Enquanto os fãs tendem a pensar nas circunstâncias de produção como preto no branco, Frieren exemplifica como o sucesso tende a ser no mundo real: o resultado de uma gestão engenhosa, da delegação das tarefas certas às pessoas certas pessoas e soluções ingênuas para situações complicadas.
Não é segredo que a Internet odeia nuances tanto quanto adora falsas dicotomias. Os acontecimentos recentes têm produzido um discurso míope em torno da produção de anime, onde os dois títulos populares do momento devem necessariamente representar extremos opostos de uma situação a preto e branco; se Jujutsu Kaisen S2 é um projeto tão mal planejado, então Frieren deve estar em uma situação completamente abençoada, daí porque sua adaptação é tão bonita. Escrevemos longamente sobre os perigos de fazer tais suposições sobre a qualidade percebida e as condições de trabalho como espectador, e até mesmo sobre o fato de que as empresas exploram essa opacidade para encobrir sua gestão duvidosa, por isso não deveria ser uma surpresa que nenhum dos casos seja tão absoluto.
Mesmo que o cronograma nunca tenha sido favorável, a equipe de JJK2 ainda reuniu um trabalho impressionante e totalmente realizado – especialmente em seu primeiro arco. E apesar de isso ser a norma para todos em Frieren até agora, presumir que isso é uma consequência direta de ter tempo suficiente e um ambiente confortável à sua disposição é um erro. As pessoas deveriam ter mais cuidado ao pintar repentinamente o estúdio Madhouse como um local de trabalho saudável, simplesmente porque querem contrastar isso com o MAPPA, porque ainda estamos falando da mesma empresa que apenas alguns anos atrás deu início à tendência de ser processada por tratamento flagrante de sua equipe de gerenciamento.
Extrapolando a realidade para o estúdio como um todo, resultante do tratamento dado à linha de produção de Yuichiro Fukushi, também é um passo em falso, já que seu status como estrelas do estúdio lhes confere um nível totalmente diferente de recursos e disponibilidade de equipe. Mesmo se olharmos para dentro daquela tripulação, a situação pode variar bastante; para alguns exemplos recentes envolvendo muitas pessoas atualmente trabalhando em Frieren, basta olhar para os problemas profundos de seu assistente de produção. Assistente de produção (制作進行, Seisaku Shinkou): Efetivamente, a função de’produtor’de classificação mais baixa e, ainda assim, uma engrenagem essencial no sistema. Eles verificam e carregam os materiais e entram em contato com dezenas e dezenas de artistas necessários para terminar um episódio. Geralmente lidando com vários episódios dos programas em que estão envolvidos. expresso ao gerenciar seu episódio de Spy x Family S1, ou como muitos deles estavam exaustos após a mudança tardia de Sonny Boy para Takt Op Destiny. Ao presumir que o sucesso deles é garantido devido a circunstâncias positivas, você não apenas fecha os olhos para suas lutas ocasionalmente severas, mas também pode ignorar completamente como esse sucesso aconteceu.
Tudo isso é bastante relevante. para Frieren, já que muitos de seus triunfos são, em vez disso, uma vitrine de habilidade e técnica eficiente. Em nosso primeiro artigo sobre a série, já repassamos a gênese do projeto – e por mais impressionante que seja convencer os produtores da TOHO de que querem transformar seu trabalho em anime após um único capítulo, que ainda foi em 2020, tanto tempo teve que passar para acumular material suficiente para abordar seriamente a ideia. As restrições de tempo que cercam este projeto em muitos níveis dificilmente são um segredo da indústria; embora Saito tenha sido obviamente encarregado da série antes da transmissão de Bocchi the Rock , há um ano, ele ainda estava bastante ocupado com isso até o final de sua exibição, o que condicionou o progresso de Frieren.
