O outono de 2022 é uma temporada de anime historicamente carregada, o resultado de concentrar essencialmente os melhores talentos de um ano em uma única explosão por meio de gerenciamento ousado e às vezes agressivo. Mais do que merece um mergulho profundo em muitos desses títulos e nas equipes por trás deles-veteranos talentosos, jovens muito promissores e artistas experimentais liderando seus próprios projetos.
–Chainsaw Man
–Mob Psycho 100 III
>–Faça você mesmo!!
–Bocchi The Rock!
–Yama no Susume: Próxima Cimeira
–Pui Pui Molcar: Escola de Condução
–POP TEAM EPIC Temporada 2
–Mobile Suit Gundam: The Witch From Mercury
–The Tatami Time Machine Blues
–Arknights: Prelude to Dawn
–Play it Cool, Guys
–Bleach: Thousand-Year Blood War
–Outros títulos
Homem motosserra (PV)
Diretor: Ryu Nakayama
Diretor Chefe de Episódio: Masato Nakazono
Designer de Personagem, Diretor Chefe de Animação: Kazutaka Sugiyama
Demon Design: Kiyotaka Oshiyama
Diretor de Ação: Tatsuya Yoshihara
Diretor de Arte: Yusuke Take da
Compositor: kensuke ushio
Kevin: Acho que não há lugar melhor para começar uma temporada escandalosamente carregada do que com o título ganhando mais atenção e emoção, talvez níveis históricos altos deles. Chainsaw Man tem sido um fenômeno de uma forma que muito poucas séries de mangá ainda não adaptadas podem ser, e no momento em que recebeu um anime, o projeto pressionou todos os botões certos para se tornar um megahit. Os valores de produção deslumbrantes, a comercialização do estilo com o qual eles seguiram, o poder da marca ou até mesmo o momento de lançar uma equipe de estrelas como o reconhecimento do tipo específico de criador chamativo que embala essa equipe é um ponto alto. tempo alto, tudo sobre ele grita sucesso maciço. E isso é algo com o qual o estúdio MAPPA ficará encantado, pois eles me surpreenderam positivamente por serem os únicos investidores deste título e evitar os produtores executivos sempre tão comuns de outras empresas se intrometerem; aliás, este não é o único título popular desta temporada a renunciar a um comitê, algo que você não esperaria ao ouvir a máquina de propaganda gratuita do estúdio.
Como você provavelmente sabe, liderar o projeto é diretor da série Ryu Nakayama. Dado o quão perfeitamente organizado para o sucesso o projeto está, então, por que confiá-lo a um jovem essencialmente sem experiência em liderar uma narrativa? Embora tenhamos tempo para chegar ao âmago do fundo do projeto durante nossa cobertura do programa, as qualidades de Nakayama são evidentes, independentemente. Estamos falando de um animador de ação e efeitos atraente, especialidades que nunca vieram ao custo de despriorizar a expressão do personagem, como as sequências mais extremas em Yozakura Quartet: Hana no Uta provaram-sem dúvida o momento em que um o jovem Nakayama passou de uma perspectiva empolgante para um ás do presente. A ideia de fluidez é muito usada quando se trata de animação, tornando-se um termo genérico para elogios, mesmo nos casos em que o estilo é tudo menos suave, mas o fluxo de Nakayama é infinitamente satisfatório dessa maneira, sem exigir um número exorbitante de desenhos.
Como um dos membros mais notáveis da segunda onda de animadores webgen do anime, Nakayama também se orgulha de um conjunto invejável de conexões; uma qualidade sua que não é apenas um fator na fundação do CSM, mas também está sendo expandida em todas as direções. Você não precisa procurar mais do que a equipe principal para encontrar seus mentores e amigos, indivíduos igualmente habilidosos como Tatsuya Yoshihara que, por sua vez, atraem conhecidos interessantes-e, assim, iniciam o processo de magnetismo sakuga que muitas vezes aludem quando se trata de produções particularmente carregadas, o único bom exemplo de os ricos ficarem mais ricos. Ao mesmo tempo, Nakayama aproveitou-ou melhor, criou pessoalmente-a oportunidade de levar jovens artistas sem experiência em animação comercial sob sua asa. Esses artistas estão sendo orientados diretamente por um artesão excepcional e, em troca, isso está fortalecendo a posição de Nakayama como alguém que pode explorar o conjunto bruto e poderoso de jovens indies.
Isso quer dizer que, enquanto eu entenda a apreensão dos fãs pensando se alguém que nunca dirigiu um show estava pronto para um título dessa magnitude, a presença de Nakayama por si só oferece vantagens enormes que são óbvias para qualquer pessoa com a menor ideia de como a indústria de anime funciona. É fácil idealizar diretores como visionários que apenas fazem escolhas criativas, mas quando se trata disso, o trabalho envolve inúmeras verificações técnicas, e você pode se ferrar se sua personalidade e rede de relacionamentos não o ajudarem a garantir uma equipe com o pessoal certo. Nakayama incorpora todas as soluções que são fáceis de serem consideradas como um espectador e, pelo que vale a pena, a narrativa de identidade subestimada profundamente afetada a> de seu videoclipe de Eve Raison d’Etre provou que ele é mais do que um gerente glorificado com experiência técnica. Entre a força de produção que sabemos que ele tem e a sutileza criativa que ele sugere possuir, CSM tem todos os ingredientes para arrasar de uma maneira importante.
Existe um problema para isso, então? Talvez não, mas uma luta, absolutamente. Criar arte não é uma simples equação matemática, mesmo em um cenário generoso onde você pode mais ou menos ignorar o tempo – agora esse é um número que pode fazer ou quebrar seu projeto. O CSM realmente tem todos os ingredientes certos para um sucesso muito chamativo, mas não importa quantos recursos palpáveis você tenha, não há garantia de que você capturará o charme de um autor como Tatsuki Fujimoto isso é tudo sobre os intangíveis.
CSM é um conto hiperviolento de matança de demônios, uma comédia escandalosamente engraçada com um toque de filme B, uma queda social pungente e uma história familiar emotiva; muitas vezes, tudo isso ao mesmo tempo. A maneira como ele consegue isso não é através da compartimentação de todos os seus diferentes humores, mas com a entrega consistentemente desequilibrada de Fujimoto que fará com que a tragédia faça você sorrir através das lágrimas, torcer piadas engraçadas de maneiras horripilantes e alcançar a catarse em cenas que fazem você felizmente amaldiçoa sua palhaçada. Em contraste com o caos controlado de Fujimoto, o anime parece estar adotando uma abordagem mais monótona. Um que constantemente parece, sente e tem gosto de um projeto caro, com a restrição obrigatória que vem disso. Isso não quer dizer que eles vão acabar com o humor – impossível com um roteiro tão surreal – ou que permanecerá tão sombrio quanto o primeiro episódio foi ao longo da temporada, mas certamente não está operando em tantos modos simultâneos quanto o material de origem ridículo. E esse pode ser o seu maior desafio a longo prazo: o CSM pode capturar o gênio caótico de Fujimoto em todas as suas formas, ou vai simplificar a experiência e continuar sendo um espetáculo chique? O último seria um programa divertido, o primeiro, um potencial para todos os tempos.
