Olá pessoal, sejam bem-vindos de volta ao Wrong Every Time. Hoje tenho um toque de som e fúria para todos vocês, pois as exibições da semana incluíram um filme que odiei com cada fibra do meu ser. Sim, nós realmente assistimos ao detestável remake de Rei Leão de Favreau, então todos vocês podem desfrutar de uma pitada dessa fúria nua que eu só dirijo em coisas que tornam o mundo pior. Felizmente, as exibições do restante desta semana foram muito mais fortuitas, variando de um artefato distinto da transição digital do anime a um simplesmente excelente filme de terror. Vamos começar com o ruim e seguir em frente com o bom, à medida que avançamos na última semana em revisão!
Estimulados pela insistência de meus colegas de casa, continuamos a exibição da semana passada de O Leão King com sua reimaginação em CG de 2019. Bem, “reimaginar” é provavelmente a palavra errada, já que falhei em analisar um pingo de imaginação em qualquer aspecto deste maldito filme. Eu já esperava o quão ruim ficaria: nas mãos de gancho de carne de Jon Favreau, todas as cores bonitas, todas as composições impressionantes e todos os fragmentos de atuação do personagem são drenados do original. Em sua busca sem sentido pelo suposto fotorrealismo, ele garante que cada tomada deste filme pareça sem foco e entediante, aspirando a não mais do que manter seus animais CG inexpressivos mais ou menos no meio do quadro. Uma vez que sequências de músicas dinâmicas e ricas em cores são totalmente drenadas de seu apelo; você mal consegue ver o que está acontecendo ao longo do obscuro Be Prepared, enquanto I Just Can’t Wait To Be King abandona qualquer tipo de narrativa visual além de “aqui estão alguns animais na tela”.
Mas Favreau sempre foi um hack, e “vamos buscar o fotorrealismo em vez da arte” sempre foi um exercício inerentemente inútil. O que me surpreendeu sobre este filme foi o quanto ele ficou aquém do original, mesmo quando você desconsidera o visual. A escrita é mais desajeitada e menos focada, aparentemente mais interessada em demonstrar “ei, temos dubladores de celebridades!” do que realmente contar uma história. E a mixagem da música é atroz, com instrumentos totalmente submersos e vozes muito altas na mixagem, de uma forma que destaca ainda mais o quão mal as melodias vocais se comparam às suas contrapartes originais. Praticamente a única performance vocal que se compara favoravelmente ao original é a de Donald Glover, mas nem ele consegue superar as falhas de produção. Esta versão de O Rei Leão é “o original, mas dramaticamente pior” em todos os aspectos que você possa imaginar, pegando um filme que impressionou milhões e regurgitando-o como um exercício cínico de explorar prioridades equivocadas do público. Favreau, você conseguiu de novo.
Em seguida, concluímos nossa análise do que meu colega de casa classificou como “os Rockys essenciais” (Rocky 1 a 4) com uma visualização de Rocky III, onde Stallone enfrenta o encantador Clubber Lang (Sr. T). Enquanto escrevia sobre Rocky II, refleti sobre como os filmes de Stallone tendem a se encaixar em estudos de personagens ou modelos de machismo hoo-rah; Rocky III marca o ponto de transição entre esses modelos, pois nosso protagonista muda de um homem assombrado por seus demônios para um super-herói lutando contra um supervilão.
A primeira partida fracassada de Rocky contra Lang parece a conclusão da história inicial de Rocky: ele vai longe com o campeão, acaba vencendo o campeonato, perde a fé na validade de suas realizações e é castigado por uma trágica lembrança do que é realmente valioso na vida. A cena de Stallone berrando ao lado de seu treinador moribundo é uma das melhores de sua carreira; naquele momento, todas as suas ansiedades sobre “vitórias reais” se mostram insubstanciais, pois ele mente ansiosamente sobre seu desempenho para acalmar as preocupações de seu treinador. Na melhor das hipóteses, Stallone pode evocar uma tragédia muito parecida com De Niro nas mãos de Scorcese, um emblema marcado pela varíola do poder masculino em um mundo onde tal força só pode trazer a ruína.
Então Carl Weathers aparece, temos um montagem de treinamento alegre, e Stallone derrota Mr. T em sua revanche. Então, sim, em última análise, um filme um tanto desconexo, mas honestamente gostei bastante de ambas as partes. Há coisas para amar em Stallone, o macho, e Stallone, na crítica masculina, e Rocky III oferece uma parte vencedora de cada um.
