Vor fünf Jahren haben wir eine Frau, die noch keine einzige Anime-Episode inszenieren musste, als eine der vielversprechendsten jungen Schöpferinnen der gesamten Branche hervorgehoben. Heute ist sie das Mastermind hinter den berühmtesten Momenten von TV-Anime – das ist Megumi Ishitani, die für ihren Job wirklich zu gut sein könnte.
Wir haben hier im SakugaSakuga (作画) die Anime’s Future-Kolumne gestartet: Technisch Bilder zeichnen, aber insbesondere Animationen. Westliche Fans haben sich das Wort längst zu eigen gemacht, um sich auf Fälle besonders guter Animation zu beziehen, genauso wie es eine Untergruppe japanischer Fans tut. Ziemlich integraler Bestandteil der Marke unserer Websites. Blog, um den Pessimismus auszugleichen, der bei der Berichterstattung über diese Branche unausweichlich wird. Die Augen vor den strukturellen Problemen von Anime zu verschließen, hilft niemandem, aber in einer Zeit, in der sich mehr Menschen denn je damit abgefunden haben, wie tief verwurzelt diese Probleme sind, war es wichtig zu beachten, dass es immer neue Quellen der Hoffnung gibt. Auch wenn die Branche den alarmierenden Mangel an qualifizierten Arbeitskräften beklagt, trotz schrecklicher Arbeitsbedingungen und kreativer Einschränkungen, die es schaffen, alle Arten von talentierten Leuten zu vertreiben, verlieben sich so viele Menschen in Animation, dass immer noch regelmäßig kraftvolle neue Stimmen in die Szene platzen – ob ob sie am Ende eine fruchtbare Karriere haben oder nicht.
Um diese Serie mit einem Paukenschlag zu beginnen, haben wir uns entschieden, im ersten Beitrag zwei verschiedene Künstler hervorzuheben. Der erste war ein frühreifes Genie, das unter dem Namen China arbeitet. Nachdem er alle möglichen jungen Meilensteine in der Branche zerstört hatte, schien sein Mangel an Erfahrung in Regieaufgaben zu dieser Zeit kein Hindernis dafür zu sein, eine hervorragende Karriere als Regisseur vorherzusagen, insbesondere angesichts seines Talents für Erfassen sensorischer Informationen von ganz bestimmten Momenten, sogar nur durch Illustrationen. Die Zeit hat diese Vermutungen bestätigt, denn seine Auftritte sind heutzutage gleichbedeutend mit Episoden des Jahres wie Yama no Susume S3 #10, Heike Monogatari #03 und dem Musikvideo zu Mafumafus Sore wo Ai to Yobudake.
Neben China war ein bescheidenerer Name. Während er sich unter engagierten Animationsfans und natürlich innerhalb seiner Generation sehr talentierter freiberuflicher Animatoren bereits einen guten Ruf aufgebaut hatte, kannten nicht viele Menschen Megumi Ishitani. Als sie über sie schrieb, hatte sie noch keine einzige Anime-Episode inszeniert, nachdem sie nach ihrem Universitätsabschluss nur geringfügige Arbeiten für Toei Animation erledigt hatte. Für diejenigen, die wirklich aufgepasst haben, war das Potenzial jedoch klar: Diese kleinen Beiträge zeigten Schübe von Kreativität und waren sehr ansprechend Empfindlichkeiten – selbst wenn das Thema ein anthropomorpher Hintern war. Und, vielleicht noch wichtiger, ihr Schüler Werke heben sie bereits von der Norm ab.
Wir haben schon oft erwähnt, dass das GEIDAI-ANIMATION-Programm der Universität der Künste Tokio der renommierteste Studiengang des Landes ist. Sein Ruf beruht nicht nur auf dem Cache der Ausbilder und den technischen Fähigkeiten, die sie weitergeben können, sondern auch auf ihrer Betonung, Künstler mit einer eigenen Weltanschauung, Stimme und Botschaft zu erziehen. Ihre Absolventen werden meistens zu unabhängigen Künstlern, da diese Denkweise den vorherrschenden Einstellungen in kommerziellen Umgebungen widerspricht, insbesondere solchen, die so kreativ erstickend geworden sind wie TV-Anime; Wenn die meisten Ressourcen in Anpassungen fließen und deren Definition auf exakte Nachbildungen des Ausgangsmaterials eingeengt wird, stirbt die Kunst zugunsten der Produkte. Im Moment sind die einzigen einigermaßen stabilen Knotenpunkte der Geidai-Leute der Ibaraki-Zweig von Studio WIT, abseits des üblichen Drucks des Hauptstudios, und die Pop Team Epic-Crew, die genauso gut so außerirdisch sein könnte, wie der Name Space Neko Company vermuten lässt.
