Por demanda popular, estamos iniciando uma nova coluna com comentários mais curtos sobre obras de animação e suas artes, bem como notícias e acontecimentos gerais da indústria. Para abrir as coisas: paralelos entre os novos filmes de Hayao Miyazaki e Masayuki Yoshihara, o tema tranquilo em meio à bombástica de Frieren #06 e muito mais!
O SakugaSakuga (作画): desenho técnico de imagens, mas mais especificamente animação. Os fãs ocidentais há muito se apropriaram da palavra para se referir a exemplos de animação particularmente boa, da mesma forma que um subconjunto de fãs japoneses faz. Bastante essencial para a marca dos nossos sites. Blog lançado há 7 anos para complementar a tentativa de Sakugabooru de arquivar não apenas a animação que ressoa em nós, mas também algumas informações sobre sua autoria, que está sempre sujeita a escapar dos dedos da história. A ideia era expandir isso para uma análise mais holística da animação, examinando suas interseções com a narrativa e o trabalho para explicar por que amamos as coisas que amamos e, esperançosamente, esclarecer mal-entendidos sobre o trabalho das pessoas envolvidas ao longo do caminho. Fizemos isso por meio de ensaios, artigos de notícias, entrevistas com a equipe, entre outros. Fundamentalmente, nada mudou nesse aspecto.
O que agora é muito diferente, porém, é a maneira como tentamos transmitir isso, como bem como o discurso em torno desses temas de forma mais ampla. Não é exatamente segredo que passamos de artigos mais leves e frequentes sobre temas singulares para artigos muito extensos que, mesmo quando focados em um título específico, acabam entrelaçando tudo, desde circunstâncias trabalhistas até correntes artísticas. Por mais trabalho que isso exija, isso não vai mudar, porque, no mínimo, isso parece mais necessário do que nunca. Discussão sobre sakugaSakuga (作画): Desenho técnico, mas mais especificamente animação. Os fãs ocidentais há muito se apropriaram da palavra para se referir a exemplos de animação particularmente boa, da mesma forma que um subconjunto de fãs japoneses faz. Bastante essencial para a marca dos nossos sites. cresceu em popularidade nos últimos anos, mas também rapidamente se reduziu a gritar sobre nomes por si só, como se os animadores que trabalham em seu programa sazonal favorito fossem uma atração gacha; é degradante, pouco informativo e apenas emocionalmente vazio. Embora não estejamos tão iludidos a ponto de pensar que estamos publicando artigos que mudam vidas, nem que somos os únicos tentando conectar todos esses pontos, ainda parece a direção certa para o site.
E ainda assim, posso dizer pessoalmente que senti que estávamos perdendo alguma coisa ao deixar as coisas chegarem ao extremo atual, onde poucos títulos são discutidos; não podemos esquecer que um dos princípios fundadores de Sakugabooru foi dar o devido respeito aos momentos de brilho, mesmo em títulos que de outra forma seriam despretensiosos, se não um pouco desastrosos. Mantenho nossa decisão de abandonar as prévias sazonais regulares, porque muitas vezes se pode dizer que a maioria dos títulos será comprometida devido ao colapso dos cronogramas, mas isso também limitou a variedade de títulos discutidos aqui. Dado que alguns apoiadores do site expressaram que gostariam de algo semelhante aos seus comentários mais leves, e que também sentimos que havia espaço para isso, esta é a solução que escolhemos: The Eyecatch , uma coluna para comentários mais casuais sobre trabalhos que vimos recentemente — sejam lançamentos atuais ou não — bem como nossos sentimentos sobre notícias recentes. E que melhor maneira de inaugurar isso do que uma introdução excessivamente longa que vai contra o ponto dessas coisas legais sobre as quais temos alguns sentimentos.
O Menino e a Garça, de Hayao Miyazaki E Komada – A Whiskey Family, de Masayuki Yoshihara
Graças ao Festival de Cinema de Sitges, recentemente tive a oportunidade de assistir a dois novos longas-metragens de diretores de anime aclamados pela crítica. O Menino e a Garça, de Hayao Miyazaki, e Komada: A Whiskey Family , de Masayuki Yoshihara, são dois filmes você provavelmente não verá contraste; a reputação dos principais criadores por trás deles é muito diferente e, superficialmente, eles parecem ser tipos de filmes totalmente diferentes. E, no entanto, partilham algo fundamental: são histórias contadas por grandes veteranos nas suas áreas, tanto em conversa com as gerações futuras, com obrigações familiares, como também com o seu próprio legado. E em ambos os casos, acho que é melhor que as pessoas os abordem com as expectativas certas.
