O anime Summer Hikaru Died/HikaNatsu foi conceituado em torno da direção aventureira de Ryohei Takeshita, mas sem perder de vista as ideias centrais do autor. Com uma sequência no horizonte, é hora de aprender mais sobre uma produção fascinante.
Há uma série de termos que você pode ter encontrado ao ouvir a visão dos criadores de anime, especialmente se eles estiverem falando para veículos especializados com públicos altamente investidos. Não porque sejam as expressões mais técnicas. Na verdade, eles são um pouco absurdos quando analisados através da realidade literal da produção, mas os artistas envolvidos no processo os apreciam como uma terminologia útil e evocativa. Claro, sakugaSakuga (作画): Desenho técnico, mas mais especificamente animação. Western fans have long since appropriated the word to refer to instances of particularly good animation, in the same way that a subset of Japanese fans do. Bastante essencial para a marca dos nossos sites. anime se aplicaria tecnicamente a qualquer trabalho com componentes de animação 2D, e isso já interpreta a palavra com um significado mais restrito do que pode potencialmente conter. Porém, quando você vê pessoas dentro da indústria ou orbitando em torno dela usando essa expressão, ela pinta um quadro específico: o do anime, onde a destreza e a intenção do movimento, bem como a qualidade da arte, são as peças centrais da experiência.
Embora essa seja a versão mais comum do termo, às vezes você também encontrará outras mais específicas, bem como irmãos que destacam diferentes ângulos de ênfase. É justo considerar o layout anime como um subconjunto de sakugaSakuga (作画): desenho técnico de imagens, mas mais especificamente animação. Os fãs ocidentais há muito se apropriaram da palavra para se referir a exemplos de animação particularmente boa, da mesma forma que um subconjunto de fãs japoneses faz. Bastante essencial para a marca dos nossos sites. anime, referindo-se neste caso a obras onde a representação física do espaço é um grande atrativo; seja porque isso mapeia a psicologia do personagem ou por pura excelência técnica, tais obras brilham através do enquadramento de uma forma que transcende seus storyboards. Nos casos em que as pinturas de fundo não são apenas bonitas, mas também ganham destaque perceptível, não é incomum falar em bijutsu/anime artístico. Você pode até encontrar exemplos de edição de anime, como o altamente divertido Pompo The Cinephile de Takayuki Hirao. Como um filme que retrata literalmente o ato de edição do filme, ao mesmo tempo em que é construído em torno do fluxo peculiar e divertido de Hirao, não é surpresa que esse tenha sido o enquadramento adotado pelo próprio diretor.
Novamente, esses termos não se referem a tarefas exclusivas de tais obras, pois são aspectos presentes em qualquer produção. Eles também não devem ser interpretados como as únicas etapas importantes do processo; olhando para o exemplo de Pompo, fica claro que grande parte da satisfação visceral das transições de Hirao começa com seus próprios storyboards, muito antes da fase de edição ocorrer. O que essas expressões apenas fazem é enfatizar o aspecto que parecerá central à experiência para o espectador, o que também as torna bastante úteis para diretores que precisam se comunicar com suas equipes durante os estágios iniciais de um projeto. responsável por toda a produção, tanto como tomador de decisões criativas quanto como supervisor final. Eles superam o resto da equipe e, em última análise, têm a última palavra. No entanto, existem séries com diferentes níveis de diretores-Diretor Chefe, Diretor Assistente, Diretor de Episódios da Série, todos os tipos de funções fora do padrão. A hierarquia nesses casos é um cenário caso a caso. Ryohei Takeshita tinha algo claro: seria um anime enshutsu. Ou seja, um espetáculo que enfatiza a experiência imediata por meio de uma mise-en-scène complicada e ferramentas exclusivas. Aquele onde o aspecto sensorial se torna a peça central inegável. Essa ideia foi tão fundamental que ele a transmitiu não apenas à equipe e, eventualmente, aos telespectadores através das escolhas de execução, mas até mesmo aos produtores quando o projeto era apenas uma proposta. Na verdade, foi também uma das primeiras coisas que Takeshita comunicou ao autor original, que achou uma ótima maneira de enriquecer uma adaptação que você poderia assistir indefinidamente.
Em uma entrevista para o Anime Corner, o produtor do CyberAgent Manami Kabashima data essas conversas iniciais sobre uma adaptação de anime já em maio de 2022 – observando também que a produção só começaria realmente muito mais tarde, quando a série diretorDiretor da série: (監督, kantoku): A pessoa responsável por toda a produção, tanto como tomador de decisões criativas quanto como supervisor final. Eles superam o resto da equipe e, em última análise, têm a última palavra. No entanto, existem séries com diferentes níveis de diretores-Diretor Chefe, Diretor Assistente, Diretor de Episódios da Série, todos os tipos de funções fora do padrão. A hierarquia nesses casos é um cenário caso a caso. esclareceu sua programação por volta de outubro de 2023. Em uma conversa mais ampla para a edição de setembro de 2025 da PASH!, envolvendo não apenas Kabashima, mas os produtores de Kadokawa Chiaki Kurakane e Toshinori Fujiwara, este último confirma que contatou vários estúdios em torno do lançamento dos dois primeiros volumes do mangá (março de 2022 a outubro de 2022). antes de se estabelecer nesta equipe da Cygames Pictures liderada por Takeshita.
