Die besten Anime-Charaktere des Jahres 2024

Sie kennen den Teil in Bravern, wo Lulu verrät, dass sie ein T-Shirt mit der Aufschrift „I ❤️ Robots“ trägt. Nun ja, das Gleiche. Superroboter sind großartig, und Bravern – der empfindungsfähige Superroboter, der entschlossen im brennenden Kern von Brave Bang steht, nun ja, Bravern – ist sich dessen überaus bewusst und lehnt sich voll und ganz darauf ein. Oder besser gesagt, er tut nichts halbherzig – er „lehnt“ sich auf nichts ein. Er stürmt kopfüber los und denkt kaum darüber nach, welche dramatische Pose er einnehmen soll, wenn er sein Ziel erreicht hat. Er ist ganz bewusst der superroboterartigste Superroboter, der jemals von einem Superroboter gesteuert wurde. Und ich – ein Liebhaber aller Dinge, die mit Superrobotern zu tun haben – bin zu 10 Millionen Prozent dafür da.

Bravern ist wirklich der Charakter, der alles hat: Er ist der archetypische heißblütige Mecha-Protagonist UND der Mecha selbst in einem. Und er ist auch ein großer Mecha-Idiot – er hat einen 3D-Drucker namens Build Burn, mit dem er mehr Mecha-Merch herstellt. Er verlangt, dass die Namen der Angreifer mit glühender Leidenschaft laut gerufen werden. Sein Titelsong erklingt diegetisch in seinem Cockpit. Ich kann weitermachen, aber muss ich das wirklich tun? Haben Sie die Quittung nicht schon weggeworfen – sind Sie nicht verkauft?

Das soll nur heißen, dass Bravern jeder übertriebene Superroboterismus in einer einzigen glorreichen Figur vereint. Er ist wie die physische Manifestation der Feststelltaste, und ich finde das wunderschön. Mit all seiner augenfälligen Erhabenheit gibt er den Ton für die Show an – ganz zu schweigen davon, dass er jede Szene, in der er auftritt, absolut stiehlt.

©Toei Animation

Christopher Farris

Wir brauchen mehr Charaktere wie Nina. Sie ist reizbar, sie ist wütend, es ist schwierig, mit ihr auszukommen, und sie ist der verdiente Mittelpunkt von Girls Band Cry. Die Ernsthaftigkeit, mit der sie die anderen Bandmitglieder anzieht, beruht auf ihrer echten Liebe zu Momokas Musik, auch wenn ihre Beziehung zu Momoka zwangsläufig rockiger ist. Nichts an Ninas Handlung ist so klar, wie man es von einer Serie wie dieser erwarten würde. Sie beendet ihre Ausbildung nicht, sie verpflichtet sich, die Schule vollständig abzubrechen. Sie versucht, das Gitarrenspielen zu erlernen, ist aber am Ende der Serie immer noch eine Amateurin mit Schwierigkeiten. Sie bekräftigt und gesteht der Person, die sie bewundert, ihre Liebe, aber aufgrund der Komplexität dieser Situation sind sie nicht in der Lage, eine Bewegung in der Beziehung zu erkennen. Alles an Nina ist eine Verkörperung der unangenehmen Haltemuster, in denen wir uns in den jungen Phasen unseres Lebens so oft befinden.

Während all dieser Dinge hat Nina mit selbstzerstörerischen Gefühlen zu kämpfen und projiziert sie häufig, indem sie um sich schlägt gegenüber Menschen, die ihr wirklich am Herzen liegen. Schon das Halten von Joghurt reicht aus, um sie zum Weinen zu bringen. Sie ist einfach ein Chaos, und deshalb habe ich es geliebt, sie als das Herz der Girls Band Cry zu sehen. Ninas Themen haben etwas sehr Reales an sich, da die Offenlegung der Gründe dafür in der Serie den Hintergrund ihrer übergreifenden Erzählung bildet. Sie wird verkörpert durch eine gewaltige Gesangsdarbietung von Rina, die die kathartischen Höhen von Ninas Emotionen erreicht, sei es unrühmlich schreiend oder triumphierend singend.

