Olá pessoal, bem-vindos de volta ao Wrong Every Time. Com a temporada de inverno já em andamento, estamos finalmente chegando ao ponto em que podemos separar concorrentes significativos dos flashes panorâmicos do primeiro episódio, um processo que até agora parece indicar que esta é uma temporada totalmente centrada na sequência. Temos 100 namoradas, Ave Mujica e The Apothecary Diaries, o terceiro dos quais já ouvi falar o suficiente de fontes confiáveis e estou realmente ficando curioso. Claro, eu também ainda tenho muitos Armored Trooper Votoms para passar e recentemente comecei a adaptação para TV de 87 do épico hindu Ramayana, que meu colega de casa assistiu pela primeira vez quando criança. Então, sim, mistura eclética de mídia no momento, e estou me divertindo muito com tudo isso – incluindo os excelentes filmes abaixo, que selecionei a dedo para sua última revisão da semana. Vamos ao que interessa!
O primeiro desta semana foi The Big 4, um longa recente de Timo Tjahjanto. O currículo estelar de Tjahjanto tornou esta visão inevitável para mim; ele provou ser adepto tanto da ação (The Night Comes For Us) quanto do terror (May The Devil Take You, “Safe Haven” de V/H/S 2), e liderar uma turbulenta comédia de ação parecia o próximo passo natural. O filme é estrelado por Putri Marino como Dina, uma policial filha de um homem que secretamente levou uma segunda vida centrada em assassinatos. Investigando a morte de seu pai, Dina finalmente rastreia os “4 Grandes” assassinos que também foram criados por ele, com todos eles caindo na mira de outro assassino maníaco.
Os 4 Grandes caem em uma situação exuberante. , categoria ambiciosa de comédia de ação povoada por nomes como Kung Fu Hustle e RRR, apresentando personagens grandiosos, piadas alegremente ridículas e grandes quantidades de sangue falso. É o tipo de filme em que uma explosão deixará dois tênis com tocos saindo deles, e onde um vilão pode ser desfeito ao lembrá-lo de seu embaraçoso apelido de infância. Seu enredo é principalmente uma desculpa para facilitar tais sequências; assim que Dina encontra o líder dos Big 4, Topan (Abimana Aryasatya), o filme parte para as corridas, uma aventura desenfreada de “reunir a banda novamente” cheia de explosões e vulgaridade.
Embora a trama cena a cena possa parecer um pouco descontrolada, The Big 4 mantém um núcleo sólido em virtude da química compartilhada por seus irmãos titulares. Eles fornecem o contraponto humano à insanidade violenta geral do filme; os vilões são apresentados como estrelas de seus próprios videoclipes e, embora a ação não seja tão frenética ou fisicamente impressionante como em The Night Comes For Us, Tjahjanto prova que pode realizar cenas de luta intensas, mesmo sem um artista marcial sobre-humano como Iko Uwais. O roteiro provavelmente poderia ser mais apertado, mas é difícil reclamar de um filme tão generoso; e com a conclusão oferecendo um gancho de sequência descarado, imagino que estarei na fila para a segunda rodada.
Nossa próxima exibição foi The Ox-Bow Incident, um filme de 1943. western estrelado por Henry Fonda como um cowboy que acaba de retornar à cidade, preparando-se para alguns drinques e talvez uma briga antes de outro local chegar, dizendo que o fazendeiro Larry Kinkaid acaba de ser assassinado. Um pelotão logo é convocado para vingar a morte de Kinkaid, com o vice do xerife substituindo ainda mais uma dúzia de homens, todos eles liderados pelo veterano da guerra civil, Major Tetley, em sua melhor forma militar. Fonda cavalga com eles ao lado de vários outros objetores, na esperança de oferecer pelo menos um mínimo de justiça às pobres almas que eles pretendem linchar. proibir a justiça treze anos antes de The Searchers, e ainda mais antes de os ocidentais começarem a se desculpar como “revisionistas”. Como muitos dos meus filmes favoritos, incluindo Twelve Angry Men, posterior de Fonda, ele reúne uma variedade de perspectivas que ilustram a variabilidade da moralidade pessoal e a loucura da auto-justiça, entendendo que a batalha de nossas supostas melhores naturezas contra nossos instintos mais básicos como um luta fascinante que não requer nenhum embelezamento adicional.