Vou poupá-los de uma dissecação completa de O menino e a garça, não apenas porque gosto da diversão o sigilo que Ghibli levou consigo, mas também porque um artigo como esse está se aproximando rapidamente; talvez dentro de algumas semanas, à medida que exames regulares começarem a acontecer em mais países. O que já sinto que vale a pena dizer, porém, é que é um filme onde o contexto metatextual irrompe da zona alegórica para o enredo real e tangível. Veja bem, Miyazaki não perdeu a capacidade de submergir o público em um mundo de fantasia que parece confiável em todos os aspectos, mas tão espontâneo e cheio de admiração em cada canto. O menino e a garça pousam com tanta confiança que você imediatamente sente que é familiar, autêntico, mas ainda assim único. Curiosamente, é aquele começo ambientado no mundo real que tem a energia mais mágica.
À medida que o filme avança, porém, a própria figura de Miyazaki acaba ocupando a tela, de uma forma que me faz sentir que poderia quebrar a imersão de quem busca justamente isso. Até certo ponto, funcionou para mim, mas o que obtive foi uma autorreflexão fascinante que parece continuar o arco que você poderia prever em The Wind Rises; embora, já se passou tanto tempo desde o último lançamento, pareça que Miyazaki passou por vários filmes que valem a pena evoluir. Se você deseja que as mãos dos criadores permaneçam invisíveis, este pode não ser o filme para você. Se você se apaixonou pela imersão perfeita de Miyazaki, isso não o deixará morrendo de fome, mas pode eventualmente atrapalhar sua refeição. Mas se você estiver interessado em saber como um criador que definiu uma era pode continuar mudando as lentes para dentro sem perder sua essência, cara, eu tenho a garça para você.
Em uma nota semelhante, acho que Komada merece um aviso – você provavelmente não deveria abordá-lo como “o próximo trabalho do diretor de Uchouten Kazoku/The Eccentric Family”. Não é apenas que a escrita de Tomhiko Morimi é inseparável do sabor dessa série, mas também que a interpretação de Yoshihara é a chave para sua excelência, e desta vez ele está trabalhando com um roteiro mais convencional. No lugar desse realismo mágico caprichoso, temos uma história prática sobre as especificidades da produção de uísque. E pairando acima dele, uma história alegre sobre como a vida afasta quase todos nós dos sonhos que podemos ter tido em algum momento, mas que pode estar ao nosso alcance canalizar aquela paixão original do local onde acabamos. Aos olhos de outras pessoas, especialmente dos mais jovens, pode parecer que qualquer pessoa que já esteja fazendo esse esforço foi abençoada desde o início – um ciclo divertido de realizações lentas que todo mundo finge até conseguir. Algumas escolhas de escrita são deselegantes, mas o cerne está no lugar certo.
Antes de assistir ao filme, pude ouvir P.A. Fundador e presidente da Works, Kenji Horikawa; a quem espero que tenha gostado da viagem o suficiente para compensar o licenciante que o fez chamá-lo repetidamente pelo nome errado. Horikawa enfatizou que seu estúdio foi fundado efetivamente no meio do nada – desculpas à prefeitura de Toyama – ao lado do diretor de Komada, Yoshihara, sem uma equipe de animação real ao lado deles. 23 anos depois, eles criaram um estúdio de anime bastante respeitável ao seu redor e, no processo, não perderam realmente o desejo de construir algo. E para conseguir isso, é preciso fazer isso com as gerações mais jovens.
Como disse Horikawa: “Em uma indústria que gira em torno de cenários de ação chamativos, queremos contar histórias que tratem dos problemas que os jovens encontrarão”. no seu dia a dia”. O filme não tem talento de atuação para fazer isso ressoar em um nível mais profundo, mas sem dúvida o aspecto mais notável de sua arte é a amplitude-ou limitação deliberada-de seus layouts. Layouts (レイアウト): Os desenhos onde a animação realmente nasce; eles expandem as ideias visuais geralmente simples do storyboard para o esqueleto real da animação, detalhando tanto o trabalho do animador principal quanto dos artistas de fundo. Se você quiser capturar os conflitos que esses jovens encontram em seus empregos, primeiro você precisa retratam os espaços físicos onde eles acontecem e também têm a capacidade de torcer seu enquadramento para que corresponda ao tom. Para um filme com animação um tanto limitada, o que ele consegue nesse aspecto é notável.