Senshi (Delicious in Dungeon)

© Ryoko Kui, KADOKAWA/Delicious in Dungeon PARTNERS

Caitlin Moore

Aufgrund einiger herausfordernder Lebensumstände habe ich Ich hatte seit einem Monat keinen Zugang zu einer Küche. Das bedeutete nicht nur, dass ich mich von Essen zum Mitnehmen ernähren musste, was zu einer Gewichtszunahme und einem schlechten Nährstoffgleichgewicht führte, sondern ich war auch überhaupt nicht in der Lage, zu kochen. Ich werde einer meiner größten Freuden beraubt, einer Quelle des Stolzes und einer Möglichkeit, meine Liebe in der Zeit des Jahres auszudrücken, in der es am meisten aufs Essen ankommt. Während ich wieder einmal in einem Behälter mit übriggebliebenem Butterhuhn wühle, wandern meine Gedanken immer wieder zurück zu Senshi von Delicious in Dungeon und verdrängen jegliche Konkurrenz aus meinem Kopf, während ich meinen Charakter des Jahres wähle.

Auf den ersten Blick wirkt Senshi wie eine komische Figur mit schwarzen Knopfaugen, einem buschigen Bart, der seinen Gesichtsausdruck verdeckt, und einer Besessenheit davon, Monster zu essen. Er scheint nicht viel über andere Rassen zu verstehen und seine Annahme, dass Chilchuck und Marcille Kinder sind, führt zu einigen komischen Missverständnissen. Aber wie in allen großartigen Geschichten blättert das Drehbuch im Laufe der Zeit immer tiefer und enthüllt das Trauma, das sein Bedürfnis antreibt, die Menschen um ihn herum zu ernähren.

Kritiker von „Delicious in Dungeon“ kritisieren die Geschichte dafür, wie ihre Charaktere ihre Gefühle vertreten Zeit, gut zu essen. Während das Essen von Monstern die Idee von Laios war, besteht Senshi darauf, dass sie es richtig machen, nicht nur kochen, um zu überleben, sondern auch schmackhafte, nahrhafte Mahlzeiten aus dem zubereiten, was ihnen zur Verfügung steht. Auch wenn ihr gemächliches Vorgehen einige schwerwiegende Folgen hat, bleibt die Kernlektion bestehen: Essen ist wichtig. Gutes Essen nährt nicht nur unseren Körper, sondern auch unseren Geist und unser Herz, und das Teilen von Mahlzeiten ist eine grundlegende Möglichkeit für Menschen, zusammenzukommen und sich zu verbinden. Es ist eine Möglichkeit, sich mit der Welt um Sie herum zu verbinden, denn wenn Sie Ihre eigenen Lebensmittel jagen und ernten, müssen Sie genau wissen, woher sie kommen, und sie werden zu einem Teil von Ihnen. Dies sind die Lektionen, die Senshi seiner Gruppe und dem Publikum durch hervorragende Darbietungen von Hiroshi Naka und Sung-Won Cho auf Japanisch bzw. Englisch vermittelt.

Nina (Girls Band Cry)

©Toei Animation

Steve Jones

Das Einzige, was Sie über Nina wissen müssen, ist, dass sie wütend ist. Sie ist laut, unreif, kurzsichtig, stur und neigt zu Tränen (daher der Titel), aber in erster Linie ist sie wütend. Sie ist so wütend, dass der Anime schnell eine visuelle Kurzform dafür etabliert, in der bedrohlich aussehende schwarze und rote Stacheln wie eine schützende, igelartige Aura von ihr ausgehen. Dieses Symbol und ihre Wut durchdringen die besten Teile von Girls Band Cry, das eine High-School-Ausreißerin wie Nina durch eine erfrischend ungeschminkte Linse betrachtet. Ninas Fehler sorgen überall um sie herum für Probleme und Spannungen, aber sie sind auch die Ecken und Kanten, die ihrer Rock’n’Roll-Reise Tiefe und Charakter verleihen. Sie fühlt sich nie wie ein Pappausschnitt. Sie fühlt sich wie ein hormonell bedingter Teenager voller aufrichtiger Wut.

