O terror é um gênero amplo com muitas facetas. Para alguns, são simplesmente fantasmas e monstros – o sobrenatural e o incognoscível. Para outros, é mais psicológico – os aspectos distorcidos da alma humana e o terror que nela nasce. E para outros ainda, é apenas pura violência gráfica – sangue coagulado que nos atinge em um nível visceral. Esta temporada de Halloween marca a ocasião perfeita para sentar e assistir alguns dos melhores animes de terror que existem – e a equipe da ANN está aqui com nossas recomendações!
© Nippon Television Network Corporation
“Você sabe qual é a emoção mais primitiva que as pessoas têm? é? É medo.” Essa memorável linha de diálogo, proferida com alegria desnecessária, é o que está no coração horrível e anatomicamente correto de Death Parade, um thriller psicológico de destaque. Combinando tropos clássicos de terror com intriga sobrenatural e um conceito desenvolvido de ficção científica da vida após a morte, Death Parade merece um lugar em sua lista de observação da temporada assustadora, mesmo 10 anos após seu lançamento.
Quando os convidados chegam ao Quindecim, o luxuoso bar em estilo art nouveau que serve de pano de fundo para grande parte da Death Parade-eles não se lembram de nada. Mas o espectador rapidamente descobre um segredo trágico: é porque eles não estão mais entre os vivos. O choque da transição de um estado de vida para a morte é tal que eles não só não se lembram de acontecimentos importantes das suas próprias vidas, como nem sequer percebem que estão mortos. Cabe aos árbitros, como o barman Decim, convencer os hóspedes a jogarem jogos de bar com suas vidas em risco: situações extremas para provocar reações extremas em seus convidados, ou como Decim chama, “a escuridão de suas almas”. Só então Decim poderá completar o seu verdadeiro trabalho: determinar se cada convidado será recompensado com a reencarnação – ou condenado à eternidade no vazio. Death Parade não é tanto assustador quanto inquietante, desconfortável e perturbador. A elegância do bar do Decim colide incongruentemente com a natureza horrível de seus jogos de salão. Alvos de dardos que representam órgãos vitais. Bolas de boliche que contêm corações humanos batendo. Uma mesa de air hockey enfeitada com caveiras sorridentes. Confrontados com esses jogos de pênaltis mortais, os personagens rapidamente revelam sua verdadeira face. O design do personagem é um fator importante aqui: rostos expressivos com bocas largas sorriem ou fazem caretas rapidamente; olhos reveladores podem brilhar de malícia ou dilatar-se de horror. O retrato caleidoscópico das emoções humanas em Death Parade sugere a fragilidade de nossa compostura e sanidade. Talvez estejamos todos a apenas um jogo mortal de revelar nossos lados sombrios.
Death Parade teve origem em um premiado projeto estudantil, Death Billiards, antes de ganhar sua própria temporada em 2015. Mesmo uma década depois, é imperdível. Tem uma sequência de abertura imperdível que retrata uma alegria de viver exuberante que só um anime sobre a morte poderia retratar. Mas mais do que tudo, Death Parade é único. Sua história fica na intersecção entre terror e ficção científica/fantasia, o que torna um desafio categorizá-lo, mas também o torna excepcionalmente memorável. As intrincadas regras que governam a vida após a morte poderiam classificá-la como fantasia sombria, enquanto as tragédias ineludíveis da expectativa de vida interrompida dos convidados se enquadram em uma definição mais clássica de horror. E mais: Death Parade também pode ser bastante engraçado! O humor se encaixa melhor do que você esperaria: desde que as pessoas existem, fazemos piadas sobre a morte para aliviar o desconforto de sua inevitabilidade. Entre os jogos mortais, a construção do mundo (ou devo dizer a construção da galáxia?) E os arcos de personagens surpreendentemente desenvolvidos, considerando o curto tempo que temos com a maioria deles, há muitas partes móveis nesta temporada única de 12 episódios – mas nunca parece exagerado. É um olhar fascinante e assustador sobre as voltas e reviravoltas labirínticas da psique humana, oferecendo um vislumbre inabalável da humanidade no que há de mais redimível – e de menos.
