Olá pessoal, sejam bem-vindos de volta ao Wrong Every Time. Esta semana eu e meus colegas de casa nos empanturramos positivamente de Tears of the Kingdom, nos perdendo nos reinos de Hyrule em todas as oportunidades possíveis. O jogo ainda parece totalmente irreal; os mundos dos jogos não podem ser realizados com tal amplitude simultânea de experiência e nuances fáceis de interatividade do personagem, todos esses sistemas não podem se alimentar uns dos outros para encorajar um loop de jogo tão robusto e satisfatório, e máquinas de manipulação de júri juntas não poderiam Nunca me senti tão perfeito, natural e alegre. E, no entanto, eles fazem, e fazer engenhocas estranhas provou ser a evolução natural do chamado de Breath of the Wild para a ação criativa. Eles até abordaram os problemas existentes em Breath of the Wild, desde a durabilidade da arma (agora você sempre pode criar suas próprias armas de alta qualidade) até a chuva (diga olá aos tônicos pegajosos). Tem sido difícil me afastar, mas não se preocupe-ainda encontramos tempo para nossas exibições de filmes agendadas. Vamos ao que interessa!

O primeiro desta semana foi Legend, outro filme de fantasia dos anos 80 e um dos grandes fracassos da carreira de Ridley Scott. Tom Cruise estrela como Jack, um “ser puro” que deve lutar contra as Trevas (Tim Curry), uma força do mal que deseja envolver a terra em, bem, escuridão. Apenas por esse título e descrição, você já deve estar adivinhando a falha principal de Legend – o filme se esforça tanto para ser “genericamente icônico” que simplesmente carece de uma identidade, com seu mundo e personagens falhando em possuir qualquer textura ou personalidade.

Jack e sua amada são simplesmente “pessoas boas”, basicamente sem outras qualidades definidoras como personagens. O mundo que eles habitam é subdesenvolvido e absurdo-Jack é um menino adulto que vive na floresta, eu acho, os “reinos” que eles atravessam parecem estúdios sonoros vizinhos, e nunca aprendemos o suficiente sobre o mundo maior ou as pessoas que habitam para sentir que há algum senso de risco ou consequência. Quando Tim Curry envia seus lacaios para matar um unicórnio, sua descrição é “há uma fera na floresta que você deve matar” – então, todo o mundo da superfície é uma pequena floresta e seu covil está diretamente abaixo dela? Porque é assim que a geografia do filme realmente se desenrola.

De qualquer forma, dado o aparente desinteresse de Ridley Scott nas nuances da visão e textura dos personagens que dão vida aos dramas de fantasia, os prazeres de Legend são encontrados estritamente em outro lugar. Por um lado, o filme é lindo-o diretor de fotografia Alex Thomson evoca habilmente a atmosfera elevada e onírica que muitas vezes caracteriza a fantasia arturiana, e os bosques da floresta e as masmorras sinistras que nossos heróis atravessam são amorosamente realizados por meio de um cenário ornamentado e cores ricas. Momentos puramente experimentais, como quando a princesa Lili (Karen Sara) é confrontada por um sinistro vestido preto que a seduz a dançar com ele, podem parecer genuinamente mágicos. E Tim Curry é um deleite absoluto, tanto por sua extraordinária maquiagem de corpo inteiro quanto pelo prazer emotivo que ele de alguma forma transmite através de toda aquela pintura de palco. Definitivamente não é um filme de sucesso, mas com certeza é um artefato interessante.

Decidimos então que basta, e é hora de eliminar os slashers restantes em posse de qualquer renome. Esse processo começou com Terror Train, um slasher totalmente mediano que aparentemente foi apresentado como “Halloween on a train”, linguagem que implica angustiantemente um mal-entendido inerente de como o cenário e o impacto do Halloween são inseparáveis.

