Puniru Is A Cute Slime desafia irreverentemente eras estilísticas e demográficas para montar um mangá pastelão realmente engraçado. Sua adaptação para anime nem sempre consegue capturar todo o seu apelo, mas criadores excepcionais ajudam-no ocasionalmente a atingir níveis incrivelmente vibrantes-vamos ver quem, por que e como!
Algumas obras se orgulham de sua incapacidade de serem bem posicionadas. dentro de um gênero, demográfico ou mesmo de uma época e suas correntes artísticas associadas. Esse é o caso de Puniru Is A Cute Slime, apesar de tornar aparente toda a sua premissa e visão de mundo com esse título direto; na verdade, é uma série sobre uma criatura pegajosa que por acaso é adorável (um julgamento autoproclamado). Seu gênero também não é vago – na verdade, sua primeira página já proclama seu status único como a primeira comédia romântica publicada em Corocoro. Com essa afirmação, porém, fica claro que é uma felicidade ser uma mistura incomum de ingredientes.
Mesmo que você não esteja familiarizado com as revistas japonesas, a maioria das pessoas apaixonadas por jogos provavelmente gostará. esteja ciente de Corocoro por causa de sua proximidade com franquias extremamente populares como Pokemon. Seu público-alvo são, como você pode imaginar, crianças muito pequenas; dizer que se inclina para os meninos seria subestimar enormemente a situação, já que a questão do gênero no entretenimento infantil pode ser muito rígida. Quando se trata de sua seleção de quadrinhos, tradicionalmente tem sido uma mistura de parcerias com franquias de jogos e brinquedos-muitas vezes em formas mais cômicas e infantis-e mangás de piadas da vida cotidiana, com um pouco de aventura espalhada. p>
A comédias românticas como Puniru simplesmente não são a norma para as revistas sob a égide de Corocoro. No entanto, seu sucesso certamente parece tê-los levado a dar uma guinada em novos tipos de obras, aventurando-se até mesmo no território otaku central. Talvez você tenha ouvido falar sobre o grande videogame NIKKE recebendo um mangá spinoff em uma revista infantil, ou dependendo dos seus hobbies, você deve ter visto que vtubers malucos são serializados entre muitas franquias amadas pelas crianças. Especialmente em suas publicações online, Corocoro é um ambiente mais selvagem em um mundo pós-Puniru. Lembre-se, entretanto, de que seria um erro interpretar isso como significando que a coisa se tornou mais suja no processo; se há uma coisa de que as crianças historicamente riram é do humor higiênico, e tanto as piadas sujas quanto a nudez cômica são algo que seus editores descobriram que seu público-alvo também gosta.
Não encontrei lugar melhor para apontar que o O mangá Puniru realmente delineou um certo buraco quando o slime gentilmente se ofereceu para devolver o almoço que ela (o gênero é complicado) havia comido.
Mais do que o tipo de série que é, o que torna Puniru uma perspectiva interessante é seu público-alvo desconcertantemente amplo – ou, inversamente, estreito devido às suas muitas contradições. Para começar, a razão pela qual as comédias românticas não faziam parte da lista de Corocoro era a crença de que os meninos tão jovens simplesmente não estão interessados nas meninas ainda, por mais que riam de assuntos supostamente adultos e sujos. Quer isso seja válido ou não, Puniru mantém isso em mente, tornando a ideia de romance mais confusa e incompreensível para seu protagonista do que você normalmente veria em publicações para crianças um pouco mais velhas. No entanto, essa é apenas a ponta deste iceberg pegajoso e inconformista.
Para ser mais claro, não há nenhuma criança neste planeta equipada para compreender as referências constantes a peças de mídia que podem muito bem durar 3 décadas. mais velhos do que eles. E ainda assim, o autor original Maeda-kun se adapta tão bem ao ambiente de Corocoro que você também não poderia acusá-lo de criá-lo exclusivamente para seus pais. De certa forma, a cola que mantém tudo unido é a ideia de que é voltado para os chamados Corocoro Kids – seja seu público regular ou qualquer pessoa que tenha sido um pirralho arrogante nas últimas décadas e ainda relembre tudo o que gostou. antigamente.