Henry Fonda serve como o fulcro perspicaz da alavanca moral de Ow-Bow, equilibrando o peso das evidências contra os alegados perpetradores, e a negritude do crime cometido contra a notável ambiguidade e sede de sangue dos acusadores. À medida que os testemunhos se acumulam de um bando de atores fantásticos (Anthony Quinn é um ladrão frequente de cenas), a única culpa que fica clara é a do legislador que se fez sozinho, o vazio de espírito que inspira um homem pequeno a vestir uma fantasia ele não honrou e não falou com uma autoridade que não conquistou, encontrando abrigo na crueldade fácil do consenso odioso. Assim como High Noon, The Ox-Bow Incident examina o espírito de sua sociedade e encontra pouca coisa que valha a pena gostar; também como Meio dia, tornou-se instantaneamente um dos meus westerns favoritos.
Depois vimos Dead Silence, um filme de terror dos anos 2000 centrado no alegado terror inerente aos bonecos de ventríloquo. Quando nosso protagonista Jamie (Ryan Kwanten) recebe um manequim chamado Billy pelo correio, ele pensa pouco nisso até que sua esposa é terrivelmente assassinada. Em busca de respostas, ele retorna para a casa de onde fugiu há muito tempo, reunindo uma história familiar de bruxaria e vingança das ruínas de sua cidade antiga.
Há muito pouco que irá surpreendê-lo em Dead Silence; segue as batidas previsíveis de qualquer drama de terror do tipo “excêntrico vilipendiado que volta para se vingar” e, além disso, é muito orgulhoso de suas reviravoltas previsíveis. É também o filme mais triste que vi nos últimos tempos; o diretor exagerou completamente nos filtros de cores do filme e, portanto, parece que cada cena se passa dentro de uma espécie de aquário enorme. Mas deixando tudo isso de lado, a questão mais fundamental do filme, pelo menos aos meus olhos, é que os bonecos de ventríloquo simplesmente não são tão assustadores.
Sinto que aceitamos culturalmente o conceito de um boneco de ventríloquo malvado no filme. wake of Goosebumps essencialmente abraçando um como seu mascote, mas as próprias histórias de Goosebumps tendem mais para a comédia e a surpresa do que para o terror, principalmente oferecendo apenas reviravoltas atrevidas e em grande parte desfiguradas em produtos de terror. Eles serviram como uma ótima introdução ao terror quando eu tinha sete anos, mas, três décadas depois, estou confiante em declarar que podemos aposentar o assustador boneco de ventríloquo.
Nosso próximo filme foi Dragonslayer, uma aventura de fantasia. produzido durante a curta “era sombria” da Disney, o que significa que você pode ver um pouco de sangue ou parte de um seio. Peter MacNicol estrela como Galen, um jovem aspirante a bruxo que é recrutado para lutar contra um dragão quando seu antigo mestre morre. Com pouco controle sobre suas habilidades latentes, a batalha de Galen contra o dragão é confusa e imprevisível; na verdade, suas primeiras tentativas de vitória apenas antagonizaram a besta, aparentemente provando a necessidade do canal de sacrifício de virgens do rei. No entanto, com amigos ao seu lado e uma pequena ajuda de seu antigo mestre, Galen jura que vencerá o demônio.
Dragonslayer é um recurso incomum de várias maneiras, mesmo deixando de lado seu aspecto nada Disney-como melancolia e violência. Por um lado, sua narrativa é em grande parte uma história de fracassos repetidos – como você pode ver no parágrafo acima, o enredo é circular e breve, uma série de tentativas galantes, mas inúteis, contra o grande dragão. Tanto aquele dragão quanto a magia que se opõe a ele são enquadrados como relíquias de uma idade avançada, fantasias que estão morrendo nesta terra; o filme praticamente começa com o mestre de Galen vendo sua magia falhar completamente, e o plano original do rei para o dragão é simplesmente esperar que sua vida útil diminua. Galen também nunca parece realmente ter controle de sua própria magia – ele reúne ferramentas e elabora planos, mas suas habilidades nunca são formalizadas ou confiáveis, apenas a oração de um jovem talentoso a um deus antigo e incognoscível.
Como você pode imaginar, toda aquela textura ambígua e sombria me fez sentir em casa com Dragonslayer. Gosto quando as feras mágicas ou sobrenaturais são essencialmente enquadradas como forças incognoscíveis da natureza; tais dinâmicas parecem mais inerentemente místicas e ameaçadoras do que a magia enquadrada como um sistema matemático concreto. Dragonslayer vai um passo além, na verdade contextualizando suas mitologias desbotadas em face do sistema que realmente os matou: a doutrina cristã, que se arrasta continuamente nas margens do Dragonslayer até que mesmo grandes atos de magia sejam enquadrados como uma bênção do senhor. Esse espectro oculto confere a todo o filme uma sensação de melancolia que é ainda reforçada por seu cenário sombrio e tátil, uma ambigüidade ecoada pelas escolhas realmente razoáveis do rei supostamente malvado do filme. Um recurso de fantasia humilde, mas envolvente.