Nada disso é realmente novidade, é claro. Não P.A. A tendência de Works de contar essas histórias, melhor exemplificada pela pseudo-franquia Working Series, que inclui não apenas este novo filme, mas também filmes como Shirobako e Hanasaku Iroha. Nem sua localização física remota, nem suas tentativas (bem-sucedidas ou não) de casar esses temas com o processo de criação de suas próprias equipes de animação desde o início. Ao ouvir Horikawa sublinhar esses pontos tão especificamente de antemão, porém, tive uma ideia mais clara dos sentimentos bem-intencionados por trás deste filme. E dada a ênfase que eles colocam nisso, quase parece que eu também experimentei o uísque.
Ultrapassar!
Do jeito que as coisas estão, Ultrapassar! é o anime sazonal atual ao qual provavelmente dedicarei um artigo completo, além da cobertura já contínua de Frieren. Ele se presta particularmente bem a ser examinado como uma representação da cultura em mudança no estúdio Troyca; afinal, é um projeto de 10º aniversário que incorpora o que perdurou desde aqueles primeiros dias-representado por escolhas óbvias de pessoal com sabor de Aldnoah-mas também como sua dedicação a títulos como Idolish 7 afetou o que eles fazem e para quem se destina. Caso não traia os pontos fortes que demonstrou desde o início, mas também desde que o cansaço da produção não atrapalhe sua expressão, esta poderia ser uma série adorável e uma boa opção para nosso site-apesar de não apresentar o tipo de animação chamativa que chama muita atenção.
Deixando de lado os”e se”, ninguém pode tirar o fato de que os primeiros episódios de Overtake! são atraentes e escritos com muita elegância, de uma forma que sinergiza com o estilo house estabelecido pelo diretor Ei Aoki. A série começa com um fotógrafo que perdeu a capacidade de filmar pessoas, atormentado pelos arrependimentos de um incidente que é claramente mencionado, em vez de despejado sem cerimônia sobre o espectador; podemos inferir que ele tirou uma foto de alguém que estava se afogando em vez de correr para ajudar, que foi assediado online por isso e, à medida que os episódios passam, o programa revela organicamente detalhes mais interessantes, como o fato de que essa culpa provavelmente levou ao seu divórcio. Overtake é o tipo de trabalho que confia não apenas em si mesmo, mas também no espectador, que deve ser capaz de juntar as peças de tudo isso mesmo que não esteja totalmente explicado. No final da transmissão, certamente será, mas a entrega natural no caminho certamente tornará tudo muito mais satisfatório.
Um grande motivo pelo qual essa restrição funciona é que Aoki, também como alunos dele como Makoto Kato, adotam um estilo de direção que envolve composições visuais peculiares a serviço de muito simples, mas por causa desse storyboard fundamentalmente sólido. Mesmo em trabalhos em que eles se deixam levar e dobram os conceitos visuais descolados-muitos desses casos-esses ainda tendem a ser implantados com uma ideia clara para transmitir por trás deles; e em uma série com uma escrita tão sólida e aquela tendência contagiante para a contenção, estamos vendo um de seus exercícios mais confiantes de contar histórias. Uma coisa é ter uma estreia impressionante e outra é poder acompanhá-la com um segundo episódio lindamente iluminado que retroativamente torna o golpe anterior mais difícil, pois permite inferir o quanto aquele trauma estava pesando sobre ele. Mesmo o terceiro, mais modesto na sua entrega, mantém o mesmo espírito ao presumir que você entenderá sua hesitação em assumir uma filmagem comercial – o trauma não desaparece simplesmente em uma noite, mesmo para um indivíduo impulsivo. Tudo isso preservando alguns flashes de personagem atuação. Até agora, coisas boas!
Frieren #06
Falando em temporadas, aqui está aquela em que já cravámos os dentes. Embora Frieren tenha sido um esforço lindo e claramente de alto nível desde o início, o episódio #06 se destacou em particular pela maneira como exibe os recursos que Yuichiro Fukushi e Takashi Nakame colocaram à disposição da equipe. É apoiado pelo tipo de contribuidores superestrelas pelos quais o nerd médio da animação salivaria, e grande parte de sua energia é canalizada para ação bombástica, que também é a maneira mais rápida-o que não quer dizer menor-de ganhar reconhecimento por seu trabalho. Então, é claro, o que quero falar não é o aspecto que o tornou viral; não contrarianismo, eu juro. Em vez disso, é hora de retornar ao tema discreto, mas ainda onipresente, do tempo.