—Lauren Orsini
Outro
© 2012 Yukito Ayatsuji∙KADOKAWASHOTEN/Team Another
Há espaço para debate se Another é um bom terror ou não. Definitivamente, ele comercializa alguns ângulos exagerados: o uso de bonecos articulados, algumas das formas de morte do elenco e talvez até todo o conceito de uma maldição lançada em uma classe específica causada por alunos bem-intencionados que não conseguiram lidar com a morte de seu colega de classe são pelo menos um pouco cafonas. Mas ainda há algo especial neste programa para mim, e eu diria que os elementos campistas ainda são bem usados, reunindo a história de uma forma que a faz funcionar. É maior que a soma de suas partes.
Isso não é surpreendente, visto que os romances originais vêm da pena de Yukito Ayatsuji. Sua boa-fé misteriosa é impressionante, principalmente seu romance The Decagon House Murders. Escrito no estilo de Agatha Christie e homenageando seu romance de 1939, And Then There Were None, o livro é um triunfo em seu gênero. Embora Outro não chegue às mesmas alturas, ainda podemos ver a influência de Christie na história – o mais importante, em como você pode resolver todo o mistério se prestar atenção aos primeiros cinco minutos. (Isso também se aplica a And Then There Were None.) Na verdade, eu diria que Outro é uma versão de terror do clássico de Christie: a busca desesperada por um culpado escondido à vista de todos, o uso de bonecos que refletem as estatuetas de soldados no livro de Christie e a perversão de um vestígio de infância (a tentativa da classe de lidar com a morte de um colega de classe), tudo isso remonta aos elementos clássicos da Era de Ouro do Mistério. A diferença é que desta vez o sangue está ali para vermos. Mas realmente, um guarda-chuva na garganta é tão diferente da aparente morte pelo papel de parede? (“O Gerânio Azul” em Treze Problemas) Só é bobagem se você não sabe de onde vem.
A beleza do Outro está em seu desdobramento. Não é tanto o que acontece, mas quando e como acontece, nas falsas sensações de segurança que se abatem sobre os personagens em vários momentos, a frustração de que tudo está bem ali se eles pudessem virar a cabeça do jeito certo e ver o que realmente é. A ideia de que algo bom, uma tentativa de homenagear um amigo morto, pode ficar tão ruim pode ser um clássico de vários gêneros, mas funciona aqui por causa dos truques da Idade de Ouro que a escrita usa. Pode não ter as qualidades viscerais de Higurashi: When They Cry ou o assustador conto de fadas reescrito de Magnetic Rose, mas ainda é um dos meus favoritos em seu gênero.
—Rebecca Silverman
© 2001 Kouhei Kadono/MediaWorks/Project Boogiepop
Eu me considero um fã de terror cosmopolita. O espaço para variedade e criatividade no gênero abre-o para uma ampla gama de permutações, e acho que a maioria delas tem seus méritos. No entanto, se eu tivesse que escolher um modo favorito de terror cinematográfico, escolheria exemplos lentos e psicológicos. E poucos animes usam esses adjetivos com mais orgulho do que Boogiepop Phantom.
O maior trunfo do Boogiepop Phantom – e a razão pela qual ele permaneceu comigo por quase duas décadas – é seu domínio exato da atmosfera. Com a possível exceção de seu contemporâneo Serial Experiments Lain, nenhum outro anime evoca o mesmo sentimento de pavor silencioso no fundo do meu peito. Sua paleta suave, efeito de vinheta persistente e ambiente urbano combinam-se em uma experiência singularmente claustrofóbica. Isso também é apropriado, dada a sua predileção pelos cantos sombrios das interioridades de seus personagens. É um visual que parece estéril e irritantemente íntimo e, nesse sentido, Boogiepop Phantom é provavelmente o mais próximo que qualquer anime chegou de capturar o estilo de Kiyoshi Kurosawa na época de seus clássicos de terror Cure and Pulse.
Reassistir Boogiepop Phantom também me fez perceber o quão pouco eu lembrava de seu enredo. Isso não é uma crítica; pelo contrário, é um reconhecimento da sua apresentação deliberadamente obscura. Esta é a continuação de um romance leve que não li, apresentado de forma não linear através de uma rede labiríntica de pessoas e relacionamentos. Como que para enfatizar essa sensação de mistério, o personagem titular existe apenas como um sussurro de boato durante a maior parte da estreia. A narrativa se concentra apenas em conectar seus fios na segunda metade da temporada, então não me culpo por não ter percebido tudo na primeira vez. Além disso, eu diria que uma sensação de estar perdido cabe ao anime. Ao manter o público no escuro sobre suas maquinações maiores, o show nos força a focar primeiro nos detalhes menores e mais importantes.