Das größte Kompliment, das ich Nina machen kann, ist, dass sie eine zu gute Figur für die ultimativen Ambitionen der Serie ist. „Girls Band Cry“ lässt nie ganz den Ball fallen, aber gegen Ende verliert es etwas an Schwung, da es versucht, Ninas Angst anzusprechen und zu lindern. Die Wahrheit ist, dass Nina viele berechtigte Gründe hat, wütend zu sein. Sie wird gemobbt. Sie bekommt von ihrer Familie nicht die Unterstützung, die sie braucht. Sie passt nicht dazu und will darüber hinaus auch nicht dazugehören. Nina ist ein Knaller, und ich hätte gerne mehr von ihr gesehen, wie sie in der Nähe der Menschen explodiert, die es verdienen. Das spiegelt meine eigenen Erfahrungen in der Jugend wider und hätte daher zu einer befriedigenderen Erzählung geführt. Stattdessen wählt Girls Band Cry ein paar einfache Auswege, um einen schöneren Abschluss zu erreichen, und ich glaube nicht, dass ihr das gerecht wird. Nina strahlt auf der Bühne und bringt ihre Ängste zum Ausdruck, damit die Welt sie hören kann. Das ist die Eigenschaft, die sie mit dem Rest ihrer unpassenden Bandkollegen verbindet. Das ist echter Rock’n’Roll.

©C.A/B/N,EP,P

James Beckett

WARNUNG: Ich bin dabei, einem der besten Animes des Jahres 2024 den allseits geliebten Bejeesus zu verderben, und ich wette, Sie haben ihn noch nicht gesehen, was ein Fehler ist, den Sie unbedingt sehen sollten sofort beheben. Ich meine es ernst: Hören Sie auf, diesen Artikel zu lesen, pinnen Sie den Tab an, gehen Sie zu Crunchyroll und schauen Sie sich in dieser Minute jede einzelne Folge von Yatagarasu an. Kommen Sie zumindest zum Ende von Episode 13. Ich verspreche Ihnen, dass Sie es nicht bereuen werden.

… geht es uns allen gut? Haben Sie meine Anweisungen befolgt? Perfekt. Warte, was hast du gesagt? „Yatagarasu ist ein kriminell unterschätztes Juwel, über das so viel mehr Menschen ständig reden sollten?“ Ich weiß richtig!? Wie auch immer, jetzt, wo Sie alle auf dem Laufenden sind, können wir uns richtig darüber freuen, wie großartig Asebi geworden ist. Ich meine, natürlich meine ich nicht „großartig“ im moralischen Sinne, denn das ist genau dort ein ernsthaft verkorkster Psychopath, aber verdammt noch mal, wenn Yatagarasu ihre Last-Minute-Ferse nicht perfekt in Szene gesetzt hätte-wiederum ein herrlich hinterhältiges Sahnehäubchen auf dem verrückten Verschwörungseisbecher, den Yatagarasu am Ende seines ersten großen Handlungsstrangs geliefert hat.

Wenn Sie die ANN After Show gesehen haben, wissen Sie das Lynzee Loveridge und ich verbrachten Monate damit, Theorien zu entwickeln und darüber zu debattieren, welcher dieser magischen Bougie-Vögel hinter all dem Mord und der Schurkerei steckt, die sich ihren Weg in den Kirschblütenpalast bahnt. Was Asebi zu einem so perfekten Bösewicht macht, ist die Tatsache, dass wir nie ganz sicher sein können, ob unser Misstrauen gegenüber der Figur absichtlich durch die Serie geschürt wurde oder einfach darauf zurückzuführen ist, dass wir paranoide Anime-Kritiker sind, die in einem Leben voller Krimis und Gerichtsintrigen geschult wurden. Es ist ein Beweis für Yatagarasus Qualität, dass die endgültige Enthüllung ihrer wahrhaft bösen Intrigen und ihres Verrats immer noch so schockierend und aufwühlend sein kann, selbst nachdem wir bereits angenommen hatten, dass etwas Unheimliches unter ihr lauert. „Ach scheiße, nicht wahr?“ so unschuldig und krächzend?“ Fassade. Es mag zwar Charaktere gegeben haben, die ich im Jahr 2024 mehr geliebt habe, aber keiner hinterließ bei jedem, der so viele Monate später zuhört, einen solchen Eindruck, dass ich immer noch von ihnen schwärme.

