A nova versão teatral de Meu Vizinho Totoro da Royal Shakespeare Company está em cartaz no Barbican Centre de Londres e é… vamos colocar assim. Há um diretor de anime mal-humorado chamado Hayao Miyazaki, e ele é famoso por mostrar monstros que fazem apresentações que o ofendem. E por”monstering”, não me refiro a um monstro amigável e peludo que adora gotas de chuva, bolotas e piões. Para aumentar ainda mais as apostas, Totoro é o filme mais pessoal de Miyazaki, aquele em que ele recuperou sua infância conturbada e assustada e a transformou em mágica para o mundo. Então não é pouca coisa tentar trazer Totoro para o palco.

Dirigido por Phelim McDermott e escrito por Tom Morton-Smith, este Totoro tem muitos truques, mas o principal é como ele consegue fazer duas coisas muito diferentes ao mesmo tempo. Parece extremamente fiel ao filme clássico de 1988, e parece alegre, divertidamente criativo, como se estivesse descobrindo o que pode fazer enquanto você assiste. É engraçado. Às vezes é completamente idiota; tem momentos que poderiam ser de uma pantomima muito boa. Mas então a peça pode mudar o tom para algo incrível, assustador e até angustiante. Em vez de um panto, este Totoro parece mais uma dança, uma dança que arrebata as duas garotinhas saltitantes, Mei e Satsuki, criaturas de fuligem negra, criaturas tímidas do tamanho de coelhos e até mesmo cercas vivas cheias de milho (que são giradas por o coro de marionetistas da peça) e pedaços de casas que se reconfiguram em uma plataforma giratória como peças de quebra-cabeça de tamanho gigante.

Para quem já viu o filme, os Totoros são o que você senta e espera. Como a peça vai fazer aquela cena, e aquela, e aquela? Mas a peça corretamente coloca em primeiro plano as meninas, como deve ser; toda a maravilha dos Totoros é canalizada através deles. E os dois atores – Mei Mac como Mei e Ami Okumura Jones como Satsuki – são excelentes. Você sabe que eles são adultos interpretando, ou mais precisamente interpretando, personagens que têm uma fração de sua idade, mas eles se jogam em seus papéis com o mesmo senso de descoberta que a peça tem. Eles são engraçados, cativantes, vulneráveis, corajosos, malcriados e barulhentos. (Uma linha típica de Mei:”Nós vimos uma VACA!”) Você não as imagina como as garotas do anime; você aceita que são Mei e Satsuki no palco.

Como no filme, Mei tem os maiores momentos, não apenas quando ela está rastejando sobre a barriga peluda gigante de algo, mas mais tarde também, quando a magia não está à vista e ela está mais machucada e assustada do que qualquer criança deveria ter que ser. Ao lado dela, Satsuki só pode tentar liderá-la como uma boa irmã mais velha – a peça amplifica um momento em que Satsuki se repreende por decepcionar Mei, e parece um momento climático de Mirai de Mamoru Hosoda, outra história de irmãos jovens e sua esmagadora emoções. Mas mesmo enquanto Satsuki se esforça para liderar Mei, a ironia é que os momentos mais felizes de Satsuki são quando ela está seguindo Mei, ou quando as garotas estão saindo espontaneamente juntas.

Entre o elenco coadjuvante, está o garoto do campo Kanta (Nino Furuhata) – ele é quem encara Satsuki de longe e age como um tsundere pré-adolescente. Ele é minado para a comédia, transformado no tipo de rapaz que tem pavor de dizer uma sílaba para uma garota. Há uma jóia de uma nova cena, onde Kanta está alimentando as galinhas de sua casa, e de alguma forma as galinhas acabam se unindo a ele (é uma cena de galinha psicótica!), e é um motim. A avó de Kanta (Jacqueline Tate) também está completa. Ela ainda é adorável, mas com um pouco mais de temperamento e preocupação do que o filme deu a ela, e o detalhe adicional de que ela também teve uma irmã, uma vez. O pai das meninas, Tatsuo (Dai Tabuchi), está próximo do filme, mas com um estresse mais bem-humorado sobre como ele depende de suas filhas responsáveis ​​para levá-lo ao trabalho de manhã e manter as coisas funcionando em casa. Mais uma vez, parece o Mirai de Hosoda, e como o pai assediado em casa foi mostrado lá.

Os humanos, então, sentem-se reais. Os Totoros parecem tão reais quanto precisam ser. Não vou estragar os detalhes de como o Totoro é feito, mas isso nunca parece uma jogada de alta tecnologia. Não há maquinário de palco ostensivo ou efeitos de tela de vídeo que você obtém em Back to the Future: The Musical, para levar outra adaptação recente do filme para jogar. Mas você tem criaturas enormes no palco, e elas são algo e tanto. Muitos dos efeitos da peça mostram exatamente como estão sendo feitos enquanto você os assiste. Mas há uma sequência, que parece ser um longo tempo – certamente mais do que a famosa cena que adapta – que vai fazer você pensar, como diabos eles estão fazendo isso no palco? carregar em sua cabeça muito tempo depois.