Ao falar sobre a conclusão do arco introdutório de Fern, eu disse que um julgamento em que uma criança tem que perfurar uma pedra foi um bom resumo. da tese de toda a série. Afinal, esta é a história de um elfo com uma vida quase infinita. Comparado com vidas humanas fugazes, seu próprio ser é como o de uma rocha que sofre erosão, mas em um ritmo que indivíduos diferentes dela nem conseguem apreciar. E, no entanto, essa analogia não considera a variável mais importante: as relações interpessoais e as experiências partilhadas são um acelerador incrível desse processo de deixar marcas. O erro da personagem titular quando se trata de considerar a passagem do tempo não é realmente que sua escala esteja muito errada, embora essa seja a fonte de piadas divertidas, mas sim que ela tenta julgá-la em termos numéricos absolutos e indiferentes. Isso simplesmente não vale para Stark, um covarde que pode ter “apenas” passado 3 anos nesta vila, mas ainda está disposto a dar a vida por eles. E é claro que isso não é verdade para a própria Frieren, para quem apenas 10 anos com seu grupo anterior foram uma experiência de mudança de vida.
E assim, da mesma forma que Fern conseguiu explodir aquela pedra durante seu treinamento representou muito bem o quanto significou aquele período com seus dois mestres, começamos com outro capítulo sobre essas marcas físicas. Motivado por sua apreciação pelos habitantes da cidade que o acolheram, Stark vem cortando um inteiro pedaço de uma montanha; talvez eles tenham razão sobre os partidos que precisam do poder de fogo de um guerreiro, afinal. Suas mãos, que também são usadas para transmitir a determinação e o medo que ele compartilha com seu mestre, também apresentam marcas físicas na forma como são todos feridos desse treinamento—algo que Fern chama a atenção como representante de seu amor e dedicação. Até mesmo sua cicatriz maior, infligida por seu mestre em um momento de medo, pode representar as inevitáveis experiências dolorosas de compartilhar sua vida com outros; aqueles que, apesar dos efeitos duradouros, não fazem você se arrepender de estar com eles. Frieren está no seu melhor quando conecta esses temas com visuais impressionantes, e isso é algo que ele pode conseguir mesmo em um episódio em que a atração principal é derrotar um dragão.
E derrotar um dragão. ele faz.
Novamente, essa ação é incrível, então eventualmente teremos que voltar a ela e falar sobre como uma produção liderada por um diretor que realmente não gosta desse tipo de conteúdo bombástico pode se destacar nisso de qualquer maneira. Também valerá a pena voltar à atuação atenta da segunda metade do episódio, supervisionada por alguém que não faz muito tempo pode ter considerado abandonar totalmente a animação devido a uma tragédia na vida real. Antes de dedicarmos outro longo artigo a Frieren com tudo isso e muito mais, valeu a pena destacar que havia mais no episódio 06 do que algumas lutas malucas e legais.
Sensação de 16 bits: outra camada
Embora produções extraordinárias como Frieren nos dêem inúmeras oportunidades de falar sobre elas, eu realmente tenho que me arriscar com algo como 16bit Sensation. A aparição de um certo Kou Yoshinari não foi exatamente uma surpresa; embora muitas vezes as pessoas esqueçam que devido ao seu pequeno tamanho e ao seu status de lenda viva, ele é membro do Studio Silver, a empresa por trás desta produção. O que torna isso mais significativo, porém, é que ele é o avatar perfeito para incorporar a nostalgia e o desejo do protagonista por um eroge extremamente ambicioso do passado.
A série está enraizada em experiências autênticas de desenvolvimento de tais jogos em todo o mundo. anos 90 e em uma era mais moderna, quando TWGOK Tamiki Wakaki alistou veteranos como Misato Mitsumi e Tatsuki Amaduyu para compartilhar seu conhecimento. O anime, que acrescenta um toque extra a ele com uma história original que envia um nostálgico ao passado, pode brincar com o tempo de uma forma um pouco mais solta-mas ainda assim, capturar o espírito de uma época é um grande atrativo. Desde o tecnicismo do processo criativo que o programa enfatiza fortemente, até detalhes como fumar casualmente no escritório, parece que encapsula um período específico. E, embora seja um amálgama mais amplo, o jogo com que seu protagonista sonha contra as tendências atuais não poderia encontrar melhor representação do que aquela sequência de Aninari; afinal, ele animou algumas das introduções mais sofisticadas de todo o gênero e notoriamente emprestou um trabalho semelhante a um esforço absurdamente ambicioso como a franquia Muvluv.
