Tomohiro Furukawa schöpft aus der Philosophie und den Methoden lebender Legenden wie Mamoru Oshii, Hideaki Anno und seinem Mentor Kunihiko Ikuhara. Er rekonstruiert ihre Lehren und seine Einflüsse aus unzähligen Bereichen in einem einzigartigen spannenden Stil – das ist Revue Starlight The Movie, und was er erfahrungszentrierten Anime nennt.
Eine unverzichtbare Fähigkeit für a Regisseur ist die Fähigkeit, ihrer Mutter von dem Film zu erzählen, den sie neulich gesehen haben, und es interessant klingen zu lassen. Das sind die amüsanten Worte der lebenden Legende Mamoru Oshii und so etwas wie ein Mantra für Tomohiro Furukawa, dem nach seiner Karriere als Regisseur allmählich klar wurde, wie stark sie ihn berührten abgehoben.
Schließlich fasst dieser eine Satz seine gesamte Herangehensweise an den kreativen Prozess zusammen. Für den Anfang betont es die Kraft der Präsentation, den Aspekt, den er zu Recht für seine größte Stärke hält. Ähnlich wie Oshii ist Furukawa ein belesener Filmfreak mit den vielseitigsten Einflüssen, die man sich vorstellen kann, die er alle mit Begeisterung in seine Werke einfließen lässt. Oshiis Worte trafen sogar nahe zu der Erkenntnis, die Furukawa als Neuling als Regisseur hatte: Es ist nicht nur das Publikum, das man beschäftigen muss, sondern auch das Team, das es macht. Am Ende ist die Mutter in der Analogie nicht nur Ihr Publikum, sondern auch Ihre Crew und bis zu einem gewissen Grad Sie selbst. Und so fand er, als ihm die Idee eines Revue Starlight-Nachfolgefilms vorschlug, schnell den richtigen Winkel, um den Rekapitulationsfilm Rondo Rondo Rondo und seinen Spektakel anzugehen Revue Starlight the Movie. Das würde in eine Zeile formuliert werden, die von den Charakteren im Vorfeld dieses letzten Films sowie während seiner gesamten Laufzeit geäußert wird: „Wir sind bereits auf der Bühne“ – ein Wir, das sich auf alle vor, innerhalb und hinter der Leinwand erstreckt.
Im Moment nimmt Furukawa eine seltsame Position ein. Einerseits wird er von Ikonen der Branche und anime’s renommiertesten Journalisten als disruptiver Regisseur, der seiner einzigartigen Vision so verpflichtet ist, dass er Avantgarde-Animation in eine zunehmend restriktivere kommerzielle Szene bringen kann. Andererseits ist er der breiten Öffentlichkeit immer noch unbekannt, da er erst ein eigenes Projekt geleitet hat, und die Zugehörigkeit zu einer massenproduzierten Unterhaltungsfabrik wie Bushiroad bedeutet, dass er nicht einem gleichgesinnten Arthouse-Publikum ausgesetzt ist, sondern eher jüngeren Zuschauern die nicht an seine ungewöhnlichen Methoden gewöhnt sind. Und doch bin ich mir nicht sicher, ob ich auf eine andere Zeitachse springen würde, in der Hoffnung, dass seine Karriere anders verlaufen würde. Während er sich des Ausmaßes seiner entzückenden Verrücktheit nicht bewusst ist, wie seine beiläufigen Erklärungen zeigen, dass das Zeichnen von Malern des 16. Jahrhunderts und Nischenfilmen, die nie in Japan veröffentlicht wurden, ganz normal sei, weiß Furukawa zumindest, dass er etwas radikal anderes bietet als was sein Publikum denkt, was es will – und er beabsichtigt, diese Diskrepanz auszunutzen, um ihm neue Erfahrungen zu präsentieren.