Quando se tratou de fazer essa escolha, a clareza da visão de Takeshita deu confiança aos produtores. Em vez de procurar um diretor dócil que se curvasse às suas escolhas, eles parecem ter entendido que capturar o apelo de HikaNatsu depende de coisas intangíveis que devem ser deixadas para criadores brilhantes com ideias específicas. É por isso que eles acharam reconfortante que Takeshita fosse muito vocal e opinativo sobre o processo de recrutamento, direcionando-o preventivamente para a ideia de um anime enshutsu. O lado positivo das escolhas feitas naquela época será um dos pontos de foco quando nos aprofundarmos nos episódios em si, mas antes de chegarmos a esse ponto, devemos dissipar um mito tentador: a ideia de que Takeshita adotou essa abordagem para contornar as limitações da produção.
É importante deixar claro o fato de que as produções CyPic nem sempre são tão glamorosas quanto muitos esperariam que fossem, e que um diretor como Takeshita não precisa motivação externa para ser experimental. Embora a ascensão de um estúdio apoiado por uma grande empresa e o lançamento de joias deslumbrantes como Beginning of a New Era projetem uma aura de produções caras e de alto perfil, nem todos os projetos CyPic são criados da mesma forma. E para ser mais preciso, o grande aumento na sua produção ultimamente fez com que muitos deles tivessem que cortar atalhos visíveis.
Essas limitações manifestam-se de várias maneiras; iniciando projetos antecipadamente, mas também estabelecendo prazos que limitam as possibilidades da equipe, recusando-se a entrar nas atuais guerras de licitações para garantir animadores de primeira linha, economizando um pouco nos estúdios de suporte e geralmente estabelecendo um nível mais baixo quando se trata de polimento de desenho do que projetos de alto perfil gostariam. Veja bem, isso é algo que eles conseguiram fazer-nem sempre, desculpem o tipo de adaptação esmagadora de Cinderela Gray-porque trabalharam com muitas equipes inteligentes e engenhosas. E assim, o crédito deveria ir mais para eles do que para o meio ambiente.
Isso também se aplica ao HikaNatsu. Há muitos indivíduos excepcionais nessa equipe principal escolhida por Takeshita, mas quando se tratou de dar corpo ao resto da equipe, ele se contentou com uma escalação mais modesta. Por ter uma visão tão clara, no entanto, ele poderia atrair conhecidos perfeitamente adequados e ainda esquecidos para a direção do episódio. Direção do episódio (演出, enshutsu): uma tarefa criativa, mas também coordenadora, pois implica supervisionar os vários departamentos e artistas envolvidos na produção de um episódio -aprovar layouts de animação junto com o Diretor de Animação, supervisionar o trabalho da equipe de fotografia, do departamento de arte, da equipe de CG… A função também existe em filmes, referindo-se aos indivíduos igualmente responsáveis por segmentos do filme. obrigações. A estreia por si só é prova do seu sucesso e das suas limitações. A arte dos personagens um tanto grosseira pode estar em desacordo com a fama do projeto, especialmente com os poucos grandes convidados da animação que aparecem. The director has never hidden how the schedule became rather problematic as they approached the end, but it’s worth noting that they achieved a sense of stability in spite of those circumstances. Claro, o anime HikaNatsu não consegue igualar o polimento do anime de TV de maior perfil-muito menos a qualidade ilustrativa do mangá-mas consegue permanecer no mesmo nível aceitável durante toda a transmissão. Se eles tivessem sido excessivamente ambiciosos com seus padrões nos episódios anteriores, o programa poderia ter entrado em colapso na metade final.
A flexibilidade que lhes permitiu se adaptar às circunstâncias da produção é uma qualidade positiva, que podemos vincular tanto à equipe de Takeshita quanto ao pessoal de gerenciamento prático do CyPic. No entanto, como mencionamos anteriormente, não devemos atribuir causalidade onde não existe. Isso quer dizer que Takeshita sempre quis criar um anime de terror atmosférico e experimental-um gênero pelo qual ele demonstrou interesse ao conversar com a ANN. Francamente, tal confirmação nem sequer foi necessária, pois era algo que sempre se podia sentir no seu trabalho; é claro que o excêntrico diretor que adora emular câmeras portáteis gostava de terror envolvente. Há uma razão pela qual ele estava tão certo de que queria fazer um anime enshutsu muito antes mesmo de ter uma ideia dessas circunstâncias de produção: é aqui que residem os interesses de Takeshita, e a natureza desta série foi a desculpa perfeita para aproveitá-los.