Por enquanto Por mais que pareça, não posso dizer o mesmo sobre a propaganda da Aniplex em todo o primeiro episódio. As cenas modernas cobertas por anúncios de seus IPs fazem sentido, visto que é uma história sobre alguém que está chateado porque a mudança para animes e jogos de telefone mais seguros asfixiou as empresas que costumavam fazer eroge ambicioso. A apresentação deles, porém, não corresponde realmente aos sentimentos dela. Isso é especialmente verdadeiro quando se trata de seu próprio quarto estar cheio de produtos para os títulos da Aniplex, apesar do texto observar que ela está farta deles; e por mais hipócrita que o otaku possa ser, não acho que sublinhar essa seja a intenção. Em contraste com a sequência perfeita de Aninari, ou o final que ele compartilha com Akio Watanabe , parece que uma equipe criativa realmente conseguiu um projeto, ao contrário das pessoas que pagaram por ele. Bastante comum!
Hirogaru Sky Precure, Kibou no Chikara e Yuu Yoshiyama
Falando em títulos, nem sempre terei a oportunidade de destacar: Yuu Yoshiyama em Precure como franquia foi tremendo; e na verdade, talvez mais um 1-2-3, já que Yoshiyama também foi responsável por Cure Butterfly e Dream arrasando no recém-lançado filme All Stars F. Antes que as pessoas de fora do Japão possam aproveitar isso, recebemos outro lembrete de que Yoshiyama se tornou sinônimo de momentos de frieza crua nesta era atual do Precure. Da mesma forma que as formas elásticas de Tatsuo Yamada foram o sinal de que as coisas estavam indo mal nos primeiros dias do Precure, e assim como artistas como Hironori Tanaka, Naotoshi Shida, Nishiki Itaoka, ou Shingo Fujii representaram, seu corpo imediatamente fica tenso quando você vê essas poses distintas.
Yoshiyama não monopolizou a franquia em da mesma forma que alguns de seus antecessores, sendo um freelancer muito requisitado em vez de um ás dedicado, mas ainda assim conseguiu reivindicar esses momentos específicos de nitidez; geralmente estrelando garotas mágicas mais velhas e legais, sem fazer nenhuma tentativa de esconder preferências pessoais. Finalizar Hirogaru Sky Precure #37 com animação pesada para um adeus emocionante também foi um toque legal: Butterfly sempre esteve no seu melhor quando animada por Yoshiyama, o que significa que ela também estava dando tudo de si para se despedir de sua aluna.
Depois de estrelar um episódio sobre a garota mágica mais velha de o grupo, Yoshiyama mudou-se para… o spinoff de Precure que envelheceu elencos inteiros. Apesar de seus valores de produção geralmente baixos – o anime NHK-e moderno em poucas palavras – Kibou no Chikara: Otona Precure 23 tem sido uma grande vitrine de comprometimento. “E se as garotas mágicas envelhecessem” é uma pergunta que poderia encontrar respostas simples, e cenas divertidas como vê-las ficarem bêbadas poderiam ser um fanservice de nível superficial se isso fosse tudo o que Kibou no Chikara existe. E, no entanto, há muito mais. Muito se pensou em como traduzir o original Sim! Os temas de Precure 5 são uma história que não é sobre crianças sonhando com o futuro, mas sobre jovens adultos se preocupando se estão realmente no caminho certo. Considerou como manifestar isso de maneiras tangíveis e relacionáveis; nunca pensei que assistiria um personagem principal de Precure enfrentando o sexismo velado no local de trabalho, mas aqui estamos nós. E a razão pela qual ela quer capturar coisas assim é que, como o filme revival de Doremi, ela está ciente de que seu público original cresceu e está procurando por algo que possa ressoar com suas lutas atuais, em vez de apenas copiando o programa que eles gostaram.
