Viele Anime versuchen, ihren Zuschauern ein entspannendes Erlebnis zu bieten, aber nur wenige können dieses Ziel so nahtlos mit ihren Themen und ihrem visuellen Geschichtenerzählen verbinden wie diese beiden kleinen Juwelen: Dies ist die Geschichte von Do It Yourself!!, Yama no Susume und ihren Animation Leader Yusuke Matsuo.
Die Anime-Saison Herbst 2022 hat uns eine außergewöhnliche Ernte neuer Titel beschert, und das ist vielleicht am wichtigsten, sie hat dies in völlig verschiedenen Genres getan – unabhängig davon, welche Art von Show Sie bevorzugen Am meisten hat Ihnen diese Saison wahrscheinlich etwas geboten, das nicht nur Ihr Ding ist, sondern auch stark zusammengestellt ist. Einer dieser gesegneten Genreräume ist zufällig ein Anime-Grundnahrungsmittel: Shows, in denen eine Gruppe von Jugendlichen zusammenkommt, um eine hyperspezifische, bodenständige Aktivität zu machen, sich darüber zu verbinden und dem Zuschauer eine unterhaltsame, meist entspannte Zeit zu ermöglichen, ganz unkompliziert – aber nicht unbedingt inhaltsleere – Handlungsstränge. Das heißt, was viele Zuschauer als süße Mädchen, die süße Dinge tun, bezeichnen, ein amüsanter, aber nicht unbedingt angemessener Begriff; Schließlich ist die süßeste Strömung Cool Doji Danshi, eine Serie mit einer rein männlichen Hauptbesetzung, bei der die ganz spezifische Aktivität, die sie zusammenbringt, öffentliche Peinlichkeiten und die darauffolgenden Versuche sind, es cool zu spielen. Obwohl Bezeichnungen vom Design her fehlerhaft sind, denke ich, dass der Begriff Iyashikei/Heilung der eigentlichen Anziehungskraft vieler dieser Werke viel näher kommt, auch wenn dies nur eines von mehreren Zielen für sie ist.
Aus Alle Shows halten sich vage an diese Art von Prämisse, Bocchi the Rock hat sich den größten Beifall verdient, und dafür gibt es gute Gründe. Sein viel stärkerer Comedy-Fokus gibt ihm etwas, an dem sich ein breiteres Publikum festhalten kann, besonders wenn sein Humor so scharf ist, wie er ist. Der Charakterbogen des Protagonisten ist archetypisch, aber in der Folge klar definiert, und die Regie kann ihn ganz gut als zwingenden inneren Konflikt verkaufen. Und natürlich ist die Präsentation als Ganzes für das bloße Auge so kreativ, dass jeder Zuschauer erkennen kann, dass er etwas erlebt, das es bei keiner anderen Show gibt. Es ist ehrlich gesagt kein Wunder, dass die Show so viele Menschen völlig in sie verliebt hat. Du hast es wirklich geschafft, Bocchi, du wurdest versehentlich das beliebte Mädchen, das dein seichtes Ego immer begehrte.
Wenn Sie an Bocchis schillernder Anziehungskraft vorbeischauen, werden Sie vielleicht auf zwei faszinierende Geschwisterprojekte stoßen, die eher traditionell unter diesen heilenden Schirm fallen. In einem anderen Kontext wären zwei gleichzeitige TV-Animes, die denselben Designer und Leiter des Animationsprozesses teilen, ein ziemlich besorgniserregendes Zeichen; eine, die andeuten würde, dass sie vielleicht nicht sehr in diese Projekte involviert waren oder dass der Zeitplan einen unangemessenen Druck auf sie ausübte, beide Jobs zu bewältigen. Glücklicherweise handelt es sich bei der fraglichen Person um Yusuke „Fugo“ Matsuo, und diese Projekte hatten so umfangreiche Zeitpläne, dass es zu komischen Situationen kam; wie zum Beispiel Animatoren, die kommentierten, wie seltsam es sich anfühlte, zu demselben 1-Cours-Anime zurückzukehren, an dem sie bereits 2 Jahre zuvor gearbeitet hatten, um zusätzliche Arbeit zu leisten. Obwohl der gesamte Produktionsprozess für TV-Anime viel länger dauern kann, als Fans glauben, können Sie sicher sein, dass es nicht gerade üblich ist, eine eher kurze Serie über fast 3 Jahre animieren zu lassen. Angesichts der Ergebnisse sollte es aber vielleicht so sein.
