Dies war ein weiteres großartiges Jahr für Anime, von Science-Fiction-Spektakeln wie DAN DA DAN bis zu den fantastischen Feinschmecker-Abenteuern von Delicious in Dungeon. Dazwischen gab es herzzerreißende Dramen über Mädchen, die versuchen, in der mörderischen Musikindustrie Fuß zu fassen, und die triumphale Rückkehr von Masami Ōbari. Lesen Sie weiter unten, um den allerbesten Anime zu finden, den es im Jahr 2024 zu bieten hat.
Hinweis: Die folgenden Einträge können Spoiler für Serien-und Handlungsentwicklungen enthalten!
©Norio Sakurai(AKITASHOTEN)/The Dangers in My Heart Committee
Ich weiß nicht genau, warum das Genre der Slice-of-Life-Romanze so ist Im Anime weit verbreitet, aber ich kann erklären, warum ich persönlich das Genre so reizvoll finde. Ich liebe Geschichten, in denen die Charaktere innerlich mit sich selbst kämpfen. Ich mag Geschichten, in denen Menschen ihre Wünsche, Bedürfnisse und Sehnsüchte auf gesunde Weise vollständig verarbeiten können. Diese Geschichten zu sehen hilft mir, als Person zu wachsen. Es hilft mir, neue Wege zu finden, meine Schwierigkeiten zu überwinden und die Kämpfe anderer Menschen wertzuschätzen. „The Dangers in My Heart“ ist eine Serie, die einige der besten Eigenschaften des Slice-of-Life-Genres so gut verkörpert, dass ich sie Leuten empfehlen würde, die offen zugeben, dass sie überhaupt keine Fans des Genres sind.
Diese Show war bereits in der ersten Staffel auf meinem Radar, aber die zweite Staffel katapultiert das Material in die Stratosphäre. Es baut auf dem sorgfältig gelegten Fundament auf und obwohl wir zu einem eher vorhersehbaren Ende kommen, ist die Reise mehr als zufriedenstellend. In der ersten Staffel drehte sich alles darum, wie unser Hauptcharakter Ichikawa seine Wünsche und Bedürfnisse erkannte. Angesichts früherer Traumata und völlig etablierter Unsicherheiten über sich selbst war dies eine große Sache für ihn. Dies ist ein Kind, das einsam war und wirklich nicht glaubte, eine positive Bestätigung zu verdienen. Nimmt man einen solchen Charakter und umgibt ihn mit relativ positiven Menschen, bleibt eine Identitätskrise zurück, die ihn letztendlich in eine positive Richtung führt.
Ja, die Serie ist ein wenig klischeehaft, wenn man bedenkt, dass es um einen zurückgezogen lebenden, kleinen König und ein großes, beliebtes Mädchen geht, aber wenn man über diese Prämisse hinausblickt, handelt es sich um eine Geschichte über zwei kleine Kinder, die sich wiedererkennen dass es in Ordnung ist, sich mehr zu wünschen, als sie haben. Sowohl Ichikawa als auch Yamada wurden in eine Kiste gezwungen, und in der ganzen Geschichte geht es darum, dass sie lernen, sich gegenseitig dabei zu helfen, dieser Kiste zu entkommen, damit sie sich gegenseitig an den Händen halten und gemeinsam den Weg des Erwachsenseins beschreiten können. Dies ist eine Geschichte über Menschen, die erkennen, dass sie mehr für sich selbst und ihre Lieben sein wollen. Das Ergebnis ist eine wunderschöne, melodische Slice-of-Life-Serie, die mich am Ende zu Tränen gerührt hat. Wenn Sie alle neugierig sind, worüber ich spreche, probieren Sie es bitte selbst aus, denn die Wahrscheinlichkeit ist groß, dass Sie genau wie ich ein Chaos erleiden. Wenn es sich streng genommen um Slice-of-Life-Anime handelt, glaube ich nicht, dass es dieses Jahr einen besseren Beitrag gab.
—MrAJCosplay
©Ayano Takeda,TAKARAJIMASHA/Hibike Partners2024
Der letzte Akt des epischen Kampfes von Kumiko und ihrer Schar von Bandfreaks um Größe ließ lange auf sich warten, aber das Warten hat sich auf jeden Fall gelohnt. Es wurden Fehler gemacht, Lektionen gelernt, Freundschaften kamen und gingen, Tränen wurden vergossen und sogar Blut wurde vergossen. All das führte zu einer der zufriedenstellendsten Schlussfolgerungen, die ich je erlebt habe. Schließlich kamen sie, sie sahen und siegten.
Für eine Geschichte, die scheinbar vor so langer Zeit begann, dreht sich alles um Sound! Die dritte Staffel von Euphonium fühlt sich so frisch an wie eh und je. Es ist fast so, als wäre Eupho nie gegangen. Von der filmischen Animation und Regie über die Pracht, die von jeder Musiknote ausgeht, bis hin zu den unvergesslichen Charakteren, die mich immer wieder in Erstaunen versetzen – alles davon beweist, dass KyoAni immer noch Meister ihres Handwerks sind. Was mir am meisten gefällt, sind die Rückrufe und Verweise auf die vorherigen Szenen von Eupho und sogar Liz and the Blue Bird. Sie bieten mehr als nur Fanfare für Euphomanics, die die Geschichte auswendig kennen, obwohl das an sich schon ein großes Plus ist. Dass all diese Beats an Ort und Stelle sind, zeigt, wie weit Kumiko gekommen ist – da die Geschichte dazu neigt, sich zu wiederholen, haben die Rückrufe Wunder bewirkt, indem sie die Schwierigkeiten hervorgehoben haben, mit denen Kumiko konfrontiert sein würde, wenn sie dieselben Hürden noch einmal überwinden müsste, um besser zu werden.
