Ei pessoal, bem-vindos ao Wrong Every Time. Como estão todos hoje? Atualmente estou tentando me forçar a escrever outro artigo depois deste, porque caramba, essa lista de Projetos Atuais não vai assistir a si mesma. Mas produtividade duvidosa à parte, estou me sentindo muito bem no momento e ansioso para uma corrida no final da tarde. Está se tornando uma tradição anual para mim iniciar um daqueles planos de corrida de “sofá para 5k” no início da primavera, ficar em forma até o final do verão e depois desperdiçar meus ganhos quando fica muito frio. Eu realmente deveria investir em uma academia ou algo assim neste inverno, mas a partir de agora, estou atualmente no segmento de melhoria de pico do meu arco de fitness, que sincroniza perfeitamente com o breve período de clima tolerável da Nova Inglaterra. Também acabei de receber uma nota extremamente agradável de um leitor de longa data, que é, você sabe, o dia feito ali mesmo. Eu sei que pode ser intimidante enviar mensagens para os criadores de quem você gosta, mas não há nada mais gratificante do que ouvir que você causou um impacto positivo na vida de alguém. E não limite essa coragem ao pessoal da internet – não estamos nessa bola por muito tempo, e eu diria que a melhor coisa que podemos fazer com esse tempo é deixar as pessoas saberem que são amadas.
Tudo bem, estou ficando todo mole aqui e vocês não precisam de nada disso. Eu vasculhei meu saco de resenhas e emergi com uma mistura interessante de recursos, com tópicos que vão do ápice da engenharia genética ao drama sem lei do velho oeste. Vamos ver alguns filmes!
Nosso primeiro longa da semana foi Gattaca, uma reflexão distópica sobre um futuro em que os pais podem maximizar os genes de seus filhos para garantir bebês perfeitos. Esse desenvolvimento naturalmente anuncia uma nova era de discriminação, em que qualquer pessoa nascida à moda antiga é negada oportunidades devido a seus genes inferiores. Neste mundo, Ethan Hawke estrela como Vincent Freeman (um pouco no nariz, eu concordo), um homem nato que sonha em viajar para as estrelas. Claro, trabalhos tão importantes são reservados apenas para espécimes genéticos perfeitos – e assim, Vincent acaba trabalhando junto com o geneticamente perfeito Jerome Morrow (Jude Law), que essencialmente vende sua identidade para Vincent através de um elaborado subterfúgio genético.
O enredo real de Gattaca é em grande parte um thriller policial direto, já que a morte de um dos diretores do programa espacial leva a medidas de segurança mais duras no local de trabalho de Vincent. Seus métodos cada vez mais torturados de evitar o reconhecimento genético são divertidos o suficiente para seguir, mas fiquei significativamente mais impressionado com o retrato evocativo da crueldade do destino neste filme. Com todo o seu código genético perpetuamente exposto, a ideia de “subir além de seus limites” parece uma piada cruel; seu potencial é conhecido desde o seu nascimento, tornando esse nascimento o único momento significativo de sua vida. O filme expressa essa frustração tanto narrativa quanto visualmente; a partir do momento em que Vincent reflete sobre suas corridas de natação de infância com seu irmão geneticamente perfeito, fica claro que este filme está relitigando metaforicamente a jornada do canal de parto.
Gattaca é bem-sucedida precisamente porque entende e abraça o escopo pretendido. Praticamente não há inovações científicas apresentadas além desse novo paradigma genético, porque tais inovações atrapalhariam o foco do filme e diminuiriam sua clareza como um experimento mental. Em vez disso, o filme altera precisamente uma variável de nossas vidas de uma forma que ecoa e extrapola tendências existentes, então se instala nas ervas daninhas da vida de seus personagens para explorar exatamente como essas mudanças as quebraram.
Vincent vive uma vida de insatisfação perpétua, sua identidade genética não oferece nenhuma indicação da persistência obstinada com que ele persegue seus sonhos. Jerome vive uma espécie de morte em vida, com um acidente paralisante que o deixou incapaz de viver de acordo com o destino para o qual nasceu. Ambos alcançam a ascensão através do esquecimento, perseguindo seus sonhos além do alcance do código de seus corpos. Simultaneamente cínico e esperançoso, Gattaca ousa acreditar que, mesmo que o destino nos falhe, o fogo autodestrutivo da paixão pode nos ajudar. Como Vincent finalmente admite, ele só foi capaz de vencer seu irmão não economizando forças para a viagem de volta.
Nós então mudamos para uma produção muito mais leve, verificando Blade II. O primeiro filme de Blade é retumbantemente “ok”, mas a franquia teve a sorte de pegar Guillermo del Toro para sua sequência e, portanto, Blade II realmente arrasa. Toro é um dos poucos diretores que consegue traduzir de forma convincente o bombástico dos quadrinhos para o cinema, e aqui ele é auxiliado por uma excelente equipe de atores principais (Ron Perlman! Norman Reedus! Donnie Yen!). Wesley Snipes evoca um estilo familiar, mas bem executado, neste filme profundamente pós-Matrix, mas ainda mais importante do que sua aura são suas habilidades substanciais em artes marciais. Blade II evita o combate CG sempre que possível, oferecendo um genuíno buffet de artes marciais para complementar a fanfarronice de antigos profissionais como Perlman e Kris Kristofferson. Um espetáculo de ação altamente satisfatório.