Não foi a limitação que deu origem ao brilho de HikaNatsu, isso é inerente às pessoas que o criaram. Suas circunstâncias de produção medianas (muito longe de serem as piores quando se trata de animes de TV atuais, só para constar) não são algo a ser comemorado, já que o programa poderia ter sido ainda melhor com agendas mais amplas e mais recursos. Isso não iria entorpecer seus limites, mas sim abrir portas para o tipo de atuação sutil que eles não poderiam realizar, para desenhos imediatamente impactantes que poderiam competir com o material de origem nesse aspecto. Na verdade, poderia ter sido ainda mais experimental, já que os métodos incomuns nos quais Takeshita está interessado tendem a levar mais tempo para se concretizarem. Embora eu não considere isso um dado adquirido, vendo como isso está se tornando uma tendência dentro do estúdio, podemos esperar que seu sucesso motive os produtores a apoiar sua sequência já anunciada tanto quanto ela merece.
Dado o ângulo explicitamente declarado do diretor, simplesmente tivemos que começar a enquadrar esta adaptação através da ótica do anime enshutsu. É a maneira como ele imaginou a adaptação desde o início e, ainda por cima, uma excelente maneira de abordar o terror. Afinal, estamos falando de um gênero onde a experiência imersiva momento a momento é fundamental. Por mais bem-sucedido que possa ser em mãos como a de Takeshita, porém, a obsessão pelo micro em detrimento do macro poderia ter resultado em uma experiência vazia. Aquele em que você é atraído para cada cena, mas sai sem uma impressão duradoura e ressonante. Se eles também não tivessem considerado seus temas abrangentes e as ideias atraentes apresentadas pelo autor original Mokumokuren, esse poderia ter sido o caso, mesmo com o nível de storyboard inspirado que obtivemos.
Takeshita não estava sozinho no desejo de manter as ideias centrais por trás da série. Ao lado dele estava, por exemplo, o autor que os idealizou. Mokumokuren disse diversas vezes que, mesmo não tendo experiência anterior com projetos de adaptação, eles imaginam que estão muito mais envolvidos do que os autores tendem a estar. Isso é algo declarado no Newtype de outubro de 2025 com Mokumokuren, Takeshita e Murayama, mas exemplificado de forma mais divertida na Comic Nataliemesa redonda entre o referido autor e o artista de abertura Vaundy. Lá, este último explicou que nunca haviam participado de uma reunião com o autor antes de ele criar uma música para eles. Embora o processo de produção tenha sido fundamentalmente comum, mesmo quando se trata da presença do criador original, a proatividade de Mokumokuren nas reuniões regulares – e tarefas adicionais como o roteiro colorido para a sequência de abertura – levaram a uma situação em que as ideias preciosas do autor ressoaram fortemente na adaptação.
Veja bem, há uma razão pela qual estamos falando sobre os conceitos com os quais o autor se preocupa, e não sobre as especificidades do material de origem. O anime HikaNatsu nunca hesitou em mudar a história original, muito menos em ajustar a execução para aproveitar a natureza de sua nova tela. Na conversa Newtype mencionada acima, Mokumokuren relembra seu primeiro encontro com Takeshita, onde o diretor perguntou se eles poderiam mudar as coisas logo de cara – “não se abra com isso!”, pensou o divertido autor. Na verdade, ambos concordaram sobre a necessidade de modificar certos aspectos. Muitas das mudanças propostas (incluindo as de maior escala) nasceram das sugestões de Mokumokuren, ou pelo menos da sua estreita colaboração com Takeshita. Sinto-me confiante em dizer que alguns desses ajustes elevaram o programa de TV. E, quanto aos que acredito terem resultados mais mistos, ainda posso admirar a intenção clara e incisiva que exibem. Mais uma vez, a lição é que os autores entendem a necessidade inerente de mudança nas adaptações melhor do que as bases de fãs vocais.
O que é HikaNatsu em sua essência, então? Sua premissa é tão simples quanto convincente. Somos transportados para um ambiente rural bastante isolado, seguindo o introvertido estudante do ensino médio Yoshiki Tsujinaka. No que gradualmente descobrimos ser o ritual secreto de sua aldeia, seu melhor amigo Hikaru desapareceu antes do início da série. Uma história potencialmente trágica que parecia ter um final feliz quando ele apareceu novamente, confuso, mas bastante saudável. Mas isso é, na verdade, apenas a superfície. Whatever it is that inhabits his skin now is no longer the person Yoshiki knew. In fact, it’s no person at all; “Hikaru” é um ser sobrenatural que veio a este mundo sem senso de identidade, muito menos moralidade humana. Os dois tornam-se intrinsecamente ligados nesta reconstituição direta do o experimento mental do Homem do Pântano, que força o leitor-e as pobres crianças colocadas nesta situação-a refletir sobre o que realmente constitui uma pessoa.
Tão importante quanto esse lado da questão. A história é que essas ideias são inseparáveis de outra coisa: o horror da conformidade e, inversamente, o fascínio da alteridade assustadora. Se o roubo de corpos é um clássico do terror, também o é ligar a atmosfera opressiva de um ambiente rural ao sobrenatural. Para Yoshiki, o cotidiano asfixiante não começou quando “Hikaru” apareceu. Isso aconteceu muitos anos antes, pois ele estava farto de todos os adultos lhe dizerem para cortar a franja com a qual se sente mais confortável. Aconteceu quando ele percebeu que não poderia escapar dos boatos sobre sua família; sua mãe estranha, sua irmã que não frequenta a escola, ele mesmo. E isso aconteceu especialmente quando ele internalizou que sua própria sexualidade é incomum e tratada como um desvio grosseiro da norma. Hikaru não era apenas seu amigo, mas alguém por quem ele se sentia atraído romântica e sexualmente. Agora que ele se foi e foi substituído por uma criatura sobrenatural, as coisas estão prestes a ficar muito mais complicadas.