Como mencionamos anteriormente, estaremos cobrindo a série com certeza, por isso não senti a necessidade de entrar na minúcia da produção ainda. Até certo ponto, escrever sobre a série parece um dever. A popularidade surpreendente de CSM gerará um discurso sem fim, incluindo visualizações de pessoas que não assistem anime regularmente – algo que eu sinto que se encaixa perfeitamente na série, dadas as influências de Fujimoto, lembre-se. Para cada pequena peça fascinante de escritores com experiência cinematográfica, no entanto, já está claro que teremos grandes meios de comunicação descarregando peças mal pesquisadas trabalhando sob a premissa de que anime e aqueles japoneses alegres são simplesmente incognoscíveis, então vamos apenas correr com infundadas especulação. Não tenho a impressão de que podemos enraizar o discurso nas realidades de produção por nós mesmos, mas divulgar a informação ainda parece a coisa responsável a fazer.
Mas, francamente, a razão pela qual me comprometi a escrever sobre a série é simplesmente que o atrito entre arte e comercialismo não pode deixar de me fascinar. Uma anomalia como o CSM pode se repetir em um ambiente muito mais arriscado financeiramente como o anime? Poderia uma lacuna entre o roteiro maluco de Fujimoto e a contenção do anime ser explorada como uma nova fonte do surrealismo do CSM? Esses são os tipos de perguntas que espero poder abordar ao abordar os desenvolvimentos de momento a momento de sua produção.
Mob Psycho 100 III (PV)
Diretor-chefe: Yuzuru Tachikawa
Diretor: Takahiro Hasui
Designer de Personagem, Diretor Chefe de Animação: Yoshimichi Kameda
Diretor de Arte: Ryo Kono
Libo: Para aqueles que não estão conosco há tanto tempo, aqui está uma breve janela para o passado: o Sakuga Blog foi fundado em julho de 2016, e Mob Psycho 100 foi o primeiro show que consideramos digno de receber cobertura estendida; para não tocarmos nossa própria buzina, mas eu diria que fizemos a escolha certa. Continuamos essa cobertura com sua segunda temporada até seu quinto episódio histórico, que deve ter causado um curto-circuito em nossos cérebros tão fortemente que todos nos tornamos incapazes de escrever sobre Mob novamente – essa é a desculpa com a qual estamos correndo de qualquer maneira. Vários anos depois, a série está pronta para encerrar sua adaptação em anime com sua terceira e última temporada. Que jornada tem sido, e que sorte nós termos sobrevivido a ela!
À medida que os tempos mudam, as circunstâncias de produção também mudam. A agenda de Yuzuru Tachikawa já estava ocupada, pois ele estava dirigindo uma adaptação de Blue Giant, o que resultou na nomeação de um novo diretor da série em Takahiro Hasui. Ele foi o encarregado de tarefas práticas, enquanto Tachikawa permaneceu no projeto em uma posição mais voltada para supervisão… ajude, mas participe. Hasui começou no estúdio BONES em 2012 como assistente de produção, mas acabou decidindo seguir a carreira de diretor em vez de se tornar produtor. Ele se tornou uma parte essencial de projetos como a terceira temporada de Bungo Stray Dogs e SK8 the Infinity, até que finalmente conseguiu sua estreia na direção da série com Mob. Porém, não entenda que esse salto entre diferentes papéis e séries significa que ele é um estranho-ele já dirigiu o sexto episódio da 2ª temporada, um trabalho pesado considerando seu antecessor.
Outra mudança está no personagem designer Yoshimichi Kameda, que assumiu o papel de diretor chefe de animação depois de evitá-lo com sucesso nas últimas duas temporadas. Isso significa que ele está em posição de supervisionar as correções de outros diretores de animação e, se os primeiros episódios passarem, seu toque poderoso ainda é inconfundível. Você está preocupado que ele não seja capaz de fazer diretamente a direção de animação em um episódio ou dois, como nas duas temporadas anteriores? Bem, você não deveria estar, porque ele também está fazendo isso de qualquer maneira. Por mais visíveis que as mudanças no topo desta produção pareçam à primeira vista, a verdade é que aqui terminam as diferenças: todos os outros protagonistas regressam às respetivas posições pela última vez, o que é uma notícia fantástica dada a qualidade de seus trabalhos anteriores.
Certamente todos os leitores de mangá sabem o que esperar desta temporada final narrativamente, mas e as coisas exclusivas da animação? Antes de mais nada, vale ressaltar que a produção desta temporada foi finalizada com antecedência; para ser mais preciso, por volta do final da primavera. Embora terminar as coisas cedo não seja particularmente exclusivo da Mob, ou mesmo necessariamente positivo se você estiver simplesmente adiantando seus prazos irracionais, a maneira como a Mob lidou com isso o diferencia da triste norma da indústria; algo que a equipe que passou desta produção para um certo título com tema musical nesta temporada pode atestar. Devemos nos alegrar que este não seja apenas o tipo de produção para reunir os melhores cozinheiros, mas também para dar tempo suficiente a tudo no forno.
E quem são esses cozinheiros artistas mesmo? Afinal, estamos falando de Mob Psycho 100, um título conhecido por apresentar os principais talentos da indústria, então é claro que você ficaria curioso sobre isso. Sem estragar totalmente as surpresas, você pode esperar o retorno de um certo animador/diretor com um culto que rivaliza com o brócolis gigante do programa, talvez a estreia na direção de um certo animador de efeitos que não trabalhou muito no programa até agora , e uma contribuição significativa de um criador atrevido que a partir de agora afirma que não participou de nada. E quem sabe, talvez alguns animadores extremamente populares tenham aproveitado esta última oportunidade para se tornarem Psicopatas.
Kevin: Eu só quero observar que meu bom amigo Libo tem estado muito ocupado para escrever no site há bastante tempo, e só encontrou a oportunidade de voltar agora para me negar o prazer de escrever sobre Mob Psycho. Tudo o que posso fazer para aliviar minha dor é esperar pelo episódio #08, um número que escolhi sem nenhum motivo em particular. Apenas um palpite sobre um possível episódio do ano.