O verdadeiro terror de Boogiepop Phantom deriva de seus temas e de como eles ainda parecem atuais. Muitas destas histórias enraízam-se num profundo cinismo sobre o estado da sociedade moderna. As pessoas sentem-se isoladas e afogam-se na nostalgia, ou fazem de tudo para procurar outras formas de escapismo, muitas vezes através de meios violentos. Embora possamos estar um quarto de século afastados da sua transmissão original, estas ansiedades repercutem até aos dias de hoje. “My Fair Lady”, o episódio de que me lembrava com mais clareza, ainda me surpreendeu com sua história de ilusão, vício, misoginia e autodestruição viciados em tecnologia. Embora originalmente escrito sobre namoro sims, hoje ele reflete as histórias de terror que li sobre ChatGPT com uma precisão assustadora. Talvez, no mínimo, Boogiepop Phantom não fosse cínico o suficiente.
Eu adoro essa desolação, no entanto. Isso torna a série mais assustadora, o que é mais relevante para o tema deste artigo, mas também acredito que o tom do programa deriva de um envolvimento sério com os efeitos observados do desenvolvimento tecnológico, das dificuldades económicas e do pânico social da viragem do século. No espírito dessa seriedade, Boogiepop Phantom também não tenta fornecer respostas simples. Diz-nos apenas que não podemos permitir que o passado, o presente ou o futuro dominem sozinhos o nosso espírito. Seguir em frente – como indivíduos e como humanidade – exige que rompamos os limites da nossa visão limitada. Não devemos olhar o mundo através das mesmas lentes míopes que esses personagens olham. Caso contrário, seremos todos assombrados.
—Steve Jones
© 2024 KADOKAWA/P.A.WORKS/MAYOPAN PROJECT
Então você chegou até aqui na lista e já sei o que está pensando:”O que é uma comédia bastante recente e alegre como Mayonaka Punch fazendo contra o terror corporal, o mistério do assassinato e o Apocalipse literal? Ok, sim, entendo que existem vampiros, e isso é assustador o suficiente, eu acho, mas ainda assim, não há nada assustador sobre Mayonaka Punch! Mas, caro espectador, você estaria muito, muito errado, de fato. Qualquer pessoa que já tentou criar conteúdo para a Internet sabe que há MUITAS coisas assustadoras neste programa: Criar títulos indutores de cliques para SEO! Tentando desesperadamente monetizar seu canal! Ter que lidar com comentários e desgostos tóxicos! Criando mukbangs dignos de crimes alimentares! E o mais assustador de tudo: ter que lidar com o algoritmo do YouTube! Se isso não assusta você, então não sei o que acontecerá.
A loucura? De alguma forma, tudo isso parece muito, muito divertido no mundo de Mayonaka Punch. Quem fez isso entendeu todos os pequenos horrores kafkianos que podem entrar na criação digital, e que melhor maneira de tirar sarro deles do que transformá-los em uma comédia da vida? Ao contrário do seu YouTuber favorito, ninguém no Mayonaka Punch fica com os olhos mortos na frente do computador, navegando pelos feeds em busca de inspiração. Todas as suas tentativas estúpidas de fama viral são feitas com uma alegria maníaca que é contagiante-você não pode deixar de torcer por Live e sua gangue de capangas vampiros enquanto eles tentam comer montanhas de alho ou fazer Jackass! acrobacias em pontes.
O humor e a premissa não são as únicas coisas que tornam o Mayonaka Punch excelente. Eu absolutamente amo o OP do anime. É um bop e meio que viveu na minha cabeça sem pagar aluguel desde o seu início. Pode até pertencer aos meus cinco OPs favoritos neste momento. O esquema de cores é uma mistura macabramente berrante de vermelhos escuros, roxos, azuis e pretos e, ao lado da elegante mansão gótica em que a gangue Mayonaka Punch reside, captura exuberantemente os visuais de terror sem realmente ser horrível. Há até um episódio delicado sobre seguir suas paixões musicais que bateu mais forte ao assisti-lo novamente, especialmente agora que peguei o violão novamente para praticar tudo o que deveria ter aprendido há cinco anos (olá, varredura!).
A troca de sustos de Mayonaka Punch em favor de risadas encapsula perfeitamente aquele lado peculiar e campista do Halloween. Assistir a sua longa duração foi amor à primeira vista para mim, e mal posso esperar pelo dia em que a segunda temporada será lançada.