Nosso próximo longa foi uma adição recente do Shudder, o filme de terror francês Kandisha. Situado em um enorme pilar de um projeto habitacional, o filme centra-se em três garotas que estão ligadas por seu amor compartilhado pela pintura em spray. Quando um dos três é agredido por um ex-namorado, ela invoca a lenda do espírito vingativo Kandisha para puni-lo. Infelizmente, Kandisha não está tão interessada em vingança quanto em matar todos os homens na órbita geral de nossas heroínas, forçando as três garotas a de alguma forma desinvocar seu novo “amigo”.
Kandisha é um belo filme de terror de basicamente qualquer medida. Em termos de design visual, o filme faz excelente uso de seus projetos de habitação central na construção de um vocabulário visual coerente e alienante, um mundo de grandes colunas de cimento e pequenas janelas diminuindo em direção ao horizonte. Entre as diversas origens e situações domésticas das três meninas, o filme também oferece um retrato incidental, mas autenticamente esboçado, da crescente população imigrante da França e das culturas juvenis que esse novo caldeirão está produzindo. Kandisha se sente abundantemente em um tempo e lugar de uma maneira que torna essa experiência universal, o que não é uma tarefa fácil em um filme que também apresenta um demônio assassino com casco de bode.
Porque sim, isso também é certamente um filme de terror. Kandisha faz um ótimo trabalho com sombra e implicação, mas também está bastante disposto a ser gráfico – em um ponto, um cara tem sua caixa torácica e metade inferior rasgadas, bem ali na tela. Então eu acho que é uma espécie de “venha para a história de terror, fique para o retrato autêntico da cultura jovem, seja repentina e violentamente lembrado que esta é uma história de terror” como um todo. Bom filme!
Depois conferimos From Beyond, outra adaptação de Lovecraft do produtor e diretor de Re-Animator, mais uma vez estrelado por Jeffrey Combs. Minha experiência com o Re-Animator me deu uma boa ideia do que esperar desse filme: o horror gótico de Lovecraft se transformou em um filme pegajoso, com um tom próximo a Little Shop of Horrors (se você adicionar muito mais sangue e nudez).
From Beyond não é um filme realmente bom, e sua insistência em ser irreprimivelmente excitado limita ainda mais seu apelo, mas os fãs de B-horror devem considerá-lo uma produção obrigatória. O diretor Stuart Gordon tem muita, muita sorte de ter encontrado Jeffrey Combs – Combs possui a intensidade maníaca na tela de alguém como Bruce Campbell e mantém a energia alta entre os cenários visuais bizarros do filme. Centrado em um par de cientistas que esperam ver além do véu estimulando a glândula pineal, From Beyond mistura sexualidade e horror corporal em uma mistura que oferece tons de Videodrome e Hellraiser, com um foco mais central em próteses suculentas e outros efeitos práticos. Não é elegante e é apenas tangencialmente Lovecraftiano, mas se você está procurando preencher uma noite de filme de terror B, é um passeio inventivo e apropriadamente lascivo.
Nosso último filme da semana foi interessante. Artefato dos anos 80, o drama ocidental Silverado. Silverado não é um western revisionista no estilo dos famosos spaghetti westerns, nem é uma das emendas de gênero que você espera das versões do final do século XX sobre o gênero; ele interpreta o modelo clássico totalmente direto, abraça respeitosamente todos os tropos dramáticos de seus antepassados e confia em seu excelente elenco para carregar o impulso.
Tive alguns sentimentos complexos sobre Silverado e descobri que o diretor era co-escritor de propriedades como The Empire Strikes Back e Raiders of the Lost Arc definitivamente ajudou a esclarecê-los. Apesar de atingir todas as batidas dramáticas que você esperaria de um western clássico, Silverado se move com um tipo de impulso muito diferente, oferecendo as recompensas de ação consistentes de um blockbuster moderno de Hollywood. Isso mantém a energia alta, mas drena a característica da atmosfera pensativa e melancólica que caracterizou os clássicos de John Ford. Westerns precisam de espaço para respirar e refletir, bem como uma sensação do vasto vazio que cerca seu drama – Silverado limpa e aperta tanto que essa sensação de espaço e atmosfera é perdida, deixando apenas uma série de confrontos de cowboys perspicazes.
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Ainda assim, o filme é realizado o suficiente, e também é bom ver atores como Kevin Kline ou Danny Glover encaixados em um modelo tão tradicional de produção cinematográfica. Scott Glenn, sem dúvida, rouba o show, pois ele é o único membro do elenco do filme que realmente se move e age com o cansaço e a presença de uma estrela ocidental tradicional. Dobrando-se em seu corpo esguio e olhando melancolicamente através da pradaria, Glenn evoca totalmente a aura de James Coburn e traz um toque de autenticidade a um filme que, de outra forma, parece um pouco mais como um modelo do que um original. Certamente não é um filme obrigatório, mas um exercício competente o suficiente com uma mistura interessante de figuras principais.