Ambições equivocadas à parte, Terror Train é um bom slasher do lado B e se beneficia muito do desempenho convincente de Jamie Lee Curtis. As mortes não são particularmente assustadoras ou inventivas, mas o hábito do assassino de vestir as várias fantasias de suas vítimas pelo menos adiciona algum suspense e ambiguidade à sua presença (embora suas tentativas de me convencer de que David Copperfield era o assassino tenham sido menos eficazes). Para ser brutalmente honesto, a melhor palavra para descrever Terror Train é “inessencial” – sua história é óbvia, mata abaixo do esperado e produção meramente competente. É uma diversão estranha ver Curtis e Copperfield juntos na tela, mas provavelmente não vale o preço de entrada.

Seguimos isso com Hell Night, um veículo de terror para Linda Blair filmado oito anos depois de O Exorcista. Para ser honesto, quando penso em O Exorcista, penso principalmente em William Friedkin, mas Blair realmente faz um bom trabalho neste filme. Enquanto os personagens ao seu redor tendem a falar em horror-ese intensificado, essa linguagem dramática comum a slashers de acampamento, Blair fala apenas como uma pessoa real, parecendo um pouco com a Velma de Scooby Doo transportada para um quadro de slasher.

Hell Night vê um grupo de promessas de fraternidade em vários trajes de época enviados para Garth Manor, onde devem passar uma noite de terror e tremor, auxiliados de todas as formas possíveis por seus irmãos da fraternidade. Claro, logo descobre-se que há um monstro real assombrando Garth Manor, com uma contagem de corpos que se segue rapidamente.

Hell Night é elevado apenas um toque acima desta fórmula básica por meio de seus fundamentos alternadamente robustos e inventivos. Em primeiro lugar, o elenco aqui recebe um pouco mais de sombreamento do que suas vítimas infelizes de sempre; ao lado de Blair, seus dois companheiros de juramento parecem pessoas inteiras, não apenas entalhes em uma contagem. Além disso, a combinação dos figurinos de época do elenco e a presença imponente de Garth Manor significa que o filme também se baseia na estética e nas convenções dramáticas do horror de Hammer, adicionando um toque de elegância de cenografia e melodrama antiquado às atrações padrão do slasher. Certamente não resiste aos melhores slashers, mas fiquei surpreso com o quanto gostei deste.

O último da semana foi Moana, um filme recente da Disney estrelado por Auli’i Cravalho como a heroína titular, uma jovem que passou toda a sua vida em uma ilha, mas sonha em viajar pelos mares. Na vila de Moana, é proibido viajar além da lagoa – mas quando as rotas de pesca da comunidade secam, ela parte para encontrar o semideus Maui (Dwayne Johnson), restaurar o coração de pedra de Te Fiti e salvar o maldito mundo.

Juntamente com a beleza duradoura de sua animação em CG, Moana voa com a força de sua simplicidade e clareza de propósito. Não há drama romântico complicado aqui-é apenas Moana em uma grande aventura, complementada por um Dwayne Johnson que faz tudo ao seu alcance para não estar lá. O auto-interesse e o desinteresse sem remorso de Maui na busca de Moana na verdade o tornam um dos personagens mais cativantes de Johnson; sua bravata aqui é constantemente esvaziada, permitindo que sua força como comediante brilhe. E com a jornada do personagem de Moana amarrada a suas ansiedades em relação à sua identidade, ela está livre para aproveitar esta aventura, provando ser uma das protagonistas de ação mais competentes da história da Disney.

Ao se esquivar de muitos dos premissas narrativas do “filme das princesas da Disney”, Moana brilha como uma aventura de amigos estrelando dois personagens eminentemente simpáticos, impulsionados por interlúdios de canções consistentemente excelentes. As cenas de ação são criativas e enérgicas, os mascotes complementam muito bem os protagonistas e as jornadas emocionais dos personagens são resolvidas graciosamente sem atrapalhar o ímpeto geral do filme. Moana é simplesmente uma ótima história de ação e aventura em qualquer métrica e um filme familiar ideal.

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