©大森藤ノ・SBクリエイティブ/ダンまち5製作委員会

Kevin Cormack

Die besten Bösewichte der Belletristik lassen sich oft in zwei Hauptlager einteilen – diejenigen, die so böse sind, ihre Taten sind verwerflich genug dass ihre letztendliche Entschädigung kathartisch wird, und diejenigen, deren Beweggründe trotz ihrer Schurkerei so sympathisch sind, dass es fast enttäuschend ist, wenn sie verlieren. Die Göttin Freya aus Staffel 5 von DanMachi sprengt beide Definitionen und wird so zu einer legendären Anime-Antagonistin.

Freya lauert seit der ersten Episode im Hintergrund von DanMachi, beobachtet den heldenhaften Bell Cranel genau und wartet auf den richtigen Zeitpunkt Sie setzt ihren schrecklichen Plan um, ihn für immer zu ihrem zu machen. Sie schleicht sich mittels komplexer Imitationsmagie in sein Leben ein und wird zu einer seiner vertrauenswürdigsten Freundinnen und Bewundererinnen. Sie versucht zunächst, sein Herz mit fairen Mitteln zu gewinnen, und wenn das fehlschlägt, begeht sie Foul. Und was für ein Foul sie bedeuten. Als Göttin ist Freya im Wesentlichen unsterblich, und obwohl sie eine ganze kultartige Familia aus hingebungsvollen Anbetern regiert, ist sie auf ewig allein. Sie sehnt sich nach ihrem schicksalhaften „Odr“, einem Partner, der ihr sein Herz nicht nur aus Anbetung, sondern aus purer Liebe widmen wird. In Bell sieht sie das makellose Herz eines Helden, eines Mannes, der ihrer Liebe würdig ist, eines Mannes, dessen Liebe ihre leere Ewigkeit endlich erfüllen könnte. Göttinnen akzeptieren ein „Nein“ nicht gerne als Antwort. Als Bell ihr Liebesangebot ernsthaft ablehnt, verzerrt sie die Realität und die Gedanken der Menschen um sie herum, um Bell zur Verzweiflung zu bringen und seinen Geist zu brechen, damit sie die Richtige ist Formen Sie seine Teile so um, wie sie es für richtig hält.

Freyas Taten sind so schrecklich, weil sie nicht nur Bell glauben macht, dass er schon immer ein Mitglied ihrer Familie war, sondern sie tut dasselbe mit der ganzen Stadt, sogar mit seinen engsten Freunden. Indem sie jede positive zwischenmenschliche Verbindung in seinem Leben entfernt, isoliert sie ihn wie den schlimmsten manipulativen Partner. Isolation ist oft die erste Taktik im Arsenal eines emotionalen Missbrauchers, und genau das ist Freya. Trotz ihrer sogenannten „Liebe“ zu Bell ist sie letztlich egoistisch und behandelt ihn wie eine Trophäe, die es zu gewinnen und dann zu besitzen gilt. Sie leugnet Bells Autonomie und Selbstständigkeit und ist damit näher dran, ihn zu brechen als irgendein monströser Minotaurus oder eine schuppige Kerkerscheußlichkeit. Aus diesem Grund ist sie eine unglaublich mächtige, hasserfüllte und dennoch sympathische Bösewichtin – ihre Motive sind nur allzu erkennbar menschlich und ihre erbärmlichen Schwächen umso mehr.

©Norio Sakurai(AKITASHOTEN)/The Dangers in My Heart Committee

MrAJCosplay

Kyotaro Ichikawa dient als Spiegelbild dessen, wer ich war, als ich jung war. In der Mittelschule und teilweise auch in der Oberschule war ich ein sehr zurückgezogenes Kind, das sich selbst großen Druck auferlegte und versuchte, so wenig wie möglich mit Menschen zu interagieren. Ich tat Dinge nur, wenn ich darum gebeten wurde, und dachte, ich hätte nichts verdient, was über das hinausging, was ich bereits hatte. Wenn mir etwas Gutes in den Weg kam, sei es in Form einer positiven Verstärkung oder Zuneigung, war mein erster Instinkt, es abzulehnen, weil ich der Meinung war, dass ich das nicht verdiente. Mit zunehmendem Alter ging es mir besser, aber ich frage mich, wie ich mich gefühlt hätte, wenn ich diese Serie früher gesehen hätte.

