics desde varios ángulos, vinculando ya el concepto clave de la identidad de Nadeko con los paneles. en esos. Otros episodios se basan en trucos de capas para visualizar esas ideas, y en papel tanto simulados como real material. Es especialmente cuando se trata de ese yo actual que Nademonogatari se convierte en una divertida exhibición de artes y artesanías para acompañar su sueño.
A medida que avanza hacia el futuro que desea, Nadeko también tiene que enfrentar su pasado, que ahora existe físicamente en la forma de su yo anterior. causando estragos en la ciudad. Dado que el paso del tiempo es otro concepto clave, este es un buen momento para recordarles a todos que uno de los campos de especialización de Yoshizawa en el que profundizamos anteriormente fue evocarlo mediante el uso de imágenes de acción en vivo y materiales analógicos:exactamente lo que Nademonogatari termina haciendo también. Esto se entrelaza con el deseo de Nadeko de crear algo con sus propias manos, construyendo un lenguaje visual que se siente muy coherente. Un estilo fresco, aunque no del todo nuevo, que también acaba reforzando la conclusión.
Del mismo modo que este equipo decidió conservar una parte considerable de la identidad de Monogatari a pesar del soplo de aire fresco de Yoshizawa. , la propia Nadeko basa su crecimiento en la aceptación y la incorporación de lo bueno y lo malo de su yo pasado. Nademonogatari no se trata de suplantar el pasado con una personalidad presente más refinada, sino de alcanzar el futuro entendiendo que tu yo actual nunca existiría sin sus predecesores, con errores y todo. Monogatari ha estado apelando a la nostalgia de los fanáticos por múltiples entradas, pero sus devoluciones de llamada nunca se han sentido tan conmovedoras como en esta iteración que muestra un presente y un futuro estilísticamente distintos, al mismo tiempo que adopta un ángulo narrativo interesante como esta historia retrospectiva sobre cuánto ha crecido una niña tranquila.
Si Yoshizawa alguna vez tiene la oportunidad de liderar una serie desde cero, estaría encantado de verla formular un lenguaje visual completamente propio. Incluso antes de que se le concediera el puesto de codirector de una serie completa, estaba claro que tenía lo necesario para lograrlo, basándose únicamente en la densidad de conceptos interesantes que podía infundir en los trabajos de otras personas. Es decir, puedo entender a cualquiera que hubiera deseado una actualización aún más radical para esta serie, pero también estoy muy contento con el equilibrio que logró lograr y lo bien que coincide con el mensaje de la serie en sí.. Habiendo llegado a esta era tardía tan específica de Monogatari, no puedo evitar sentir que es apropiado evolucionar de una manera más iterativa, avanzar incorporando los elementos de su pasado. Esa fue la lección para personajes como Nadeko, cristalizada en un hermoso final donde confronta su yo manso original.
Fuera del innumerables referencias en comparación con las iteraciones anteriores de Monogatari, ninguna golpeó tan fuerte como regresar al principio de todo, el lugar donde una vez esperó vislumbrar. de la persona que le gusta. Su anhelo por ese primer amor imita los gestos de su primera secuencia inicial, aunque esos lindos movimientos se sienten trágicos ahora que sabemos que es Un sueño no correspondido e imposible. La actual Nadeko la insta a seguir adelante, pero no a descartar quién es. En cambio, le promete que su futuro deparará un amor tan fuerte y satisfactorio como el que ella sintió en el pasado. Una escena conmovedora que se beneficia de la irrupción de la emotiva narración de Yoshizawa, animada por una de las esperanzas de futuro del estudio, pero aceptando todo lo que llevó a esto. En resumen, creo que la gente ahora llama a esto cine.
Aunque este ha sido un artículo muy positivo sobre la serie, sería negligente no mencionar cómo la inestabilidad de SHAFT también es un factor en juego; Si hablamos de la novedad que trae un nuevo director, también debemos mencionar las cuestiones que lamentablemente permanecen sin cambios. Sus fallas de gestión han sido un gran problema durante más tiempo del que la mayoría de los espectadores de anime han dedicado a este pasatiempo, convirtiéndose en el tipo de broma recurrente que amenaza con diluir la gravedad de la situación. Como de costumbre, solo una fracción de los gritos de ayuda y expresiones de insatisfacción sobre cómo su trabajo resultó burbujas hasta el, aunque siempre es revelador cuando sus animadores as se ven obligados a hacerlo.