Was sie tat. Keiner der Fehler war umsonst. Es stimmt, Kumiko hat nicht das Solo gelandet, das wir uns alle gewünscht hatten, und selbst ein großer Teil von Reina war nach allem, was gesagt und getan war, immer noch unzufrieden. Aber wie das alte Sprichwort sagt: Man kann nicht immer das bekommen, was man will, aber wenn man es einmal versucht, wird man vielleicht feststellen, dass man das bekommt, was man braucht. Kumiko, Reina, Mayu, Midori, Hazuki, Kanade und der Rest der Kitauji High School Concert Band bekamen, was sie brauchten und zu Recht verdienten. Und wir auch.
Den größten Teil der Eupho-Staffel während der Ausstrahlung mitzuerleben, bedeutete, Zeuge einer Leidenschaft und Aufregung zu werden, die nur eine Serie wie diese hervorrufen kann. Die Fan-Künstler haben mit beispielloser Dringlichkeit den Stift zu Papier gebracht, die Sakuga-Community hat wie verrückt auf ihren Blogs getippt und die Versender haben hart und schwungvoll herausgefunden (übrigens Kumiko x Reina für immer). Fast ein Jahrzehnt nach Beginn der Serie kann niemand vergessen, wie warm sie klingt. Es ist ein Klang, der für die Ewigkeit widerhallen wird. —Jeremy Tauber
©Toei Animation
Girls Band Cry hat einen seltsamen Weg zurückgelegt, um hierher zu kommen. Die ersten Trailer, die die CGI-Animation zeigten, erweckten kaum Vertrauen. Es war einer der verschwindend wenigen Animes in dieser modernen Ära, die keine offizielle Simulcast-Übertragung mit englischen Untertiteln sahen. Als es endlich ankam, war es über eine umständliche digitale Kaufoption möglich – obwohl Sie es zumindest auch in Ihrer örtlichen Bibliothek ansehen konnten. Das alles bedeutet, dass das, was sie über „Girls Band Cry“ hörten, für viele Zuschauer mehr damit zu tun hatte, sich darüber zu beschweren, ob die Serie angeschaut werden konnte oder nicht, als mit der Serie selbst – und dass ihnen vielleicht etwas Besonderes entgangen war.
Die Landschaft der Anime-Musik für Mädchen hat sich im Laufe der Jahre verändert, was sich auch in Love Live! widerspiegelt. Sonnenschein!! Regisseur Kazuo Sakais Herangehensweise an Girls Band Cry. Die Mitglieder von Togenashi Togeari sind eine bunte Ansammlung von Aussteigern verschiedenster Art. Sie müssen keine Schule retten; Sie retten sich selbst und einander. Wie in so vielen Geschichten ist es die Kraft der Musik, die hilft, sie zu retten. Aber zusammenzukommen, um diese Musik zu schaffen und einen Ort zu finden, an den sie bei der Aufführung gehören können, ist eine ebenso große Herausforderung wie die anderen, oft sehr real wirkenden Hindernisse, mit denen sie konfrontiert waren.
Momoka gab auf die gesetzlichen Rechte an dem von ihr geschaffenen selbstdefinierenden Lied. Nina kämpft mit selbstzerstörerischen Impulsen. Rupa muss Rassismus ertragen. Dabei handelt es sich um Themen, die sich lebensecht anfühlen und nicht so, als wären sie als bogenförmige Beats geschaffen, die in 30-minütigen, charakterzentrierten Episoden behandelt und gelöst werden. Zwischen den Charakteren werden mehrere zwischenmenschliche Probleme zur Sprache gebracht, mit unwürdigen öffentlichen Explosionen und abtrünnigen Konzert-MC-Segmenten. Einige dieser Interaktionen bleiben scheinbar mitten in der Entwicklung hängen, weil es keinen sauberen oder gesunden Weg gibt, sie zu lösen, außer sie unbeholfen verweilen zu lassen. Betont realistisches Schreiben oder Material, das für eine mögliche zweite Staffel aufgespart wurde? Es kann beides sein, alles ist Teil des unverwechselbaren Ansatzes und der Anziehungskraft von Girls Band Cry.