As criaturas geralmente parecem patetas, mas bem patetas. Os pequenos Totoros aparecem por todo o palco como se estivessem em um desenho antigo do Scooby-Doo. As criaturas gigantes às vezes parecem ter emergido do desenho de uma criança (presumivelmente de Mei), mas isso também parece certo. Quanto às expressões do gigante Rei Totoro, lembrei-me do primeiro King Kong em 1933, que teve momentos em que os cineastas usaram adereços “reais” em tamanho real para pontuar o stop-motion. Só que agora você está vendo gigantes no palco, bem na sua frente.

Mas a peça também evoca animação, muitas vezes. Enquanto descrevi os personagens nomeados da peça, há outro conjunto de artistas. Estes são os marionetistas e ajudantes de palco vestidos de preto, geralmente com véus pretos, que estão constantemente à vista, manipulando cenários, empunhando as criaturas menores ou se reunindo em grupos para mover ou levantar as grandes. É como um filme em stop-motion nos bastidores, quando você vê os animadores movendo com ternura os modelos pelos quais estão atuando. No palco, às vezes os marionetistas também estão empurrando e levantando os personagens humanos.

Eles também funcionam como humanos extras quando necessário, por exemplo, para brincar com as crianças na sala de aula de Satsuko. Quando movem o cenário, às vezes as próprias meninas veem o cenário se mover, como em uma sequência cativante em que Mei se perde em sebes que giram ao seu redor, e até a “atacam”. Se isso fosse animação, seria um desenho mais psicodélico do que qualquer coisa que Miyazaki faria.

A peça também vai além de Miyazaki com cutucadas na quarta parede. Alguns efeitos ficam um pouco “errados” para gags deliberados. Um marionetista precisa ser estimulado por seu companheiro de equipe, porque ele esqueceu de mudar para um personagem do mundo para mover a cena atual. Se essas piadas fossem animadas, seriam mais Aardman Animations do que Ghibli. A peça, então, tem alguns momentos adoráveis ​​do que são basicamente “animações” de baixa tecnologia, e eles farão com que os espectadores mais velhos se lembrem dos programas de TV recortados do estúdio Smallfilms da Grã-Bretanha, os criadores de Noggin the Nog e Ivor the Motor.

É verdade que a peça faz escolhas que não agradarão a todos. Há uma parte chave do filme em que você definitivamente se pergunta”Como eles vão fazer isso?”à medida que a peça se aproxima do momento. O que a peça realmente faz com esse desafio é hilariamente de baixa tecnologia e muito charmoso, mas me deixou decepcionado, como uma criança abrindo um presente e encontrando meias. Ou para fazer outra comparação de animação, senti como se estivesse assistindo a um anime se preparando para uma grande batalha, e então a batalha em si é apenas imagens estáticas. Isso aconteceu logo antes do intervalo, e me deixou um pouco paralisado… e então o segundo tempo começou com um efeito de baixa tecnologia diferente, e este me encantou tanto que eu perdoei a jogada instantaneamente.

Sem surpresa, a peça alonga as conversas que estavam no filme e acrescenta novas. Algumas expressões japonesas são jogadas alegremente no diálogo em inglês, como”itadakimasu!”e yatta!. Mais a sério, Mei e Satsuki são mostrados como muito conscientes das verdades trágicas. É Mei, eu acho, quem primeiro traz à tona o assunto da morte na peça, com uma franqueza desarmante e sem açúcar. Satsuki, enquanto isso, sabe muito bem que os adultos mentem sobre coisas ruins, e ela não será mais enganada.

Há medo na peça, mas é misturado com admiração e deleite, especialmente quando as enormes figuras peludas surgem do fundo escuro do palco. A cena em que Mei entra na floresta escura e profunda parece ainda mais Alice no País das Maravilhas do que no filme, como se ela tivesse entrado em uma antiga ilustração em xilogravura de um conto de fadas. A partida dos duendes de fuligem da casa de campo se transforma em uma dança calma e comedida de bolas de pelo no ar. É o equivalente em formato longo da peça de todas aquelas tomadas de travesseiro no filme de caracóis em folhas de grama e folhas em riachos.

Sons de trovão, vento e chuva torrencial aumentam a experiência. O mesmo acontece com a orquestra, que é visível no fundo do palco, tocando o que muitas vezes são variantes da trilha sonora de Joe Hisaishi. Não tem medo de ir mais alto que o filme às vezes para adicionar crescendos em momentos de crise. Às vezes, um solista (Ai Ninomiya) canta em inglês e japonês, mais urgentemente quando uma criança está desaparecida e a dança mais sombria da peça está sendo executada contra o som de águas profundas e profundas.

Ouvi fungadas atrás de mim durante as últimas cenas da peça, quando os personagens estão mais angustiados, e é assim que deve ser. Mas no final, o que parecia ser toda a platéia se levantou em uma ovação de pé, com truques e piadas até a cortina final.

Assisti a uma das apresentações de pré-estreia da peça – a noite de imprensa é em 18 de outubro. Paguei meu ingresso, que não foi barato (£ 85), embora tenha tido a sorte de conseguir um assento ideal para as bancas perto da ação. Não entre neste Totoro esperando um milagre da era digital como um show de Hatsune Miku. Vá para atuação e encenação fantásticas e faça de conta compartilhada e quantidades copiosas de peles de palco. O maior elogio que você pode dar à peça é que você pode imaginar que é o palco Totoro que Miyazaki faria para si mesmo.

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