mientras nos dirigimos En wazamonogatari , es posible que haya notado que un 東冨耶子 sospechoso es la primera persona acreditada como guarda gruesa en el sitio web oficial. Tome un Onyomi específico para cada Kanji, invierta su orden, y obtendrá Shiyafuto, es decir, Shaft, porque es su propio líder Shinbo. Seré honesto y diré que me alegro de que haya sido explícitamente (aunque en broma) acreditado por ello de manera pública, ya que significa que podemos abordar esto más directamente. Shinbo no estaba programado para StoryboardStoryBoard (絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ uctenta. Una serie de dibujos generalmente simples que sirven como guión visual de Anime, dibujados en hojas especiales con campos para el número de corte de animación, notas para el personal y las líneas de diálogo coincidentes. Este episodio, pero terminó rediseñándolo casi por completo. Al decir esto, es posible que se imagine que arregló muchos paneles existentes de una forma u otra, pero es más parecido a deshacerse de las secciones enteras en todo el episodio y dibujar otros completamente nuevos que no correspondan directamente a nada que fuera originalmente redactado. Se le atribuye a la cabeza por una buena razón.
Es importante tener en cuenta que los directores de la serie Verificar los guiones gráficos es una parte regular del proceso de producción, y que para el eje en particular, Shinbo que los revisa ampliamente es una tarea ordinaria. Entonces, en lugar del hecho de que hizo esto, es el grado en que requería acción (y la razón detrás de esto) lo que se convierte en un obstáculo para la producción. Una de las cualidades de Yoshizawa que destacamos anteriormente era que ella requiere poca supervisión, porque ha internalizado los preceptos del anime del eje como su cadencia única de manera que muchos directores talentosos no lo han hecho. El personal y los extraños más jóvenes tienden a luchar para entregar lo que se espera de un director en Shaft, a pesar de que el estudio proporciona pautas reales para ayudarlos. Las imágenes preexistentes de la franquicia mientras juntan algo que se siente fresco.
Ese es un problema particularmente preocupante ahora, ya que la partida de muchos veteranos en años anteriores ha obligado al estudio a trabajar más junto a las personas que carecen de esta experiencia en el estudio. Escuché por primera vez sobre la producción de OMS en el verano del año pasado, cuando ya estaba atascado en este largo proceso de fijación de guiones gráficos. Al detenerse durante la preproducción, incluso un proyecto que abarca una cantidad considerable de tiempo como este termina estrangulada por sus plazos a medida que se acerca la transmisión. Y, por supuesto, esto tiene consecuencias no solo para un proyecto individual sino también para otros títulos en proceso. Si su sistema requiere miembros veteranos internos y se está ejecutando relativamente corto con ellos, las personas restantes tendrán que ayudar más de lo que se planificó originalmente, lo que significa descuidar otros trabajos que pueden tener. Aunque la situación no es tan simple como para dibujar una correlación directa, el hecho de que Monogatari exige ayuda adicional debería ayudarlo a comprender por qué una cierta película de chicas mágicas ha sido despliegada a un año completo de distancia.
Porque como Critical, como soy de su gerencia, creo que es importante comprender los problemas que escapan de sus habilidades, no pueden simplemente clonar a los veteranos restantes, y tampoco serán melodramáticos sobre su efecto en la calidad del espectáculo. Por sí solo, hacer que Shinbo tome el control de episodios con Vampire Gothic Horror Leyings es tan bueno como las noticias pueden provenir del estudio. Ese es precisamente el espacio de género donde hizo que innumerables personas se enamoren de su estilo después de todo, por lo que, por supuesto, estaría particularmente interesado en este próximo arco. La propia Yoshizawa también ha proporcionado claramente una amplia entrada en todo Nademonogatari; Sus peculiaridades estilísticas aparecen incluso en la rara instancia en la que no figura como listada como guarnecorda, y los créditos del episodio no coinciden con la información de autoría en el sitio oficial para empezar. Nadie debería lamentarse de que los directores talentosos estén muy activamente involucrados.
Es solo cuando se considera que esas tareas adicionales crean cuellos de botella que esto se vuelve alarmante, especialmente en un estudio donde el proceso de producción nunca es suave. Y de hecho, ha afectado la animación, tanto en ambición como en el nivel de polaco, aunque diría que no hasta cierto punto que ofusca lo brillante que es de otra manera. Un grado de frustración sobre el programa no alcanza las alturas que podría justificarse, al igual que la ira de que incluso una serie ampliamente exitosa que no debería tener prisa puede hacer que el trabajo sea tan aplastante para el personal. El paso más difícil podría ser llegar a un acuerdo con que OMS sea un excelente espectáculo… aunque dado el historial de producción de la serie, los fanáticos de mucho tiempo ya podrían estar acostumbrados a esto. Sé que felizmente he abrazado a Monogatari que retiene viejos rasgos incluso cuando Yoshizawa lo lleva a una nueva era, pero, francamente, esos problemas de producción son un aspecto que me gustaría dejar atrás.
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