Vor 10 Jahren veröffentlichte Toei Animation Nijiiro Hotaru: Rainbow Fireflies, den atemberaubenden Höhepunkt eines langen Films Produktion, um die ikonischen Werke ihrer Vergangenheit und die Kraft der traditionellen Animation insgesamt zu ehren. Ein Jahrzehnt später bedroht der Verlust von Projekten wie diesem die Zukunft des Studios.
Toei ist ein Konglomerat an Unterhaltung, mit dem kein Anime-Studio vergleichbar sein kann und das in mancher Hinsicht auch keiner seiner Konkurrenten hoffen sollte verglichen werden; denn so kolossal ihr Vermächtnis im Anime auch ist, dieser gewaltige Fußabdruck wirft auch einige pechschwarze Schatten, sowohl an der Arbeits-als auch an der kreativen Front. In den letzten 7 Jahrzehnten hat sich ihre Animationsabteilung zu dem Giganten entwickelt, der sie heute ist. Eine, die in der Lage ist, viele gleichzeitige, nie endende weltweite Hits zu produzieren, und wie One Piece-Zuschauer im Moment bestätigen können, auch mit ihnen einen fantastischen Job zu machen, wenn diese Titel gut verwaltet werden. Wie sich jedoch mehr erfahrene Fans genau derselben Serie erinnern werden, kann ihr Modell auch zu dauerhaft stressiger Arbeit und einem Ergebnis führen, das sich anfühlt, als würde es nur aus Trägheit und der Notwendigkeit bestehen, ein Produkt wöchentlich geliefert zu bekommen.
Während die Anime-Industrie deprimierend auf eine Zukunft zumarschiert, in der Studios kaum mehr als Fließbänder sind, ist Toei ein erfahrener Veteran, für den dieses Ergebnis nichts Neues ist. Sie werden seit vielen Jahren als solche behandelt, schaffen es aber dennoch, genügend kreative Nuggets in diese kommerziellen Verpflichtungen zu bündeln, um zu verhindern, dass der Zynismus vollständig die Oberhand gewinnt. Es mag ein prekäres Gleichgewicht sein, aber Toei hat eine Formel gefunden, die es ihnen ermöglicht, diese Anforderungen zu erfüllen, während sie unvergessliche Arbeit zusammenstellen und einige der brillantesten jungen Köpfe im Anime großziehen. Wiederholungszyklen mit Leuten wie Sailor Moon, Doremi, Ashita no Nadja und quer durch Precure, mit Kunihiko Ikuhara, Mamoru Hosoda, Takuya Igarashi, Rie Matsumoto und Haruka Kamatani – diese positiven Muster sind kein glücklicher Zufall. Sie können sie in einer bestimmten Serie nie als selbstverständlich ansehen, aber eines ist seit Jahrzehnten sicher: In den riesigen Hallen von Toei wird immer etwas sehr Interessantes passieren.
Der Trick hier, von Natürlich hat Toei Ventile für diese aufgestaute, radikale Kreativität. Während es möglich ist, diese beliebten, lang laufenden Titel, für die das Studio bekannt ist, mit mehr Ehrgeiz und Kreativität anzugehen, als dies üblich ist, und die Kultur des Studios mutige Regisseure dazu ermutigt, kann man nur so viel tun, um dies voranzutreiben strenge Grenzen eines beliebten Action-Anime oder einer riesigen Franchise, die weiterhin Plastik verkaufen muss. Es sind oft die eigenwilligsten Regisseure, die ikonische Episoden von Toeis Flaggschiff-Titeln bearbeiten, aber wenn das alles wäre, woran sie arbeiten könnten, wäre ihre Karriere im Studio ziemlich kurz. Auch wenn es nur hin und wieder so ist, müssen wild einzigartige Künstler von ihren Fesseln befreit werden, weshalb Toei offenbar Wert darauf legte, immer Alternativen auf der Seite zu haben, als sie sich zu dieser Realität der Fabriklinie entwickelten. Ein solches Projekt, das vor 10 Jahren veröffentlicht wurde, war das unvergessliche Nijiiro Hotaru – Rainbow Fireflies.