Faça você mesmo!! (PV)
Autor: Eu me pergunto quem é a pessoa sob um pseudônimo que é um termo da Dennou Coil
Diretor: Kazuhiro Yoneda
Designer de personagens, diretor de animação chefe: Yusuke Matsuo
Designers de objetos: Yuki Yonemori, Kei Kato
Designer de bricolage, supervisor e Assistente: Swaro
Diretor de Arte, Designer de Arte: Yuka Okamoto
Kevin: Você sabe o que sua vida poderia fazer? Um desenho animado descontraído e relaxante-mas que realmente incorpora isso em todo o seu ser, não apenas anime com um clima tranquilo. Títulos de Iyashikei dificilmente são raros, mas são programas como Do It Yourself!! que abrem seus olhos para a possibilidade de cumprir plenamente sua promessa. DIY é uma ode à criação artesanal e proatividade em uma época em que o avanço implacável da tecnologia tenta nos convencer de que não vale mais a pena persegui-las; ou seja, um cenário interessante com apostas imediatas baixas e, portanto, uma premissa perfeita para um tempo descontraído e atraente.
Sua cor agradável e design de arte é apenas o começo dos visuais que o convidam para isso mundo, que pode ter os designs e a filosofia de animação de Yusuke “Fugo” Matsuo como sua maior força. Fugo está emprestando suas próprias ideias para encontrar um equilíbrio perfeito entre diversão caricatural e naturalismo na linguagem corporal, o que permite pivôs entre o protagonista imaginação e a precisão do Processo DIY como tudo vem naturalmente para este show. Por mais que haja uma intenção clara de como seu mundo é montado, um certo membro da indústria pontuou seus elogios efusivos a esse programa, observando que eles não sentiram pressão para se concentrar em elementos específicos ao assisti-lo. Sua animação é tecnicamente superlativa, mas também sem atrito. Sua composição de cena é bastante deliberada, mas tão casualmente convidativa que de fato não há sensação de pressão nela. Muitos animes podem oferecer um momento relaxante, mas você terá dificuldade para encontrar um que seja tão relaxado por natureza em todos os seus aspectos criativos.
Isso por si só faria o DIY valer a pena, mas e se houvesse mais para isso? Como um anime original, é claro que deve muito de sua qualidade ao diretor da série Kazuhiro Yoneda—uma presença recorrente e confiável no estúdio PINE JAM. Mas então, quem é o misterioso IMAGO sendo creditado ao lado da Avex Pictures por ter formulado o conceito original da série? Certamente é uma coincidência que o nome seja um termo em Dennou Coil, um projeto de paixão da lenda viva Mitsuo Iso. Claro, seu próprio site também se chama IMAGO, mas isso não significa necessariamente nada. Embora saibamos que o IMAGO do DIY também é um artista, não é como se Iso fosse a única pessoa no mundo que pode desenhar. Ele também não é o único amante de trocadilhos neste mundo, embora eu tenha que admitir que um jogo de palavras em várias camadas para que a protagonista inadvertidamente a chame de techbro tola de uma amiga Impressora 3D é um trocadilho notável.
E realmente, o que importa que o produtor principal de DIY Tomohiko Iwase seja um conhecido de longa data de Iso que recentemente produziu sua nova série The Orbital Children. Certamente essa é uma série inventada de coincidências, assim como o fato de que a construção de mundo surpreendentemente rica em DIY parece fortemente uma reminiscência de seus futuros próximos deliciosamente peculiares. Não seria divertido se uma mente tão presciente como a dele, muitas vezes oferecendo perspectivas otimistas sobre tecnologia, se voltasse para louvar a criação de coisas com nossas mãos? Parece que poderia ser muito divertido se fosse real, não é? Aposto que você não vai acreditar na resposta para todas essas hipóteses.
Bocchi A Rocha! (PV)
Diretor: Keiichiro Saito
Diretor da Série Assistente: Yusuke “nara” Yamamoto
Designer de personagens, diretor de animação principal: Kerorira
Diretor de shows ao vivo: Yusuke Kawakami
Animador principal de shows ao vivo: Yuki Ito
Diretor de arte: Yasunao Moriyasu
Designer de Arte: taracod
Obras 2D: Aoi Umeki
Diretor de Fotografia: Tsubasa Kanamori
Kevin: Bocchi the Rock! merece mais do que ser reduzido a uma excelente adaptação. Seu material de origem pode muito bem ser a série mais engraçada que eu li sob o guarda-chuva Manga Time Kirara—uma vez um império 4koma graças ao K-ON! fenômeno, agora uma marca decididamente menos prevalente. Histórias alegres sobre garotas solitárias nesse espaço de gênero são bastante comuns, assim como o tema da música, mas Bocchi se destaca por sua acerbidade indiferente; não é o humor mais sombrio que você encontrará, mas definitivamente mais nítido do que seus pares, polvilhado com piadas tão engraçadas que escapam de ser um pouco malvadas. Completo com um compromisso bastante genuíno com seu tema, mais obviamente mostrado em cada página de título de capítulo sendo uma homenagem a um videoclipe famoso, você tem uma pequena série muito charmosa sem a necessidade de reinventar a roda.
Isso é algo que um membro chave de sua adaptação de anime percebeu anos atrás. Normalmente, você assumiria que essa pessoa no centro de tudo isso seria o diretor, talvez um produtor que pressionasse por isso – e, claro, você estaria errado. Como o amado produtor de animação Shouta Umehara revelou, foi na verdade o designer de personagens e diretor de animação Kerorira quem empurrado para ele em 2019. Por mais incomum que seja um ponto de partida, vale a pena notar que não foi uma revelação particularmente chocante. Estamos falando de um artista que sempre foi aberto sobre seu amor pela série, a ponto de compartilhar pequenos clipes animados dela nas redes sociais; aliás, esse foi postado apenas algumas semanas depois da proposta que Umehara lembrou.
Mas, mais do que o evento em si, o que vale a pena levar em consideração é o contexto em que aconteceu. Em 2022, isso está servindo como a estréia completa do design de personagens de Kerorira, mas na época de seu discurso em 2019, ele mal estava na indústria há um ano ou dois e ainda não supervisionou um único episódio. Se ele tivesse abordado alguém além de Umehara, a ideia provavelmente não teria ido a lugar nenhum-mas, felizmente, estamos falando de alguém com habilidades excepcionais de reconhecimento, a ousadia de apostar em novos talentos e, em seguida, as habilidades de gerenciamento para fazer tudo acontecer… detrimento de sua própria saúde em alguns pontos, infelizmente.