Ishitani widersetzte sich diesen Konventionen, indem er sich genau dem korporativsten aller Anime-Studios anschloss; keine so überraschende Wahl, wenn man bedenkt, dass das Toei-Animationsimperium die Art von Arbeitsplatzsicherheit bietet, auf die die meisten Anime-Studios niemals hoffen können, aber scheinbar im Widerspruch zur Philosophie der Universität steht, von der sie abgesegelt ist. Und doch ist es genau die bei Geidai gepflegte Mentalität, die es Ishitani ermöglichte, sich an eine Umgebung wie diese anzupassen. Ihr Ziel war es, Animationen zu erstellen, die jeder genießen kann, unabhängig vom Kontext oder sogar von der Fähigkeit, sie vollständig zu analysieren. Sie verglich es mit der Erfahrung eines Kindes, das nicht alle Feinheiten einer Fiktion verstehen kann und sich dennoch gerne an die Auswirkungen erinnert, die es Jahre später auf sie hatte. Für eine so erfinderische Künstlerin wie sie, mit der Absicht, eigenständige, unvergessliche Erlebnisse zu schaffen, würde die Arbeit an wöchentlichen Franchises nicht ausreichen, um ihre Kreativität zu ersticken.
Diese Annahme wurde schnell widerlegt testen, in einem sehr kniffligen Szenario. Ishitanis Ausbildung zum Regisseur verlief parallel zur Produktion von Dragon Ball Super, einem Titel, den selbst die größten Fans der Franchise als ungleichmäßige Fahrt anerkennen werden. Nachdem sie ein paar Jahre lang als Regieassistentin gearbeitet hatte, wo einige Endsequenzen ihre größte Verantwortung waren, beendete Ishitani ihre Ausbildungsphase im letzten Teil der Show. Ihre nicht im Abspann aufgeführte Rolle als Episodenregisseurin und Co-Storyboarderin in Episode Nr. 107 war das erste Mal, dass sie etwas verantwortlich war, aber vor allem SeriendirektorinSeriendirektor: (監督, kantoku): Die Person, die für die gesamte Produktion verantwortlich ist, sowohl als kreativer Entscheidungsträger und Endvorgesetzter. Sie übertreffen den Rest des Personals und haben letztendlich das letzte Wort. Es gibt jedoch Serien mit unterschiedlichen Regieebenen – Chefregisseur, Regieassistent, Serien-Episodenregisseur, alle möglichen nicht standardmäßigen Rollen. Die Hierarchie in diesen Fällen ist ein Fall-zu-Fall-Szenario. Tatsuya Nagamine und die Co-Serienregisseurin Ryota Nakamura—die ihrer damaligen Mentorin am nächsten kam, die sogar ihr inoffizielles Debüt betreute—betrauten sie mit Regie und Storyboarding Finale ganz allein. Es versteht sich von selbst, aber einen Neuling für den Höhepunkt des wohl wichtigsten Anime-Franchise aller Zeiten verantwortlich zu machen, ist sowohl eine lächerliche Idee als auch das Beste, was sie hätten tun können. Zu diesem Zeitpunkt hatte er bereits alle Qualitäten aufgegriffen, die wir zuvor hervorgehoben hatten, und die Wette seines Teams zahlte sich aus.
Während #107 trotz der begrenzten Animation bereits eine ziemlich starke Folge war, #131 insbesondere legte die Messlatte viel höher, als Super jemals zuvor erreicht hatte. Ihre Storyboards waren für die Standards der Show enorm eindrucksvoll, und diese Anpassungsfähigkeit, die sie brauchte, um in einer fremden Umgebung zu überleben, erwies sich bereits als vorhanden, da sie ein zufriedenstellenderes Action-Setpiece zusammenfädelte als die meisten Dragon Ball-Veteranen. Beide Episoden zeichneten ein klares Bild ihres sich noch entwickelnden Stils. Zum einen ihre Tendenz zu symmetrischen Kompositionen mit Themenzentrierung, besonders gerahmt von die Rückseite ; Standardtechniken auf Papier, aber immer in einprägsamer Weise von ihrer Hand ausgeführt, mit dem zusätzlichen Vorteil, Abweichungen zu machen und dieses Gleichgewicht auf Machtdynamiken bedeuten oder Unruhe vermitteln – wirken umso wirkungsvoller. Während sie zu diesem Zeitpunkt noch ihre für die kommerzielle Animation spezifischen Fähigkeiten aufpolieren musste, hob sie allein ihr angeborenes Gespür für die Bildkomposition bereits in den Augen vieler hervor.