A esse respeito, Mokumokuren tornou-se cada vez mais explícito sobre o que HikaNatsu é, bem como o que não é. Se você voltar a ler o one-shot inicial, com certeza notará que muitas páginas são exatamente iguais ao início da serialização. O que você também notará, porém, é que os dois personagens principais rapidamente se beijam e iniciam uma comédia romântica tão normal quanto possível nessas circunstâncias. No entanto, esse não é o caminho que a história completa tomou. Como Mokumokuren foi forçado a dizer muitas vezes devido à pressão dos fãs de vários ângulos, HikaNatsu é uma história queer não romântica. Existem vários motivos que os levaram nessa direção: a crença de que é importante dissociar a homossexualidade do romance, o desejo de alcançar amplamente todos os tipos de pessoas que se sentem rejeitadas pelas normas sociais e, o mais importante, o amor de Mokumokuren pelo outro.
Este ponto final é bastante explícito na narrativa de HikaNatsu, mas acredito que a conversa anterior com Vaundy seja seu resumo mais engraçado. Essencialmente espontâneo, o autor continua a reclamar contra A Bela e a Fera e todas as histórias que seguem padrões semelhantes. Como alguém que se sente atraído por aberrações – percebendo seu fascínio e repulsa como um coquetel inebriante – a ideia de que um final feliz envolve transformá-lo em um ser humano normal é ofensiva para Mokumokuren. Por mais importante que fosse definir os sentimentos de Yoshiki de maneira precisa, também era proteger a natureza anormal e incompreensível de “Hikaru”. Um romance direto, conforme entendido pela sociedade humana, envolveria inevitavelmente a demonstração de “Hikaru”, algo que o autor abomina. Embora a série seja muito sobre amor, e qualquer pessoa que aprecie o tempero só verá esse cenário como um BL ainda mais saboroso, é importante entender por que o autor original não é apaixonado por rótulos. Afinal, pressioná-los agressivamente também é impor aquela visão centrada no ser humano que eles não gostam.
Você poderia chegar a uma visão tão interessante e internamente coerente e ainda assim conseguir atrapalhar a execução. Mas esta é HikaNatsu, a série que chamou a atenção de todos porque sua entrega é muito inspirada. Mesmo com seus próprios interesses inclinados nessa direção, Takeshita pode não ter sido obrigado a apostar tudo no ângulo do anime enshutsu se Mokumokuren não fosse brilhante em sintetizar esses temas em imagens que ficam com você. Das muitas ferramentas que o autor utiliza nesse processo, há uma em particular que foi mencionada em todas as entrevistas que mencionamos até agora. E, realisticamente, na maioria das coisas que ainda não mencionamos, como a conversa de PASH com o diretor de arteDiretor de Arte (美術監督, bijutsu kantoku): A pessoa responsável pela arte de fundo da série. Eles desenham diversas pranchetas que, uma vez aprovadas pelo diretor da série, servem de referência para os planos de fundo ao longo da série. A coordenação dentro do departamento de arte é obrigatória – os designers de cenário e cores devem trabalhar juntos para criar um mundo coerente. Kouhei Honda. Se você já leu HikaNatsu, provavelmente sabe que estamos falando sobre o uso de SFX, onomatopeia e a evocação geral do som.
Capturar toda a amplitude desse aspecto no anime exigiria mais do que uma ótima direção sonora, mas não vamos nos enganar, deve começar com isso. Takeshita pensou nisso quando surgiu com o nome de Kouji Kasamatsu para dar forma ao som onipresente e quase palpável; e assim como nas escolhas anteriores, também porque ele estava procurando pessoalmente uma desculpa para trabalhar com ele. Você deve ter percebido que Takeshita também está diretamente envolvido nesse aspecto, ganhando o papel de diretor de som (ongaku kantoku). Enquanto isso, Kasamatsu está listado na função não padrão de ongaku enshutsu. Verdadeiramente a palavra-chave para toda a produção, ao que parece.
Em entrevista ao JINS PARK, Kasamatsu revela como seu caminho se cruzou com o anime, bem como por que ele favorece esse crédito específico. Sua carreira profissional começou como técnico de efeitos sonoros em programas de televisão, embora sua verdadeira paixão fosse o cinema. E porque ele era apaixonado, ele também era crítico – e é por isso que ele achava o som dos filmes japoneses um tanto desanimador. Mexendo em uma estação de trabalho de áudio digital de última geração que seu chefe havia adquirido, ele fazia experimentos como editar seu próprio trailer de Patlabor: The Movie enquanto substituía o áudio por algo que estivesse de acordo com seus padrões. No processo, ele chamou a atenção dos fabricantes da máquina e, eventualmente, da própria equipe de áudio da Patlabor.