Konosuke Udas Name ist sicherlich nicht so glamourös als Zeitgenossen von ihm wie Ikuhara oder sein Vorbild Junichi Sato, die sich ihren Platz im Kanon von Toeis größten Regisseuren aller Zeiten verdient haben. Ein Mangel an öffentlichem oder kritischem Ansehen macht jedoch die Karriere von niemandem weniger wichtig. Zum einen kann sich niemand sonst rühmen, der allererste Serienregisseur von One Piece zu sein … obwohl ein Goro Taniguchi Anspruch auf die erste Kantoku-Rolle der Serie erheben kann, da er den Piloten leitete das Jahrzehnte später zum kommenden One Piece Film Red geführt hat. Udas beste Werke aus verschiedenen Genrebereichen wie Lovely Complex, Ginga e Kickoff und MAJIN BONE sind weder kommerzielle Megahits noch Ihr prototypischer kritischer Liebling , aber sie sind die Art von Arbeit, an die sich die Leute gerne erinnern. Als Regisseur, der sich zu Beginn seiner Karriere verloren und antriebslos fühlte, arbeitete er unter dem oben erwähnten SatoJun – und Allzeitmeister darin, Spaß in die formelhaften Szenarien zu bringen, denen Sie wahrscheinlich bei Toei begegnen werden – und hat Uda sehr viel Energie gegeben, der es seitdem getan hat dann ist es ihm durchweg gelungen, diese Freude dem Publikum zu vermitteln.
Innerhalb dieser Karriere von still bedeutenden Heldentaten und angenehmen, aber nicht außergewöhnlichen Werken gibt es eine große Ausnahme. Eine, die sich seit 2007 zusammenbraute, als Produzent Atsutoshi Umezawa sich an Uda wandte um ihm einen Film vorzustellen, der von einem Roman inspiriert war, den er kürzlich gelesen hatte. Umezawa, der dem Studio in der Toei Doga-Ära beigetreten war und sich auch danach weiterhin Zeit für seltsame kleine Projekte genommen hat seine Pensionierung, gelang es, ein sehr verlockendes Angebot zusammenzustellen. Und um dies zu tun, verkaufte er die Idee zunächst an die Höheren und überzeugte sie davon, dass es der richtige Zeitpunkt sei, diesen historisch bedeutenden Toei Doga-Filmen seiner Jugend mit einem vollständig vom Studio finanzierten spirituellen Nachfolger Tribut zu zollen >
Umezawa war dann in der Lage, diese vielleicht einmalige Gelegenheit an einen Regisseur wie Uda weiterzugeben: kreative Freiheit, solange er mit einem hochkarätigen Team etwas schafft, das dem Vermächtnis des Studios würdig ist viel Zeit zur Verfügung. Während nach einem langen Prozess – 2 Jahre für die Animation, 3,5 für die Produktion als Ganzes und fast 5 für die Veröffentlichung – die Vorgesetzten schließlich die Nase voll hatten und ein fertiges Produkt verlangten, reichte dieser Druck nicht aus, um Kompromisse einzugehen Ein Film, der mit Toeis größten Errungenschaften in der Animation Schritt halten kann. Tatsächlich können sich nur sehr wenige Anime mit dem messen, was dieses Team erreicht hat.
Wie Uda in AnimeStyle002 Während die Prämisse des Projekts mit Zuckerguss überzogen war, war der Weg, den sie einschlugen, nicht unbedingt süß – oder überhaupt ein Weg, wenn man bedenkt, wie oft sie sich während des Vorproduktionsprozesses im Kreis bewegten, wie sie dachten die Identität der Arbeit, die sie schufen, herauszuarbeiten. Nijiiro Hotarus Reise begann mit Uda und Takaaki Yamashita, deren Teilnahme auf Empfehlung von Kenkichi Matsushita von der Führungsebene erfolgte. Angesichts der Tatsache, dass das einzige Mandat von oben, das sie ursprünglich hatten, darin bestand, die Geschichte von Toei Doga zu ehren, war Yamashitas Teilnahme genau das Richtige; Er war auch in den letzten Phasen dieser Ära des Studios beigetreten und fand sich schließlich als Mentor für Leute wie Hosoda und Tatsuzou Nishita wieder, auffällige Verkörperungen der modernen Möglichkeiten des Studios. Wenn man die Qualitäten von Toeis Vergangenheit feiern und gleichzeitig die Stärken seiner Gegenwart ausnutzen müsste, wäre Yamashita ihr Mann. Das heißt, in einer idealen Welt, in der Zeit keine endliche Ressource ist.