Dado o relacionamento da publicação com franquias de jogos, um dos vetores mais óbvios para desencadear essas referências constantes a obras do passado é o amor de Maeda-kun por Títulos da Nintendo. O título do quinto capítulo do mangá é uma piada sobre a personagem mais perigosa da série e sua questionável maternidade (também expresso através do jogo de palavras em seu nome 雲母麻美/Mami Kirara). O que pode não ser tão óbvio é que a frase que está sendo usada é um icônico slogan Earthbound, homenageando o fato de seu diretor e escritor Shigesato Itoi ser também um publicitário magistral. Embora seu status como meme possa ter permitido que um grande número de pessoas o percebesse, a profundidade do nerd de Maeda-kun não deve ser subestimada. Recentemente, ele confirmou que a saudação temática de Puniru após se transformar em um eu sombrio e gótico era de fato uma referência ao nome de um estágio de Super Mario 64-daí porque este formulário tem uma meia xadrez, para corresponder ao piso de sua entrada no jogo.
Embora tenha admitido que puxou aquela referência inventada sem motivo algum, o autor mencionou a dupla cômica Baku Chuu Mondai como uma influência quando se trata de criar entretenimento infantil com paródias vergonhosas de obras que elas não poderiam conhecer. Embora essa natureza referencial nunca seja suficiente para tornar algo engraçado por si só, há algo na lacuna extrema entre o suposto grupo demográfico e a época em que residem os interesses do autor que torna a intenção de Puniru já divertida. Dito isto, seu sucesso como série de piadas é diretamente uma questão de execução; primeiro, ao escrever cenários ridículos onde essas curvas muitas vezes referenciais são engraçadas, quer você conheça o material de origem ou não, mas o mais importante, por meio de sua incrível entrega visual. Se você está procurando uma pastelão incrível, cara, eu tenho os quadrinhos para você.
É importante notar que revistas como Corocoro são uma espécie de cápsula do tempo estilística. Nascido durante uma onda crescente de mangás shounen nos anos 70, ele tentou atender aos leitores mais jovens não apenas por meio daquela relação sempre presente com jogos e propriedades de brinquedos, mas também preenchendo-o até a borda com entretenimento infantil já popular. Mais notoriamente, Corocoro teve uma história de amor imediata com Doraemon-uma série que já estava em exibição há quase uma década, algo que não os impediu de apresentar tantas de suas aventuras que se tornou parte integrante da identidade da Corocoro; é bastante revelador que, em sua primeira edição em 1977, o nome do gato robótico tenha sido apresentado com muito mais destaque do que o da própria revista. Esse relacionamento com a lendária dupla de mangá Fujiko Fujio continuou enquanto a revista também publicava histórias paralelas, séries de piadas sobre os próprios mangakás e dezenas e dezenas de obras escritas diretamente por eles ou relacionadas à sua obra. Mesmo hoje em dia, quase 3 décadas após o fim de Doraemon como mangá, sua encarnação de anime ainda em andamento leva Corocoro às vezes a publicar pequenas séries relacionadas aos seus filmes populares.
Ter uma figura clássica tão central certamente influencia um estilo. ainda visível na revista hoje em dia, mas mesmo além da sombra de um criador tão icônico, as publicações mais extensas e bem-sucedidas da Corocoro a mantêm enraizada no passado. O exemplo mais óbvio é Super Mario-kun e seus muitos spinoffs, que estão na revista desde 1990 pela mão do veterano mangaká Yukio Sawada; um artista que atua profissionalmente desde 1970, o que significa que seu trabalho já tinha um toque old-school desde o início. Embora alguma evolução seja inevitável, essas influências levaram a um visual distinto para as obras de Corocoro: designs altamente estilizados, muitas vezes deformados e com cabeças grandes, linhas grossas para combinar com seu volume descarado e um vocabulário visual quando se trata de poses de personagens que às vezes parece como se você estivesse olhando para um portal do tempo.
Nesse ambiente de vaga nostalgia, Puniru prospera levando esse sentimento ao extremo. Mesmo quando seu estilo artístico não está mudando para uma obra ou gênero clássico específico para uma piada-o que acontece com frequência-a maneira como usa constantemente expressões como personagens caindo de cabeça para baixo para transmitir surpresa evoca uma época passada, assim como muitos de seus reações em voz alta. A forma como as esquetes são ritmadas lembra muito o mangá de comédia Showa, mas nunca se contentando em ficar apenas com um período, Puniru mistura isso com um senso de design mais moderno, mas ainda eclético. O que significa que o slime tem tanta probabilidade de se tornar uma queridinha quanto de se transformar em um Heisei gyaru. Sua forma inicial de pinguim é uma clara homenagem a Doraemon, assim como os amigos do co-protagonista Kotaro-canalizando não apenas as aparências e nomes, mas até mesmo as expressões associadas ao trabalho de Fujiko Fujio. A vibração no relacionamento entre seus dois protagonistas também tem traços do DNA de Rumiko Takahashi; um tanto inevitável quando se trata de comédias românticas, e ainda mais em uma como Puniru, que se orgulha de seu coquetel não convencional.