A confiança de Umehara no talento jovem e não comprovado é mais óbvia com a nomeação de Keiichiro Saito como o diretor estreante da série. Mesmo os juízes mais céticos teriam que admitir que, apesar de ter apenas alguns episódios em seu currículo como diretor, ter a maioria dessas oportunidades sob o comando de Shingo Natsume deveria ter sido mais do que suficiente para ele aprender as cordas. Mais do que a falta de experiência, o fator de risco percebido em um artista como Saito é sua idiossincrasia indomável. Como animador, ele rapidamente se destacou por sua obstinação em diminuir a contagem de desenhos, provando repetidamente que é uma ferramenta viável para autenticidade realista, elegância e, claro, animação divertida. Uma vez dada a liberdade como diretor, Saito mostrou que suas peculiaridades incomuns como animador podem muito bem ser seu lado mais manso; mais uma vez, só posso encorajar as pessoas a experimentarem sua jornada emocional independente sobre amor e subserviência que foi Sonny Boy #08, sua maior contribuição para o trabalho mais experimental de Natsume.
Dado esse pano de fundo, você pode se surpreender ao saber que Bocchi não é uma adaptação fundamentalmente transformadora. Em vez de reformular uma série perfeitamente agradável, Saito está ajustando inteligentemente o trabalho original, com ajuda inestimável de seu escritor Erika Yoshida. Mesmo em sua relativa contenção, você pode esperar que Saito continue promovendo uma abordagem muito ampla para a animação – incluindo algumas cenas de ação ao vivo, porque não? Uma divertida série de piadas sobre uma garota solitária está agora animando a solidão, dando uma nova camada de ressonância emocional a ela, mantendo sua diversão original. Nas mãos de uma equipe de animação excepcional como a que cercou essa equipe principal e com promessas como as performances ao vivo totalmente em 2D, é difícil não ficar empolgado com o que está por vir.
A reclamação obrigatória é um que você já pode adivinhar se estiver ciente das maneiras como a Aniplex opera. A relativa opacidade das linhas de produção dentro dos estúdios de anime faz com que os espectadores suponham que deve haver uma maneira de organizar tantos projetos simultâneos, mas quando se trata de CloverWorks, tenho medo de dizer que não há uma resposta razoável. Equipes populares como a de Umehara essencialmente não têm pausas mesmo após projetos exaustivos, e a equipe se sobrepõe em diferentes trabalhos se torna mais assustadora quanto mais você aprende sobre isso. Bocchi será finalizado, em grande parte graças a contribuições individuais ridículas, como o próprio Kerorira animando o equivalente a vários episódios inteiros, mas você nunca obterá o melhor absoluto que uma equipe pode oferecer em condições como essa. Um sabor amargo para o que de outra forma é um trabalho divertido e vibrantemente animado, sobre o qual escreveremos neste site, é claro.
Yama no Susume: Next Summit (PV)
Diretor, compositor da série, diretor de som: Yusuke Yamamoto >
Designer de Personagem, Diretor Chefe de Animação: Yusuke Matsuo
Diretor de Arte: Ayumi Miyakoshi
Diretor de Fotografia: Hiroshi Sato
Kevin: Yama no Susume: Next Summit parece uma celebração de si mesmo, e por mais presunçoso que os projetos de autocongratulações possam ser, no caso do YamaSusu, parece totalmente merecido. Suas aventuras de anime começaram em 2013, com uma série curta dentro de um horário especial que a editora Comic Earth Star dedicou a adaptações com duração inferior a cinco minutos cada. Por menor que seja um projeto, já teve a sorte de formar uma equipe perfeitamente adequada; Não procure mais, o diretor da série Yusuke Yamamoto, um fã de fotografia e atividades ao ar livre e, portanto, a escolha ideal para uma série sobre montanhismo. Entre todos eles, o designer de personagens e diretor de animação Yusuke “Fugo” Matsuo foi um destaque claro mais uma vez. Ele não apenas concedeu à série seus designs adoráveis, desde então, em constante evolução, mas também está por perto para fornecer correções técnicas, permitindo que outros estilos floresçam semanalmente. Além disso, seu magnetismo cada vez mais inescapável atraiu todos os tipos de artistas talentosos para a série, começando com esta primeira temporada.
Graças à dedicação da equipe, bem como uma base de fãs que nunca foi massiva, mas permaneceu consistente em seu apoio, YamaSusu foi autorizado a retornar por várias temporadas, muitas vezes aumentando seu escopo em ordens de magnitude. Isso envolveu a duração – do microformato inicial à metade do comprimento, depois episódios completos na terceira temporada – mas também o alcance emocional e a ambição de seus arcos. A primeira temporada foi uma comédia de luz exclusivamente de alta tensão quase por necessidade, mas com espaço suficiente e artistas ainda maiores, YamaSusu atingiu altos dramáticos, notas etéreas e ainda manteve sua melodia original e encantadora. Quando começou, ninguém teria imaginado que a curta série sobre garotas escalando montanhas, que por acaso tinha uma pequena equipe arrumada, lançaria episódios genuínos de todos os tempos pelos melhores diretores e animadores de seu tempo. A essa altura, isso parece a normalidade de YamaSusu.
Se isso fosse tudo, uma nova temporada que começa com um tapinha nas próprias costas recapitulando eventos anteriores já se sentiria justificada; uma boa chance de recuperar o atraso após uma pausa de 4 anos, e certamente um legado que vale a pena revisitar. A verdade, porém, é que YamaSusu é uma história de bem-estar em um nível ainda mais pessoal, do tipo que é raro nesta indústria. Artistas trabalhando na série que os inspirou, aquela que eles admiravam como aspirantes a animadores, é um conto alegre arquetípico – um que muitas vezes vemos ligado a grandes franquias de longa duração. YamaSusu não tem uma presença tão mainstream, mas é exatamente por isso que se tornou uma presença tão importante e discreta no anime. A indústria veio para abrir as comportas para jovens animadores que renunciam ao treinamento tradicional e são recrutados diretamente das mídias sociais, mas seus destinos são quase exclusivamente títulos focados em ação com extrema necessidade de mão de obra. Quando se trata de artistas iniciantes com o desejo de se concentrar estritamente na atuação de personagens, YamaSusu tem sido um destino ideal: seu registro preferido, muitos diretores especializados capazes de maximizá-lo, supervisores excepcionais para aprender e um histórico de cronogramas de produção muito robustos para protegê-los da queda habitual do anime de TV.