Zu diesem Zeitpunkt war Yamashita bereits sehr gefragt, sowohl in TV-Shows als auch mit einer Theaterkarriere – das war sein einziger Fokus heutzutage auch abheben. Nijiiro Hotaru war ein so langwieriges Engagement, dass es sich mit nicht einem, sondern zwei Hosoda-Filmen überschnitt, ganz zu schweigen von anderen Projekten, die seine Unterstützung erforderten. Da von Anfang an klar war, dass er Nijiiro Hotaru nicht seine volle Aufmerksamkeit widmen konnte, bat Uda einen ganz besonderen Künstler um Hilfe, der in ähnlichen Kreisen verkehrte: Hisashi Mori, ein Action-Animator im Kanada-Stil, der hart zu ihm auswich Reiten Sie auf der realistischen Welle von Mitsuo Iso, verlor aber nie seine Schärfe und geometrischen Formen und verdoppelte fortan die kühne Lineart. Die drei unternahmen ausgedehnte Location-Scouting-Reisen, was damals für das Studio ungewöhnlich war, und zeichneten Konzeptzeichnungen, um sich die ideale Form des Films vorzustellen. In gewisser Weise fühlte es sich eher wie eine sorgfältige archäologische Entdeckung seines natürlichen Ergebnisses an, und nicht wie ein Team, das mit vorgefassten Ideen nach vorne eilte.
Auch dieser Prozess war nicht einfach, und das Team musste zurückgehen auf ihre Entscheidungen mehr als oft nicht. Die erste große Planänderung fand innerhalb dieses Trios statt: Während Mori ursprünglich eingestiegen war, um dem vielbeschäftigten Yamashita zu helfen, liebte Uda seine kühnen Entwürfe so sehr, dass schnell entschieden wurde, dass er stattdessen der Charakterdesigner sein sollte. Das half ihnen auch dabei, einige anfängliche Bedenken auszuräumen, die sie bezüglich der Identität des Projekts hatten; Angesichts der Bitte, der Tradition von Toei Doga zu folgen, außer in einem moderneren Kontext, hatten Uda und sein Team das Gefühl, dass sie sich zu stark mit anderen entfernten Erben dieses Stils überschneiden würden, wie etwa Ghiblis Werken oder der damals gleichzeitigen Produktion von Mai Mai Miracle. Indem Nijiiro Hotaru stattdessen auf Moris einzigartig dicken Linien aufbaute, fühlte es sich sofort wie ein eigenes Werk an. Die Animationspipeline, die sie schließlich bauten, spiegelte diese neue Dynamik ebenfalls wider. Yamashita stellte immer noch sein Fachwissen in der Bildkomposition zur Verfügung, indem er unzählige grobe Layouts zeichnete. Sie erweitern die normalerweise einfachen visuellen Ideen aus dem Storyboard zum eigentlichen Animationsskelett und beschreiben sowohl die Arbeit des Hauptanimators als auch der Hintergrundkünstler. die das Storyboard erweitert habenStoryboard (絵コンテ, ekonte): Die Blaupausen der Animation. Eine Reihe von normalerweise einfachen Zeichnungen, die als visuelles Skript des Animes dienen und auf speziellen Blättern mit Feldern für die Nummer des Animationsschnitts, Notizen für das Personal und die passenden Dialogzeilen gezeichnet sind. Weitere, die dann an Mori weitergegeben würden, um schauspielerische Besonderheiten anzupassen, und schließlich an bestimmte Schlüsselanimatoren, um dem Standard-Animationsablauf zu folgen.
Da eine Hauptfigur im Quellmaterial zufällig Okuyama als Nachnamen hatte, ähnlich wie die Toei-Doga-Legende Reiko Okuyama, hatte das Team die freche Idee, den Namen zu nennen Protagonist, der im Buch keinen Nachnamen nach Yoichi Kotabe hatte, einer ähnlich bedeutenden Figur für das Studio. Um es nicht zu übertreiben, wählten sie stattdessen Otabe, was angesichts der Aussprache seines VA sehr ähnlich klang. Am Ende sah sich Kotabe den Film zusammen mit anderen Toei Doga-Legenden an und war sehr dankbar für ihre Geste.