Embora o contexto de Puniru seja interessante, é a maneira como ele deriva sua execução visual que em última análise, torna a série tão agradável de ler. Veja bem, não é uma premissa particularmente complexa: a maioria das piadas da série funciona transformando uma mudança repentina em um lembrete bombástico de que o personagem titular é uma criatura pegajosa, sem noção da normalidade humana e sem preocupação com a mortalidade. Pode ser um flashback alegre onde ela corre para abrir a porta e é cortada pelo portão, ou uma captura emocionalmente carregada onde ela acaba se dividindo com o impacto de qualquer maneira. Puniru é um tesouro de terror corporal engraçado que permite que ele volte sempre ao mesmo tipo de piada, só porque existem inúmeras representações de um esquisito nojento que pode ajudar os apreciadores de pastelão a se divertirem.
E se alguém adaptasse isso para animação? Tenho certeza de que você percebeu imediatamente os sentimentos conflitantes que surgiriam hoje em dia. Por um lado, muito deste humor físico já sugere movimento, por isso animá-lo é perfeitamente natural; na verdade, a elasticidade e a fluidez de um lodo sobre o qual tanto Puniru é escrito se ajustam melhor ao movimento do que nunca nos quadrinhos. Por outro lado, essa vantagem depende do tipo de animação alegre que você não pode considerar garantida na atual indústria de anime.
Sem o impacto imediato das ilustrações de Maeda-kun e talvez também sem o envolvimento animação que um anime Puniru ideal precisaria, é fácil ver como uma adaptação pode ter dificuldade para capturar seu charme. Além disso, não podemos esquecer a amplitude desse apelo, que tem sido o tema de grande parte deste artigo. Para uma adaptação para canalizar o charme da era cruzada de Puniru, pode ter que ser uma produção 4:3 cel em alguns pontos, mas também uma produção digital inicial em outros, embora ainda tenha estilizações modernas. Embora existam loucos que ocasionalmente vão tão longe hoje em dia, essas simplesmente não são expectativas realistas para o tipo de escopo que um anime de TV para um mangá de nicho deveria receber.
No final, é a adaptação do anime não quebrou essas expectativas limitadas, mas acabou sendo interessante de qualquer maneira. Não há como negar que muito do apelo intangível do original está meio que perdido no programa de TV, que parece mais assumidamente atual-embora preserve as expressões faciais fora de moda do mangá-e nem sempre tem o energia para sua animação que as aventuras de slime precisam. Na melhor das hipóteses, a série faz exatamente isso: Puniru se transforma de maneira livre e inerentemente engraçada, apenas como os desenhos de Maeda-kun costumam ser suficientes para arrancar um sorriso, independentemente do contexto. Às vezes, suas qualidades pegajosas são mostradas mais incidentalmente, enquanto outras fotos são o mais direto possível ser. É uma frouxidão contagiante que ressoa em outros personagens também, seja de maneira fofa ou comicamente horripilante. Embora não sejam exatamente como o material original, esses momentos são uma tradução excelente e natural de uma parte fundamental de seu apelo.
É claro que a produção um tanto modesta de um estúdio novo não pode manter isso. nível de grandeza-sem surpresa, visto que é construído sobre algo tão exigente quanto a animação constante de personagens. Embora ainda não tenha tido um episódio realmente de má qualidade e às vezes apresente uma cena excelente durante um episódio mais silencioso, está claro que os destaques por si só não são representativos da série como um todo. E, no entanto, são frequentes e excelentes o suficiente para parar e pensar de onde vêm. Se você ama felinos com tendência ao autoenvenenamento, talvez já tenha um palpite sólido. Ou fluido, dado o tema.