No guia inicial oficial do anime, sua entrevista com o designer de personagens Reiko Nagasawa e o compositor da série Tomohiro Suzuki deu indiretamente algumas dicas sobre o quão rigoroso foi seu processo de pré-produção. Nagasawa explicou que ela baseou seus designs no estado atual do mangá, já que os estilos tendem a mudar notavelmente durante os primeiros pontos das serializações, antes de se estabilizarem. Ela destacou especificamente até o volume 7 do mangá, ou seja, um lançamento na primavera de 2022 para esta fase inicial do processo de design, onde ela teve que decidir o estilo a seguir. Tendo visto pessoalmente diferentes tipos de materiais de design-scripts coloridos, pranchetas e afins-recebendo a aprovação final entre o outono e o inverno daquele ano, trata-se de um processo de produção que começou em 2022, mas só foi iniciado integralmente como diretor da sérieDiretor da série: (監督, kantoku): A pessoa responsável por toda a produção, tanto como tomador de decisões criativas quanto como supervisor final. Eles superam o resto da equipe e, em última análise, têm a última palavra. No entanto, existem séries com diferentes níveis de diretores-Diretor Chefe, Diretor Assistente, Diretor de Episódios da Série, todos os tipos de funções fora do padrão. A hierarquia nesses casos é um cenário caso a caso. ele mesmo ficou livre de obrigações anteriores. E para um anime de 2 cursos muito ambicioso, isso significa que eles não tiveram tempo de sobra.
O que o tornou tão diferente de outros títulos em situações igualmente difíceis, então? Uma variedade de razões, incluindo o piso excepcionalmente alto quando se trata de técnica. Frieren tem o magnetismo não apenas de um jovem diretor querido que acaba de lançar um megahit, mas de dois produtores de animação famosos. Todos do lado de fora estão dando crédito a Fukushi, enquanto muitas vezes esquecem que Takashi Nakame está usando sua experiência teatral e maior liberdade como o segundo em comando para escolher convidados famosos que normalmente nunca estariam disponíveis para anime de TV; não é exatamente uma hipérbole, já que ele é responsável pela presença de animadores alinhados a Ghibli que não apareciam na TV há várias décadas. E não são apenas aqueles que fazem a diferença: dada essa enorme atração, esta equipe tem sido capaz de ser exigente com todos os participantes, o que é exatamente o oposto da tendência da indústria de contratar a primeira pessoa que você vê por puro desespero. Sejam veteranos confiáveis ou jovens que provaram que podem navegar no processo de produção muitas vezes obtuso, você pode economizar muito tempo e problemas simplesmente construindo uma equipe que minimizará as constantes correções no trabalho das pessoas.
Se você adicionar essa aptidão geral a movimentos específicos minuciosos, mas ainda assim muito impactantes, você pode produzir uma série que atinge muito acima de seu peso; um exemplo óbvio ao qual sempre volto é a pré-pontuação, que eles aplicaram em toda a introdução especial de 4 episódios para dar uma sensação especial, e agora está sendo implantada taticamente com muito sucesso. Sem alterar totalmente o fluxo de trabalho normal, uma equipe tão engenhosa ainda pode enviar aos animadores individuais uma gravação da trilha planejada para aquela cena específica. Isso geralmente resulta em sequências que não capturam apenas os sentimentos implícitos no storyboardStoryboard (絵コンテ, ekonte): Os projetos de animação. Uma série de desenhos geralmente simples que servem como roteiro visual do anime, desenhados em folhas especiais com campos para o número do corte da animação, notas para a pauta e as linhas de diálogo correspondentes. e roteiro, mas pode corresponder ao tom pretendido em um nível totalmente diferente por meio dessa sincronicidade com o áudio. Saber quando realizar essa façanha e a quem confiar esses momentos também faz parte da receita específica de sucesso de Frieren.