Die Kraft der Regie von Girls Band Cry erfüllt ihre emotionalen Momente mit roher, fingerschneller Katharsis. Und diese Richtung kann auch von der Präsentation her nicht überbewertet werden. Bei aller Abstoßung des CGI in den Vorschauen macht es einen deutlichen Unterschied, wenn man sieht, wie der Stil richtig ausgerichtet und strukturiert ist, wie er beabsichtigt war. Die Charaktere bewegen sich mit der Persönlichkeit, die zu ihren emotionalen Reisen passt, und die albernen Momente sorgen für die nötige Entspannung zwischen den berauschenderen Teilen. Die Konzertszenen dürften zu den schönsten Anime-Szenen der letzten Zeit gehören, mit einer Bibliothek von In-Show-Songs, die den rockigen Geist der Serie verkörpern. Daneben gibt es eine der markantesten Hintergrundmusik-Partituren, die ich in einer Show wie dieser gehört habe. Es ist genauso rockig wie die gespielten Songs und verleiht Girls Band Cry den ultramodernen Touch, der es zu Recht wie ein Teil einer neuen Generation wirken lässt.
Vom Stil über den Sound bis zur Geschichte: Girls Band Cry ist wirklich ein eigenes Biest. Der Weg dorthin war vielleicht holprig, aber es gelangte auf seine eigene Weise dorthin. Und am Ende dieser Reise kann es mit dem besten Anime des Jahres auf der Bühne stehen. —Chris Farris
©日向夏・主婦の友インフォス／「薬屋のひとりごと」製作委員会
Vor einem Jahr schrieb ich: „Dank meiner Aufgrund der selbst auferlegten Einschränkung, dass ich nur abgeschlossene Staffeln einbeziehe (weil man nie weiß, wann etwas in letzter Sekunde auseinanderfällt), sind die beispielhaften The Apothecary Diaries und Frieren: Beyond Journey’s End nicht teilnahmeberechtigt.“ Na ja, seitdem habe ich Frieren kaum berührt, aber gleichzeitig habe ich kaum aufgehört, an The Apothecary Diaries zu denken. Von den beiden ist „The Apothecary Diaries“ einfach die schmackhaftere, strukturiertere Erzählung, mit dem Format einer medizinischen Mystery-Show, die im Innenhof eines fiktiven Reiches spielt, das vom dynastischen China inspiriert ist.
Auf der obersten Ebene: Es ist eine wunderschöne Show zum Anschauen und Anhören. Regisseur Norihiro Naganuma bewies mit „Die Braut des alten Magiers“ sein außerordentliches Geschick darin, historische Schauplätze zum Leben zu erwecken, und mit der Unterstützung der Mitarbeiter von OLM erweckt er das Leben des Protagonisten Maomao im kaiserlichen Harem zu atemberaubendem Leben. Jedes Bild ist atemberaubend, von Maomaos ausdrucksstarker Charakterschauspielerin über die Umgebungen, durch die sie sich bewegt, bis hin zu den Blumenarrangements, die durch Hanakotoba auf subtile Weise Bedeutung zum Ausdruck bringen. Die gesamte Besetzung ist stark, aber insbesondere Aoi Yūki ist die perfekte Besetzung für unsere schrullige, facettenreiche Heldin, die nichts mehr liebt, als sich selbst zu vergiften.
Aber ganz ähnlich wie die Charaktere, die diese Welt erben, alle Diese Schönheit wäre ohne etwas, das sie untermauert, nutzlos. Im Grunde ist „The Apothecary Diaries“ eine medizinische Mystery-Show à la House. Maomao interessiert sich nicht besonders für Menschen und würde ihre Zeit lieber mit gesenktem Kopf dort verbringen und nicht auffallen, aber sie kann einem guten Geheimnis einfach nicht widerstehen. An einem Ort wie dem Innenhof, wo Hunderte von Menschen kaum oder gar keinen Zugang nach draußen haben und dessen Welt auf ein paar Dutzend Hektar geschrumpft ist, ringen viele um jede Macht, die ihnen zur Verfügung steht. Das bedeutet eine Menge Intrigen und damit einhergehend auch hinterhältige Methoden, um Rivalen zu Fall zu bringen. An Arbeit mangelt es Maomao nie.
The Apothecary Diaries ist sich auch der Machtdynamik bewusst, die solche Situationen schafft. Die Bewohner des Innenhofs stammen aus historisch entmachteten Gruppen; Wer kann es ihnen verübeln, dass sie die ihnen zur Verfügung stehenden Methoden nutzen, um mehr Entscheidungsfreiheit zu erreichen? Auch wenn Maomao selbst wenig Wert auf den Rang legt und in Sexarbeiterinnen, Eunuchen und hochrangigen Adligen Menschlichkeit gleichermaßen sieht, reagiert sie auch darauf, wie unterschiedlich sie die Gesellschaft erleben. Maomao weiß nicht genau, wer Jinshi ist, aber sie weiß, dass er sie aus einer Laune heraus enthaupten lassen könnte. Während Jinshi als derjenige, der die Macht innehat, nicht wirklich darüber nachdenkt, wie sich das auf ihre Beziehung auswirkt, ist Maomao nicht in der Lage, es zu vergessen. Dieses Bewusstsein ist allgegenwärtig, da soziale Hierarchien jeden Aspekt des Lebens in ihrem abgeschotteten Teil der Gesellschaft beherrschen.