Entre o material inicial do anime, eu destacaria a abertura, o final e o segundo episódio como as expressões mais consistentes do apelo de Puniru na animação. A introdução, liderada pelo diretor da sérieDiretor da série: (監督, kantoku): A pessoa responsável por toda a produção, tanto como tomador de decisões criativo quanto como supervisor final. Eles superam o resto da equipe e, em última análise, têm a última palavra. No entanto, existem séries com diferentes níveis de diretores-Diretor Chefe, Diretor Assistente, Diretor de Episódios da Série, todos os tipos de funções fora do padrão. A hierarquia nesses casos é um cenário caso a caso. Yuushi Ibe, é uma interpretação bastante direta do ângulo da romcom que maximiza a fofura da série com sua animação animada. Se é o lado mais perturbado de Puniru que atrai você para a série, então é a energia radical e as imagens dementes do final e segundo episódio que melhor representa tudo. Os storyboards, direção e até parte da supervisão de animação de ambos ficaram nas mãos de Tetsuya Miyanishi, mais conhecido por seu trabalho em estúdios como BONES e SHAFT.
Se há uma produção que atualmente é relevante não apenas para Puniru, mas para todo o seu estúdio, seria Yofukashi no Uta de 2022. Embora a reputação do estúdio Liden seja (compreensivelmente) bastante ruim no momento, projetos como Yofukashi acumularam um grupo bastante interessante de criativos. O que poderia acontecer, então, se uma grande corporação adquirisse uma empresa para lançar seu próprio estúdio? Se por acaso eles contratassem o pessoal administrativo por trás de um título como Yofukashi, eles poderiam puxar a corda e começar imediatamente a construir em torno daquele pequeno grupo de indivíduos excepcionalmente talentosos, que por sua vez poderiam atrair seus amigos qualificados. E foi isso que aconteceu com o TOHO Animation Studio e produtor de animação Takafumi Inagaki (bem como outros ex-funcionários de gestão da Liden, como Ayana Honjou). Já recapitulamos esse fenômeno ao explicar o quarto episódio transcendente de Kusuriya no Hitorigoto, já que essa equipe também foi uma consequência direta dele.
Embora não seja um caso tão óbvio quanto alguém como seu assistente de direção da sérieDiretor da série: (監督, kantoku): A pessoa responsável por toda a produção, tanto como tomador de decisões criativas quanto como supervisor final. Eles superam o resto da equipe e, em última análise, têm a última palavra. No entanto, existem séries com diferentes níveis de diretores-Diretor Chefe, Diretor Assistente, Diretor de Episódios da Série, todos os tipos de funções fora do padrão. A hierarquia nesses casos é um cenário caso a caso. Miyanishi, a estrela multitalentosa Chinashi , também teve um papel em Yofukashi como um de seus artistas atraentes, então não foi nenhuma surpresa que ele imediatamente começou a sair com essa equipe. Ao lado dele estava o designer de personagens e diretor de animação Moaang – responsável pelo episódio de Kusuriya e seu incrível videoclipe Detarame Sekai no Melodrama—assim como outros camaradas dele como Noriyuki “eel” Imaoka, designer, diretor de animação e artista de layout do curta-metragem com tema de animação First Line . Vale ressaltar que relacionamentos como esses crescem organicamente e acabam se estendendo para além dos seus pontos originais de conexão; embora nomes como Chinashi tenham tido um efeito claro no estúdio, construindo rapidamente prestígio, Moaang também contribuiu individualmente para Puniru, e nomes como ddasang (um nome que pode ser familiar se você assistiu recentemente Look Back, já que eles faziam parte daquela pequena equipe de animadores) também assinaram contratos com a empresa.
Como você pode imaginar, há uma razão pela qual achamos que era oportuno escrever sobre Puniru agora. É mais uma vez Chinashi quem se torna sinônimo das maiores conquistas do estúdio, desta vez como diretor e storyboarder do sétimo episódio da série. Eel retorna como diretor de animação de uma equipe que é mais uma vez bastante pequena-apesar da programação ser menos tolerante do que em Kusuriya-para que eles sejam capazes de concretizar completamente uma ideia precisa. E essa visão fica clara logo de cara, com o visual mais limpo e menos pesado que Puniru já exibiu. Embora a relativa simplicidade dos designs (além de uma certa gosma) sempre tenha levado a uma estética bastante estilizada, a redução do sombreamento e as formas mais soltas fazem com que este episódio pareça diferente de o muito início.