E isso nos traz de volta a Saito especificamente, porque um de seus maiores feitos neste projeto tem sido a delegação de tarefas. Como alguém que esteve muito ocupado nas fases iniciais da produção, ele simplesmente teve que encontrar membros confiáveis na equipe para estabelecer as bases para a adaptação que ele imaginou. Como também discutimos no primeiro artigo de Frieren, um dos casos mais significativos disso é Seiko Yoshioka, cujos vários créditos como artista conceitual e similares não conseguem explicar seu enorme papel no processo de construção do mundo.. Devido à agenda lotada e à sua luta para transmitir tudo verbalmente, Saito expôs os pilares de sua visão e deu-lhe espaço para imaginar todo o mundo e as sociedades de Frieren muito além dos limites do mangá original, ligando tudo isso à sua relação com a passagem. de tempo. Sejam os roteiros de cores para definir ambientes específicos, o extenso trabalho de design para solidificar os costumes das pessoas no mundo de Frieren, ou as muitas variantes de estação/idade para tudo o que ela pinta para sublinhar esse tema abrangente, a presença de pessoas como Yoshioka fez o trabalho mais fácil para todos os outros-desde um diretor que podia suspirar de alívio até todos os membros da equipe que vieram depois e receberam metas claras e tangíveis.
A localização do escudo de Qual foi representada com o imagem de aldeões criando um selo semelhante a uma barreira com pedras e dedicando-o. Esculturas em relevo de adoração à deusa estão gravadas na base das pedras.
A imagem é usada com permissão do Madhouse.
#frieren #フリーレン pic.twitter.com/Gdvw2xgik1
— YOSHIOKA SEIKO (@seiko11) 20 de outubro, 2023
Outro aspecto em que Saito confiou com sucesso responsabilidades a seus camaradas, um aspecto que tem sido bastante relevante nesses episódios recentes, tem sido a ação. Observamos que Fukushi havia apresentado vários projetos para ele de antemão, mas que Saito os rejeitou porque achou que eram muito bombásticos e não estavam de acordo com seu gosto. A verdade é que, nessa mesma entrevista à Nikkei Entertainment, Saito foi mais longe e disse que ação simplesmente não era a sua praia. Para ele, é simplesmente algo em que ele não é bom. Se não fosse pela reputação da equipe de Fukushi e pelo conhecimento de que ele teria certas pessoas ao seu redor, talvez essa proposta de Frieren pudesse ter tido um fim semelhante ao daqueles títulos descartados.
Veja bem, a incapacidade de Saito lidar com a ação é um julgamento relativo e autoinfligido. Se você olhar para sua carreira, um dos pontos mais cruciais foi Monster Hunter Stories: Ride On, a longa série onde ele estreou como storyboard e direção, além de um lugar de muito significativo reuniões para ele. Daiki Harashina, que se formou na mesma universidade que Saito alguns anos antes, passou pela mesma experiência nesse projeto-e desde então, eles têm sido inseparáveis, o que, claro, inclui Shinashina também tem um papel importante em Frieren. O animador craque nessa produção foi Toshiyuki Sato, que ainda vemos como um aliado muito importante de Saito, agora que ele subiu de nível para funções de direção da série. A amizade realmente é para sempre.
Ao contrário do que você poderia supor pelas palavras de Saito, embora não seja surpresa se você conhece esta franquia, estamos falando de alguém que se destacou pela primeira vez em uma série de aventura onde se dos principais atrativos é o componente de ação. Dadas as preferências de muitos de seus amigos, Saito muitas vezes se viu trabalhando em animes de ação, onde mostrou que consegue fazer o trabalho perfeitamente. Ótimo, até! Também é inegável, porém, que ele sempre gravitou em uma direção diferente daquela daqueles amigos bombásticos; ele preferiria, por exemplo, cenas com muitos efeitos onde pudesse explorar suas habilidades de abstração, controlar as sequências de atuação ou simplesmente receber os momentos mais contemplativos que equilibram o trabalho agitado de seus colegas. Dadas essas preferências, e o fato de os representantes da obra original lhe terem dito para não hesitar em montar um espetáculo de ação quando necessário, Saito teve que escolher as pessoas certas para o trabalho. E como vimos nos arcos mais recentes, ele fez isso. Falando nisso: todos que trabalham com Hiroki Uchiyama o chamam de gênio, então talvez eles estejam no caminho certo.