Aber vielleicht ist das Besondere an The Apothecary Diaries die Art und Weise, wie all dies zu einem einzigen Stück verwoben ist, das sich eigentlich nur schwer auseinandernehmen lässt. Jeder Teil der Geschichte informiert den anderen, und unbedingt wird jeder Teil des Lebens kontextualisiert, bevor er für die maximale emotionale Wirkung ins Spiel kommt. Sowohl im Text als auch im Metatext gibt es unter der Oberfläche ein kompliziertes Uhrwerk, große Machenschaften und stille Täuschungen, bei denen die Geschichte eigentlich erst an der Oberfläche kratzt. In nur wenigen Wochen werden wir wieder in diese Welt eintauchen. Ich kann es kaum erwarten. —Caitlin Moore
©apogeego/「終末トレインどこへいく?」製作委員会
ANNs eigener Steve Jones hat es in seiner Rezension der ersten drei Episoden dieser Show am besten ausgedrückt: „ Ironischerweise ist der ausgefallenste Anime der Saison derjenige, der braucht Platz in einem Zug.“ „Train to the End of the World“, das im Frühjahr ausgestrahlt wurde, ist ein ebenso seltsamer wie aufrichtiger postapokalyptischer Anime über vier Mädchen, die mit dem Zug nach Ikebukuro reisen, um ihre vermisste Freundin zu finden. Der Haken: Seit dem 7G-Vorfall vor zwei Jahren ist die Welt nicht mehr wieder das, was sie einmal war. Von Zombies bis hin zu Manga-Künstlern mit Zauberstiften müssen die Mädchen eine Reihe seltsamer Hindernisse und lächerlicher Orte überwinden, um ihr Ziel zu erreichen, ihre Freunde zu finden und vielleicht sogar die Welt wieder in den Normalzustand zu versetzen.
Das charakteristischste Merkmal dieses Animes ist wohl, wie sehr er sich in seiner eigenen Absurdität sonnt. Wie bereits erwähnt, geht es in diesem Anime mehr oder weniger um Reisen zu verrückten, noch unbekannten Zielen. Man könnte sagen, es ist ein Anime, dessen Gedankengang oft schwer zu erkennen ist – aber im positiven Sinne, bei dem man einfach froh ist, mit dabei zu sein. In vielerlei Hinsicht ist die bizarre Welt genauso eine Hauptfigur wie die Mädchen selbst – und wie für die Mädchen ist das Kennenlernen dieser seltsamen Umgebung einer der besten Teile dieser Show. Das Maß an Kreativität, das nicht nur bei den Ideen selbst zum Einsatz kommt, sondern auch die vielen Arten, wie sie zum Leben erweckt werden, ist geradezu brillant. Es fühlt sich seltsam an, Anime als Reiseshow bezeichnen zu wollen, und doch ist es genau das, was hier vor sich geht. Aber andererseits ist diese Show ohnehin schon seltsam – in gewisser Weise passt das wirklich.
Das heißt jedoch nicht, dass dieser Anime nur Verrücktheit zu bieten hat. Unter Schichten der Exzentrizität hat diese Serie einen emotionalen Kern, der alles wunderbar zusammenhält und sie oft auf Hochtouren laufen lässt. Ich spreche insbesondere von den Beziehungen zwischen den Mädchen – der Hauptbeziehung und der Beziehung, die besonders verloren gegangen ist. Dieser Anime ist gespickt mit herzlichen Momenten zwischen ihnen und man kann nicht anders, als sie zu lieben, wenn dieser Anime seinen letzten Halt erreicht.
Ich bin überhaupt nicht überrascht, diesen Anime auf dieser Liste zu finden. Es war sicherlich einer der denkwürdigsten Animes des Jahres, und wie könnte das bei all den lustigen Momenten, die er hatte, auch nicht sein? Seine einzigartige Mischung aus Verrücktheit und emotionaler Substanz brachte es auf die Überholspur, während der Ausstrahlung zahlreiche Fans zu gewinnen. Und ich bezweifle nicht, dass diese Mischung in den kommenden Jahren neue Fans gewinnen wird. —Kennedy
©C.A/B/N,EP,P
Die Welt, die Sie sehen, ist nicht alles, was da ist. Shigeru Mizukis Kitaro ist vielleicht die Figur, die das am besten ausdrückt. In diesen Worten steckt ein gewisses Maß an Wahrheit: Es könnte eine ganze Welt um uns herum geben, die wir nicht wahrnehmen können, Gesellschaften von Wesen, die außerhalb unseres Verständnisses liegen und in ihren Gesellschaften ihr eigenes Leben führen. YATAGARASU: Der Rabe wählt seinen Meister nicht aus und nimmt diese Idee auf großartige Weise auf und formt seine Geschichte darum herum. Hoch oben auf einem Berg in Japan liegt das Königreich Yamauchi, das Land der Yatagarasu, einer Form des Tengu. Es ist ein Königreich, das noch in der Vergangenheit lebt, und die meisten Höflinge sehen aus, als wären sie der Heian-Ära und einem starren Gesellschaftssystem entsprungen. Unter der Herrschaft des Kin’u, des goldenen Raben, existiert Yamauchi in einer Zeit außerhalb der Zeit… doch im weiteren Verlauf der Geschichte erfahren wir, dass dies von seiten des Yatagarasu beabsichtigt ist. Nur die Kin’u wissen, was sich sonst noch jenseits der Grenzen des Berges befindet.