Por causa dessa situação, tornou-se comum ver artistas aspirantes que rezavam por uma chance de aparecer no programa para depois realizar esse sonho pelo temporada seguinte. Bastou um episódio para o Next Summit mostrar que esse fenômeno não vai parar tão cedo; os primeiros animadores a roubar os holofotes esta temporada são precisamente Ryousuke Shinkai e Yusei Koumoto, dois grandes fãs da série com um histórico de livros auto-publicados de YamaSusu e espalhando sua influência para outros títulos anteriores à sua aparição nesta série. Na verdade, isso se aplica àqueles além de seus papéis criativos tradicionais, como animação e direção. Apesar de aparentemente ter transferido estúdios para longe do 8 bits do YamaSusu, Kisei Fujita strong> até agora gerenciou a produção de todas as novas filmagens e até permanecerá no longo prazo como Produtor de Linha do programa. Em 2020, ele estava orando para ter a chance de fazer YamaSusu, depois de ter conseguido gerenciar alguns de seus episódios na terceira temporada. Dois anos depois e apesar de agora estar ligado a Khara, o sonho foi realizado, e ele está liderando a produção de um papel mais proeminente. Dado que ele já conseguiu uma lenda viva como Kou Yoshinari para animar sozinho várias sequências finais, acho que todos devemos estar felizes que YamaSusu tenha esses poderes de realização de sonhos.
Certamente levará alguns episódios. para o Next Summit mostrar seu verdadeiro poder, pois eles colocaram essas recapitulações aprimoradas do material anterior nas primeiras 4 semanas. Seu primeiro episódio parece bobo porque contrasta diretamente a pura comédia de sua série original com um prólogo que incorpora a natureza mais reflexiva das entradas posteriores do programa, disposta a deixá-lo mergulhar silenciosamente na atmosfera cênica. E, no entanto, mesmo este prólogo ligeiramente desconexo parece um resumo de suas qualidades; do crescimento da série ao longo dos anos, dos muitos estilos que contém, das histórias inspiradoras por trás de sua equipe excepcional. YamaSusu always feels like a small miracle by itself, but in a season where we have two wonderful and already finished shows with Fugo animation designs, it makes me wonder if I inadvertently traded away a few years of my life for this. A deal I might take, mind you.
Pui Pui Molcar: Driving School (PV)
Author, Supervisor: Tomoki Misato
Director, Writer, Storyboarder: Hana Ono
Stop Motion Animators: Shouta Ogawa, Makoto Takano, Atsuko Miyake, Kakiuchi Yukari, Kazushige Toma, Yasuko Abe
2D Animators: Yutaro Kubo, Satomi Maiya, Akino Fukuji, Hana Ono
Kevin: Although it didn’t necessarily have as much of an impact overseas, Pui Pui Molcar was a viral sensation in Japan, by all means one of the most beloved anime of last year. We actually featured it in our look at Winter 2021 titles, summarizing its appeal with the wise words of its author; truly, it’s all about guinea pigs who’ve turned into cars. That simple concept could have carried the whole series by itself, especially with its short and easily digestible format. The premise is inherently amusing after all, as is watching the stop-motion animation where wool, cotton, plastic toys, and sometimes human beings interact together in quirky ways. As it turns out, though, original creator Tomoki Misato is a delightful weirdo who couldn’t help but turn his family-friendly mixed-media series into a bit of a multilayered experience.
For one, Misato cherrypicked fun scenarios from all sorts of films that would be entertaining to recreate with his toolset, and most importantly, he packed the world with details that will leave you pondering about all their implications; unlike live-action works where some visual information is incidental, he said, absolutely everything you see in his sets was put there for a purpose. Sometimes it was a small reveal about the characters, perhaps a curious detail about the guinea pig cars’ physiology and the society around them, or maybe it was a nightmarish implication about the setting that would eat away at you for a week. Molcar episodes tended to have a simple moral that a young audience could grasp, but there was a recurring thesis that humanity is foolish which older viewers might find pretty amusing. If you never got around to it, the original series is a very easy recommendation: short, sweet, stylistically interesting, and sometimes an understated nightmare.
If someone were to look at this sequel with skepticism after the organic success of the first series, I wouldn’t blame them. It’s worth remembering that the original Molcar was produced over a long period of time with the intention of being an essentially solo creation. Although in the end Misato had to rely on a group of around 4 other people to animate the show, both the conception and execution of it were almost entirely in his hands. And, in part thanks to the immediate success that his efforts earned him, he was able to move onto more ambitious tasks—such as creating his own stop-motion studio alongside none other than Studio WIT. As a consequence, the mastermind behind the original Molcar will not be returning to this sequel in a significant capacity.
Why feature it here, then? The truth is that Misato passed on the torch to Hana Ono, who will be directing, writing, and storyboarding all of Pui Pui Molcar: Driving School under his supervision. There are multiple reasons why her name might sound familiar to you. For starters, she’s one of the few people who assisted Misato during the original series, meaning that she’s more qualified than right about any other potential replacement. If you happened to watch Pop Team Epic or are otherwise acquainted with Japan’s alternative animation scene, you might also know Ono as half of UchuPeople; the duo that created its iconic felt puppet sequences, and indeed, the company that will be producing this season of Molcar with their stop-motion expertise.
When it comes to the aspects they cannot achieve by themselves alone, their connections should suffice: Ono has attracted not only other reputable stop-motion animators, but also 2D ones adjacent both to her and Misato. This small team includes the likes of Yutaro Kubo and Satomi Maiya, the main creative forces behind the stunning Totsukuni no Shoujo anime, as well as other brilliant Geidai graduates like Akino Fukuji and Ono herself. Alternative artists like them have a very hard time finding work in the risk-averse world of commercial animation, but between WIT’s Ibaraki branch and Misato’s efforts, as well as individual titles like Pop Team Epic and Molcar, they’ve carved a small space where their eccentricity is welcome.
As if to prove that all that talent is not going to be wasted, Pui Pui Molcar: Driving School opens up with an episode that sums up the appeal of the original. The scenario and visual execution are amusing in and of themselves, and the unsettling undertones are if anything clearer than ever, with the titular driving school being framed as a prison filled by individuals whose personhood—molcarhood?—is denied by a cruel judicial system. There is no better place to learn about the human condition than in the cartoon about guinea pigs who have indeed become cars.
POP TEAM EPIC Season 2 (PV)
Director, Series Composer: Jun Aoki (Space Neko Company)
Staff: His pals
Kevin: From one unexpected hub of alternative animators and unrestrained creativity to the next, it’s time for the greatest self-proclaimed shitty anime to return. Pop Team Epic was the type of great comic you wouldn’t expect to get adapted, let alone done justice to. Now, this is not because it’s particularly profound or elaborate—we’re talking about a series of 4, often simple panels spanning an instant. And yet, original author Bkub keeps using those barebones setups to subvert the format, with non-sequitur punchlines that hit harder than any reasonable buildup could, and a constantly flippant attitude towards structure, genre conventions, and any real-life institution. A straightforward adaptation of the most popular skits would have earned some smiles—the reason why the series was always a memetic sensation is that many panels are funny even in isolation—but it wouldn’t have embodied Pop Team Epic‘s irreverent spirit. To do so, you’d need a transformative adaptation with a similar disregard for the norm, and a company lacking enough common sense to fund such a project.