Diese Änderung war nur die erste von vielen, die noch folgen sollten, viele von ihnen motiviert durch die vorherige Entscheidung, die sie getroffen hatten. Zum einen hatte sich herausgestellt, dass die Entscheidung für Moris kühne Linien eine zu bedrückende Atmosphäre geschaffen hatte, wie sie bitter feststellten, als sie gebeten wurden, einen Pilotfilm zu animieren. Der Versuch, diesen visuellen Eindruck zu verringern, indem man den braunen Kohlepapiereffekt nachahmte, der in Werken wie My Neighbor Totoro zu sehen ist, funktionierte ebenfalls nicht , da dies einem Film, der den Sommer von Kopf bis Fuß verkörpern sollte, ein elegantes Herbstgefühl verlieh. Die Lösung, auf die sie sich einigten, bestand darin, Moris schwarze Linienführung mit bewusst platzierten, farblich nachgezeichneten Segmenten zu unterbrechen, die den Bildern das Atmen ermöglichen.
Damit ging auch eine Änderung der künstlerischen Ausrichtung einher, was dieses frische Gefühl weiter verstärkte. Anime Kobo Basaras Seiki Tamura, der aufgrund von Terminkonflikten die frühe Aufsicht von Studio Pablos Kentaro Akiyama ersetzt hatte – sprechen Sie davon, zwei der größten Spezialisten ihrer Zeit zu bekommen – wurde ermutigt um die Details selektiv wegzulassen, was die achtsame Polarisierung früherer Toei-benachbarter Meister wie Takamura Mukuo widerspiegelt. Uda war Mukuos Arbeit vor seinem tragischen Tod während Sailor Moon begegnet und war von seinem Stil fasziniert; Stellenweise so spärlich, dass er sich fragte, ob diese Gemälde überhaupt fertig waren, und doch so fesselnd, als alle Teile schließlich geschichtet waren. Diese bewusste Ökonomie wurde zu einer weiteren wichtigen Säule bei der Ausgewogenheit der visuellen Elemente und bewahrte einen starken Eindruck, ohne jedoch die luftige Atmosphäre der Stadt, die sie darstellen sollten, zu überladen. Schwer und leicht, modern und alt, Animation und Live-Action, Fantasie und Alltäglichkeit, Leben und Tod, die fundamentalen Kontraste im Kern des Werks begannen sich langsam zu entfalten.
Im Kern geht es bei Nijiiro Hotaru darum die Schönheit der Vergänglichkeit, thematisiert Kreaturen wie Glühwürmchen, die nur so hell leuchten können, weil sie dies nur für kurze Zeit tun. Es ist die Geschichte eines Kindes, das in die Vergangenheit gleitet, und anstatt sich von den Mechanismen der Zeitreise zu besessen, konzentriert es sich darauf, den Moment mit dem vollen Wissen zu schätzen, dass er schließlich an uns vorbeiziehen wird. Protagonist Yuuta wird ermutigt, dieses einmalige Sommererlebnis zu genießen, und er lernt es, obwohl das Gespenst der Trennung von seinen neuen Freunden von Tag zu Tag näher rückt. Ihre Abenteuer spielen in einem Dorf, das verlassen und überflutet werden muss, um einen Damm zu bauen – ein Ergebnis, von dem Yuuta weiß, dass es unvermeidlich ist, da dies sein Schicksal in seiner ursprünglichen Zeitlinie war. Wie er merkt, haben viele seiner neuen Bekannten, mit denen er die Zeit seines Lebens hat, persönliche Umstände, die zu ähnlich unvermeidlichen Folgen führen werden. Und das ist es, was der visuelle Stil, auf den sich dieses Team festgelegt hat, letztendlich verkörpern soll: in mancher Hinsicht sehr wirkungsvoll wie Moris Lineart, weil dies schließlich unvergessliche Ereignisse für alle Beteiligten sind, aber auch mit einem Hauch von Zerbrechlichkeit. Nichts ist ewig.
Frühe Konzeptkunst veröffentlicht in AnimeStyle002.