Nach kurzen Einsätzen bei ein kurzerhand gestrichenes Projekt und Designarbeit für Precure, ging Ishitani zu ihrem nächsten großen Projekt über: Sie folgte Nagamine, als er zur Grand segelte Linie. Nachdem Nagamine Dragon Ball Super so gut wie möglich gerettet und dann bewiesen hatte, dass er seinen Bezug zu dem sehr unterhaltsamen Broly-Film nicht verloren hat, wurde er mit der Wiederbelebung von One Piece betraut, indem er die Leitung der Serie übernahmSeriendirektor: (監督, kantoku): Die Person, die für die gesamte Produktion verantwortlich ist, sowohl als kreativer Entscheidungsträger als auch als Endbetreuer. Sie übertreffen den Rest des Personals und haben letztendlich das letzte Wort. Es gibt jedoch Serien mit unterschiedlichen Regieebenen – Chefregisseur, Regieassistent, Serien-Episodenregisseur, alle möglichen nicht standardmäßigen Rollen. Die Hierarchie in diesen Fällen ist ein Fall-zu-Fall-Szenario. für den Wano-Bogen. Zu sagen, dass er das Ziel erreicht hat, wäre nicht nur eine Untertreibung seiner Führung, sondern auch der Art und Weise, wie das gesamte Team die Qualität seiner Arbeit verzehnfacht hat, beginnend mit dem verbesserten Management. Nagamines Wano war von Anfang an ein Hit in Folge #892, aber sie bewahrten ihre Geheimwaffe über ein Jahr lang auf – genauer gesagt, bis zu Folge #957, der ersten in der Serie, bei der Ishitani Regie führte und mit der das Storyboard erstellt wurde.
One Piece-Fans trafen auf einen deutlich raffinierteren Ishitani, als sich die Dragon Ball-Zuschauer getrennt hatten. Ihre natürlichen Tendenzen im Storyboarding nicht – und nutzte Schatten hervorragend, um ihre ohnehin schon auffälligen Kompositionen zu verbessern, aber auch die Übermittlung von Informationen an die zu regulieren Betrachter, was ihr eine ausgezeichnete Kontrolle über das Tempo gibt. Die Zusammenarbeit mit den besten Animatoren, zu denen das Studio Zugang hat, in einer viel gesünderen Umgebung als der von Super maximierte ihre immateriellen Werte, und sie sogar einen Weg gefunden, den Inhalt der Episode mit ihrem eigenen Animationsethos zu verbinden. Ishitani, der mit einer wahrhaft weltverändernden Enthüllung betraut wurde, legte den Schwerpunkt auf die Kinder, als die Nachrichten fielen; Sie sind verwirrt über die extremen Reaktionen aller auf eine politische Entscheidung, die sie nicht verstehen können, einige sind sich dessen überhaupt nicht bewusst weitergeht, und doch fühlt es sich durch die Tragweite der Regie wie ein Tag an, an den sie sich erinnern werden, wenn sie erwachsen sind. Das heißt, eine direkte Analogie zu Ishitanis Animationszielen.
Indem er eine so denkwürdige Episode lieferte, wurde Ishitani über Nacht zum Helden für eine ganze Fangemeinde. Eine Fangemeinde, die dann ganze 6 Monate warten musste – was mehrere Zyklen der Personalrotation bedeutet –, bis sie wieder auftauchte. Und als sie das tat, tauchte sie mit noch mehr Tricks in ihrer Tasche wieder auf, wie ihren Versuchen, die glatten Übergänge, die sie zuvor verwendet hatte, mit multiplanaren Kompositionen zu heiraten, die denen des früheren Toei-Superstars Rie Matsumoto ähneln, die Aufnahmen in einer sehr zusätzlichen Tiefe verleihen unterhaltsame Weise. Ishitanis Kreativität war nicht verbesserungsbedürftig, aber durch die Anhäufung von Erfahrung ist sie allmählich in der Lage, lächerliche Konzepte wie diegetische und klanglich angemessene Neonlichter umzusetzen, die ein verschüttetes Getränk in blutige Absichten verwandeln.