—Jeremy Tauber
Akira
© 1987 AKIRA COMITTEE
Simplificando, Akira é uma lenda. Este sucesso absolutamente icônico, que está entre nomes como Star Blazers e Robotech como indiscutivelmente os títulos mais comuns que você normalmente ouvirá fãs de anime mais velhos dizerem que os levou ao anime em primeiro lugar (notavelmente, este inclui Greg Ayres), é um clássico por um motivo. Vários motivos, na verdade. Na verdade, a influência deste filme – dentro e fora do anime – não pode ser exagerada. Você pode derramar uma tonelada de tinta de cores vibrantes falando sobre os enormes impactos culturais e artísticos deste filme, mas hoje não estamos aqui para uma aula de história. Em vez disso, vamos falar sobre o que torna esse produto básico do cyberpunk uma boa escolha para algo que deixe você com um clima assustador.
Eu sei o que alguns de vocês estão pensando: sim, poderíamos ficar sentados aqui o dia todo e discutir sobre se Akira conta ou não como um filme de terror e, por extensão disso, se é ou não digno de sua grande maratona de filmes de Halloween. Mas sabe sobre o que não poderíamos debater? Como eles não fazem sangue e terror corporal como faziam nos anos 80? A hiperviolência estava na moda, e nada vende isso da mesma forma que galões de sangue e vísceras grossos, de cores vivas e meticulosamente feitos à mão. E Akira leva isso até 11 em sua reta final. Seu momento mais gráfico (correndo o risco de estragar alguma coisa, vou chamá-lo apenas de “aquela coisa que acontece que começa com o braço de Tetsuo”) é mais do que nojento o suficiente para deixar sua pele embrulhada e seu estômago embrulhado. Então, basicamente, mesmo que não seja um filme de terror, ainda é – até certo ponto – um filme de terror. Então, por esse motivo, para o bem desta lista, isso conta.
Não é de admirar que o terror corporal combine com Akira como uma luva feita de carne com um bando de rastejantes assustadores correndo logo abaixo de sua superfície superior. Mais do que a maioria dos outros subgêneros de terror, o terror corporal geralmente vive ou morre de acordo com a qualidade de seu visual. E Akira é um dos maiores de todos os tempos quando se trata de animação de qualquer tipo. Cada um dos seus mais de 160.000 cels é uma obra artística em si. Independentemente de como você se sente em relação ao resto do filme, não há como negar a genialidade visual e estilística que está constantemente em exibição (literal) em Akira. E acontece que as mesmas mãos capazes de produzir muitas das melhores e mais deslumbrantes paisagens urbanas do anime até hoje são igualmente capazes de criar alguns dos horrores corporais mais grotescos aos quais o olho humano já foi submetido. Simplificando, Akira é o padrão ouro quando se trata de terror corporal em anime.
A má notícia é que sim, você tem que esperar até os últimos momentos deste filme de 2 horas para ver todo o terror corporal em toda a sua glória que causa náusea. A boa notícia é que Akira é um filme brilhante no geral, então será um tempo bem gasto em um dos mundos mais maravilhosamente animados e frequentemente referenciados do anime. Akira é geralmente considerado um item obrigatório para os amantes (de estômago forte) do cyberpunk, da culinária dos anos 80, do anime ou da animação em geral-e para ser claro, é. Mas se o tema do seu filme assustador de Halloween é terror corporal, então Akira, igualmente notável e revoltante, deveria estar no seu radar.
—Kennedy
Higurashi: When They Cry Season 1
© 2006竜騎士０７／ひぐらしのなく頃に製作委員会・創通
Há algo no meio que torna difícil fazer um verdadeiro terror de anime assustador. É fácil criar cenas sangrentas e animar lutas brutais contra monstros babacas, mas ao contrário do terror de ação ao vivo, há uma desconexão inata entre as imagens pintadas e a vida real. Portanto, embora existam muitos animes com tema de terror por aí, poucos que vi poderiam ser considerados verdadeiramente perturbadores. Exceto Higurashi: When They Cry.