Se voltarmos ao ponto em que deixamos a série da última vez, nos depararemos com um belo resumo dos temas que os episódios #01-04 resumiram lindamente. Frieren lida constantemente com a passagem do tempo, misturando seus inevitáveis efeitos objetivos com efeitos subjetivos ainda mais significativos. Vimos o envelhecimento físico deste mundo e de seus personagens, vivenciado por um elfo que, em teoria, opera em uma escala totalmente diferente. E, no entanto, está claro para todos, menos para ela, que a viagem supostamente insignificante de 10 anos com seu antigo grupo foi uma experiência de mudança de vida, porque o peso dos relacionamentos pessoais pode ir muito além da quantidade exata de tempo que as pessoas passaram juntas.
Vimos uma bela personificação dessa conclusão no julgamento de Fern para se tornar uma maga completa, e vemos isso mais uma vez com Stark. A primeira vez que o encontramos, ele está cercado por crianças da aldeia que ele passou a valorizar, e atrás dele está um suspeito pedaço perdido de uma montanha. Embora a revelação formal só aconteça mais tarde, a própria Frieren rapidamente percebe que esses são os resultados de seu duro treinamento para proteger os aldeões – novamente, um amassado físico muito significativo na pedra, tão resistente que o próprio tempo levaria uma eternidade para afetá-lo com tanta força. Como já apontamos brevemente, o episódio seguinte estende essas mesmas ideias às cicatrizes de Stark, como marcas físicas de amor semelhantes. E por que ir tão longe? No caso dele, pode ser pelo sorriso no rosto de algumas crianças, e no de Frieren, de seu próprio grupo enquanto ela aprende alguma magia boba; novamente, esta adaptação ganha muito com o retrato muito mais diversificado e caprichoso da magia em comparação com o mangá original. Uma visão puramente objetiva do tempo nunca poderia explicar suas ações, nem fariam sentido se você tentasse ponderar racionalmente essas relações. Essa é a humanidade bela e irracional que Frieren quer retratar.
Embora tudo isso seja normal, um guerreiro que se junta ao grupo tem que ser celebrado com algum espetáculo de ação, para variar: e esse é o sinal para o diretor de ação Toru Iwazawa subir ao palco. Embora tenha conquistado a reputação de especialista em ação ao lado de camaradas como Kai Shibata, Iwazawa quase não tem experiência em liderar episódios como diretor de episódios e storyboarder. Se houvesse um lugar onde essa responsabilidade seria confiada a ele, teria que ser nesta linha de produção de Fukushi, onde ele havia recentemente feito sua estreia em tais posições-o que, no fim das contas, combina muito bem com ele.
Storyboard de IwazawaStoryboard (絵コンテ, ekonte): Os projetos de animação. Uma série de desenhos geralmente simples que servem como roteiro visual do anime, desenhados em folhas especiais com campos para o número do corte da animação, notas para a pauta e as linhas de diálogo correspondentes. leva ao confronto de Stark com o dragão que ameaçou a vila de forma bastante eficaz. No nível emocional, o jogo entre suas mãos trêmulas e as de seu mestre nos diz que ele herdou não apenas sua técnica, mas também a filosofia de abraçar o medo como um aspecto necessário ao enfrentar uma batalha. Sua caminhada pesada aumenta a tensão, e as pranchas de Iwazawa fazem um ótimo trabalho ao estabelecer a escala objetiva da batalha… apenas para traí-la progressivamente à medida que ela explode em um cenário espetacular que vai muito além da realidade física. Pessoas como Keiichiro Watanabe, Shingo Yamashita, Yen BM, Tatsuya Yoshihara, Definitely Not Yutaka Nakamura, e Hironori Tanaka foram reunidos não apenas pela competente equipe de gerenciamento de que falamos, mas também pelo próprio Iwazawa. Ninguém melhor do que um verdadeiro especialista em ação para saber o tipo de sequência que saciará o desejo de seus colegas de dar tudo de si.