Was den Film thematisch abrundet, ist sein Vertrauen in neue Generationen, was das, was ein kleiner Wermutstropfen hätte sein können, in eine sehr erhebende Geschichte verwandelt. Nachdem er von ähnlichen Ereignissen im wirklichen Leben Kenntnis genommen hatte und um ihre Komplexität wusste, vermied es Uda, in der Angelegenheit des Staudamms Partei zu ergreifen durch eine definitive Autorenstimme; Es ist klar, dass die im Dorf lebenden Erwachsenen eine bestimmte Einstellung haben, aber sie werden als passiver dargestellt und akzeptieren das Unvermeidliche. Das gilt nicht für die Kinder, die in einem Film, der sie für sich selbst sprechen lässt, offen ihre Meinung äußern, auch wenn es letztendlich nicht in ihrer Macht steht, diese Umstände rückgängig zu machen. Ihnen gehört die Zukunft, und ihre Kritik an den Entscheidungen Erwachsener, die ihre Welt bedrohen, wird ebenso respektiert wie ihre Fähigkeit, sich zu erholen. Nachdem der Satz „Trotzdem leben Kinder immer noch in der Gegenwart“ als Slogan verwendet wurde, um für den Film zu werben, fügt die letzte Szene „und auf in die Zukunft“ hinzu, nachdem sie gezeigt hat, dass sie alle aufgestanden sind und neue Wege nach vorne gefunden haben. Nijiiro Hotaru ist wie guter Wein gealtert, und der Aspekt ist jetzt ermutigender denn je.
Nachdem diese Themen fertig waren – etwas, das seine Zeit in Anspruch nahm, da sie das Drehbuch weiter anpassten, während der Animationsprozess bereits lief – was blieb, war die endgültigen stilistischen Entscheidungen zu treffen und all diese Ideen schließlich zu Papier zu bringen. Obwohl sie ihre Pläne in dieser Phase noch etwas ändern mussten, war der Prozess zu diesem Zeitpunkt einfacher. Uda war von Anfang an klar, dass, wenn er den klassischen Titeln von Toei Doga Tribut zollen und Yuuta und den Zuschauer glaubwürdig in eine ländliche Stadt der 70er Jahre eintauchen lassen wollte, die von ihnen verwendeten Techniken dies auch widerspiegeln sollten. Er musste die Idee der Cel-Animation aufgeben, da dies aus mechanischen Gründen nicht mehr machbar war, sah sich aber in Bezug auf moderne digitale Techniken einer harten Linie gegenüber.
Als Konsequenz verwendet Nijiiro Hotaru No CGi überhaupt, obwohl Elemente wie die Glühwürmchen selbst, die mit diesen Tools leichter dargestellt werden können, prominent dargestellt werden. Die Animation des Films, die vollständig auf Papier gezeichnet und von ihrem eigenen Fachpersonal überwacht wurde, war ebenfalls ein Streitpunkt, eine Anomalie für die Branche und speziell für Toei; Während die Berichte ihrer Investoren seit Jahren stolz darauf sind, wie viel dieser Arbeitslast schnell von ihrer Toei Phils-Tochter im Ausland bewältigt wird, wusste Uda, dass viele dieser Sequenzen auf Tablets gezeichnet wurden, also beschränkte er den Zwischenprozess auf nationale Unternehmen er wusste, dass er ausschließlich auf Papier arbeitete. Jedes Element des Films sollte die analoge Animationstradition so weit wie möglich respektieren, auch wenn dies bedeutete, die Kameraarbeit einzuschränken oder sich mit kostspieligeren Unteraufträgen zu befassen.
Der interessanteste Aspekt in dieser Hinsicht war der Compositing-Prozess, den er bewusst einer Fotografie anvertraut. Ein Name, der aus der Vergangenheit stammt, als bei diesem Prozess tatsächlich Kameras verwendet wurden. Regisseur wie Masao Oonuki, der seit den Tagen der physischen Materialien in dieser Rolle tätig war. Oonuki wurde gebeten, sich auf praktisch aussehende Effekte zu beschränken und sogar einen physischen Abstand zwischen den Charakterschichten und den Hintergründen zu betonen, ähnlich dem, den Sie hätten, wenn Sie Zelluloide schichten. Uda verzichtete auf den unmittelbaren immersiven Effekt eines gefilterten Bildes mit komplizierten Lichteffekten und verstärkte die Immersion, die ihm eigentlich wichtig war: den Betrachter in diese nostalgische Welt der traditionellen Animation fallen zu lassen, die vielleicht nicht den kalkulierten Zusammenhalt der besten digitalen Werke hat, aber es Ihnen ermöglicht um die Handwerkskunst stärker zu spüren.