Baseado em uma série de “sound novels” (romances visuais com predominância de som, sem caminhos de história ramificados) do escritor de Silent Hill F, Ryukishi07, ao longo de várias temporadas de TV e OVAs, Higurashi: When They Cry compreende cem episódios no total. Embora as temporadas posteriores tenham seus detratores, sua primeira temporada de vinte e seis episódios (2006) é quase universalmente elogiada pelos críticos como um marco no terror de anime. Higurashi: When They Cry se passa na fictícia vila montanhosa japonesa de Hinamizawa e segue os infortúnios de um grupo de amigos em idade escolar, enquanto eles são torturados e mortos várias vezes em um loop de tempo que se repete indefinidamente. O show é quase implacavelmente intenso, sombrio e infundido com um ar penetrante de paranóia sufocante. Quase qualquer um poderia – e o faz – tornar-se um assassino. Talvez um de seus aspectos mais assustadores sejam os designs de personagens profundamente perturbadores. Quer sejam deliberados por parte do Studio DEEN ou não, os traços faciais disformes das crianças pequenas, com olhos implausivelmente enormes e bocas e narizes estranhamente posicionados, apenas contribuem para a atmosfera de injustiça, especialmente durante as cenas de violência muitas vezes doentia. cena da unha”. Qualquer pessoa que acidentalmente rasgou uma unha ou teve algo preso embaixo dela pode estremecer ao reconhecer que o abuso das unhas é uma forma de tortura particularmente desagradável. Nesta cena, a adolescente de cabelos verdes Mion, a pedido de sua poderosa família, força sua irmã gêmea idêntica, Shion, a colocar a mão em uma engenhoca de aparência brutal e a avulsionar traumaticamente as próprias unhas em penitência por se apaixonar pelo garoto errado. A cena está quase completamente desprovida de sangue e sangue coagulado, exceto pelos pregos arrancados de suas camas. Não existem monstros, nem terrores sobrenaturais, nem serial killers. Apenas obrigação familiar e coerção. Fechar os olhos também não diminui o poder da cena, pois não importa se assistida em formato dub ou sub, os efeitos sonoros e os gritos angustiados de Shion são quase insuportáveis de experimentar. O que é ainda pior é que o sofrimento de Shion não resulta essencialmente em nada. Embora ela seja “perdoada” pela família, o mesmo não pode ser dito do objeto de seu afeto. É uma cena devastadora e dolorosa em um show repleto deles.
—Kevin Cormack
© Comitê PSYCHO-PASS Licenciado pela Fuji TV através da FCC para Funimation® Productions, LLC. Todos os direitos reservados.
Existem todos os tipos de assustadores. Salte sustos que fazem você gritar, aqueles assustadores, arrepios nas costas, horror psicológico, grotescos violentos, monstros de fantasia e monstros da vida real. Depois, há o assustador em que você se encontra acordado às 3 da manhã, olhando para o teto, bem acordado, agitado por um horror persistente pela terceira noite consecutiva. Esse é o susto que você fica com a 1ª temporada de Psycho-Pass, de Aya Fukuda, Gen Urubochi e Makoto Fukami.
Esta temporada combinou vários elementos de terror comuns – temos nossa IA fora de controle padrão do pântano como base, um pequeno serial killer leve com um hack de sistema para um sabor reconhecível e um estado policial em que a liberdade pessoal é limitada como cobertura. Mas o que me manteve acordado à noite foram os horrores muito mais reais e insidiosos. Foi, especificamente, uma cena que destacou o efeito espectador, com um toque de ficção científica, mas não foi a distopia que aterrorizou.
A cena vive vividamente na minha memória. Uma mulher é agredida em público, rodeada de pessoas que não conseguem registar a violência que testemunham. Era uma cena bem animada de uma mulher deitada na calçada de uma área comercial lotada sendo espancada até a morte enquanto ninguém fazia nada. Ser uma mulher perseguida por alguém enquanto ninguém parece notar. Há um velho ditado sobre o namoro heterossexual que diz que os homens temem ser ridicularizados e as mulheres temem ser mortas. Muitas mulheres sofreram assédio e até mesmo agressão em locais onde deveria haver ajuda. Portanto, há uma reação de tensão física e emocional a essa cena que você pode não assistir, e é de fato absolutamente crítica para a história, enquanto ninguém faz absolutamente nada.
Eu não conseguiria pensar em nenhum cenário mais horrível nem se tentasse. Monstros fantásticos, sons no escuro, eles falam sobre algo primordial em nós. O horror psicológico brinca com a dissonância entre o nosso cérebro de lagarto e a lógica adulta moderna que insistimos ser nossa. Sabemos que esta coisa não pode violar as regras da física e da natureza; no entanto, temos medo de que isso aconteça, ou que seja.