Für den Anfang ist es wichtig herauszufinden, woher ein so unkonventioneller Regisseur seine Einflüsse bezieht; nicht nur, weil es wichtig ist, seinen unkonventionellen Stil zu verstehen, sondern weil es für ihn als Person wichtig ist. Glücklicherweise hatte Furukawa als unverblümte und sachkundige Persönlichkeit der Branche die Gelegenheit, seine Inspirationen in mehreren
So breit gefächert seine Interessen auch sein mögen, es ist klar, dass er es nicht sein würde Anime zu machen, wenn da nicht diese Regisseure wären, zu denen er aufschaut, weshalb er ihnen so viel Lob gewidmet hat. Das reicht von Leuten wie Shigeyasu Yamauchi, dem ersten Regisseur, der mit Saint Seiya: Legend of Crimson Youth seine Aufmerksamkeit erregte, bis hin zu Takuya Igarashi, dessen Effizienz und unheimliche Fähigkeit, sich ein eigenes Bild zu machen und gleichzeitig an der Weltanschauung eines bestehenden Werks festzuhalten, faszinierte Furukawa; so sehr, dass er versuchte, das Storyboard zu replizierenStoryboard (絵コンテ, ekonte): Die Blaupausen der Animation. Eine Reihe von normalerweise einfachen Zeichnungen, die als visuelles Skript des Animes dienen und auf speziellen Blättern mit Feldern für die Nummer des Animationsschnitts, Notizen für das Personal und die passenden Dialogzeilen gezeichnet sind. Mehr für Futari wa Pretty Cure #08, indem du es zwanghaft Schuss für Schuss erneut ansiehst.
Wenn wir jedoch über seine größten Einflüsse sprechen, gibt es keinen Zweifel, dass wir darüber reden müssen über Regisseure wie Hideaki Anno, dessen Rhythmus Furukawa immer noch in seiner gesamten Arbeit nachhallt, sowie über den oben erwähnten Oshii – so nah an einer philosophischen Ikone wie er es in der Animation getan hat. Durch das Studium seiner Werke und die Zusammenarbeit mit ähnlichen Regisseuren kam er zu seiner Interpretation ihres Mantras der Informationskontrolle: ein Konzept, das untrennbar mit dem verbunden ist Wahl des Materials im Ausdruck bis zu dem Punkt, dass er misstrauisch gegenüber rein thematischen Lesarten der Werke solch eigenwilliger Regisseure geworden ist; Warum sollte man sich schließlich diesem Blickwinkel zuwenden, wenn er gesehen hat, wie sie ihre Themen verändert haben, um sie an ihre Ausdrucksmittel anzupassen? Und wenn es darum geht, das perfekte Material auszuwählen, um das auszudrücken, was Sie zu sagen haben, oder das, was Sie zu sagen haben, an Ihr bevorzugtes Material anzupassen, gibt es niemanden, der besser ist als sein Mentor: Kunihiko Ikuhara. Hätte ich Furukawa jedoch gerade als Schüler von Ikuhara vorgestellt, hätte sich sein früheres Ich vielleicht unwohl gefühlt. Und diese komplizierte Beziehung ist auch in seiner Arbeit spürbar.
Es ist nicht zu leugnen, dass Furukawa Ikuharas Lehrling ist. Er will es nicht verbergen und wird seinen Lehrer bei jeder sich bietenden Gelegenheit mit Lob überschütten, auch wenn er sich darüber lustig macht, wie süß seine unaufrichtige Mürrischkeit sein kann. Es ist klar, dass er ein tiefes Verständnis von Ikuhara hat, wenn er auf seltsamerweise übersehene Eigenschaften von ihm anspielt – wie seine unübertroffene Scouting-Fähigkeiten und die Bereitschaft, sich mit jungen Schöpfern zu umgeben, die es wert sind, gehört zu werden, ohne das unverwechselbare Ikuhara-Feeling zu kompromittieren, das wir auf dieser Website immer hervorgehoben haben. Furukawa wird ihn oft mit größtem Respekt als seinen Mentor anspielen, anstatt seinen Namen zu sagen, aber wenn Sie ein aufmerksamer Fan sind, haben Sie vielleicht bemerkt, dass er dies jetzt tut. In seinem Interview mit Yuichiro Oguro für die 16. Ausgabe von AnimeStyle ging Furukawa offener auf dieses Thema ein als gewöhnlich. Während er ihn immer sehr bewundert hat und die Art und Weise, wie er Animationen zusammenstellt, im Wesentlichen nach Ikuharas Management von Ressourcen und Personal modelliert hat, hasste Furukawa die Idee, dass die Leute ihn ordentlich als Ikuhara-Anhänger einstufen und sich erlauben würden, nicht weiter zu denken; alle Nuancen und persönlichen Qualitäten, die an die Leichtigkeit eines Labels verloren gingen.