So hilfreich es auch ist, einen Zeitplan zu haben, der ein so großes Arbeitspensum bewältigen kann, kein Zeitaufwand allein hätte eine so ansprechende Arbeit wie die von Fugo aus dem Nichts herausgezaubert Luft. Es ist allgemein bekannt, dass er begann, seine Fähigkeiten bei Kyoto Animation zu schmieden, aber selbst unter den Mitgliedern eines so speziellen Studios war er immer auf der außergewöhnlichen Seite der Dinge. Während er zugegeben hat, dass er Mühe hatte, seiner eigenen Vision und dem allgemein hohen zeichnerischen Niveau seiner Kollegen gerecht zu werden, schoss Fugo zu Key Animation Key Animation (原画, genga): Diese Künstler zeichnen die entscheidenden Momente innerhalb der Animation und definieren sie im Grunde die Bewegung, ohne den Schnitt tatsächlich abzuschließen. Die Anime-Industrie ist dafür bekannt, diesen individuellen Künstlern viel Raum zu geben, ihren eigenen Stil auszudrücken. Pflichten nach seiner Probezeit, ohne aufgezeichnete Zeit für dazwischen liegende Pflichten aufzuwenden. Innerhalb von nur wenigen Jahren verdiente er sich bereits das Lob von Leuten wie Yukiko Horiguchi, was sich darin widerspiegelte, dass sie ihm so anspruchsvolle Jobs anvertrauten wie die Bearbeitung von über hundert Schnitten in einer Folge. Im Gegensatz zu den meisten Leuten, die für sie arbeiten, war Fugos Zeit bei KyoAni auch eher kurz und nahm damals einen gewissen Studio-Exodus, um seinen eigenen Weg zu gehen; Im wahrsten Sinne des Wortes, denn nachdem er einige Zeit anderen Ex-Kollegen gefolgt war, stellte er schnell sicher, dass er seinen eigenen Weg ging. In kürzester Zeit war Fugo zu einem Künstlertyp geworden, dem eher gefolgt wird als einer, dem man folgt.
Also, was genau zieht bis heute andere Animatoren zu Fugo? In Ausgabe 014 von AnimeStyle und als Teil der Berichterstattung über eines seiner Projekte veranstaltete Yuichiro Oguro eine Diskussionsrunde mit jüngeren Personen Schöpfer, die dort unter Fugo gearbeitet hatten, von denen viele bereits eine bemerkenswerte eigene Karriere hatten. Sie alle lobten ihn überschwänglich und erklärten, wie er ihre gesamte Karriere verändert oder geradezu revitalisiert hatte. Einer dieser Fälle war Kazuaki Shimada, der derzeit die Position des Charakterdesigners und Co-Chief Animation Director für den Anime Spy x Family innehat. Shimada – Shima-D zu Fugo – erklärte, wie er ihn zum ersten Mal getroffen hatte, als er ein Hemd seines BLACK ROCK SHOOTER OVA trug, um einen guten Eindruck bei einem Künstler zu hinterlassen, dessen frühe Werke er bereits liebte , und was am wichtigsten ist, gestand, dass es eine Einladung von ihm war und die positiven Eindrücke, die sich daraus ergaben, die ihn davon abhielten, die Anime-Industrie buchstäblich zu verlassen.