Mas o Psycho-Pass envolve o sistema límbico de várias maneiras. Ao preparar-nos para querermos ordem e paz, ao colocar-nos ao lado da polícia que entende que a liberdade de algumas pessoas deve ser sacrificada para criar segurança para as massas, quando o sistema corre horrivelmente mal, só podemos assistir impotentes, como um espectador solitário que vê o ataque, mas não consegue gritar por ajuda.
Para um susto que dura dias e ainda deixa algumas marcas mesmo anos depois, recomendo a 1ª temporada do Psycho-Pass. Por que apenas a 1ª temporada? Porque, com toda a morte e terror que ainda me dá pesadelos, Makoto Fukami nunca machucará suas lésbicas.
—Erica Friedman
© 2017 Como seres humanos, temos um medo primordial do desconhecido. É um dos sentimentos mais básicos que informa nossas ações, tanto na sociedade civilizada quanto em nossas escolhas mais cruas e animalescas. Ironicamente, também somos estimulados a perseguir o desconhecido – a mergulhar nele e a explorá-lo para satisfazer a nossa curiosidade, mesmo contra a voz interior que nos grita que não precisamos de saber. Foi assim que inúmeras descobertas foram feitas e ainda mais vidas foram perdidas. Talvez a coisa mais assustadora sobre o desconhecido seja a sua imensurabilidade expansiva: por vezes, o que nos espera na escuridão em que mergulhamos não é o alívio de algo superável pelo espírito humano ou o crescimento pessoal obtido através da luta. Às vezes, o que está lá embaixo é ainda pior do que poderíamos imaginar.
Made in Abyss é uma série de anime sobre o desejo primordial de mergulhar no desconhecido. Riko está nominalmente procurando respostas sobre o desaparecimento de sua mãe, enquanto o robô Reg tenta descobrir suas próprias origens. Mas esta busca muito humana pelo conhecimento é temperada pelo que eles já sabem sobre o Abismo: a forma como ele engole, esmaga e deforma não apenas o que põe os pés dentro dele, mas o que ousa tentar voltar depois. Riko e Reg, antes mesmo de começarem a descer no início da história, aceitaram tacitamente que não vão sair daquele maldito buraco e, mesmo que o façam, não serão os mesmos. “Não vai voltar a ser como era antes.” Sua representação angustiante de descer ao desconhecido é o que torna o horror de Made in Abyss tão potente, mesmo ao lado de seus outros acessórios de anime, como cenários de ação, linda construção de mundo e coisas estranhas de pervertido (e realmente, coisas estranhas de pervertido são seu próprio elemento de reserva da mídia de terror, então é totalmente apropriado). Mesmo enquanto os personagens fofinhos ficam maravilhados com o que está por vir, o show nunca se esquiva do fato de que esta paisagem infernal em um buraco pode e irá matar qualquer pessoa nela sem pensar duas vezes. Ele eleva esse sentimento a verdadeiros níveis de terror em entradas como o décimo episódio da primeira temporada, que retrata as consequências mutiladoras do corpo por ser muito descuidado com os tipos de criaturas que vivem neste pesadelo afundado. Mostra o que acontece com a reação desesperada de Riko e Reg com crueldade casual de uma forma que faz sua boca secar e seus olhos se fixarem na tela. Apesar das armadilhas fantásticas, é um terror muito verossímil e identificável.
Por mais naturalmente assustadoras que sejam a flora e a fauna do Abismo, a série deixa duplamente claro que as pessoas, os seres sencientes que de alguma forma fazem seu lar nesta coisa, devem ser ainda mais temidos. A imponente Ozen é uma força opressora e imponente que ameaça as crianças para um treinamento de endurecimento da alma, e ela é ostensivamente uma das ocupantes mais legais. É a moral fria e distorcida de Bondrewd que mostra os verdadeiros pesadelos que as pessoas podem infligir aos seus parentes. O que ele faz com Nanachi e Mitty em flashback prepara o terreno para que os abusos sejam vistos. Se você precisar de um filme especificamente para sua maratona de filmes de Halloween, você pode colocar Made in Abyss: Dawn of the Deep Soul para experimentar o pavor corrosivo de sentir que algo horrível vai acontecer a alguém nas mãos de Bondrewd antes do fim. Você e os personagens terão que carregá-lo por muito tempo.