Essa mudança no visual permite mais do movimento inerentemente engraçado que o programa já apresentava em é o melhor, embora desta vez alcance novos patamares de entretenimento caótico. Há um contraste divertido entre a comédia muitas vezes frenética e o quão bem pensadas as obras de Chinashi tendem a ser, o que também é aparente desde o início. Mami sendo tocada pela gentileza de Puniru rapidamente se transforma em suas travessuras assustadoras, que são mais engraçadas em um episódio tão atento aos detalhes; as crianças continuam brincando na poça de suas lágrimas maternais, enquanto na mesa você pode ver que estavam desenhando o lodo titular. Tudo isso ocorre enquanto um dos meninos enlouquece com seu plano fracassado de ir à praia com as meninas, o que leva a uma sequência ridícula de piadas em camadas-desde o famoso, mas divertidamente deslocado, tropo do Kirara Jump, até o fato de que um deles fica perfeitamente imóvel durante toda a cena, inclusive naquele salto.
Como diretor, Chinashi sempre teve um talento especial para retratar instantâneos de um momento no tempo. Em vez de fazer isso para fins dramáticos, como estamos acostumados, é muito agradável assistir a um episódio em que o forte calor do verão alimenta (e derrete) a comédia. Isso também serve como um motivo abrangente para conectar as histórias originalmente separadas dos quadrinhos, a maioria delas em nenhum lugar tão detalhada quanto são apresentadas aqui, como um sabor do verão logicamente conectado. Embora o anime Puniru tenha alterado um pouco a estrutura da série e, para começar, não esteja em desacordo com as adições originais, nenhum outro episódio parece tão confiante em criar uma história independente como este.
Há muito o que apreciar em seu storyboard também. Suas escolhas mais ousadas de layout, bem como a merecida confiança em uma grande equipe de animadores, ajudam o episódio a corresponder ao fator de choque das acrobacias mais malucas de Maeda-kun de uma forma que os episódios anteriores não haviam conseguido. Os quadros brincam com formas elegantes de apresentar informações, como projetar pensamentos ou objetivos em elementos físicos; o melhor exemplo é um aquário inteiro nadando em um poste enquanto Kotaro procura ingressos para um encontro planejado.
Mesmo com o foco cômico, um contador de histórias natural como Chinashi não consegue se impedir de criar storyboards de belos trechos de crescimento. Durante o dito não-um-encontro, tanto Kotaro quanto sua paixão são constantemente enquadrados em uma cafeteira. A conversa dura minutos inteiros enquanto voltamos repetidamente à mesma cena, revelando lentamente a verdade óbvia: os dois estavam fingindo ser mais adultos do que são ao tentar beber café preto. Assim que o show termina e ela pede que ele seja sincero quando estiverem juntos, o objeto que os prendeu nessa pretensão finalmente é levantado-simples, limpo e fofo, como todo esse episódio.
Ao longo de Puniru #07, você também notará o uso repetido de layouts espaçosos (não necessariamente realistas), onde personagens desenhados livremente se movem com uma sensação de profundidade. A ideia de layouts recorrentes e meio voyeurísticosLayouts (レイアウト): Os desenhos onde a animação realmente nasce; eles expandem as ideias visuais geralmente simples do storyboard para o esqueleto real da animação, detalhando tanto o trabalho do animador principal quanto dos artistas de fundo. retratar a vida cotidiana é uma técnica bem aprimorada, mas há algo particularmente engraçado no contraste deste episódio entre um conceito realista e o fato de que todo mundo é uma bolha solta. E isso resume o verdadeiro apelo do episódio, que é análogo ao de Puniru: uma estranha mistura de estilos que, no entanto, funcionam juntos.
Como na série como um todo, há bastante variedade estilística e tonal no episódio. Ele gira entre eles com uma graça que a série talvez nunca tenha tido, o que torna mais difícil perceber como sua inspiração em Fugo é tão graciosamente fofa ou enlouquecedoramente solta quanto a esquete específica exige que seja. Nunca é um desses extremos como uma negação completa do outro; mesmo quando Puniru veste um vestido de uma peça tão fofo que continua fazendo o coração de Kotaro palpitar, a cena é salpicada de detalhes mais soltos, incluindo seus movimentos anormalmente viscosos dos dedos no final. Na melhor das hipóteses, esta série sobre um slime orgulhosamente fofo é muitas coisas para muitas pessoas-talvez tantas que realisticamente não faz sentido, mas esse é o seu apelo. E o episódio de Chinashi é exatamente isso, uma amostra de como se pode traduzir o mangá em animação em um mundo perfeito. No mundo real, não podemos ter isso regularmente, mas sempre que chega remotamente perto, nos divertimos.
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