Embora isso mereça muita atenção, eu estaria me traindo se Eu não gritei o resto do episódio. Para começar, as pranchas de Iwazawa são muito boas, mesmo além da ação em si; Gostei particularmente de como eles destacaram pela primeira vez as barreiras entre Fern e Stark, apenas para coloque-os na mesma página com uma simples mudança de perspectiva-simples e eficaz! Embora não tenha ação, a segunda metade do episódio é dominada por outra artista muito atraente, a diretora de animação Akiko Takase, creditada sob seu pseudônimo de Takasemaru.
É não faz muito tempo que havia temores genuínos de que ela abandonasse completamente a animação, já que ela fazia parte da Kyoto Animation durante o ataque criminoso que a abalou profundamente, mas aos poucos estamos vendo seu retorno a projetos muito específicos. Por um lado, ela tem fornecido todos os tipos de ilustrações para projetos da KyoAni novamente e, como Takasemaru, está gradualmente aceitando tarefas de animação mais padronizadas. De qualquer forma, é de natureza padrão, porque, como sempre, sua presença como supervisora muda a relação entre detalhe e facilidade de animação que todos consideram normal. É fácil perceber como o nível de complexidade dispara com suas correções, mas o mais importante, ela consegue casar isso com os cuidadosos princípios de atuação de seu antigo estúdio; não é por acaso que há uma atenção ao tecido complexo e como os maneirismos pessoais o afetam quando ela assume o cargo de supervisora, fazendo com que pareça saído de Violet Evergarden. Anime é simplesmente um lugar melhor com ela por perto para combinar ideias que normalmente parecem conflitantes. Por que não ter uma arte de atuação suave e extremamente detalhada às vezes?
Depois de um caso tematicamente coeso, mas principalmente episódico nos primeiros 6 episódios, #07-10 são o primeiro arco genuíno em as séries. Isso exige uma pequena mudança na nossa abordagem, e não apenas porque a estrutura exige que você olhe para o todo e não para episódios individuais. Apesar de todos os elogios que fiz pessoalmente a este material inicial, não considero este primeiro encontro com demônios tão tematicamente correto. Mesmo se você ignorar as armadilhas raciais do gênero, Frieren ainda não descobriu como deseja retratar os demônios; O preconceito severo de Frieren é objetivamente correto de acordo com a narrativa, mas há atrito com uma caracterização que no final sugere alguns vínculos afetivos existentes entre eles que talvez não sejam tão diferentes dos laços humanos. Embora eu não ache que o anime tenha resolvido totalmente esse problema, acho interessante como eles enfatizaram a malícia do elfo titular em alguns pontos, e não apenas para mostrar maldade; se os demônios são feras, então talvez Frieren também o seja, que é consistentemente enquadrado mais próximo deles do que dos humanos, como um ser maior, ser mais assustador. Até o sorriso dela é igual Aura’s!
Acrescente a isso o ritmo menos gracioso, e admito que não o acho tão rígido quanto o material anterior. Novamente, dificilmente algo pelo qual eu culparia esta equipe: eles foram instruídos a não tocar no diálogo tanto quanto possível, tornando mais difícil comprimir o conteúdo do mangá, e então eles tiveram que se comprometer com talvez um episódio a mais-tal é o realidade do anime de TV, onde a decisão geralmente é entre mais 24 minutos ou 0. Embora suas ideias possam não funcionar da mesma maneira e em alguns pontos eu esperava que o arco já terminasse, no seu melhor, o puro prazer e a apreciação da habilidade que obtive com esses episódios é inegável. Então, novamente, como essa produção conseguiu isso?