Wenn es darum ging, Fugos Stärken als Künstler hervorzuheben, lauteten die Antworten aller überall. Einige wiesen auf seine schauspielerische Finesse hin, andere auf aufregende Action. Es gab so spezifisches Lob wie die Taktilität seiner High-Cel-Arbeit und so allgemein wie die Niedlichkeit seiner Kunst. Erwähnungen vergangener Qualitäten wie seine Verwendung von absichtlich sprunghaften Animationen auf den 4s, die er einst von Kenichi Kutsuna übernommen hat, sowie immer noch relevante Tugenden wie seine soliden Layoutkonstruktionen. Shimada selbst kam zu dem Schluss, dass Fugo für ihn einfach in der Lage ist, alles zu zeichnen. Die Antwort seines Idols bestritt es, aber auf eine Weise, die auf die Vielseitigkeit hinweist, die er hat; „Ich kann wirklich nicht zeichnen, was ich noch nicht gezeichnet habe“, sagte er und gab ein wenig zu, dass er mehr oder weniger alles gemeistert hat, was er schon ausprobiert hatte. Seine technischen Grundlagen unterstützen das, aber vor allem eines macht Fugo allmächtig: sein Auge für natürliche Animationen. Nicht unbedingt realistisch, aber Zeichnungen und visuelle Gesamtkompositionen, die sich wohlfühlen, kohärent in ihrer Welt, einfach reibungslos. Kurz gesagt: komfortable Animation. Perfekte Qualitäten, wenn man einen dieser entspannenden, heilenden Zeichentrickfilme leiten würde.
Bei so konstanter Qualität seiner Arbeit, besonders wenn ihn die Produktionsumstände nicht boykottieren, ist es erwähnenswert Fugos tatsächlicher Kunststil befindet sich in einem ständigen Wandel, selbst innerhalb einzelner Projekte; immer wiedererkennbar, aber nie ganz gleich. Als er dazu aufgefordert wurde, erklärte Fugo, dass er so weit gehen werde, Designblätter zwischen den Anime-Staffeln neu zu zeichnen, die eigentlich kein Update für narrative oder Produktionsänderungen erfordern. Und er wird dies tun, obwohl es seine Arbeitsbelastung erhöht, weil es ihm wichtig ist, das zu zeichnen, was für ihn in diesem bestimmten Moment am natürlichsten ist – etwas, das sich ständig ändert. Diese Mentalität, die die Quelle seiner größten Qualität ist, rahmte er auch als potenziell negativ ein. Fugo kontrastierte sich mit anderen Künstlern, die die Fähigkeit haben, ihre eigene Kunst für immer perfekt zu reproduzieren, und behauptete, dass das, was Leute wie Shimada tun, für ihn unmöglich sei. Mit dieser Ansicht ist es verständlich, dass er sich stattdessen entschieden hat, die Natürlichkeit als sein künstlerisches Ethos zu verdoppeln. Wenn er sich schließlich nicht dazu zwingen kann, alten Mustern zu folgen, ist er besser dran, den umgekehrten Ansatz zu wählen und seinem Bleistift freien Lauf zu lassen, da dies auch in den Augen des Publikums zu einer reibungslosen Animation geführt hat.
Viel dieser Animationsphilosophie wurde in einem langen AnimeStyle-Feature über Yama no Susume enthüllt, eine Serie, die er zu diesem Zeitpunkt seit fast einem Jahrzehnt auf seinem Rücken trägt. In dieser Saison fiel der neueste Eintrag zufällig mit der Veröffentlichung von Do It Yourself!! zusammen, einem Original-Anime, bei dem er auch als Charakterdesigner und Hauptanimationsdirektor fungierte. Beide zeigen diese Qualitäten auf ihre eigene Weise, obwohl es ihnen und ihren Teams keinen Gefallen tun würde, alles auf Fugos reibungslose Anziehungskraft zu reduzieren – auch wenn das in mehr als nur der Animation untrennbar mit ihnen verbunden ist.