Através desse divertido incidente, as portas da animação e do cinema se abriram para Kasamatsu. Sendo tão específico, ele gosta de estar envolvido desde os estágios iniciais (como uma parte proativa no planejamento da trilha sonora) até o final, ajustando o diálogo e o tempo nas edições finais. Ele está ciente de que tal posição tende a ser rotulada como um ongaku kantoku particularmente influente, mas como ele não é um grande fã da aura imponente que essas palavras têm, ele prefere usar o ongaku enshutsu, de som mais humilde. Foi assim que ele foi creditado em vários projetos do Ghibli, incluindo a vez em que Miyazaki lhe pediu para conceituar todos os efeitos sonoros em The Wind Rises como ruídos produzidos pelo homem. Ele se tornou a pessoa exclusiva dos ícones da animação teatral japonesa. E com HikaNatsu, ele esteve na vanguarda de um anime de TV pela primeira vez em mais de uma década. Você pode contar quantas vezes isso aconteceu com uma mão e ainda terá dedos de sobra. Até mesmo o personagem da série que gosta demais de sacrificar partes de seu corpo poderia fazer isso.
Outro aspecto central da adaptação compartilha o protagonismo com o som para uma cena igualmente contundente, especialmente para os espectadores que não estão cientes da premissa da série. É o que dá forma à verdadeira natureza de “Hikaru” – uma forma distintamente pegajosa e hipnotizante. No momento em que a adaptação foi anunciada, todos os fãs entenderam imediatamente por que Takeshita escolheu pessoalmente Masanobu Hiraoka como o artista encarregado desse papel específico. Seu domínio do movimento de transformação em obras independentes ocasionalmente lhe rendeu uma posição em projetos comerciais de alto nível, embora seja também esse estilo único que o torna incompatível com a maioria dos animes.
A maioria dos animes, mas não HikaNatsu, onde ele se encaixa com perfeita (des) naturalidade. As formas fluidas de Hiraoka são fascinantes, assim como o atual “Hikaru”, por quem Yoshiki não consegue parar de se sentir atraído, apesar do claro perigo. As formas mutáveis lembram as estruturas biológicas que você pode encontrar nas células; e ainda assim, eles são fundamentalmente diferentes, correspondendo ao efeito que os horrores fractais de Mokumokuren alcançam. O anime muda para esses cortes especiais sempre que pretende acelerar o terror, mas talvez sejam mais eficazes quando coexistem com os acontecimentos comuns. Nesse sentido, poucas cenas são tão memoráveis quanto a adaptação da cena que inicialmente ajudou HikaNatsu a decolar: “Hikaru” derretendo enquanto Yoshiki pergunta quem ele realmente é.
Acredito que seja importante ver esses pilares do horror de HikaNatsu não como elementos distintos, mas como parte da rede interconectada que eles formam. Despite the sheer diversity of techniques that each episode director uses, they all coalesce into one unifying texture that is closely related to the themes we discussed earlier. HikaNatsu é pegajoso e viscoso. Um fluido que se infiltra por toda parte. Assim como o calor do verão, capturado com tanta precisão pela direção de arte da Honda, pelo design de cores de Naomi Nakano e pela composição de Tomohiro Maeda. Esmagar os pretos na sombra e ajustar desconfortavelmente o contraste podem ser escolhas indesejáveis em outras séries, mas se ajustam ao desconforto silenciosamente abrangente de HikaNatsu. Até o papel de Hiraoka recebe o nome de animação dorodoro, em homenagem à onomatopeia do mangá. Again, this closely relates the seeping horror with a form of sound. Ambos os aspectos compartilham essa textura, como a pressão social que paira em torno de Yoshiki, não importa onde ele esteja. Tudo isso é desagradável, mas você não consegue desviar o olhar. Essa é a complexa relação com o desconhecido que Mokumokuren quer evocar.
Mesmo com Takeshita estando tão no topo de tudo, o anime HikaNatsu não seria tão atraente se cada episódio entre aqueles que ele fez o storyboard não fosse uma experiência imersiva por si só. Felizmente, o processo de recrutamento que deu confiança aos produtores provou ser tão preciso quanto eles esperavam. Os episódios a seguir mostram como a chegada de outros diretores não impede a produção de dançar inventivamente em torno de suas limitações, reforçando suas ideias no processo. Veja bem, a segunda maçã não caiu longe da árvore; o episódio #02 foi abordado e dirigido pelo promissor Mitsuhiro Oosako, um animador Dogakobo que absorveu muitas características dos diretores atualmente ativos no estúdio. Como um dos protagonistas mais notáveis desse grupo é o próprio Takeshita, não é nenhuma surpresa que Oosako se deu tão bem nesta série.