Eccentric producer Kotaro Sudo found out how much of a struggle the latter would be when he pitched the idea to King Records not just to produce the series, but to singlehandedly fund it; that way, they could do as they pleased without external pressures, while saving themselves the pain of making the content of such a cheeky series agreeable to multiple companies. Sudo was understandably rejected, but his enthusiasm might have caught the eyes of seniors like executive producer Akio Mishima, who vouched for his crazy idea and allowed the project to get going. Sudo used that once-in-a-lifetime opportunity to put together an appropriately eclectic team, which then grew even further in organic ways, connecting all sorts of animation talent through personal relationships. He was also the person behind bold decisions such as the looping structure of the show, an unheard-of solution that addressed multiple issues they faced: Bkub‘s request to have multiple voice casts and the intention to make those part of the gags, the need to fill up a full TV slot with what was shaping up to be a short series, and Pop Team Epic‘s inherent desire to be weird.
The results were appropriately insane. The original strips were brought to life through Kamikaze Douga‘s 3D expertise, all sorts of 2D animation talent from commercial and independent scenes, felt puppets, clay, and one French guy whom they deliberately never explained the content of the work to so he had to adlib whatever he thought Pop Team Epic was about—which sums up what Pop Team Epic is about. While this sequel may not be able to match the genius of the first one, since the impossibly busy state of anime is affecting even the most experimental weirdos in its outskirts at the moment, it’s clear that the same spirit remains. Pop Team Epic is still stylistically diverse, willing to go further than anyone else for a silly goof, and then use all that energy to take a shot at some institution—especially if it happens to be the one company that continues to fund them. Even if its surreal humor doesn’t work for you, it’s hard not to respect such a thoroughly confident shitpost.
After his heroic effort in putting together so many of the elements that made the first season work, Sudo left King Records and won’t be around for the second season. His role is remembered in places such as the publisher of Pop Team Epic‘s manga Takeshobo, who hung up a Most Wanted poster dedicated to him they haven’t forgotten the crime of blowing up their headquarters within the show. The other half of this so-called Mad Max duo of rabid dogs is Riko Koarai, the sole producer for this sequel, reared by Sudo himself. Season 2 appears to be in the right, reportedly dangerous hands.
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Mobile Suit Gundam: The Witch From Mercury (PV)
Director: Hiroshi Kobayashi
Assistant Series Director: Ryo Ando
Series Composition: Ichiro Okouchi
Main Character Designer: Marie Tagashira
Character Designer: Juri Toida, Hiroshi Takaya
Chief Mechanical Animators: Shinya Kusunugi, Kanta Suzuki, Seimei Maeda
Art Director: Ayumi Sato
Photography Director: Shouta Kodera
Kevin: Mobile Suit Gundam: The Witch From Mercury has been rightfully described as a mix of the franchise’s overarching themes,
I don’t intend to overly romanticize trivia like this; and there is trivia to romanticize, since G-Witch’s series director Hiroshi Kobayashi went from storyboarding IBO’s finale to leading its successor. This is, however, a title that I find it very hard not to root for, and that is in and of itself a bit depressing. We’re not talking about a financially inviable passion project, but rather one of anime’s longest-standing commercial successes—and yet, it’s something that has been missing for half a decade. Sure, Gundam has and will always continue in some form, but the situation is worrying when high-profile original TV anime to get younger generations hooked on your historic money-printing scheme is deemed too risky. Now that we’re getting an entertaining series with perhaps something interesting to say, with 2D mechs at that, how am I not supposed to root for it?
So, what is this series that I find myself wanting to succeed? No one should be surprised to hear that it’s exactly as the popular buzz has been claiming, with its Shakespearan Utenaisms and endless potential for classic Okouchi high-stakes scenarios. A creative project led by such people may be full of details you may miss, but if there’s one thing it won’t be, it’s subtle. The one major actor from that team being somewhat ignored is actually director Kobayashi, which is a shame because he’s the one who might have the formal tools to give an edge to those Utena parallels. As a director who benefits from visual clarity, I’m not convinced that G-Witch’s busy style is an ideal fit, but its dazzling compositing has clear upsides. Photography director Shouta Kodera is following the style of his Asahi Pro mentor Kentaro Waki to a T, which translates into an abundance of particle effects and shiny lighting dying the whole screen; again, not the cleanest approach, but gorgeous at best and a good distraction from technical shortcomings.
And yes, those shortcomings do exist, stemming from a troubled schedule; whether it’s the main reason or not, it’s worth remembering that Kobayashi’s Spriggan was released earlier this year, and that assistant series director Ryo Ando was in the 86 trenches not that long ago. For all the incredulous responses anytime someone points out that G-Witch is facing trouble behind the scenes—if only these people knew about, well, almost all TV anime nowadays—I have also been contacted by multiple people expressing their worry about the rough edges they already see in the show. Issues like melting in-betweens become even more noticeable when you’re dealing with mechs made up of geometrical forms, leading to awkwardly shifting volume. The character animation itself, and despite Sunrise piling up animators like there’s no tomorrow even in downtime episodes, also struggles with standard scenes, let alone tricky ones like the depiction of weightlessness in space. If nothing thus far has caught your eye, I don’t think that the immediate future should worry you either, though emergency recap episodes wouldn’t come as a surprise. You know Bandai, that’s one thing you didn’t have to bring back.
The Tatami Time Machine Blues (PV)
Director, Storyboarder, Unit Director: Shingo Natsume
Assistant Director, Storyboarder, Unit Director: Fuga Yamashiro
Storyboarders, Unit Directors: Moco-chan, Taku Kimura, Akitoshi Yokoyama (Extra Episode)
Character Designers: Nobutake Ito, Shouko Nishigaki
Animation Directors: Yukimitsu Ina, Yasuhiro Nakura, Kenji Zenba, Masamichi Ishiyama, Takuya Yoshihara, Yumie Horie (Extra Episode)
Art Director: Fuminao Akai
Color Designer: Ayaka Nakamura
Kevin: Certain non-standard releases defy the concept of seasonal anime, and when it comes to those, few are as quirky as The Tatami Time Machine Blues. Shingo Natsume‘s latest project was created as a movie, although with a production s cope closer to a standard show, then later chopped up into irregular pseudo-episodes for streaming. In the midst of that, it received limited theatrical screenings… which lacked the original epilogue that will remain exclusive to the web; confused yet? You should be.