Das Spektakuläre Die vorangegangene Szene, im Wesentlichen ein qualitativ hochwertiges Musikvideo, das in die Folge eingefügt wurde, fasste Ishitanis eigenständige Größe zusammen und die Inkompatibilität zwischen Ambitionen auf Kinoebene und TV-Anime, ganz zu schweigen von einem langlebigen Titel. One Piece ist eine stabilere TV-Show als je zuvor, und Ishitani wurde auch mehr Zeit eingeräumt als allen anderen, aber die Spannungen zwischen Ehrgeiz und Machbarkeit führten immer noch dazu, dass sie mit der Produktion dieser Episode zu kämpfen hatte. Es ist keine Übertreibung zu sagen, dass sie zu diesem Zeitpunkt zu gut für ihren Job geworden war.
Nach einer noch längeren Wartezeit zeigt Ishitanis neueste Arbeit an Folge #1015 keine Anzeichen dafür, dass der Ehrgeiz nachlässt. Die Episode stellt vielleicht den größten technischen Sprung zwischen ihren Arbeiten dar, wobei insbesondere das Compositing viel raffinierter ist. Denn so ambitioniert die Beleuchtung in ihren vorherigen One-Piece-Episoden auch war, Details wie die übermäßige Schärfentiefe gepaart mit chromatisch Aberration fügte Schüssen mehr Schaden zu als sie halfen. Spulen Sie jedoch zu ihrer neuesten Folge vor, und die auffällige Beleuchtung ist viel harmonischer und bringt sehr komplizierte Effekte wie Transluzenz auf den Punkt. Gepaart mit einer besseren Führung des Auges durch Techniken wie scharfe Fokussierung, sanftere Übergänge und eine unheimliche Fähigkeit, kunstvoll Zeit zu verlieren, ist ihr technisches Können jetzt auf dem Niveau, auf dem sie ihrem Einfallsreichtum gerecht werden kann.
Obwohl es natürlich diese Kreativität war, die andere überhaupt zu ihrer Arbeit hingezogen hat. Während ihr Wunsch, Animationen zu erstellen, die Sie unabhängig von Ihrem Verständnis von Kontext und Inhalt genießen können, falsch interpretiert werden kann, da sie sich nicht um ein bestimmtes Werk wie One Piece kümmert, könnte nichts weiter von der Wahrheit entfernt sein. Episode Nr. 1015 ist voll von Sequenzen, die den Geist des Mangas ebenso zum Ausdruck bringen, wenn nicht sogar besser als der jedes anderen Regisseurs; Auch hier ist ihre Ausführung so einprägsam, dass sie mit minimalem Kontext vollkommen angenehm sind, aber verstehen Sie das nicht so, dass sie sich nicht mit jeder einzelnen Arbeit beschäftigt. Ishitani betont ständig, dass Animation etwas ist, das ohne ein Team auf der gleichen Seite nicht erfolgreich sein kann, und wenn man an einer Adaption arbeitet, scheint diese Denkweise auch den Autor und sein Originalwerk einzuschließen.
Von vielen Hervorzuheben ist, dass Sotys Darstellung von Yamatos Flashback mit Ace die eleganteste Zusammenfassung von Ishitanis Verständnis des Materials ist. Yamato, die das Vivre-Papier hält, während Ace durch eine sehr enge Schlucht segelt, ist nicht nur eine wunderschöne Wiedergabe einer ihrer Lieblingskompositionen, sondern auch eine ergreifende Erinnerung an die eigene Freiheit und deren Mangel an der anderen, die durch die Verlagerung des Blicks auf die Fesseln noch betont wird. Aces Abschiedsworte lösen eine Veränderung in Yamatos Mentalität aus, der sich beeilt, ihm einen angemesseneren Abschied zu nehmen; Wiederholen Sie die gleiche Komposition mit der Hand, die das Vivre-Papier hält, außer dass Yamato diesmal auf ein offenes Meer blickt, das jetzt tatsächlich in der Lage ist, die Freiheit in der Zukunft zu sehen. Und dann, ein brennendes Streichholz, das den Tod von Yamatos einzigem Freund anzeigt. Eine Achterbahnfahrt der Gefühle in etwa einer Minute Filmmaterial, die die Weltanschauung der Charaktere mit einer Szene wunderbar zusammenfasst, auf die jemand, der dies nur als Hausaufgabe behandelt, niemals kommen könnte.