Das hat ihn wirklich in die falsche Richtung gerieben, nicht nur als jemand mit einer Vielzahl von Einflüssen, sondern vielleicht auch auf einer philosophischeren Ebene. Für jemanden, der Elemente aus unzähligen Werken und Feldern schöpft, hat Furukawa kein Interesse an Hommagen als direkte Nachbildungen. Stattdessen speichert er alles, was ihm ins Auge fällt, als Bündel von Informationen und Techniken. Der kreative Prozess besteht zumindest für ihn darin, diese bereits vorhandenen Teile zu transformieren, hinzuzufügen und zu entfernen, um sie in neue Szenarien einzupassen – und die Erfolgsbedingung, aus diesen atomisierten Einflüssen etwas zu bauen, das sich völlig einzigartig anfühlt. Ihn einfach als Anhänger einer bestimmten Person zu bezeichnen, steht also im Widerspruch zu seiner Vision des Jobs. Und die Wahrheit ist, dass man diese Reibung in seiner Arbeit spüren kann; Als er zum ersten Mal mit einem Projekt betraut wurde, in dem Theatermädchen gegeneinander kämpften, dachte er schnell daran, ihnen Outfits zu geben, die denen von The Rose of Versailles ähneln … bevor er die Idee schnell wieder aufgab, weil er dachte, dass die Leute sofort die Utena-Assoziation gründen würden und auf die vorgefassten Meinungen der Ikuhara-Anhänger zurückgreifen.
Am Ende war es genau dieses Projekt, was ihn dazu brachte, seine Denkweise zu ändern. Es ist nicht so, dass Revue Starlight eine Offenbarung hervorrief, sondern dass ihm der Akt der Regieführung einer Show klar machte, wie erstaunlich und einflussreich Ikuhara wirklich war. Sein Mentor hatte ihm eine Chance gegeben, als er keinerlei Erfahrung in Regierollen hatte, und ihm praktisch die Grundlagen beigebracht, sodass er Teil der jungen Gruppe von Hauptregisseuren von Mawaru Penguindrum werden konnte. Und zur Zeit von Yurikuma Arashi hatte er ihn bereits als stellvertretenden Seriendirektor an seiner Seite. Seriendirektor: (監督, kantoku): Die Person, die für die gesamte Produktion verantwortlich ist, sowohl als kreative Entscheidung-Hersteller und Endbetreuer. Sie übertreffen den Rest des Personals und haben letztendlich das letzte Wort. Es gibt jedoch Serien mit unterschiedlichen Regieebenen – Chefregisseur, Regieassistent, Serien-Episodenregisseur, alle möglichen nicht standardmäßigen Rollen. Die Hierarchie in diesen Fällen ist ein Fall-zu-Fall-Szenario. Die Leitung seines eigenen Projekts machte Furukawa klar, wie viel er seinem Mentor schuldete, bis zu dem Punkt, an dem er diese Abneigung gegen Labels vollständig überschattet hat. Gleichzeitig scheint ihn diese Bewunderung jedoch blind für die Tatsache zu machen, dass Inspiration in beide Richtungen funktioniert. Denn so grundlegend Ikuhara in Furukawas Prozess war, seinen Stil herauszufinden, war letzterer auch der Schlüssel zur Verfeinerung und Entwicklung seines bewunderten Mentors.
In einem dieser amüsanten Fälle von Furukawa machte einen Witz über die Grimmigkeit seines Mentors und erwähnte, dass einer der wenigen Aspekte, für die er ihn offen lobte, sein Ohr war Wohlklang und seine Wortspielbeherrschung. Wie üblich war Ikuharas Bewertung genau richtig. Dank Werken wie Kaze Densetsu: Bukkomi no Taku hatte Furukawa eine Vorliebe für Sätze und Motive mit einer so starken Präsenz entwickelt, dass sie das Gefühl haben, in der Arbeit physisch zu existieren, auch wenn sie nicht diegetisch sind hinein setzen. Für einen Regisseur, der erkannt hat, dass es auf die Materialauswahl ankommt, erstreckt sich dies natürlich auch auf die Umsetzung dieser Motive durch Grafikdesign und VFX, Schlüsselelemente in Furukawas Arbeit. Von den memetischen Zeilen, an die sich die Fangemeinde schnell gewöhnt hat – This is Tendou Maya, I am Reborn, the use of Starlight as a verb – to Yuto Hamas unverwechselbare Bildsprache, sein Stil ist auf eine Weise eingängig, die sogar seinen Mentor überraschte. Dies erstreckt sich sogar auf seine bevorstehende Arbeit; obwohl es noch nicht einmal einen offiziellen Titel hat, die ästhetisch angenehmen Klänge von Love Cobra, die albernen Wortspiele, und Hamas wiederkehrende Ikonografie schaffte es, aus dem Nichts ein einprägsames Bild zu malen. Apropos strahlendes Charisma.