The Dangers in My Heart ist in letzter Zeit zu einem meiner Lieblingsanimes aller Zeiten geworden, und Vieles davon hängt von Ichikawas Charakterisierung ab. Was ich für einen dummen, nervösen Teenager gehalten hatte, war am Ende … genau das, aber auf die bestmögliche Art und Weise. Ichikawa ist viel dümmer und alberner, als er denkt, denn obwohl viele seiner Unsicherheiten verständlich sind, finden sie sich in keiner praktischen Realität. Niemand hasst ihn wirklich oder fühlt sich durch ihn unwohl, aber das zeigt, dass viele der Unsicherheiten, die er empfindet, aus eigenem Antrieb entstehen. Auf seiner Reise durch die Serie geht es darum, sich mit der Tatsache auseinanderzusetzen, dass er jemand ist, der Liebe und Freundlichkeit verdient. Es dauerte eine Weile, bis dieser Punkt erreicht war, und es war ihm immer noch peinlich, dass er genauso geil und besitzergreifend sein konnte wie seine Klassenkameraden. Aber es ist nichts Falsches daran, sich dieser Normalität hinzugeben; Es ist nichts Falsches daran, sich dumm und glücklich zu machen wie alle anderen.

Die Reise, die Ichikawa beschreitet, ist nicht die komplizierteste, aber sie ist tief in ihrer Relativität verwurzelt, und ich würde behaupten, dass sie tiefgreifend ist, weil seiner Einfachheit. Ich habe das Gefühl, dass sich jeder in einer Phase befand, in der er nicht sicher war, ob er bereit war, glücklich zu sein. Aber ich denke, deshalb sind Charaktere wie diese und Shows wie diese so wichtig. Sie helfen uns, die Tatsache zu verarbeiten, dass es da draußen noch andere Menschen wie uns gibt, und wenn wir für diese Menschen da sein können, dann können wir auch für uns selbst da sein. Es ist keine leichte Reise, aber Charaktere wie Ichikawa zeigen, dass es sich lohnen kann, wenn man bereit ist, den ersten Schritt zu tun.

©Ayano Takeda,TAKARAJIMASHA/Hibike Partners2024

Jeremy Tauber

Könnte es jemand anderes für mich gewesen sein? In drei Staffeln und einem abendfüllenden Film haben wir gesehen, wie unsere Floof-Queen viel durchgemacht hat: von einem richtungslosen und unbeholfenen Kind, das sich damit zufrieden gibt, eine Hintergrundfigur zu sein, bis hin zur Entwicklung zur dominanten Klassensprecherin, deren Anwesenheit aufschlussreich ist. Sie hat immer noch den Mut, nach so vielen Misserfolgen weiterzumachen und sieht, wie weit sie gekommen ist. Es ist etwas Wundervolles, zu sehen, wie sich alles kristallisiert. Und dieser letzte Frame, Mann. Wenn manche Bilder mehr sagen als tausend Worte, dann war dieses letzte Bild eine Million wert, womit sich der Kreis der Staffel schloss und die Serie mit einer so hohen, einprägsamen Note endete.

Mit einem Schlüsselthema: Ton! Da es bei Euphonium um Verständnis geht, wäre Kumiko nichts, wenn die Menschen sie nicht herausfordern würden. Ich konnte nur einen Charakter für diesen Platz auswählen, aber Mayu, die in dieser Staffel Kumikos dunkler Spiegel ist, hat sie so nah dran, dass es fast ein Unentschieden ist. Auch wenn dies Mayus einziges Jahr in Kitauji und Kumikos drittes Jahr ist, sorgt Mayus Unfähigkeit, so herumzuzappeln wie Kumiko einst, für eine wunderbare Rivalität zwischen den beiden und verleiht dem letzten Teil von Kumikos Charaktergeschichte Dramatik und unvergessliche Momente.