Die Idee einer geschlossenen Welt ist nicht neu, aber sie wird hier unglaublich gut genutzt. Die Welt der Raben soll ihre Kultur bewahren, aber wie die Show beweist, sind nicht alle Aspekte erhaltenswert. Das Klassensystem, in dem Kriminelle gezwungen werden, in Rabengestalt zu bleiben und als „Pferde“ für andere zu dienen, und „Hügelraben“ (Bürgerliche) als Untermenschen angesehen werden, bildet ebenso wie Vorurteile einen wichtigen Leitfaden für die Serie Von vielen als völlig normal angesehen, bilden sie das Rückgrat für die große Wendung der ersten Hälfte. Es ist auch subtil gemacht; Bösewichte schimpfen und toben nicht; Sie sind insgeheim verwirrt darüber, warum irgendjemand denken könnte, dass sie falsch liegen. Sie werfen ein Licht auf das Schlimmste der menschlichen Natur, bieten aber dennoch einen Schleier, durch den unbehagliche Zuschauer hindurchsehen können, und verdecken so einen Teil der Härte. Der Kampf um die Hand des Kin’u, der die erste Hälfte ausmacht, untersucht, was passiert, wenn Frauen nur als Ehefrauen geschätzt werden. Im Gegensatz dazu nimmt der Drogenmissbrauch und die bösen Affenhandlungen in der zweiten Hälfte eine eher kriminelle Drama-Atmosphäre an, da unser Standpunktcharakter Yukiya erfährt, dass es im Himmel und auf der Erde viel mehr gibt, als sich seine Philosophie erträumt hat. Es scheint angebracht, Shakespeare zu paraphrasieren, denn Yatagarasu ist in seiner Tragweite an Shakespeare angelehnt, da es verschiedene soziale und politische Themen auslotet und wie sie alle auf den Schultern eines einzigen Raben zur Ruhe kommen.
Ayakashi-Geschichten mögen sich manchmal so anfühlen Im Anime gibt es wie Sand am Meer. Sicherlich gibt es jede Saison mindestens einen. Aber nur wenige von ihnen schaffen das visuelle Flair, die Charakterarbeit und das verdrehte Storytelling von YATAGARASU: Der Rabe wählt seinen Meister nicht. Mit einem Fuß in Yamauchi und dem anderen in Japan sind diese Raben letztlich sehr menschlich und ihre Geschichten könnten sich leicht in unserer Welt abspielen. Angst vor dem Unbekannten, Kastensysteme und der Versuch, seinen Platz im großen Ganzen der Dinge zu finden, sind alles Elemente jeder Welt. Aber macht es nicht mehr Spaß, zuzusehen, wie sie sich gemeinsam mit dem mythischen Rabenvolk entfalten? Und es ist so viel einfacher, die Parallelen zur realen Welt zu ignorieren, auch wenn die Erzählung und die Welt selbst deutlich machen, dass wir dies auf eigene Gefahr tun. —Rebecca Silverman
© Ino Asano/Shogakukan/DeDeDeDe Committee
Dead Dead Demon’s Dededede Destruction ist die Coming-of-Age-Geschichte von Kadode, einem Mädchen, das kurz vor dem Highschool-Abschluss steht und keine Ahnung hat, was es mit seinem Leben anfangen soll. Sie hat keine wirklichen Ziele oder Leidenschaften außer ihrer Schwärmerei für ihren (allzu willigen) Lehrer. Zum Glück hat sie an ihrer Seite ihre lebensgefährlich beste Freundin Ouran – ein Mädchen mit einer exzentrischen Persönlichkeit, einem Misstrauen gegenüber der Regierung und einer pessimistischen Sicht auf die Menschen im Allgemeinen. Gemeinsam versuchen sie, ihren Platz in der Welt herauszufinden – einer Welt, in der ein riesiges UFO die letzten Jahre über Tokio geschwebt hat.
Das ist die Wendung der Erzählung. Kadode und Ouran leben buchstäblich im Schatten eines weltverändernden Ereignisses – außer dass nichts wirklich anders ist. Vielmehr ist es einfach zur neuen „Normalität“ geworden. Auch wenn die Regierung dem riesigen schwebenden Objekt am Himmel immer feindseliger gegenübersteht, ändert sich für durchschnittliche Teenager wie Kadode und Ouran kaum etwas. Dies ist eine Aussage über die Anpassungsfähigkeit der Menschheit – und die damit verbundene Kurzsichtigkeit.
Im Laufe der Geschichte kommen noch viele andere Dinge hinzu. An einer Stelle zeigt eine düstere Dekonstruktion von Doraemon, was passieren würde, wenn ein Kind mit Gerechtigkeitssinn in die Hände von High-Tech-Geräten gelangen würde, die weit über das menschliche Verständnis hinausgehen. Ein anderes Mal ist es die Geschichte eines jungen Mannes, der mit seiner Liebe zur weiblichen Mode kämpft – und sich nach Akzeptanz sehnt. In einem anderen Fall geht es um eine junge Frau, die sich radikalisiert und zur Terroristin wird. Doch irgendwie fühlt sich keine dieser Geschichten im Rahmen der größeren Handlung fehl am Platz an.