Enquanto Yoshiki tenta processar tudo o que aconteceu, desde o roubo do corpo até um assassinato que definitivamente não está relacionado a “Hikaru”, Oosako enfatiza sua subjetividade através de recorrentes tiros através de sua sua franja. Esse é o tipo de escolha de enquadramento tão óbvio que ninguém poderia perder seu significado e, ainda assim, as ilustrações mais eficazes do episódio do headspace de Yoshiki são mais uma vez aquelas que traduzem em som a pressão asfixiante que ele sente. A escolha mais brilhante do episódio literaliza as piadas de Yoshiki sobre as entranhas sobrenaturais que parecem frango, por meio do uso de fotos de carne em ação ao vivo. O que inicialmente é divertido torna-se uma imagem assustadora quando ele cede sob pressão. As mãos estendidas transformam-se em pedaços realistas de carne de frango desenhada, com fotografia mais realFotografia (撮影, Satsuei): O casamento de elementos produzidos por diferentes departamentos em uma imagem finalizada, envolvendo filtragem para torná-la mais harmoniosa. Um nome herdado do passado, quando realmente eram utilizadas câmeras nesse processo. intersticiais transformando o comum em algo revoltante. Os desenhos repulsivos incorporam o efeito do vale misterioso que Mokumokuren muitas vezes usa como arma, mas através de sua percepção subjetiva, ainda podemos sentir uma atração inebriante. Coisas ruins estão acontecendo e nosso garoto está tragicamente viciado nelas.
Em contraste, o terceiro episódio é uma escolha de pessoal um pouco mais arriscada. É importante notar que Asaka Yokoyama é uma grande fã da série, então não é uma grande surpresa que ela tenha entendido sua natureza tão bem. A equipe deve ter concordado, considerando que ela já animou a grande reviravolta na estreia ao lado de Hiraoka. E, no entanto, a maneira como ela foi parar lá não foi tão segura quanto a do diretor da série. Diretor da série: (監督, kantoku): A pessoa responsável por toda a produção, tanto como tomadora de decisões criativas quanto como supervisora final. Eles superam o resto da equipe e, em última análise, têm a última palavra. No entanto, existem séries com diferentes níveis de diretores-Diretor Chefe, Diretor Assistente, Diretor de Episódios da Série, todos os tipos de funções fora do padrão. A hierarquia nesses casos é um cenário caso a caso. confiando um episódio a um aluno seu. Quando o anime foi anunciado pela primeira vez-alguns meses após o início do processo de produção-ela comemorou e imediatamente implorou à equipe que a deixasse trabalhar na série. Isso nem era novidade para ela, já que ela esperava publicamente poder desenhar storyboards para uma hipotética adaptação de HikaNatsu desde 2022, quando apenas alguns capítulos haviam sido publicados. Apesar de ter pouca ou nenhuma experiência em direção na época, Asaka aparece como uma artista com ideias, então a equipe rapidamente a acolheu (através do produtor de animação Kenta Ueuchi) entre suas fileiras.
Essa aposta valeu a pena, talvez porque ela realmente passou anos imaginando o que faria com HikaNatsu se fosse animado. De uma forma semelhante à escalada gradual de pavor no mangá, seu episódio estabelece um ritmo claro por meio da repetição. Imagens e memórias recorrentes tornam-se mais corrompidas quanto mais as vemos, em uma cadência que por si só é desconfortável. Isso leva à a explosão de sentimentos humanos e instintos desumanos; transmitido por meio de reimaginações de painéis memoráveis, aquelas ferramentas recorrentes como o som e a música de Hiraoka lodo, bem como suas próprias adições, como as linhas que evocam a desumanidade. Overall, Yokoyama’s sharpest choice may be the expression of the connection between HikaNatsu’s horror and the setting. Yoshioka’s forms morph from mountain to person, set to photographic materials gathered during every director’s scouting trips to the location of this tale. It’s in moments like this that you can feel how long she has spent imagining this series in motion.
Even with more measured delivery, the fourth episode continues to unravel the mysteries about the village in a compelling way. Rather than the adventures of Yoshiki and “Hikaru”, though, it’s about time we mention the part of the story that has seen the most fundamental changes in the anime. As far as the manga is concerned, both the reader and protagonist spend a fair amount of time completely in the dark, without any idea of the truth about the nature of “Hikaru” and how that relates to local beliefs, rituals, and the past. Contrary to that, the anime immediately dangles a parallel narrative thread. One that features adults in the village scrambling to solve this issue, the mysterious Tanaka, and even the existence of a company with an eerie desire to control the supernatural.
The loss of the disorienting feeling in the early stages of the original is a genuine shame. There is real value to the mystique you can only evoke when the audience doesn’t even know what it doesn’t know, merely feeling that they’re lost in a scary place. However, Mokumokuren and Takeshita’s interesting justifications make it easier to buy into this change. In spoon.2Di vol.125, the author confirms that they were the one who asked for Tanaka’s introduction to happen much earlier. With a second chance to visit their own story, they wanted to showcase the width of its world faster than they originally unraveled. Despite being a very particular creator and thus likely to plan ahead as much as possible, it’s clear that HikaNatsu‘s scope grew a bunch after its earliest stages. With the anime, Mokumokuren hopes to encompass all of it from the beginning, as opposed to a manga where you’re confined to specific viewpoints and plotlines at the beginning.