Keiner Show fehlt es an Konflikten und Zielen, auch wenn diese im bodenständigen Rahmen ihrer Geschichten gehalten werden. Die Struktur von DIY ist einfach und bescheiden und erzählt eine niedliche Geschichte über den bekannten Tollpatsch Yua Serufu und die Freundschaften, die sie aufbaut – neue und alte – gerade durch die Entdeckung der Freuden der handwerklichen Kreation. Die Botschaft, die in diese Prämisse eingebrannt ist, ist nicht revolutionär, aber sie fühlt sich pointierter an als ähnliche Werke, vielleicht weil sie von einem visionären Geist stammt, dessen Werke oft ziemlich optimistisch in Bezug auf das Potenzial der Technologie sind; Eine Serie wie diese, die inmitten des traurigen Ansturms auf KI-Automatisierung in der Kunst fällt, kann nur als höhere Gewalt angesehen werden. Ohne den technologischen Fortschritt völlig zu leugnen und wenn überhaupt sehr skurrile Erfindungen der nahen Zukunft zu präsentieren, ist DIY ein solides Argument für von Menschenhand geschaffene Kreationen als Mittel des individuellen Ausdrucks, als Mittel zur Bindung und sogar als Mechanismus zum Aufbau von Gemeinschaften.
Diese Botschaft, die bis zu ihrem endgültigen Abschluss beständig bleibt, geht perfekt Hand in Hand mit der Optik der Show. Und es ist diese Fähigkeit, absolut jede Produktionsabteilung auf die gleiche Seite zu bringen, die der beeindruckendste Aspekt von DIY ist, was dazu führt, dass es zusammenklickt, wie es nur wenige Shows tun. Wie Sie es sich in einer Show mit diesem Thema wünschen, sind die Hintergründe malerisch und auch lächerlich, oft mit Ecken verblassen auf weiß als wenn, um das zu unterstreichen, etwas ist, das ein Mensch gemalt hat. Die Farben dieser Kulissen sind für sich genommen wunderschön, aber noch mehr in der Harmonie, die sie mit den anderen Elementen der Show erzielen. Selbst in sehr situativen Sequenzen geht DIY fast beispiellose Anstrengungen bei der Suche nach innerem Zusammenhalt. Es kann ein Hintergrundkunstschatten sein, der von einer Cel-Layer-Figur geworfen wird, um diese Harmonie zu verstärken, bemalte Mobs, um die Grenzen zwischen Asset-Typen zu verwischen, oder Full-Cel-Aufnahmen, um sie vollständig zu entfernen, schön zurückhaltende digitale Akzente, minimale Farbdesignverschiebungen, was auch immer – DIY ist immer tut sein Bestes, um sich natürlich zu fühlen, ohne innere Reibung. Nichts zwischen dem Schreiben und der Grafik und keiner in den vielen Aspekten des Letzteren.
Wahrscheinlich haben Sie nicht bemerkt, wie weit verbreitet das absichtliche, sehr sichtbare Verblassen zu Weiß in den Ecken von DIY-Hintergründen ist. Fast jede Szene wendet diesen Trick an, bis zu dem Punkt, an dem es tatsächlich aufhört, sich als etwas Bemerkenswertes für den Zuschauer zu registrieren. Obwohl es sich um einen Trick handelt, den mehrere Werke mit eigenen Zielen verwendet haben, macht seine Kohärenz mit der gründlichen Hingabe von DIY an eindeutig von Menschenhand geschaffene Kunst es zu einer sehr ordentlichen Anwendung.
Und wie wir bereits festgestellt haben, können nur wenige Menschen dieses Gefühl durch Animation so festhalten wie Fugo. Wie der Rest des Teams passte er auch seinen Stil an das Thema der Serie an. Seine Designs sind etwas stilisierter, als wir es in letzter Zeit gewohnt sind, und fördern die Art von Lockerheit, die den spontanen, uneingeschränkten Geist hervorruft des Kunsthandwerks. Gleichzeitig ist die Linienführung immer noch sehr gut definiert, was die Wechsel zum sehr präzisen animierte Tutorials fühlen sich auch ziemlich natürlich an.