Diese traditionellen Ideen durchdrangen die Philosophie der Animation selbst. Das Team gab sich alle Mühe, die Kinder aufzunehmen, die sie gecastet hatten, um die Charaktere zu sprechen, die alle möglichen Aktionen ausführten, die sie im Film ausführen würden, und zitierte die Methoden von bestimmte Werke von Toei Doga. Und sobald sie dieses Referenzmaterial hatten, um die Authentizität zu erhöhen, wurden alle Personen ermutigt, nach Belieben zu zeichnen; Wieder versuchen wir, dieses nostalgische Gefühl aus einer Zeit zurückzubringen, in der die Konsistenz der Charakterbögen nicht so geschätzt wurde, wie sie es heute ist. Mori’s Animation DirectionAnimation Direction (作画監督, sakuga kantoku): Die Künstler, die die Qualität und Konsistenz der Animation selbst überwachen. Sie können Schnitte korrigieren, die zu stark von den Designs abweichen, wenn sie es für richtig halten, aber ihre Aufgabe besteht hauptsächlich darin, sicherzustellen, dass die Bewegung den Anforderungen entspricht und nicht zu grob aussieht. Es gibt viele spezialisierte Animationsrichtungsrollen – Mecha, Effekte, Kreaturen, die sich alle auf ein bestimmtes wiederkehrendes Element konzentrieren. war mehr darauf ausgerichtet, die Identität der Charaktere durch ihre Gesten zu schützen als durch einen bestimmten visuellen Stil, und so wurde der Film zu einem endlosen Spektakel der Charakteranimation mit viel Raum für persönliche Interpretationen.
Sei es Shinji Hashimotos ausdrucksstarke Knopfaugen und ständig fließende Linien oder Hiromi Ishigamis weicherer Touch, der Film hatte keine Angst vor ständig wechselnden Stilen, aber es fühlte sich nie so an, als würde er die Charakterisierung von irgendjemandem beschädigen. Niemand verkörperte diesen Ansatz besser als Shinya Ohira, dessen beeindruckende Arbeit eingesetzt wurde, wenn sie am effektivsten war; Seine Animation lebt an der Grenze zwischen Fotorealismus und surrealem Expressionismus, von dem Uda wusste, dass er in den Momenten am effektivsten sein würde, in denen die Charaktere buchstäblich den Weg zwischen Leben und Tod gehen. Während der Film vollkommen gerechtfertigt gewesen wäre, die Eigenheiten der Animatoren zu stärken, insbesondere im Zusammenhang mit der Hommage an traditionelle Animationsmethoden, ist es erwähnenswert, dass er auch darauf geachtet hat, wessen einzigartige Stile wo eingesetzt werden sollen. Zu seinem Team gehörten die erfahrensten Animatoren, die das Studio zur Verfügung hatte, sowie persönliche Bekannte, die von Mori selbst zusammengetragen wurden, was ein enges Team bildete, in dem sie sich alle der besten Qualitäten aller bewusst waren.
Der Höhepunkt des Films war schließlich Reine Ohira-Animation: Alle Zeichnungen hier sind von ihm gezeichnete Schlüssel, und es wurden letztendlich keine Korrekturen durchgeführt, weil es zu zeitaufwändig gewesen wäre und sich kaum wie eine Sequenz angefühlt hätte, in der die Idee der Korrekturen überhaupt zutrifft. Die darin enthaltenen Layouts für Einzelschnitte sind etwa 6 Meter lang, und selbst der Scanvorgang wurde so abgestimmt, dass er so viele Nuancen wie möglich aus seinen Zeichnungen herausholt.