Há aquela sensação de seguir em frente, de perseverar em Made in Abyss e seus horrores, mas é agridoce diante de tudo o mais que é jogado contra essas crianças fofas. Mas é precisamente isso que torna a série tão potente e tão perfeita como experiência do medo como emoção. Cada pequena vitória de um passo dado enquanto se mantinha vivo apenas traz Riko, Reg e Nanachi para outra camada mais estranha, assustadora e incognoscível do que a anterior. A história explora aquela emoção humana primordial que nos leva a explorar até mesmo o mais sombrio dos horrores, tanto dentro quanto fora da história: onde nos agarramos ao assento com suor e apreensão, compelidos a ver o que está por vir, mas com medo de fazê-lo, precisamente porque não sabemos o que é.
—Christopher Farris
© Ao falar sobre um bom anime de terror e quais programas realmente chegam perto de serem dignos do rótulo, Sinto que o horror das crianças costuma ser esquecido na conversa. Claro, as restrições de ser adequado para crianças significam que você não pode obter nada tão gráfico quanto um terror voltado para adultos, mas a contenção nem sempre precisa ser uma coisa ruim e, às vezes, você pode tornar algo mais assustador por meio de implicação, em vez de mostrar algo explícito. Esse é o caso de Digimon Ghost Game, que, apesar de raramente mostrar uma única gota de sangue, consegue ser assustador de maneiras que podem induzir pesadelos em crianças e adultos.
Comparado com muitas outras entradas de Digimon, que tendem a ter um grande enredo abrangente, Ghost Game é uma série muito monstruosa da semana com uma fórmula simples. Nossos heróis, Hiro, Ruli e Kyoshiro, investigarão algum distúrbio paranormal e, depois de descobrirem que esse distúrbio foi causado por um Digimon, geralmente lutarão contra eles com seus próprios parceiros Digimon até descobrirem que o Digimon em questão estava apenas agindo maliciosamente devido a um mal-entendido de como as coisas funcionam no mundo humano. Às vezes, esse mal-entendido será um médico Digimon mumificando pacientes depois de aprender sobre múmias na TV, e outras vezes as crianças podem ter que lidar com Digimon que são predadores famintos ou assassinos em série, com o mal-entendido sendo que essas criaturas de outro mundo não veem nada de errado em atacar humanos ou outros Digimon. Independentemente de quão ameaçador o Digimon da semana realmente acabe sendo, suas ações antes de qualquer resolução são quase sempre interpretadas como horror, e o show aproveita bastante delas. Um Digimon que gosta de esculpir rostos de abóbora pode parecer perfeitamente inocente, mas é uma história diferente quando disse que Digimon coloca abóboras na cabeça das pessoas antes de cortá-las, e somos brindados com fotos POV de suas vítimas vendo constantemente uma faca vindo em direção ao seu rosto enquanto elas só podem olhar com terror.
Embora o formato episódico do programa signifique que nem todo episódio é um vencedor no departamento de terror, quando acontece, atinge e pode proporcionar alguns cenários verdadeiramente perturbadores. Um bom exemplo disso é o episódio “Whispers of the Dead”, que mostra Kyoshiro assombrado por um Digimon em busca de um amigo para se juntar a ele na vida após a morte, e tendo que evitar suas repetidas tentativas de matá-lo por meio de acidentes aleatórios, com basicamente todos eles encharcados de tanta tensão quanto possível para vender o conceito. Outro episódio, “Cannibal Mansion”, mostra o parceiro de Ruli, Digimon, Angoromon, se reunindo com um velho amigo apenas para descobrir que o amigo ganhou o gosto por comer humanos e está tão viciado nisso que eles não têm escolha a não ser derrubá-lo, o que torna o horror igualmente trágico e enervante. My personal winner for its most frightening episode, however, is “The White Bride,” which sees a group of mushroom-themed Digimon kidnapping brides to harvest mushrooms from their bodies for their own consumption. As strange and creepy as that sounds by itself, it’s nothing compared to the image of seeing these women having mushrooms violently plucked from their bodies, which is played so disturbingly straight that the fact this episode made it onto a Sunday morning timeslot without any notable pushback remains one of life’s greatest mysteries. If anything is holding this show back as a great piece of kids’horror, it’s that the show lacks an English dub as of this time of writing, which severely limits its ability to reach its target demographic in English-speaking territories. That said, if you’ve got a kid who’s okay with reading subtitles and nothing here sounds too scary for them, or you’re an adult who’s down for some quality spooky kids’fare, this show has plenty of frights to offer.
—Jairus Taylor