Wie es bei ihm üblich ist, war Fugo so aktiv bei der Definition jedes einzelnen Charakter visuell, dass seine Rolle so untrennbar mit dem Geschichtenerzählen verbunden war wie die des Regisseurs, Autors und Originalautors. Wann immer er die Möglichkeit hat, ist er der Typ Designer, der nicht nur sehr reichhaltige Ausdrucksblätter liefert, sondern auch alle möglichen Referenzen für die Körpersprache der Charaktere. In seinen sehr gründlichen Korrekturen der ersten Folge zeichnete er jede distanzierte Serufu-Manier, jeden schmollenden und gereizten Purin komplett neu. Er lieferte ähnliche Referenzen für jede andere Figur, wie zum Beispiel die spezifische Art und Weise, wie Takumin nervös mit ihren Händen herumzappelt, oder die Art und Weise, wie jeder richtig in ihren Stenographie-, Fernschussformen herumstehen sollte. Studio PINEJAM hat sogar einige von Fugos Konzeptzeichnungen für die erste Folge geteilt, die jedem, der die Serie gesehen hat, sehr vertraut vorkommen sollten alles hat es ziemlich genau so in die Show geschafft, wie er es sich vorgestellt hatte.
Wenn alles so gut zusammenpasst, verdient jeder im Team große Anerkennung, besonders diejenigen, die jede Abteilung geleitet haben. Der verdeckte Ermittler Mitsuo Iso, weil er die Grundlagen dieser Welt erdacht hat, und der Autor Kazuyuki Fudeyasu, der sie entwickelt hat. Hausinterner Art DirectorArt Director (美術監督, bijutsu kantoku): Die Person, die für die Hintergrundgrafik der Serie verantwortlich ist. Sie zeichnen viele Zeichenflächen, die nach der Genehmigung durch den Seriendirektor als Referenz für die Hintergründe in der gesamten Serie dienen. Die Koordination innerhalb der Kunstabteilung ist ein Muss – Einstellungs-und Farbdesigner müssen zusammenarbeiten, um eine kohärente Welt zu schaffen. Yuka Okamoto und FarbdesignerFarbdesigner (色彩設定/色彩設計, Shikisai Settei/Shikisai Sekkei): Die Person, die die Gesamtpalette der Show festlegt. Die Episoden haben ihren eigenen Farbkoordinator (色指定, Iroshitei), der für die Überwachung und Versorgung der Maler mit den für den jeweiligen Ausflug erforderlichen Modellbögen verantwortlich ist, die sie möglicherweise sogar selbst herstellen, wenn es sich um Töne handelt, die noch nicht vom Farbdesigner definiert wurden. Kouji Sakagami, dessen Arbeit Hand in Hand ging, sowie FotografieFotografie (撮影, Satsuei): Die Verschmelzung von Elementen, die von verschiedenen Abteilungen produziert wurden, zu einem fertigen Bild, einschließlich Filterung, um es harmonischer zu machen. Ein Name, der aus der Vergangenheit stammt, als bei diesem Prozess tatsächlich Kameras verwendet wurden. Regisseur Yasuhiro Asagi für die Zusammenstellung des wunderschönen Puzzles, das sie für ihn vorbereitet hatten. Und natürlich, SeriendirektorSeriendirektor: (監督, kantoku): Die Person, die für die gesamte Produktion verantwortlich ist, sowohl als kreativer Entscheidungsträger als auch als letzter Supervisor. Sie übertreffen den Rest des Personals und haben letztendlich das letzte Wort. Es gibt jedoch Serien mit unterschiedlichen Regieebenen – Chefregisseur, Regieassistent, Serien-Episodenregisseur, alle möglichen nicht standardmäßigen Rollen. Die Hierarchie in diesen Fällen ist ein Fall-zu-Fall-Szenario. Kazuhiro Yoneda, der nicht nur alle auf die gleiche Seite gebracht, sondern sie auch dazu gedrängt hat, einige ihrer besten Arbeiten aller Zeiten abzuliefern. Wenn Sie jedoch herausgreifen, wer die größten Qualitäten der Produktion am besten verkörpert, schafft es Fugo, sich abzuheben; Es fühlt sich nicht wie ein Zufall an, dass in einer Show, die ansonsten völlig reibungslos verläuft, die einzigen Episoden, die sich etwas daneben anfühlen, ein Paar in der mittleren bis zweiten Hälfte sind, das von Priorisierungsproblemen getroffen wurde und es sich nicht leisten konnte, Fugos Ideale aufrechtzuerhalten So viel. Aber selbst mit diesen kleinen Problemen ist DIY ein schönes Beispiel für eine kohärente, natürliche Lieferung, mit einer Animationsfigur, die diese als Herzstück des Produktionsprozesses verkörpert.