Wenn es darum geht, One Piece zu verkörpern insgesamt, und auch Ishitanis eigene Kreativität, ist die denkwürdigste Szene wieder einmal in Yamatos und Aces Erinnerungen; und noch einmal in Sotys Animation, denn er wird nicht ruhen, wenn er nicht jedes Jahr für Toeis größte Folgen verantwortlich ist. Wir werden in eine Welt aus Pastellfarben und lockereren Formen versetzt, passend zu Aces Kindheitserinnerungen an die drei Brüder, die ihre Träume offenlegen. Plötzlich wechseln Yamatos Erinnerungen zu einem anderen Ausschnitt aus der Vergangenheit, mit einer wärmeren Farbpalette, aber einem ähnlich kindlichen Stil, mit Gol D. Rogers Verkündigung seines eigenen Traums. Die beiden Farben verschmelzen, bevor sie in Vögel explodieren: die ultimative Verkörperung der Freiheit, die für Roger und Ruffy die wahre Bedeutung des Piratenkönigs ist. Für eine Figur, die sich nach nichts anderem sehnt, wie Yamato, ist dies ein lebensveränderndes Ereignis, und als Zuschauer, der sich mehr Kreativitätsschübe wie diese wünscht, ist Ishitani ebenfalls bahnbrechend.
So positiv So wie dieses Stück war, konnte ich mich nicht dazu bringen, es zu beenden, ohne One Piece-Fans zu sagen, dass sie Ishitani so lange wie möglich genießen sollen, denn jede Episode hat deutlicher gemacht als die vorherige, dass sie einfach nicht hierher gehört. Dies soll in keiner Weise Kritik an der Serie sein, nicht einmal an den endlos laufenden kommerziellen Franchises des Studios. Wenn überhaupt, finde ich die Rolle, die diese in den Karrieren der brillantesten Regisseure, die das Studio hervorgebracht hat, gespielt haben, seltsamerweise übersehen.
Abgesehen von Ausnahmen wie der Arbeit von Kunihiko Ikuhara Bei Sailor Moon und seinem Schüler Takuya Igarashi mit Doremi scheint es eine Tendenz zu geben, die Vergangenheit ihrer von der Kritik am meisten gefeierten Regisseure herunterzuspielen, was unweigerlich auf Titel wie diese zurückgeht. Der unpersönliche atmosphärische Stil von Shigeyasu Yamauchi wurde in Werken wie Casshern Sins perfektioniert, aber es ist schwer zu verstehen, wenn man sich seiner Beiträge zu Dragon Ball und Saint Seiya nicht bewusst ist. Rie Matsumoto wird oft so behandelt, als wäre sie mit Kyousougiga aus dem Nichts aufgetaucht, aber formal und thematisch ist ihr Wachstum völlig unvorbereitet. Sogar Mamoru Hosoda, dessen Arbeit in Digimon immer noch anerkannt wird, hat die meisten seiner Arbeiten bei Toei unter den Teppich gekehrt – einschließlich seiner persönlich bedeutendsten Arbeiten. Selbst wenn Sie ihre historische Bedeutung nicht berücksichtigen, sind dies allesamt hervorragende Werke für sich, die unabhängig von ihrem Kontext Respekt verdienen.
Wenn es um Ishitani geht, geht es nicht darum, dass sie es kann. Sie macht keinen großartigen Anime, in welchem Franchise sie auch eingesetzt wird, sondern dass sie zu ehrgeizig für einzelne Episoden von TV-Anime ist. Während ich mir wünsche, dass sie irgendwann ein eigenes großes Originalwerk bekommt – zweifellos einschließlich Dinosaurier –, denke ich, dass die wichtigste Veränderung in ihrer Karriere darin besteht, ganze Projekte zu leiten, vorzugsweise Theaterprojekte. In den letzten zehn Jahren hat Toei den Ball fallen lassen, wenn es darum geht, alternative Absatzmöglichkeiten für einzigartige Schöpfer wie sie zu finden, was dazu beigetragen hat, dass mehrere Künstler von Ishitanis Kaliber ihre Krone schneller als erwartet aufgegeben haben. Der Ball liegt jetzt auf Toeis Spielfeld, denn Ishitani hat bereits bewiesen, dass sie der Richtige ist.
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