Ainda não sei para onde a série está indo, mas diante dessas lutas amargas, sei o que é incrivelmente satisfatório: Yoshiyama animando Nozomi enquanto ela reverte para sua forma mais jovem de Cure Dream e entra em fúria absoluta. Embora eu compartilhe o desejo de algumas pessoas de terem obtido a forma de uma garota mágica adulta, eu sabia que isso nunca estava realmente nos planos; o programa pode encontrar uma maneira de concluir tematicamente algo como é bom reter um pouco do seu passado, mas isso seria simplesmente uma justificativa para manter os designs reconhecíveis e comercializáveis. Se esse é o preço a pagar por uma sequência tão bem pensada e por uma animação implacável de Yoshiyama, continue!
Vídeos promocionais recentes e notícias desse tipo
Muito animado com a revelação de Dragon Ball Daima—talvez tanto quanto Akira Toriyama ele mesmo, dado o quão pessoalmente envolvido ele está com este projeto, para variar. E vendo o que ele imediatamente apontou no anúncio, parece que são motivos semelhantes que nos deixam tontos: o retorno ao corpo de uma criança para Goku (e para todos os outros desta vez) é uma oportunidade de trazer de volta sua vara, outras ferramentas e, geralmente, o tipo de coreografia de luta divertida que a escalada de poder na franquia acabou tornando irrelevante. Estou feliz com a direção que tomou esteticamente, uma direção coerente dada a equipe por trás disso, mas mais do que qualquer outra coisa, estou animado com Dragon Ball potencialmente redescobrindo algo que costumava ser um de seus maiores aspectos. A Masmorra Meshi está chegando! E com 2 cursos! Yoshihiro Miyajima é um diretor sobre o qual falamos longamente em nossa cobertura da franquia Gridman e, neste caso, sua meticulosidade pode ser um grande vantagem não apenas para evocar vibrações de terror, mas também na representação da comida-duas coisas que podem então ser contrastadas com a explosão de energia que você quase pode considerar garantida em uma produção do Trigger. Mais do que qualquer outra coisa, gostaria de ressaltar que isso já vem sendo animado há bastante tempo, então as pessoas não deveriam se preocupar com o anúncio de seu escopo, potencialmente destruindo a produção. 2 pratos parecem a quantidade certa para obter um ótimo sabor de sua culinária sem ter que se comprometer muito-embora, se acabar tendo sucesso, eu não ficaria nem um pouco surpreso se alguém pressionasse por uma adaptação completa eventualmente. Falando em coisas que estão em processo de animação há algum tempo, Masahiro Ando e a adaptação do estúdio BONES de Time Patrol Bon foi finalmente revelada! Presumimos corretamente que o projeto que Ando vinha preparando há muito tempo era um acordo da Netflix, devido ao fato que muita coisa já havia sido concluída antes de qualquer coisa ser anunciada publicamente. Depois de esperar uma revelação em um dos eventos realizados pelo distribuidor, fomos pegos de surpresa por essa revelação em um evento relacionado à Fujiko. Então, depois de toda essa espera, conseguimos… um PV que não representa realmente a estética do programa, mas mostra o 10GAUGE fazendo coisas do 10GAUGE. Um curioso ciclo promocional para um espetáculo que parece muito divertido. Mais próximos animes de BONES em Metallic Rouge, que tem recebido alguns novos comerciais ultimamente. Sabemos que ele tem senso de humor e que sua ação pode ser em maior escala do que o esperado, mas ainda não sei o que esperar dela-algo que considero um grande positivo. Yutaka Izubuchi construirá um mundo intrincado por trás dele, não importa o que aconteça, mas dependendo do que for enfatizado, pode variar de um divertido amigo policial e toku híbrido a algo com expectativas mais elevadas e um lado mais alegórico.. Eu me inscreveria em um deles ou em uma combinação deles. É rude para mim não poder assistir Totto-chan ainda.
E é isso para a primeira entrada do The Eyecatch! Não me pergunte por que nossa breve coluna de análise começa com outro longo artigo, mas pelo menos cobrimos uma variedade de tópicos conforme pretendido. Da próxima vez, poderemos abordar outras coisas sazonais dignas de nota; a dinâmica mutável de Spy x Family, a herança SHAFT de Undead Unluck, Kusuriya finalmente fazendo sua estreia, certos títulos com uma produção problemática, mas incrível destaca que devo finalmente recuperar o atraso e sabe-se lá o que mais; ou melhor, você pode saber o que mais, se estiver ciente dos outros títulos que tenho assistido ou pelos quais demonstrei interesse. É claro que isso inclui títulos não sazonais, que imagino que assumirão o controle à medida que as produções atuais infelizmente secam. De qualquer forma, até a próxima!
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