Em seguida, Housebound, uma comédia de terror da Nova Zelândia sobre uma jovem chamada Kylie (Morgana O’Reilly), que é condenada a oito meses de prisão domiciliar na casa de sua antiga família após o último de uma série de crimes menores. Uma vez lá, ela se reencontra com sua mãe tagarela, que parece acreditar que há algum tipo de presença assombrando sua casa. Com o tempo, Kylie começa a testemunhar alguns eventos inexplicáveis de sua autoria, levando a uma investigação paranormal dos segredos mais sombrios da casa.
Housebound é definitivamente mais comédia do que terror, mas consegue habilmente em ambas as esferas, oferecendo muito de recompensas cômicas dementes e um elenco de personagens imensamente simpático. Não começa assim; A personagem de Kylie é tão egocêntrica que leva algum tempo para se envolver em sua história, e sua mãe desempenha com habilidade o papel de alguém que é simultaneamente “legal”, mas impossível de conviver. Mas uma vez que o agente de prisão domiciliar-investigador paranormal Amos se envolve, o filme se transforma em uma caça ao fantasma emocionante e consistentemente engraçada, com muitas reviravoltas satisfatórias e alguns efeitos práticos deliciosamente pegajosos. O ato final de Housebound oferece uma fusão perfeita de tensão de gato e rato e liberação cômica, apresentando uma piada tão boa que tenho que cerrar os dentes para evitar estragá-la. Leve, charmoso e inteligentemente construído, Housebound é um relógio gratificante para os fãs de comédia ou terror, e provavelmente um ótimo filme de”terror de entrada”para aqueles que estão criando coragem para abordar o gênero.
Em seguida, exibi um filme de anime que está na minha lista há algum tempo, Blood: The Last Vampire, de Hiroyuki Kitakubo. O filme tem apenas 45 minutos de duração e é essencialmente apenas uma série de cenas de ação, seguindo a caçadora de vampiros Saya de um confronto no metrô até a Base Aérea de Yokota, enquanto ela persegue uma série de bestas sedentos de sangue.
O o enredo do filme não é particularmente interessante, mas basicamente todo o resto dessa produção é. O cenário, por exemplo; “uma base aérea americana no Japão durante a década de 1960” é um ambiente específico e inovador e facilita a mistura confiante do filme de inglês e japonês. Blood também reflete vários pontos de inflexão na história da produção de anime. Como um curta-metragem concebido como uma fundação de franquia, ele remonta ao início da história de prestígio da Production I.G., filmes dirigidos por criadores e OVAs, enquanto um filme concebido em grande parte para demonstrar o potencial da animação digital, obviamente pressagia a adoção em larga escala da indústria. de métodos digitais. E o mais importante, realmente funciona: os designs distintos dos personagens de Katsuya Terada combinam bem com os componentes digitais, e a estética geralmente sombria do filme faz um excelente trabalho em mascarar as costuras de suas várias partes. Um instantâneo interessante de um momento muito diferente na história da produção de anime.
O último da semana foi um semi-clássico slasher, The House on Sorority Row. Apesar de seu título pouco inspirado, Sorority Row acabou sendo um slasher distinto e totalmente superior, elevado por sua estrutura narrativa envolvente única, roteiro extraordinariamente espirituoso e fortes atuações do elenco principal. O filme segue um grupo de irmãs de fraternidade que tentam pregar uma peça em sua mãe do dormitório, apenas para matá-la acidentalmente. Com a irmandade dando uma festa em horas, o grupo decide esconder o corpo em sua piscina abandonada, precipitando uma hora ansiosa tentando esconder seu crime enquanto lentamente é pego por um misterioso assassino.
Em vez de a gangue usual de vítimas anônimas que você costuma encontrar nesses recursos, o elenco de Sorority Row é distinto e dinâmico, apresentando subdivisões claras de cliques entre o grupo social geral e muitas personalidades importantes entre eles. A relativa culpabilidade desses personagens os leva a direções estranhas e em pânico antes mesmo do início dos assassinatos, enquanto o contraste entre violência e folia dá ao ato intermediário do filme uma energia frenética, quase delirante. O filme ainda aborda efetivamente a tragédia do legado dessa mãe do dormitório, explorando aquela veia sempre fértil de experiência que cobiça a juventude. Curiosamente, o elemento mais fraco deste filme de terror é, na verdade, o corte – as mortes não são particularmente distintas ou assustadoras, mas quando o andaime ao redor delas é tão impressionante, é uma falha facilmente perdoável.