O arco começa com outra demonstração do poder da amizade que governa a indústria tanto quanto os próprios desenhos animados. O storyboardStoryboard (絵コンテ, ekonte): Os projetos de animação. Uma série de desenhos geralmente simples que servem como roteiro visual do anime, desenhados em folhas especiais com campos para o número do corte da animação, notas para a pauta e as linhas de diálogo correspondentes. é dividido entre Naoto Uchida, que você sempre encontrará perto de Saito, e outro camarada em Keisuke “Desuran” Kojima. O mais interessante é que na verdade é terceirizado para o novo estúdio deste último, seguindo o amistoso jogo de pingue-pongue que essas equipes jogam entre si há anos . Embora eu diga novo, na verdade ele desmembrou seu estúdio anterior em Revoroot, tendo sido reformado em torno da ideia de um fluxo de trabalho de animação eficiente usando o Clip Studio. Combine essas ideias com a familiaridade de Saito com o trabalho de Desuran, e você terá um episódio terceirizado de alta qualidade que realmente liberou muito trabalho da equipe principal; algo que você não pode considerar garantido hoje em dia, já que episódios subcontratados podem drenar muita energia para corrigir trabalhos de má qualidade ou equivocados.
O episódio seguinte é outra vitrine sólida de Tomoya Kitagawa, que discretamente foi o melhor ajudante que Saito poderia esperar. Na verdade, ele foi a primeira pessoa além dele a desenhar storyboards para a série, que de acordo com o diretor da série. Diretor da série: (監督, kantoku): A pessoa responsável por toda a produção, tanto como tomador de decisões criativas quanto como supervisor final. Eles superam o resto da equipe e, em última análise, têm a última palavra. No entanto, existem séries com diferentes níveis de diretores-Diretor Chefe, Diretor Assistente, Diretor de Episódios da Série, todos os tipos de funções fora do padrão. A hierarquia nesses casos é um cenário caso a caso. ele mesmo foi um grande desafio – afinal, nesse ponto você não tem um modelo a seguir, então ele teve que imaginar o que exatamente a visão de Saito implicava. E depois de entender isso, ele foi encarregado de nada menos que o momento da queda do título, algo que parece estar fadado a acontecer no oitavo episódio de uma série de Saito.
Se você perguntar corretamente sobre alguém, porém, eles dirão que o destaque deste arco foi o episódio 09: dirigido e storyboard de Kouki Fujimoto, que pode usar seu primeiro episódio como uma verdadeira medalha de honra. Dizer que ele estava ativo apesar de todas as novas responsabilidades seria subestimar o seu papel; ele mesmo contribuiu com muita animação para o episódio, tanto em termos de ação quanto na construção que já elevou bastante a seriedade, ao mesmo tempo que liderou o esforço em aspectos inusitados como a própria dublagem. É claro que ao longo dos últimos anos, Fujimoto absorveu ideias e instruções específicas quando se trata de criar ambientes tridimensionais para ação, e depois combinou-os com o apelo mais cru do seu próprio trabalho de linha. Se você adicionar a isso alguns momentos impressionantes de puro poder celular, você terá um episódio que parece equilibrar perfeitamente técnicas modernas com um apelo mais tradicional.
A ação que ele conceituou se destaca por parecer grandiosa em seu individual. confrontos – especialmente os dois magos disparando raios ao redor – mas também profundamente conectados e atentos. Cortar de uma explosão em uma luta para cabelos esvoaçantes em outra que está acontecendo nas proximidades, ou usar efeitos de iluminação visíveis em ambos, faz com que eles se sintam constantemente conectados; uma sensação legal e também que prepara você para uma distração em outro lugar, determinando o destino da luta restante. Essa atenção pode ir de todas as informações embaladas em meras mechas de cabelo até contribuindo genuinamente para a escrita do personagem. A expressividade de Fern é um grande desafio, já que, assim como a própria Frieren, ela costuma ser inexpressiva na superfície, então uma adaptação bem-sucedida precisa dessas maneiras elegantes de solidificar seu personagem sem explicar muito, nem mesmo visualmente. Ao ver o seu andar normal e até alguma hesitação, ligada a um dos muitos momentos em que expressou os seus sentimentos de inferioridade, a sua confiança e arrogância absoluta nesta luta atingem ainda mais forte. Se Frieren acredita em sua velocidade de lançamento, ela também acreditará. E ela fará isso ao mesmo tempo que iguala a confiança de seu inimigo arrogante.