Das Ergebnis der Arbeit aller in einem langwierigen, sehr sorgfältigen Produktionsprozess ist ein Film, der einfach außergewöhnlich ist. Es wäre unrealistisch zu erwarten, dass Toeis Output mit Werken wie Nijiiro Hotaru gefüllt sein würde, und wie Uda gestand, war es genau dieses Gefühl, dass es sich um ein besonderes Projekt handelte, das dazu führte, dass jeder sein Bestes gab. Er stellte es direkt ihrer Franchise-Arbeit gegenüber und sagte, dass jeder die Gelegenheit schätzte, an einem Film zu arbeiten, der für sich allein stand, mit enormer künstlerischer Freiheit. Ihre enthusiastischen Reaktionen machten deutlich, dass, obwohl Sie nicht erwarten können, dass Toei Filme wie diesen herauspumpt – etwas, das ihrem Geist von vornherein widersprechen würde – Ihre brillantesten Schöpfer diese Ventile brauchen.
Die längste Zeit hatte Toei sie, sei es eine vage Idee, Merch zu verkaufen, die sich in ein faszinierendes Leidenschaftsprojekt verwandelte, das Kyousougiga oder Kenji Nakamuras Weltanschauung bunt verputzte über die verschiedenen Titel hinweg, bei denen er im Studio Regie führte. Jetzt, im Jahr 2022, kann ich nicht sagen, dass Toei solche Projekte mehr hat. Und das ist bereits ein Problem.
In den letzten Jahren wurden Toeis Alternativprojekte entweder stark beeinträchtigt oder ganz eingestellt. Popin Q war ein skurriler kleiner Film, der mit der Verantwortung belastet war, als Jubiläumsprojekt für das Studio zu fungieren, obwohl dies nie geplant war, und nachdem er unterdurchschnittlich abgeschnitten hatte, wurde seine versprochene Fortsetzung gekürzt und verschwand schließlich in ein Buch. Die interessanteste Initiative seither war ein Projekt, ihren Nachwuchskräften über Kurzfilme eine Plattform zu geben, die nach mehreren Presseveröffentlichungen, die eine feste Größe versprachen, nach dem ersten Eintrag in Form von Megumi Ishitanis Jura. Seitdem hat sich das Studio auf nichts als Franchise-Arbeit konzentriert, während einzigartige Projekte nach interner Unterstützung hungern, feierlich ausgesteckt werden oder Betrug sind, den wir besser ignorieren sollten.
Die Gefahren für das Studio sind nicht nur theoretisch. Einige der beliebtesten Persönlichkeiten von Toei haben Toei in den letzten Jahren verlassen und genau den Wunsch geäußert, an Projekten zu arbeiten, die nicht zu größeren, ewigen Franchises gehören; Einige haben die kommerzielle Animation mehr oder weniger verlassen, während andere einfach in verschiedenen Franchises stecken geblieben sind, während ihre persönlichen Projekte in der Schwebe stecken, denn das ist die Art von Industrie, über die wir sprechen. Uda, der auch heute noch gerne mit Toei zusammenarbeitet, obwohl er sich von ihnen distanziert hat, hat es sehr deutlich gemacht: Man muss seine Mitarbeiter einfach manchmal ihre kreativen Muskeln spielen lassen, so wie es die Franchise-Arbeit niemals zulässt. Nijiiro Hotaru wollte nie eine neue Welle der analogen Animation starten, aber zumindest sollte es eine beeindruckende Erinnerung daran sein, dass Künstler Freiheit brauchen, auch wenn ihr Job dies nicht zulässt.
Unterstütze uns auf Patreon um uns dabei zu helfen, unser neues Ziel zu erreichen, das Animationsarchiv in Sakugabooru, SakugaSakuga (作画), zu erhalten: Technisch Bilder zeichnen, aber insbesondere Animation. Westliche Fans haben sich das Wort längst zu eigen gemacht, um sich auf Fälle besonders guter Animation zu beziehen, genauso wie es eine Untergruppe japanischer Fans tut. Ziemlich integraler Bestandteil der Marke unserer Websites. Video auf Youtube, sowie dieses SakugaSakuga (作画): Technisch Bilder zeichnen, aber genauer gesagt Animation. Westliche Fans haben sich das Wort längst zu eigen gemacht, um sich auf Fälle besonders guter Animation zu beziehen, genauso wie es eine Untergruppe japanischer Fans tut. Ziemlich integraler Bestandteil der Marke unserer Websites. Bloggen. Vielen Dank an alle, die bisher geholfen haben!