A fair stance, though it’s Takeshita’s input—as someone who was also onboard with this change—that I find most interesting. The director instead framed it in relation to the fact that the HikaNatsu anime doesn’t exist in a vacuum. The manga blew up in popularity coming out of nowhere, from a completely unknown author. The readers who stumbled upon it were immediately hooked by its initial twist, spreading the series through word of mouth to equally unprepared newcomers. Compared to that, this anime adaptation is being released at a point where HikaNatsu is a massive hit. Even if you haven’t read it, chances are that you’ll at least know about the gooey nature of “Hikaru”; and if you don’t, any promotional video for the anime will show as much. Since this environment lessens the original hook, he was partial to frontloading the mystery aspects so that new viewers felt strongly drawn to the series, even if they were already familiar with the imagery that once shocked readers. Again, I believe that the manga’s progression is more effective, but you can’t deny that a lot of thought went into this adaptation.
The sixth episode is instead led by an in-house regular in FuKarenki Kataoka, assisted in episode directionEpisode Direction (演出, enshutsu): A creative but also coordinative task, as it entails supervising the many departments and artists involved in the production of an episode – approving animation layouts alongside the Animation Director, overseeing the work of the photography team, the art department, CG staff… The role also exists in movies, refering to the individuals similarly in charge of segments of the film. duties by Shinya Kawabe. It begins on a more contemplative note, leaning on tricks like associating the movement across physical space to metaphorical sliding in and out of memories, as well as shifts in tone. You can only go so far in this show before things get really tense, though, and so that calmer delivery makes way for more unsettling framing. “Hikaru” feels like a member of their group of friends at school may have found out about its nature and nearly kills her, being stopped at the last second by Yoshiki. The latter is forced to accept that the person he cared for is long gone, replaced by a creature who doesn’t even comprehend the concept of life, let alone its weight. To complete HikaNatsu’s contradictory puzzle, the episode dedicates a gorgeous sequence to illustrate the world as perceived by this otherworldly being. At a point where Yoshiki fears “Hikaru” may be beyond redemption, with inhumanity becoming synonymous with ruthlessness, there is so much beauty to its perception. Mokumokuren can rest assured—this show really gets the conflicting nature they wanted to capture.
Following up on that, episode #07 marks the return of Takeshita to storyboarding duties. This was an episode brought up by multiple staff members as the one they’d been looking forward to, and it’s easy to understand why. It’s also among the ones that begin on a quieter note, but you can immediately tell that something is off. That numb dread continues until we see that, in his desperation to take responsibility for the monster he has been hiding, Yoshiki attempts to kill “Hikaru”. The most viscerally upsetting moment in Takeshita’s delivery isn’t Yoshiki’s failure to do so, but “Hikaru” responding by tearing himself apart, making himself less dangerous so that he can remain with Yoshiki. As he accepts this deal, proposing to research its true nature, Takeshita’s direction takes a turn for the ominous; did you expect a comforting, pleasantly romantic framing? Sorry, we do things a bit messier over here.
Through his contributions to anime like 86, KoiAme, and G-Witch’s first cours, Ryo Ando has become a bit of a favorite on this site; and for the record, because of Pripara and Love Live as well, since those are the ones that actually tell us about his directorial school. Skilled as he is, being entrusted with an episode sandwiched by high-priority moments in the story forced him to take a more moderate stance for HikaNatsu #08. Regardless, you can still feel his compositing-focused direction with a particularly red sunset; dyed in the blood corresponding to the first murder by “Hikaru”, with consequences it still isn’t capable of understanding. Those two aren’t the only ones casting eerie shadows either, as Tanaka has investigated enough to find out that they’re involved with the supernatural happenings in the village. As its ghoul nearly catches them, the usual unnatural sound is accompanied by appropriately inhuman movement.
While other regulars had to assist him this time around, episode #09 marks the return of Oosako to directorial duties. This seems to confirm the suspicion that he’s a very effective sponge. Not one that regurgitates the exact same tricks used around it, but rather one that absorbs from its surroundings and synthesizes new things. Using the camera’s physical traversal (and putting that reference footage to good use) to transition through different points in time is something we’ve observed in previous episodes, but Oosako’s touch makes it all more gripping. Even the supernatural equivalent of a heads-up can become an unsettling relay of techniques. The reason why the staff were particularly giddy about the broadcast of this episode, though, was to feast upon people’s reactions as the protagonists’ investigation is truncated… and so is someone’s head, when Tanaka arrives and beheads “Hikaru”. Oh dear.
The tension from that event immediately carries over to episode #10, which was effectively co-produced by studio NUT. Its mainstay creators Yutaka Uemura and Hitomi Taniguchi storyboarded it, and the studio was involved in its management as well, so it’s fair to say that it draws a meaningful amount from a different company altogether. There’s always a risk of diluting your carefully crafted identity when reaching out, but the first scene should be enough to lessen those worries. Again, you only need to witness the role of sound in establishing the chaos of the moment. As the two recover, surprisingly left alone by Tanaka, the episode leans on striking imagery to give some spice to the investigation of the legends behind “Hikaru”. Even in that regard, it understands that it would be a betrayal of HikaNatsu’s identity if they uniformly stuck to a more standard style. By using the adaptation’s favorite tools and boarding a few remarkable shots, an episode conceived elsewhere manages to slot in nicely within this show. Better than the actual outsiders do in this village, at any rate.