Depois de um episódio tão grandioso, como fazer com que os espectadores permaneçam envolvidos em uma exibição muito mais contida? Esse é o dilema que o próprio produtor de animação Nakame levantou, ao observar que o número 10 tinha literalmente metade dos desenhos do seu antecessor. A resposta de Saito para este problema foi confiar o trabalho a Nobuhide Kariya, que já provou compreender perfeitamente sua visão em Bocchi the Rock; aliás, essa também foi a estreia dele, o que significa que estamos vendo aqui uma estreia espetacular seguida de uma segunda vez mostrando que está à altura. É quase como se esses jovens talentosos pudessem atingir seu potencial no cenário certo.
De volta a Bocchi, Kariya enfatizou a diversidade visual seguindo o incentivo à experimentação de Saito. Seu episódio não foi apenas uma transmissão constante de estilos diferentes, mas ele também contribuiu com a ideia por trás do o famoso zootrópio da ansiedade alguns semanas depois, destacando-se assim mesmo pelos padrões peculiares daquele programa. Frieren busca um sabor mais coeso, então Kariya se concentra em capturar a distância emocional e física, com composições que são muito boas em sugerir que algo está lá, mesmo que ainda não possa ser visto. Com isso, o episódio obviamente se desenvolve até a revelação do mana oculto, uma reviravolta divertida no estilo Dragon Ball para uma série como esta.
Embora eu não ache que tenha sido necessário dedicar um episódio completo pensando nisso, não posso culpar nem um pouco o storyboard astuto de Kariya; quem não gosta de usar classificações fisicamente desiguais para representar uma cena que fala sobre a posição social entre os demônios sendo determinada por seus níveis de poder desiguais , uma das ideias mais interessantes deste arco. Os momentos de tranquilidade após a morte de seu mestre também são alguns dos instantâneos mais lindos da vida de Frieren, mas ao mesmo tempo os mais tristes. Ela foi deixada sozinha por gerações, instruída a não se destacar, então há uma frieza até mesmo na luz do sol dessas memórias-uma frieza que leva o calor do herói para se dissipar, já que ele pode naturalmente dizer que há mais em Frieren do que sua superfície fria. Saito descreveu Frieren não como uma série sobre a descoberta dos sentimentos humanos, mas sim como a descoberta de que sempre os teve. É por isso que sua sequência de abertura termina com o alinhamento das partes do passado e do presente, e por que também foi importante perceber como ela estava entorpecida com seus próprios sentimentos. Para um arco que não adoro, esse é um final ressonante.
Você sabia que durante a reunião de animação correspondente, Kariya representou os momentos finais de Aura com um guarda-chuva, fornecendo excelentes referências para sua expressão de dor? Agora você pode se juntar a mim para exigir que tornem essa filmagem pública.
Então, no final das contas, qual foi o truque de Frieren até agora? É impossível reduzi-lo a uma receita simples que você poderia aplicar em outro lugar, mas acredito que a desenvoltura resume a ideia geral. Saito já é um diretor brilhante, não apenas no que fez pessoalmente, mas também nos passos que soube dar de volta-e nas pessoas para quem abriu caminho com eles. Embora esta produção beneficie da sua natureza de alto perfil, que lhe dá acesso a alguns recursos com os quais a maioria dos títulos nunca poderia sonhar, é simplesmente errado presumir que isso é tudo o que há para o seu sucesso. Somos uma indústria onde esforços igualmente grandes fracassam constantemente, em grande parte devido a circunstâncias externas, mas também porque não descobriram o tipo de soluções engenhosas que se tornaram a norma com Frieren. Ao falar sobre o último episódio, o próprio Nakame disse que foi bastante problemático de montar – afinal, todos eles foram problemáticos à sua maneira. Desde a agenda lotada de Saito até Kariya ficar bastante doente durante a produção deste último episódio, esta equipe teve que se esforçar para sair de muitas situações complicadas. Seguindo em frente, é provável que tudo fique mais difícil. Mas você sabe o que? Essas pessoas são muito engenhosas, então confio nelas.
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