Deedede Destruction von Dead Dead Demon spiegelt die Gesellschaft wider. Es zeigt alle Schönheitsfehler in vollkommener Klarheit und lässt uns nicht vor den dunklen und schmutzigen Aspekten der menschlichen Natur oder der von uns geschaffenen Welt zurückschrecken. Es reicht von Erkundungen über Eigennutz und Ego bis hin zu der Frage, wie Gruppendenken und der Lauf der Zeit unser kollektives Moralgefühl verzerren.
Diese Show wird Sie über den Zustand der Menschheit deprimieren – wie wir ständig die gleichen Fehler machen und unseren gerechten Eifer und unsere Eigeninteressen als Vorwand nutzen, um die schrecklichsten Dinge zu tun. Schlimmer noch: Der Durchschnittsmensch ist nicht nur machtlos, sondern auch weitgehend desinteressiert und kurzsichtig auf seine eigenen kleinen Probleme konzentriert.
Trotz alledem ist „Dededede Destruction“ von Dead Dead Demon eine Geschichte, die uns dazu auffordert, das Glück zu ergreifen, wo wir können, und uns an diejenigen zu binden, die unser Leben lebenswert machen. Wir sind vielleicht nicht in der Lage, die Welt zu retten, aber wir können diejenigen lieben und beschützen, die uns am Herzen liegen. Und am Ende reicht das vielleicht aus. —Richard Eisenbeis
©CyGames Pictures
Ich habe nichts so Formales wie „Kriterien“ dafür, wie ich meinen Lieblingsanime auswähle Jahr, aber ich wäge die Häufigkeit des Gelächters ab, das ich beim Anschauen bekomme. Es muss nicht die intelligenteste oder am besten aussehende Show sein. Es muss mich einfach ständig vor Ehrfurcht oder Überraschung in Atem halten. Das ist der Hauptfaktor, der mir zwei Jahre in Folge die höchste Auszeichnung für Birdie Wing eingebracht hat, und das ist der gleiche Grund, warum Brave Bang Bravern! ziert die diesjährige Liste.
Wenn es um die pure erzählerische Dynamik geht, kam dieses Jahr kein anderer Anime an Bravern heran. Wenn Sie mich fragen, ist der Rückgang der durchschnittlichen Episodenzahl für das Mecha-Genre schrecklich. Diese Shows gedeihen, wenn ihnen auf dem Weg zu ihren Opernerzählungen Raum zum Mäandern gegeben wird, und umgekehrt verlieren sie etwas von ihrem Glanz, wenn sie ihre Haupthandlung vorantreiben müssen. Während „Bravern“ nur 12 Episoden lang ist, umgeht es viele dieser Probleme intelligent, indem es die Erzählung komprimiert und nicht kürzt. Wenn man ein Stück Graphit schneidet, entsteht am Ende ein unordentlicher Staubhaufen. Wenn man Graphit komprimiert, erhält man einen Diamanten. Und genau das ist Bravern: ein großer, wunderschöner, verdammter Diamant.
Sie möchten Braverns Geschichte auf eigene Faust erleben, deshalb achte ich darauf, zu viele Einzelheiten zu vermeiden. Der Schreibstil ist voller Wendungen und Wendungen, die sich an den üblichen Tropen des Genres orientieren. Manchmal spielt es ihnen in die Quere, und manchmal macht es einen blind. Was alles zusammenhält, ist Braverns unerschütterliches Engagement für das Gebiss und seine grenzenlose Liebe zum Mecha-Genre. In gewisser Hinsicht ist das von einer Show unter der Regie von Masami Ōbari zu erwarten, aber ich denke nicht, dass wir das als selbstverständlich betrachten sollten. Viele leidenschaftliche Projekte erfüllen ihre Ambitionen nicht. Obari ist voller Tatendrang und das Publikum erntet alle Früchte.
Bravern ist auch die lustigste Show des Jahres. Vieles davon ist auf die konsequente erzählerische Lächerlichkeit zurückzuführen, aber es ist auch wie eine Komödie geschrieben – und zwar eine gute! Es macht Waterboarding zur Pointe. Die Charaktere sind ständig nackt und voller Glibber. Manche Dialoge klingen, als hätten sie von The Venture Bros. übernommen werden können. Bravern selbst ist mit seiner 110-prozentigen Linienführung und 150-prozentigen Stimmlautstärke ein absoluter Knaller. Isami ist ein großartiger Archetyp eines heterosexuellen Mannes, der von dem Wahnsinn, der ihn umgibt, völlig gebrochen ist. Smith sieht aus und fühlt sich an, als hätte er einen rein amerikanischen Zeichentrickfilm aus den 80ern herausgerissen. Sogar die feindlichen Roboter besitzen übergroße Persönlichkeiten, die sich gut vom Rest der Besetzung abheben.