Time Machine Blues is, however, good and timely enough—sorry Cyberpunk Edgerunners, you were about 3 weeks ahead of your time—for me to issue a reminder for people to give it a try now that it has just ended. It doesn’t excel in spite of the weirdness that surrounds it, but rather because of the eccentricity it embraces, with its nostalgic style that manages to sit in the same spot between commercial and independent animation as Tatami Galaxy did back in 2010. If you have fond memories of that show, I highly encourage you to check out how Natsume is coating a fundamentally different story with the exact same appeal. And if you never got around to Tatami Galaxy, you’re missing one of the greatest anime ever made, so you know what you should do.
Arknights: Prelude to Dawn (PV)
Director, Sound Director: Yuki Watanabe
Assistant Series Director: Masaki Nishikawa
Animation Character Designer: Aya Takafuji
Art Director: Joe Onishi
Photography Director: Kohei Tanada
Kevin: The career of Yuki “Aninabe” Watanabe is a curious one. As a young animator, he first stood out in studio Dogakobo titles, especially in episodes managed by Shouta Umehara—the current ringleader of CloverWorks’ most bombastic animation efforts, such as this season’s Bocchi the Rock. Given the tone of those shows he participated in, the studio’s carefree and enjoyable approach to animation, plus his own affinity towards cartoony animation, Aninabe became synonymous with bouncy movement, amusingly overaticulated acting, and all sorts of smear techniques. Even in an environment populated by rather talented animators with similar traits, his knack for exaggeration made him catch the eye like no one else; and also lose them, because eye after images were one of his favorite tricks.
His work began shifting as he worked alongside studio TRIGGER, which got him to join the animation circle then known as ALBACROW; incidentally, the same group that Gundam: Witch from Mercury‘s director Hiroshi Kobayashi still belongs to. While a high-octane studio like TRIGGER still gave him the opportunity to unleash his entertaining cartoon antics, working alongside the likes of Kobayashi also started earning him more somber, delicate, and cool requests. The next twist in the story was perhaps the least expected of them all: ALBACROW was absorbed into Yostar Pictures, as the Chinese publisher was looking for an in-house solution to all their promotional needs. And so, the collective of creators known for being home to some notoriously rowdy folks became a legitimate branch of a big company in exchange for a very fancy new office—a good deal for everyone involved, frankly.
Aninabe could have taken that event as an opportunity to relax somewhat with the extra job security they’d been granted, but that couldn’t be further from what occurred. Ever since mid to late 2019, he has dedicated essentially his entire career to Arknights. Storyboarding, directing, supervising, sometimes solo animating, even writing a script when the job was sizable enough to demand one; such was his dedication that when a TV anime got announced, it was rather easy to guess who would be behind it. And not only is he doing that, but we see him continuing to challenge himself by embracing new roles while he’s at it, becoming the dedicated sound director this time around. His switch to a much more serious, sharp style has been completed with Arknights’ grim tone, to which he has adapted as well as he did when he was a young animator amidst Dogakobo’s cartoon extravaganza. Aninabe never forgot the qualities that made him stand out in the first place, and even as someone who preferred that style over his current focus, it’s clear that he is becoming a more complete creator as he continues to try out new registers and roles.
You normally wouldn’t expect a phone game adaptation produced at a branch of its publisher to be a specific individual’s passion project, but Aninabe‘s dedication over the last few years speaks for itself. It remains to be seen whether he’ll be able to transform it into something that not just preexisting fans but curious newcomers can enjoy as well, but on top of his diverse skills, he’s got a nice supporting cast at his disposal; animation character designer Aya Takafuji did beautiful work across SSSS.Gridman and SSSS.Dynazenon, and speaking of TRIGGER, assistant series director Masaki Nishikawa further increases the chances that the studio assists them. With only 8 episodes of length and the involvement of an interesting team like this, it might be worth keeping an eye on this one. Might be advisable to keep around a friend well-versed in Arknights‘ lore to explain what in the everliving hell is going on, though.
Play it Cool, Guys (PV)
Director: Chiaki Kon
Character Designer, Chief Animation Director: Eri Taguchi
Main Animator: Momoko Nagakawa
Art Director: Mio Isshiki
Kevin: Now, isn’t it mysterious that even during such an outrageously loaded season of anime it’s hard to find a josei-muke title with strong production values? One could even think that there is some sort of societal issue at play here. Of course, this isn’t to say that there aren’t any titles squarely aimed at women that are worthy of note, but rather than they come with caveats that could have been avoided with more confident productions. One name that immediately comes up to mind is Koukyuu no Karasu, which already stood out upon its announcement with a mixed bag of beautiful attempts to capture the ethereal quality of the original artwork with less elegant spots—a trend that applies to the show as a whole. Its interesting setup is complemented by Chizuru Miyawaki’s direction, leading a team that tracks directly back to what used to be Sunrise St5 and Gintama in particular. Her expertise is undoubtedly in comedy, as she showed in Boueibu as well, but she’s a resourceful and stylish director regardless; the shadow puppets sequences in Koukyuu being a good example of that. Between the unevenness of the artistic choices and questionable foundations, though, it’s hard to give it the strongest recommendation.
If you fancy your royalty drama in a different setting and with fewer fantasy hijinks, Mushikaburi Hime aka The Bibliophile Princess is an option that unfortunately shows its narou origins through the limitations of its storytelling, with admittedly barebones arcs and inelegant exposition. It does have, however, appealing characters to make up for that somewhat. Protagonist Elianna in particular turns the passivity of her princess role on its head by simply not engaging with the royal drama hijinks, being more worried about reading good books, and if anything being disaffectedly surprised when conspiracies she never noticed were working against her are brought to light. While its delivery is also unspectacular, it’s got pleasant color design and direction that can step up its game; series director Tarou Iwasaki has a fair share of pleasant titles under his belt, but so far it’s been Madhouse’s reliable Asami Kawano who has penned its best storyboards. Without a transformative adaptation, though, it cannot escape its unrelenting okayness.
In the end, the title in this vaguely defined demographic that is easiest to recommend has to be Cool Doji Danshi, localized as Play it Cool, Guys. It may very well be the simplest series out of the lot, but that does play to the strengths of its premise: the daily lives of a bunch of cool-looking guys who are in fact dorks, constantly hitting awkward social situations. In recent years there has been a boom of online manga comprised of chapters that are very light in content, made to catch your attention through social media and get a chuckle out of you before moving on. Given anime’s endless thirst for content and the rigid structure of TV programming, these can often end up becoming tedious full-length series, as a brief pastime is stretched into 24 minutes chunks that simply aren’t as compelling. Cool Doji Danshi makes no such mistake: its premise goes straight to the point, and so does its delivery, with half-length episodes that feel the right length for this type of series; mind you, you might have to add a couple of extra minutes to that if you’re the type of person who pauses an episode due to second-hand embarrassment.