Was ist dann mit Fugos anderem Titel in der vergangenen Saison ? Denn so standardmäßig es auf den ersten Blick erscheinen mag, es ist auch eine durchaus interessante Perspektive. YamaSusu ist zum größten Teil eine helle Serie, die bis zum Rand mit Liebe zur Natur und insbesondere zum Bergsteigen gefüllt ist, aber gleichzeitig unverblümt über die Gefahren dieses Hobbys spricht. Ein entscheidender Moment in der Serie war das körperlich und emotional schmerzhafte Scheitern der Protagonistin, den Berg Fuji zu besteigen, den sie erst jetzt, 8 Jahre später, für die Zuschauer zu Hause erobert hat. Auch die zwischenmenschlichen Beziehungen, die es darstellt, wirken oberflächlich schön und flauschig, da der Gesamtbogen für die Protagonistin darin besteht, sich über das Vertrauen, das ihr das Klettern gibt, und die Beziehungen, die es nährt, wieder anderen zu öffnen. Und doch hat sein Team immer versucht, einen Hauch von Bitterkeit hineinzubringen, um ihre Charaktere nicht in unglaublich positive, naive Karikaturen zu verwandeln.
Vor allem die dritte Staffel hat die Beziehung zwischen der jetzt schüchternen Protagonistin Aoi auf den Prüfstand gestellt und ihre kontaktfreudige Kindheitsfreundin Hinata, die sie dazu gedrängt hatte, sich mit mehr Menschen anzufreunden, seit sie sich wieder getroffen hatten. Interessanterweise stand damals nicht Ersteres im Mittelpunkt des Konflikts, sondern eher die widersprüchlichen Gefühle des Letzteren, was die fiese, aber sehr menschliche Eifersucht einer Person unterstreicht, die sieht, wie ihr einst abhängiger Freund Beziehungen aufbaut, die sie nicht betreffen.
Im besten Fall passen YamaSusus äußere Abenteuer zu ihren inneren Reisen und verwandeln ihr bescheidenes Klettern – und das Essen von gutem Essen – in die befriedigendste Erfahrung. Obwohl die Gesamtstruktur gelinde gesagt chaotisch ist, da die Show kontinuierlich auf eine Weise an Umfang zugenommen hat, die zu Beginn nie geplant war, ist YamaSusu eine sehr angenehme Uhr, die weiß, wann sie ihre Schläge nicht zurückhalten muss. Mit ihrer leicht unorthodoxen Progression und dem dennoch ungemein kathartischen Ende, das mehrere Staffeln zurückruft, kann die neueste Staffel Next Summit all das bestätigen.