Am wichtigsten ist jedoch, dass Bravern eine Liebesgeschichte ist. Es ist eine Liebeserklärung an das Mecha-Genre, aber auch im wahrsten Sinne des Wortes eine Schwulenromanze über einen Mann und den riesigen Roboter, in den er häufig klettert. Auf den ersten Blick scheint das alles eine Menge absichtlicher homoerotischer Anspielungen zu sein, um das Publikum zu erregen. Im weiteren Verlauf der Show verbinden sich diese Lacher jedoch mit Ernsthaftigkeit und Zärtlichkeit. Du hörst nie auf zu lachen, aber zwischen dem Geschrei wirst du mit der feurigen Leidenschaft eines hawaiianischen Vulkans darauf warten, dass dieser Mann und diese Maschine rummachen. Und deshalb liebe ich Bravern. Im Anime ist alles möglich. —Steve Jones
#2 – DAN DA DAN
©Yukinobu Tatsu/SHUEISHA, DANDADAN-Produktionskomitee
Während der Interviews, die zusammen mit den Kinovorführungen von DAN DA DAN im Oktober stattfanden, teilte Autor Yukinobu Tatsu mit, dass seine ersten Vorschläge für seine traditionellen Battle-Manga-Ideen immer wieder abgelehnt wurden, angeblich weil sie abgelehnt wurden Es fehlt ihnen das besondere Etwas, das sie von der Konkurrenz abheben würde. Angesichts dieses Misserfolgs ordnete Tatsus Herausgeber an, dass er „100 Romantik-Manga“ lesen sollte, bevor er sich wieder ans Zeichenbrett begab, um seine Arbeit zu verfeinern. Wer auch immer dieses schicksalhafte Genie gewesen sein mag, die Millionen Fans, die DAN DA DAN diesen Winter gesehen haben, sind ihnen zu unermesslichem Dank verpflichtet.
Was den meisten Zuschauern fast sofort auffällt, ist das Geheimnis das die Leute Woche für Woche nach mehr Portionen DAN DA DAN schreien lässt, ist nicht seine lächerlich verrückte Prämisse „Aliens vs. Yokai vs. alberne Teenager“. seine Fülle an seltsamem und ekligem Humor, seine kreative und mitreißende Action, noch nicht einmal die überaus lebendigen und filmischen Produktionswerte, die Science SARU in die Adaption eingebracht hat. All diese Dinge sind großartig, wohlgemerkt, und sie tragen sicherlich zur Gesamtqualität der Show bei. Letztendlich bilden all diese Elemente jedoch einfach den wahren Eckpfeiler des Erfolgs von DAN DA DAN: Die Stärke seiner Charaktere und die Beziehungen, die sie im Laufe ihrer Geschichte aufbauen.
Das habe ich Ich habe in meiner Zeit viel Anime gesehen und viel Manga gelesen. Ich übertreibe nicht, wenn ich sage, dass Momo Ayase und Ken „Okarun“ Takakura zwei der sympathischsten und überzeugendsten Helden sind, die jemals auf den Seiten von Shonen Jump zu sehen waren. Abhängig vom Tag oder sogar der einzelnen Szene kann DAN DA DAN ein ausgelassenes Science-Fiction-Action-Abenteuer, eine erschreckende übernatürliche Horrorshow, ein herzzerreißendes Drama, eine spaltende Komödie oder eine absolut perfekte Wiedergabe einer saftigen Jugendromanze sein. Momo und Okarun müssten hervorragend geschrieben und dargeboten sein, um als Hauptdarsteller nur eines dieser Genres erfolgreich zu sein, und jede Woche erweisen sie sich als mehr als fähig, den Erwartungen in allen Genres gleichzeitig gerecht zu werden. Sie sind zu gleichen Teilen liebenswert, lächerlich, dumm, fehlerhaft, mutig, gerissen und furchtlos. Am wichtigsten ist jedoch, dass sie, obwohl sie im wahrsten Sinne des Wortes zweidimensional sind, eine tiefe und kraftvolle Chemie besitzen, von der viele Schauspieler aus Fleisch und Blut auf der Leinwand nur träumen konnten.
Danke an das Einmalige Dank der Kombination aus einer perfekten Besetzung von Charakteren und einer Prämisse nahezu grenzenloser Möglichkeiten, die alle einem Team von Künstlern und Darstellern gegeben wurden, die die talentiertesten Menschen der Branche repräsentieren, hat sich DAN DA DAN als einer der Generationen einen Namen gemacht Der beste Anime des Jahres 2024, wenn der Abspann der praktisch makellosen ersten Folge läuft. Die Tatsache, dass jede einzelne Folge, die seitdem ausgestrahlt wurde, genauso gut, wenn nicht sogar besser war, hat es nur einfacher gemacht, sie zu loben. –James Beckett
#1 – Delicious in Dungeon
©Ryoko Kui,KADOKAWA/Delicious in Dungeon PARTNERS
Dieses Jahr gab es nur einen Anime, der Action, Abenteuer, gemütliche Kocheinlagen und unvergessliche Reaktionsgesichter vereinte, alles umgesetzt mit der unvergleichlichen Energie von Studio Trigger. Von sofort beliebten Charakteren über den fesselnden Weltaufbau bis hin zu einer fesselnden Handlung, die von albern zu ernst und wieder zurück wechseln konnte, war „Delicious in Dungeon“ eine Meisterleistung. Vom kraftvollen Eröffnungssong und der Eröffnungssequenz, die den ersten Teil der Serie einläuteten, bis hin zum explosiven Finale der Staffel, das große Entwicklungen für unsere Besetzung und die Welt, in der sie leben, ankündigte: Unsere Wahl für den besten Anime des Jahres 2024 wird jahrelang in Erinnerung bleiben.