And indeed, this feel-good moment ends halfway through the episode. Through the neck wound Tanaka left as a present to “Hikaru”, its most dangerous instincts begin leaking. With it, and under the direction of Aimi Yamauchi, so do the more radical stylistic choices; the Hiraoka-like morphing horrors, the aggressive sound direction, and involved camerawork to enhance the chase. Although the situation is quickly under control, “Hikaru” is shocked over having come close to harming Yoshiki yet again. It may lack a human grasp of mortality, but it understands that Yoshiki’s death would put an end to a relationship it treasures. And so, it makes a decision: it’ll leave this village, hopefully attracting all the supernatural beings away from Yoshiki in the process. Incidentally, the production of this episode was managed by friend of the site Hayato Kunisada aka eichiwai, which explains the much higher participation of animators recruited online. Solid job, at a point where the schedule had clearly decayed.
The situation wasn’t any easier for Takeshita in the finale, but that didn’t stop him from writing, storyboarding, and directing it on his own. Right off the bat, he nails the melancholy of a planned goodbye. His casual emphasis on the elements that represent the end of a school term coincides with “Hikaru” bidding goodbye to everything that has conformed its human-like routine for the entire show. Subtlety has hardly been his game across this project, though, so he quickly shifts to the real footage he recorded in the setting to depict “Hikaru” and Yoshiki’s promised trip to the ocean. This, of course, recontextualizes the show’s ending sequence—one he directed and storyboarded himself as well. While its mixed media and focus on real-life locations had always felt fitting for the HikaNatsu anime, it’s only with the details revealed by the final episodes that the meaning of their destination (and their clothes!) hits.
The final conversation between the two leads starts with ingenious Takeshita storyboarding. As “Hikaru” talks about its otherworldly nature to make a point about needing to leave, the camera travels through a body overlaid with nightmarish textures. However, when it reveals that this is something it wants to do to keep Yoshiki safe, it pulls away from its eye to reveal a regular, kind-looking boy. Although Mokumokuren keeps denouncing human values as the absolute, singular form of goodness, there’s no denying that the being hidden in Hikaru’s body is dangerous. And so, it doesn’t feel like a misstep to use its inhuman appearance to signal threats.
That said, Yoshiki is in too deep to accept a safe, standard human life. He’s someone who has always felt like a bit of a monster who hides his real self—our poster boy for internalized homophobia—and thus felt kinship for a being like “Hikaru”. Through imagery that is reminiscent of previous visual synthesizations of societal pressure, his reflection appears to agree with this proposal. And by his reflection, I mean a deeply unsettling figure with its mouth swapped for a real person’s; thanks for the nightmares, Takeshita. After his refusal to part ways (and a fight that mirrors one he had as a child with the real Hikaru), Yoshiki embracing his own twisted feelings is conveyed through the overlap of a clearly drawn silhouette over that photorealistic body. Again, the two natures that always coexist in HikaNatsu. As they swear to remain together despite their messy situation, their moment of intimacy is likely animated by the superlative Takashi Kojima. It’s rougher work than we’re used to from him, though understandably so given the circumstances of the production. But most importantly, it captures how much this relationship means for both of them.
That puts an end to an excellent first season of HikaNatsu; not without its flaws and limitations, but so inspired as an adaptation that those become minor inconveniences at worst. Again, this isn’t to say that we shouldn’t hope for the better—especially given that the timing for the sequel will be somewhat tricky. It’s worth pointing out that Mokumokuren planned the series around 10 volumes, with this show adapting the first five thus far. The immediate announcement of a sequel makes it sound like it’ll come in the form of a second season, which would complete the series while keeping a consistent sense of pacing.
How could they adapt events that won’t be published until late 2026 or perhaps even 2027 and still broadcast it in a timely fashion, though? The arrangement could be as simple as Mokumokuren sharing undisclosed information with them. A detail we’ve neglected to mention is that something along those lines has already happened. The specifics of the design for characters like Yoshiki’s mother were something that the author was particular about; after all, she’s meant to feel like an outsider whom the village never accepted. Despite being around for the early events, the manga avoided depicting her face for a long time, meaning that she didn’t have a visible design by the time the production of the anime started. Given that its team found it necessary to feature her properly—obscuring her face constantly might have come across more unnaturally than in the manga—Mokumokuren sent them extensive design sheets for a character manga readers had yet to see properly.
Of course, sharing a design and detailing the entire story aren’t quite on the same level, but I have my suspicions that Mokumokuren has already been instructing Takeshita in that regard. The two have worked too closely to keep secrets, especially given that a lack of knowledge about future events could have caused accidental incongruences in the anime. Since it’s clear that they always planned a full adaptation, and considering how we’re dealing with an author who plans everything obsessively, I would bet on this being their strategy; otherwise, they immediately announced a sequel that everyone would have to wait 3+ years for. This strategy would allow for a timely release of the sequel, though with a bit of an unforgiving production schedule attached to it. We’ve seen what this team could accomplish with limited resources and time, but as the story gets even crazier, I’d love to see more confident support from the studio and committee. Let this team cook something unsettling, bewitching, and possibly deadly for all of us.
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