Obwohl die Ikonographie für Ikuhara schon immer ein ziemlich wichtiger Aspekt war, fühlt es sich so an, als ob sein Lob für Furukawas Auge – und Ohr – für diese Motive von einem sehr echten Ort kam, wenn man bedenkt, wie viel Er betont diese Art von Bildern und Soundbits, seit sie zusammengearbeitet haben. Von der Überlebensstrategie von Penguindrum und dem ikonischen Grafikdesign von Wataru Osakabe bis hin zu den ア-Symbolen von Sarazanmai hat diese Besessenheit angehalten, selbst wenn ihre jeweiligen Zeitpläne sie so sehr auseinander gehalten haben dass diese Motive vielleicht das erste sind, was einem in den Sinn kommt, wenn man an Ikuharas moderne Werke denkt. Vielleicht geblendet von seiner verstärkten Bewunderung, sieht Furukawa jedoch nichts als Ikuharas Persönlichkeit auf dem Bildschirm, wenn er seine Werke betrachtet; und er mag Recht haben, aber ich glaube, dass er inzwischen ein fester Bestandteil davon geworden ist.
Aber abgesehen davon, dass er diese Änderung der Einstellung gegenüber seiner eigenen kreativen Linie auslöste, wie hat sich Revue Starlight entwickelt? Wenn Sie diese Seite verfolgt haben, wissen Sie, dass wir festgestellt haben, dass es sich um eine äußerst unterhaltsame Serie handelt, die ihr Potenzial nicht voll ausschöpfen konnte. Zwischen den schweren Produktionsschwierigkeiten, die sie nur dank entscheidender Beiträge junger individueller Animatoren im Ausland ertragen mussten – eine besorgniserregende Art, seiner Zeit voraus zu sein – und den ungleichmäßigen Charakterbögen schien es nicht das Meisterwerk zu sein, das es hätte sein können. Revue Starlight ist eine Serie über Bühnenmädchen, die zu gleichen Teilen in Takarazuka und Takarazuka um den Ruhm des Spitzenplatzes kämpfen surreale Fantasie. Seine Besetzung ist ordentlich in Paare und Trios mit einem gemeinsamen Thema arrangiert, aber diese waren nicht gleich geschaffen, und das zentrale Paar mit größeren Schuhen, die es zu füllen galt, fiel in den Augen vieler flach; für eine Serie, die im Wesentlichen auf einen Charisma-Kampf hinausläuft, hat sie es nicht geschafft, die Charaktere, die schließlich an der Spitze standen, richtig zu verkaufen, was selbst mit ihrem spannenden Finale einen kleinen bitteren Nachgeschmack hinterlässt.
Gegeben Furukawas Charakter, man könnte meinen, er würde sich schnell ganz neuen Projekten zuwenden, aber der Vorschlag, Revue Starlight mit ein paar Filmen – einer verbesserten Zusammenfassung und einer richtigen Fortsetzung – nachzufolgen, wurde zu einer verlockenden Idee für ihn. Bushiroad entwarf das Franchise als ein breites Multimedia-Eigentum mit Schauspielerinnen, die die Charaktere in Musicals spielen und sie im Anime sprechen, und durch Gespräche mit ihnen wurde Furukawa sich des wiederkehrenden Themas der Schauspielerei zunehmend bewusst. Sie spielten eine fiktive Figur, diese spielten eine Figur in ihrem Stück, und spielten sie nicht alle auch eine Figur von sich selbst?
Gespräch mit Momoyo Koyama, der Schauspielerin hinter Protagonistin Karen Aijo, war für ihn ein besonders aufschlussreiches Erlebnis. Koyama hatte offen über ihre Kämpfe gesprochen, um in Karens Schuhe zu schlüpfen; wie sie sich als etwas pessimistische Person abmühte, eine makellos helle Protagonistin zu werden. Karen ist die Verkörperung einer Protagonistin, aber diese Reibung zwischen der fehlerhaften menschlichen Natur des Schauspielers und einer Rolle, die sich so künstlich perfekt anfühlt, brachte ihn dazu, sich zu fragen – was wäre, wenn Karen auch schauspielern würde? Dieser Impuls brachte ihn dazu, tiefer in die Figur einzutauchen und ihre Sorgen und sogar die Heucheleien, mit denen er die ursprüngliche Serie beendete, ans Licht zu bringen. Und so haben wir Revue Starlight The Movie, die Geschichte über Karens Tod und Wiedergeburt: Weg ist das Mädchen, das einfach nur in einem bestimmten Stück neben ihrer Freundin mitspielen wollte, wiedergeboren zu einer wahren Schauspielerin, die sich nach der Bühne sehnt.