Was im Zusammenhang mit DIY interessant ist So erreicht YamaSusu seinen angenehmen Standardzustand. Im Gegensatz zu seinem Schwester-Bastelprojekt hat YamaSusu keineswegs eine durchgängige, hermetische Ästhetik, und dafür gibt es verschiedene Gründe. Zum einen ist das Thema ganz anders; Während DIY alles um die Idee herum bauen musste, die handgefertigte Attraktivität der Optik zu erhöhen, denn darum geht es in der Geschichte, YamaSusus Bergsteigererzählung brachte das Team dazu … nun, geh auf diese Berge klettern. Im Laufe der Zeit hat die Einbeziehung der eigenen Erfahrungen der Mitarbeiter an diesen Orten an Bedeutung gewonnen, ebenso wie die gefilterten Fotos, die diese Standortsuche darstellen. Obwohl diese zum Zeitpunkt der letzten Staffel tatsächlich zu einer der Hauptattraktionen der Serie geworden sind, war der Weg bis zu diesem Punkt schwierig, gespickt mit widersprüchlichen Visionen der Mitarbeiter und ungleichmäßiger Ausführung.
Aber was über andere visuelle Aspekte, wie die Animation selbst? Während das Fugo-Mantra über natürliche, komfortable Animationen in YamaSusu genauso wahr ist wie in DIY, repräsentiert dieser Titel viel stärker die Seite von ihm, die stilistische Konsistenz völlig außer Acht lässt, um dies zu erreichen. Andere Animationsregisseure des Projekts wie Noriyuki Imaoka haben über die Idee gesprochen, Zusammenhalt aus einem Mangel an Zusammenhalt hervorzurufen; Wenn alle Zeichnungen eine eigene Persönlichkeit haben, stechen die Zeichnungen von niemandem wie ein Daumen heraus, weil sie eine eigene Persönlichkeit haben. Dies ist etwas, das Fugo selbst seit Beginn des Projekts verkörpert hat, indem er beschloss, keine Zeit damit zu verschwenden, die Kunststile der Menschen mehr als unbedingt notwendig anzupassen – so kaum in seinen Gedanken –, weil dies den Prozess zum Stillstand bringen und Zeit von der Arbeit nehmen könnte Dinge, die ihm wirklich wichtig sind. Und auch diese beziehen sich auf das Erzählen einer Geschichte durch Animationen auf eine Weise, die sich für das Auge nicht gezwungen anfühlt.
Im Falle von YamaSusu ist Fugos Verbindung zum Geschichtenerzählen noch tiefer verwurzelt als beim DIY. In derselben AnimeStyle-Ausgabe, SeriendirektorSeriendirektor: (監督, kantoku): Die Person, die für die gesamte Produktion verantwortlich ist, sowohl als kreativer Entscheidungsträger als auch als letzter Supervisor. Sie übertreffen den Rest des Personals und haben letztendlich das letzte Wort. Es gibt jedoch Serien mit unterschiedlichen Regieebenen – Chefregisseur, Regieassistent, Serien-Episodenregisseur, alle möglichen nicht standardmäßigen Rollen. Die Hierarchie in diesen Fällen ist ein Fall-zu-Fall-Szenario. Yusuke Yamamoto gab zu, dass er ihn bei den Schreibmeetings herumhält, dass er darauf vertraut, dass Fugo ihn aufhält, wenn er jemals über Bord geht, und dass er seinen Rat für so grundlegende Aspekte wie die Strukturierung einer neuen Saison akzeptiert. Und warum sollte er seinen Beitrag schließlich nicht so sehr schätzen? Obwohl es letztendlich unmöglich war, sollte die allererste Staffel von YamaSusu zunächst von Fugo im Alleingang animiert werden, was sie genauso zu seiner Geschichte gemacht hätte wie die aller anderen, wenn nicht sogar noch mehr.