Wenn man die Beliebtheit eines Anime allein anhand der Häufigkeit der von ihm inspirierten Memes beurteilt, besteht kein Zweifel daran, dass die Besetzung von „Delicious in Dungeon“ die gesamte Anime-Fangemeinde in ihren Bann gezogen hat. Von Marcilles sofort ikonischen Gesichtern des langmütigen Ekels über Chilchucks nacktes Urteil über seine Parteimitglieder, über Laios‘ Ruf „Dieser Typ frisst alles“ bis hin zu Senshis heilsamer Erinnerung an seine Partei – und an uns alle –, dass jeder das wert ist Da die Zubereitung einer nahrhaften Mahlzeit so viel Zeit in Anspruch nimmt, wurde jeder Charakter sofort zum Hit. Der Protagonist Laios täuschte uns zunächst mit seiner allgemeinen Rolle als menschlicher Kämpfer, bevor er sich als weit von einem durchschnittlichen „Potato-kun“-Protagonisten erwies. Anstelle einer typischen Selbstdarstellung war Laios sowohl sympathisch als auch völlig originell und hatte einen methodischen Fokus auf Dungeon-Essen, der einige neurodivergente Fans dazu ermutigte, sich mit ihm zu identifizieren. Marcilles vernichtende Blicke im Kontrast zu ihrer schmelzenden Zuneigung zu Laios‘ Schwester Falin machten „Farcille“ (der Spitzname der Fans für das nicht-kanonische Paar Marcille und Falin) zum am zweithäufigsten erwähnten Schiff auf Tumblr für 2024. Tatsächlich war „Dungeon Meshi“ (der japanische Name der Serie) der dritthäufigste Ich habe das ganze Jahr über Medientitel auf Tumblr getippt. Man kann kaum genug betonen, wie sehr diese Show und diese Charaktere die Fantasie der Fans angeregt haben.
Es ist zwar eine lustige Show, aber was Delicious in Dungeon so besonders machte, war seine Bandbreite. Es war nicht einfach nur Albernheit ohne Substanz, sondern eine vollständig umgesetzte High-Fantasy-Handlung. Obwohl viele Fantasy-Fans mit der Idee vertraut sind, dass Charaktere einen Dungeon erkunden, geht Ryōko Kui, Schöpferin von Delicious in Dungeon, mit dieser vertrauten Prämisse tief in die großen Fragen ein. Warum gibt es diesen Kerker? Welchen Sinn hat es, einen Dungeon zu erkunden? Wie entstehen neue Dungeons und wie funktionieren Dungeon-Ökosysteme? Ihr Konzept des Kerkers als Mikrobiom ist ebenso nachdenklich wie unterhaltsam. Es führt zu urkomischen Abenteuern für unsere Helden, während sie der Wahrheit über bekannte Dungeon-Themen auf die Spur kommen. Lebende Panzeranzüge, die köstlich in Dungeon erklärt, sind eine Art Mollusk. Trockenaden, Früchte mit störenden Gesichtern, schützen sich realistisch pflanzlich, indem sie das Heufieber der Party verleihen. Der Humor und der Weltbild ernähren sich ineinander und stärken jedes Element. Eine Reihe von Einstellungen verschiebt sich ebenfalls, wenn die Gruppe in tiefere Böden abfällt. Von Wald über das Ozean bis zum Dorf bleiben sie nie lange genug, damit die Zuschauer das Interesse verlieren. Der Dungeon selbst ist immer lebendig und mysteriös und voller versteckter Tiefen. Er ist ein Charakter für sich. Die Art und Weise, wie das Studio-Trigger diese Hintergründe und die fließende Art und Weise darstellte, wie die Partei sie navigiert, erweckte die Geschichte zum Leben.
lecker in Dungeon war zufällig auch die einzige Show, die ich dieses Jahr auf Englisch bezeichnet habe. Mit dem japanischen Dub war nichts auszusetzen; Es ist nur so, dass der englische Dub zufällig außergewöhnlich war. Ich war besonders ein Fan von Sungwon Cho als Senshi, der den freundlichen Zwergen einen schäbigen, väterlichen Ton ausleihte, der zu seiner Rolle als der engagierte Vater der Partei passt. A viral post on Twitter showed Japanese viewers lauding the English dub, indicating that this was a performance that crossed Sprachbarrieren. Hervorragende Gesangsdarstellungen, dynamische Animationen und brillantes Quellmaterial, das in Dungeon köstlich zu einem einmaligen Meisterwerk köstlich macht. -Lauren Orsini
Erforschen Sie den besten Anime der Offenlegung von 2024: Kadokawa World Entertainment (KWE), eine hundertprozentige Tochtergesellschaft der Kadokawa Corporation, ist der Mehrheitseigentümer von Anime News Network, LLC. Eines oder mehrere der in diesem Artikel genannten Unternehmen sind Teil der Kadokawa-Unternehmensgruppe.