Wie wir festgestellt haben, ist das, was Furukawa sagt, fast zweitrangig gegenüber dem, wie er es sagt, also musste er auch den richtigen Weg finden, an die Produktion heranzugehen. Der Regisseur hat auf die Anime-Überproduktion als einen der wichtigen Faktoren hier hingewiesen und argumentiert, dass erfahrene Regisseure und große Studios bereits den Schmerz spüren ein hochkarätiges Team zusammenzustellen, das konsequent ausgefeilte traditionelle Animationen zusammenstellen kann, hat jemand wie er keine Chance. Nachdem dies nicht mehr im Bilde war, beschloss er, seine Stärken mit einem, wie er es nannte, erfahrungsorientierten Film auszuspielen. Furukawa blickt liebevoll zu seinen oben erwähnten Idolen auf, zu ihren Werken der 90er Jahre, die einen sehr starken Eindruck hinterlassen haben, auch wenn man nicht allen narrativen Beats folgen konnte. Er traf eine bewusste Entscheidung, gegen den Trend der Betonung von Überlieferungen und wortreichen Handlungssträngen mit einem instinktiv lohnenderen Film vorzugehen. Eine, die mehr zu Ihren Sinnen spricht als zu der Datenbank in Ihrem Gehirn, eine Katharsis, die Sie am besten spüren, wenn Sie sich körperlich in einem Theater befinden – es ist schließlich eine Show, in der es darum geht, auf der Bühne zu stehen.
Das ist sofort zu spüren. Die allererste Sequenz des Films stand eigentlich nicht im Drehbuch, aber Furukawa hatte das Bedürfnis, die Aufmerksamkeit des Zuschauers sofort mit der befriedigendsten knallenden Tomate zu erregen, die jemals in einer Animation zu spüren war. So willkürlich das auch scheinen mag, Tomaten sind wohl das wichtigste Motiv im ganzen Film, und das aus ganz Furukawa-Gründen. Revue Starlight hatte bekanntermaßen immer eine gesprächige Giraffe als Avatar für das Publikum gezeigt, und als er tiefer in die Dynamik der Bühne eintauchte, kam Furukawa zu dem Schluss, dass es nicht nur die Darsteller, sondern auch die Zuschauer sind, die sich bereitwillig niederbrennen und verzehren lassen. Um diese Idee auf ziemlich einfache Weise darzustellen, enthielt das Drehbuch eine Szene, in der die Mädchen das Fleisch der Giraffe aßen. Furukawa fand dieses Szenario etwas zu grotesk und zog aus seiner endlosen Liste von Einflüssen und Erinnerungen an den Maler Giuseppe Arcimboldo, der oft menschliche Porträts aus Gemüse bastelte. So wurden Tomaten zum Herzen des Publikums und des Films selbst, und eine vielleicht etwas unheimliche Szene wurde zu einem viel denkwürdigeren Albtraum. Oh Furukawa, ändere dich nie.
Alle Motive im Film folgen einem ähnlichen Muster. Schließlich ist dieser erfahrungsorientierte Ansatz nichts anderes als eine praktische Anwendung der Animationsphilosophie, die er von seinen Idolen abgeleitet hatte, und nutzte seine Verschmelzung von Einflüssen, um das konstante Spektakel zu befeuern. Revue Starlight The Movie ist eine aufregende Fahrt, die Elemente aus allem zwischen Lawrence von Arabien und Mad Max Fury Road wiederverwendet und dabei immer seiner Formel der Addition und Subtraktion dieser Stücke folgt. Die Konfrontation zwischen Junna und Nana verwendet zum einen ein Versatzstück aus dem Film Mishima – Ein Leben in unseren Kapiteln von 1985, in dem sich eine Darstellung des Kinkakuji in zwei Hälften öffnet und eine Figur blendet. Wie sich herausstellte, waren blendende Lichter schon immer ein Motiv für Nana gewesen, das die Brillanz der ersten Etappe repräsentierte, auf der sie mit ihren Freunden stand – eine, von der sie sich abmühte, weiterzukommen, und die sie nie wieder begreifen konnte. Dies gab ihm den Vorwand, eine von Natur aus coole Inszenierungstechnik auf eine neue Art und Weise zu verwenden, die zu seinem eigenen Szenario passte; und wenn nicht, hätte er es vielleicht einfach geändert, um sich eine gute Entschuldigung dafür zu geben, es trotzdem zu tun. Schließlich steht das unvergessliche Erlebnis an erster Stelle.