Wenn es darum geht, die Ideen umzusetzen, an denen er bereits beteiligt war, ist Fugo ein sehr engagierter Animationsleiter geblieben. Im Kern sind die Ideen, die im Spiel sind, die gleichen wie beim DIY, und doch hat YamaSusus eher auf Animationen ausgerichtete Erfahrung seine Rolle noch wichtiger gemacht. Ein Konzept, von dem er bei seinem Streben nach natürlich aussehenden Animationen besessen war, war die Kontrolle der Informationsebene auf dem Bildschirm. Ein Bildschirm, der bei guter Nutzung sicherlich wirkungsvoll ist, wird es Ihnen nicht erlauben, alles aufzunehmen, und wenn überhaupt, wird er Sie nur anspannen. Um dem entgegenzuwirken, hat Fugo direkt in den gesamten Produktionsprozess eingegriffen. Stellenweise hat er sogar die Location-Fotos, die als Grundlage für die Layouts dienen, persönlich bearbeitet. Sie erweitern die normalerweise einfachen visuellen Ideen aus dem Storyboard in das eigentliche Animationsskelett, indem sie sowohl die Arbeit des Hauptanimators als auch der Hintergrundkünstler detailliert beschreiben, damit die Hintergründe selbst den Betrachter nicht überwältigen.
Ein bekanntes Lieblingsproblem von ihm in die gleiche Richtung ist die sogenannte vergrößerte Animation (拡大作画); Das heißt, der Trend, dass Charaktere, die für den größten Teil der Szene letztendlich eher klein erscheinen, größer gezeichnet werden, um sie detaillierter zu packen, und später nach Bedarf verkleinert werden. Dies erhöht die Arbeitsbelastung nicht nur für die Animatoren, sondern auch für die umliegenden Abteilungen wie die Compositing-Crew, die die Lineart optimieren müssen, damit solche Zeichnungen nicht mit dem Rest der Aufnahme kollidieren, da durch die Verringerung der Größe auch die Linien dünner werden. Und vor allem kollidiert dies mit Fugos Wunsch, die visuellen Informationen zurückzuhalten, weshalb er stattdessen ein starker Befürworter der einfachen Kürzung der Designs in einem ist ansprechende Art; etwas, mit dem die größten Figuren in der Animation der Show an Bord sind, sogar solche mit ansonsten sehr detaillierten Stilen. Anstatt die Zeichnungen unnötig vollzustopfen, erklärte Fugo, sollte die Mühe in die Körperhaltung und Körpersprache dieser dieser leicht detaillierten Distanzmodelle; andernfalls könnte sich Ihr gepunkteter Charakter für den Betrachter genauso gut wie eine Vogelscheuche lesen, und das ist auch nicht ideal.
Immer wieder Entscheidungen von Fugo als Leiter des Animationsprozesses – manchmal in einem ziemlich weiten Sinne – haben die natürliche Lieferung betont. Durch seine proaktive Rolle bei den Vorproduktionsaufgaben fühlt es sich für die Charaktere, die er bei der Definition unterstützt, und für die Themen der Show ganz natürlich an. Aufgrund seiner Einstellung und Herangehensweise an seine eigene Kunst ist es selbstverständlich, dass es aus seiner Feder kommt. Und dank all seiner technischen Entscheidungen fühlt es sich in den Augen der Zuschauer ganz natürlich an. Wenn das gesamte Team um ihn herum ein einziges Ziel verfolgt, ist es möglich, dies in eine völlig reibungslose, beruhigende Erfahrung wie Do It Yourself!! zu verwandeln. Und selbst in Produktionen, die etwas mehr Chaos beinhalten, wie Yama no Susume, sorgt seine Kontrolle über das visuelle Geschichtenerzählen und die Anleitung für den Rest seines sehr talentierten Teams dafür, dass sich jede kleinste Aktion einfach richtig anfühlt. Während viele Anime-Titel unter das Dach der eingangs erwähnten Heilshows fallen, kann sich kaum einer mit der durch und durch angenehmen Erfahrung solcher Shows messen. Das ist die Kraft von Fugos komfortabler Animation, und irgendwie hat uns diese Staffel diese Saison zweimal erleben lassen.
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