When it comes to the execution, and despite not being a glamorous production for the most part either, Cool Doji Danshi is supported by a sturdier framework than the aforementioned titles. Its aesthetic is thoroughly pleasant, with the animation designs in particular being an understated strength. This should come as no surprise, as the person in charge is Eri Taguchi: one of the strongest character animators raised at studio Pierrot in modern times, and an ardent follower of the legendary Tetsuya Nishio; you can imagine how happy she was when he contacted her to inform that he’s following the series because of her. While you shouldn’t expect Pierrot to go all out on this one, talent like Taguchi always has some magnetism, as the very intro of the show proves—a lovely morning routine by acting expect Keisuke Kobayashi. With Taguchi sticking around as the chief animation director, the overall focus, and a nice guest appearance here and there, you’ve got a perfectly entertaining show about cute social disasters.
Bleach: Thousand-Year Blood War (PV)
Director, Co-Series Composer: Tomohisa Taguchi
Chief Episode Directors: Hikaru Murata, Mitsutoshi Sato
Character Designer: Masashi Kudo
Chief Animation Directors: Michio Hasegawa, Sei Komatsubara, Kumiko Takayanagi
Action & Effects Animation Directors: Satoshi Sakai, Yoshihiro Kanno, Jeong Yeong-Hoon
Art Director: Yoshio Tanioka
Photography Director: Kazuhiro Yamada
Kevin: You might think that I’m only including Bleach: Thousand-Year Blood War because I fear for my life if I highlight one studio Pierrot series with a certain Taguchi as the central creative figure, and that title is not actually Bleach. Well, let me tell you that you’re absolutely right. Jokes aside, though, I can only imagine how happy fans of the series are; a dear title they thought would never be properly wrapped up in anime form is now coming back with a new coat of paint, seemingly shinier than ever.
Both for the exciting notes and the ones that demand more caution, speaking of this Bleach revival means speaking about its new series director Tomohisa Taguchi. The show’s new visual identity is a distillation of his favorite traits, ones that he’s coming to embrace more shamelessly with the passage of the years—and why wouldn’t he, when he has this knack for coolness? Neons dying entire sequences, rim lighting that shows no concern for consistent light sources because it’s too preoccupied with looking cool, or even the block shading used for character slides are elements you’ll find immediately in this new take on Bleach, as well as throughout his works. One of his greatest virtues with this approach is the ability to mask rough edges and sell a work as high-profile bombast, which is quite a precious skill in anime. At the end of the day, your experience isn’t necessarily tied to a work’s technical finesse, so directors whose styles fixate your attention away from their shortcomings are undoubtedly to be respected.
And yes, that’s the inescapable point of contention when it comes to a project like this—can its production actually live up to the expectations of the fans, especially with Taguchi’s style inflating them? People have noticed that the director is indeed very busy, though I’d like to note that I don’t think this is by itself all that problematic. He’s been handling multiple projects essentially all the time as of late, which sometimes does reduce the attention he can spare to them… and sometimes he puts in herculean efforts like the greatest execution of his style—and of Kazutaka Kodaka’s irreverent spirit—in 2020’s Akudama Drive. While he won’t be able to provide such consistent input for Bleach, Taguchi is still its series composer and director, having left behind a clear blueprint to follow even when he’s not around to directly supervise the production process. If you like what you see, you shouldn’t worry too much about the show losing this new identity.
If anything, it’s arguably what he left behind that makes this job more challenging. Mind you, Bleach was never going to be a perfectly smooth production; it wasn’t in the past, so nothing short of a miracle would have allowed it now in a palpably worse anime industry. What does not make things easier, as people working on it jokingly enjoy reminding me, is having to deal with Taguchi’s inherently demanding approach to aspects such as the shading. As it turns out, making things cool is not so easy! It remains to be seen whether the director’s eye-catching style will continue working its magic to the end, or whether it’ll make the technical cracks worse to the point of becoming too noticeable for most viewers. If there’s one thing I recommend, it’s not to have unrealistic expectations—even if you think that Bleach looks like an ufotable production now, it very much is not. If you’re a fan, enjoy it for what it is, not what your wildest dreams tell you it could be.
There might have been not much of a point to this entry, given that all remaining Bleach fans are already having the time of their lives with this new series, and they’ve effectively poked enough animators to reveal fun upcoming surprised like a certain Hiroyuki Yamashita. But personally speaking, as someone who now won’t be murdered for ignoring Bleach, this was well worth the effort.
Other Titles
Spy x Family Part 2: I neglected to talk about Spy x Family Part 2 for a rather simple reason—we already published an article about the background of the project and the dynamics of co-producing anime, and if director Kazuhiro Furuhashi hasn’t changed his philosophy since the 90s, you can imagine that he won’t be doing so since the first part. His refreshing expansion of the source material won’t please people who simply want the story to move on, but it continues to feel the right approach to a quirky found family story. If there’s one thing that changed, it might be that Yuichi Fukushima‘s half of the team at studio CloverWorks has recharged their batteries more than they could before the first cours of the series, produced right after their adaptation of Akebi-chan. It remains to be seen whether that energy will last for long in a constantly busy studio, but for now, their episode #02/#14 already ran laps around all their output in the first part. Big props for getting the BFF duo of Tetsuro Araki and Takayuki Hirao to direct the opening and ending sequences too—it made them as happy as I was to see it. The TROYCA 1-2 punch: The studio’s ongoing adaptation of Idolish7 appears to have the same solid fundamentals as ever to carry a limited animation effort—a situation that wasn’t going to change with them also producing Shinobi no Ittoki, a decently entertaining modern-day ninja series brought to you by a well-known directorial lineage. Stable studios with an in-house style and reasonable management are rare in this day and age. Akiba Maid Sensou: It would be foolish of me to tell people about this show, for those attracted to CyGames’ tongue-in-cheek madness naturally gravitate towards it by themselves. Earned a mention through the strength of the premise alone: Eternal Boys, the series about middle-aged men idols, Detective Conan‘s spinoff about its shadowy culprit Hannin no Hanzawa-san, and the self-descriptive I’m the Villainess So I’m Taming the Final Boss may not be masterpieces, but I’m glad that they exist. Blue Lock: No anime has tested my suspension of disbelief like the implication that Cristiano Ronaldo wasn’t self-centered enough. Urusei Yatsura 2022: You might think that this is a show meant to get a new generation of viewers into one of anime’s most influential classics, but actually, Urusei Yatsura‘s intended demographic is people who are curious about why Jojo Part 6‘s production has been an unmitigated disaster. Kamiyan’s casting is an act of physical violence. Nice Yama opening, though. Whatever other show I didn’t mention: Have you considered that maybe there is just too much anime and that this post is already endless as it is? I even spared you an essay about AOTY NijiFes 2022, which as far as I’m concerned should count as part of this season as it was held at the start of the month. If Nazono Mito isn’t art, what is?
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