Revue Starlight The Movie zu sehen ist ein Angriff auf die Sinne auf die bestmögliche Weise, da der Bildschirm mit Furukawas Ideen überflutet wird und der bombastische Ton sie begleitet. Während sich das Schreiben dank der weiteren Überlegungen, die das Team der Dynamik der Bühne gewidmet hat, ergreifender anfühlt, sind es nicht mehr Worte auf Papier, die so viele Menschen dazu brachten, sich in den Film zu verlieben, sondern Furukawas unerschrockenes Bekenntnis zu seinen größten Stärken. Die Charakterdynamik, die die Leute bereits in der Serie liebten, basierte nie auf besonders komplexem Schreiben, sondern stützte sich stattdessen auf die visuelle Ausstrahlung, Bühnenpräsenz und auffällige Richtung, die Furukawa ihnen verlieh. Dieser Film ist eine kühne Eskalation dessen von einem Regisseur, der zugibt, dass er eine Geschichte nicht auf einfache Weise erzählen kann, aber dessen Vorstellungskraft und kreative Munition Sie auf eine endlose atemberaubende Fahrt mitnehmen könnte; und das ist keine Übertreibung, wenn man bedenkt, dass Furukawa, selbst nachdem er viele Ideen auf seinem Teller hinterlassen hatte, fast drei Stunden an Konzepten für die letztendlich zwei Stunden Laufzeit dieses Films geplant hatte.
Es ist beruhigend zu sehen, dass dieses Team bei der Herstellung erfolgreich ist etwas, das, obwohl es teilweise eine Folge des Zustands der Branche ist, so schön anachronistisch ist, wie Furukawa es sich vorgestellt hat. Allerdings teilen am Ende nicht alle dieses Erfolgserlebnis, und das hängt wiederum mit der Philosophie des Regisseurs zusammen. So sehr Mitstreiter, Zuschauer und Journalisten Revue Starlight the Movie gleichermaßen als durchschlagenden Erfolg lobten, hat Furukawa wiederholt gesagt, dass es in seinen Augen eine Art bedauerlicher Misserfolg ist; vielleicht eines, das stolz auf seine Ziele ist, laut und eingängig in der Ausführung, aber letztendlich von seiner angeblichen Unfähigkeit, seiner Vision und dem Potenzial seines Teams gerecht zu werden, heruntergezogen wird. Der makellose Beifall der Kritiker hat ihn nur verwirrt, bis zu dem Punkt, dass er versucht, die Qualitäten, die die Leute in seiner Arbeit sehen, aus dieser kritischen Bewertung herauszukonstruieren, weil er sie selbst nicht sehen kann.
Für so viel wie Ich wünsche mir, dass Furukawa jemals in der Lage ist, etwas zu schaffen, das er für einen Erfolg hält, aber ich fürchte, dass, selbst wenn er noch mehr erreichen kann, als er bereits hat, seine Eindrücke immer von Bedauern geprägt sein werden. Wenn er sich in diesem Geschäft auf das Storytelling mit vollem Funktionsumfang oder ausgefeilte Animationen konzentrieren würde, könnte er etwas Greifbareres erreichen und sich selbst davon überzeugen, dass er erfolgreich war. Was er als erfahrungsorientierter Filmemacher jedoch verfolgt, ist eine Idee. Als Einzelperson ist es sein Ziel, den Nachhall seiner Idole zu erreichen, die ihn überhaupt dazu veranlasst haben, sich der Animation zu widmen. Und die kann man nie fassen. Auf weitere faszinierende angebliche Fehler, nehme ich an!
Der Slogan von Revue Starlight The Movie lautet Wi(l)d Screen Baroque. Das ist ein Wortspiel zwischen dem Breitwand-Barock-Subgenre der Science-Fiction, das er als begeisterter Leser liebte, und dem Konzept eines wilden Bühnenmädchens – eines der ersten Themen des Films, der Schauspieler und ihren Hunger regelrecht darstellt animalische Weise. Es ist auch ein Hinweis auf das breite Cinemascope-Seitenverhältnis, das der Regisseur als großer Fan des Formats und wegen seiner Kompatibilität mit den Zug-und Wüstenbildern gewählt hat. Das ist die Art von Regisseur, die Furukawa ist, und die Art von Regisseur, die er auch weiterhin sein wird.
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